談到英國知名的建築師，除了擅長展現建築力學與美學的大師Norman Foster、以流線建築聞名的建築女帝Zaha Hadid，及勇於實驗建造方式的新生代建築師Thomas Heatherwick，獲《時代》雜誌評為2017年百位最具影響力、同時也是唯一建築師的David Adjaye，近年也因打造融合文化底蘊、富有人文關懷的建築，為建築界帶來不可忽視的新力量。而近日英國建築領域權威「RIBA 英國皇家建築師協會」，宣布 David Adjaye將被授予2021年「英國皇家建築師學會皇家金獎」殊榮， 這也是協會首位非裔建築師獲此肯定。

生於坦尚尼亞的Adjaye，曾隨著外交官父親居住於埃及、葉門和黎巴嫩等地，9歲開始定居於英國。從倫敦皇家藝術學院的建築研究所畢業後，Adjaye於1994年成立工作室，並在2000年重新成立建築事務所Adjaye Associates。談到生長背景對建築專業的影響，他認為體驗多個城市的生活，深深影響他對建築或世界的看法。「但真正影響我的不是那些人造之物或建築的美，而是建築能改變社會的力量。」Adjaye在知名設計網站designboom受訪時分享。

賦予建築隱形的力量

Adjaye打造的知名建築，包含非裔美國人歷史和文化博物館（National Museum of African American History and Culture）、莫斯科斯科爾科沃管理學院（Moscow School of Management SKOLKOVO），以及黎巴嫩貝魯特的當代美術館（Aïshti Foundation）等。他在內斂的建築語彙中，融合深層的人文思考，這讓Adjaye在2016年倫敦設計節中，榮獲沛納海獎（Panerai London Design Medal）首獎，與曾經獲頒此獎的Zaha Hadid、Paul Smith和Thomas Heatherwick等建築師、設計師擁有同樣殊榮，也被評審盛讚為「年輕世代的啟發者」。而繼2007年獲頒大英帝國勳章後，Adjaye更在2017年獲英國皇室頒發騎士爵位，足見他在建築領域的貢獻與影響力。

藝術是建築前進的靈感

除了建築，Adjaye從早期便時常與當代藝術家合作，包含為藝術家Chris Ofili作品「The Upper Room」塑造的展示場域，利用光線營造如教堂般的寧靜空間，此系列作品後來永久收藏於倫敦泰特美術館；而後他們再度合作打造藝術裝置「Within Reach」，並在2003年威尼斯雙年展的英國館展出。另外在2005年威尼斯雙年展上，Adjaye也為Olafur Eliasson作品「Your Black Horizon」設計展館，他利用黑暗的空間烘托燈光藝術，讓展覽現場成為一處寧靜的沉思場所。

Adjaye對設計的嘗試，透過與藝術的跨界合作，展現創新的思考，在他的建築中，更可看到諸多光影運用、雕塑般的設計，對他而言，藝術與建築有著密不可分的關係，「雖然科技也對建築有不小的影響，但是藝術卻能賦予建築不斷向前邁進的靈感。」他說。

人文關懷 最好的建築語言

Adjaye以關注人與環境的互動，及充滿社會、歷史關懷的設計哲思，被喻為富涵人文關懷的建築家。又以設計公共建築如圖書館、博物館聞名，例如他位於倫敦社區的多功能建築Idea Store Whitechapel，結合圖書館與成人學習空間，為當地居民提供多元的學習場域。打造這項建築時，Adjaye從人們在空間內的互動關係、建築與社區的關連切入設計，並以鮮明的藍、綠、透明玻璃面板作為建築外觀，讓充滿朝氣且更具開放姿態的建築，佇立於繁忙的市場中。完成後的Idea Store Whitechapel，使用人數增加為四倍，而社區老人與小孩在這裡停留的時間更長，也增加彼此互動的機會。

其他在華盛頓地區打造的兩個圖書館，也利用設計讓建築融於周圍環境，並開創更貼近社區居民的學習場域。例如位於公園內的弗朗西斯格里高利鄰里圖書館（Francis A. Gregory Neighborhood Library），兩層樓的建築立面由鑽石般的玻璃外牆組成，鏡面的建築外觀結合大屋頂，宛如公園裡的展覽館。白天陽光透過玻璃灑落室內，並可看到窗外綠景，模糊了室內外界線。

另外位於Bellevue地區的William O. Lockridge圖書館，Adjaye順著斜坡地勢打造由幾何量體組成的建築，藉由大面積玻璃立面和木格柵，創造充滿自然光線又能適當阻隔日曬的空間。Adjaye認為圖書館是社區內富有能量的建築，同時也是社區居民獲取知識的燈塔，「讓公共建築為社會帶來正向的作用，我認為這就是建築師的工作。」Adjaye接受知名設計網站designboom專訪時分享。

用建築重新觀看社會與歷史

2016年完成、位於華盛頓廣場的非裔美國人歷史和文化博物館（National Museum of African American History and Culture），而這座建築也獲得2017年Beazley Designs of the Year年度總體大獎與年度建築類獎項，舉辦此獎的倫敦設計博物館評審，更盛讚此博物館為建築界的「重要轉捩點」。這座經過多年呼籲籌建而終於落成的博物館，主要希望能藉此空間，傳遞歷史中不可漠視的非裔美國族群文化，完成後的博物館藉展示相關文物、照片等，呈現出非裔美國人的歷史、藝術和生活等面向。

以空間創造多元對話並挑戰主流

地下五層、地上三層的博物館建築，包含展館、表演空間、辦公室等。外觀由彷彿是三層倒立金字塔疊加的量體，放置在玻璃基座上，形成皇冠造型的設計。建築最外層，以過去非裔美國人的裝飾性工藝鐵件為靈感，在有繁複線條的鋁材質面板漆上古銅色，與附近的白色建築形成對比。步入室內，參觀者還可隨著灑落的日光，以及由混凝土、木材質和玻璃組成的寬廣空間內，感受歷史的今昔變化。前往地下樓層，Adjaye特地將此打造為沉思空間，其中一處結合自然光的落水池，透過水流意象和落水聲，似乎也洗滌了參觀者沉重的情緒。博物館的整體設計，以光影與材料的安排，塑造出一個感性的場域，正如Beazley Designs of the Year評審對這座博物館的評價：「Adjaye創造多元的對話，並且成為能挑戰主流政治論述。」他不僅提供一個回望歷史的視角，也試圖藉建築引領大眾思考人與時代間更深層的反思。

重新看待時代與地區文化視角的建築設計

當地建築特色的砌石建築，提供當代非裔藝術家展覽的場域。為拉脫維亞當代美術館（Latvian Museum of Contemporary Art）設計的建築，靈感來自傳統波羅的海地區的木造民宅，Adjaye在屋頂設計多個稜角，用以支撐當地大量積雪，並結合玻璃面板，讓極光為美術館帶來更壯麗的氛圍，此建築將於2021年完成。除此之外，Adjaye在紐約的第一棟住宅摩天大樓130 William，將於2020年完成。這棟建築跳脫一般摩天大樓的玻璃帷幕設計，建築外牆上運用混凝土材質，呼應這個充滿歷史的商業城市。Adjaye認為建築師因為打造建築，有更多機會參與這個世界，因此也有責任建構這個地球的模樣。他的建築提供大眾重新觀看時代、地區文化的視角，且以更包容、關懷的心胸形塑多元的建築設計。

Text / 陳岱華 

圖片提供 /  Adjaye Associates

疫情趨緩開啟了國境，日本設計旅宿在去年（2023）接連有令人眼睛一亮的話題新作！無論是小巧精緻、眺望代代木公園的新型態酒店TRUNK（HOTEL）YOYOGI PARK，或是俯視東京天際線的奢華酒店BELLUSTAR TOKYO，不約而同出自芦沢啓治之手。他攜手丹麥跨領域設計工作室Norm Architects，為空間添上「家」一般溫暖、不逐潮流的經典。時隔多年，這位主張「誠實設計」的日本建築師在短暫訪台之際，再次與La Vie分享多年來的設計實踐。

在台灣，芦沢啓治常為人所知的可能是Blue Bottle藍瓶咖啡的商業空間建築師，或創辦隨東日本大震災復興而生的DIY家具品牌「石卷工房」。事實上，他所涉足的設計領域遠超過於此。職歷鐵鋼製作所super robot實際參與商品製造過程、累積對材質的認識與興趣，他在2005年創設自己的建築設計事務所，更同時在家具、燈光照明等小尺度產品設計展現熱情。官方網站自介中寫道：納含在「空間」這個載體內，事務所都可以進行設計。

「比起建築體本身，將建築物包含在內的『場景』更加重要。」芦沢啓治用電影導演的視角類比，在設計中運用環境風景敘述故事背景，畫面中的某些物件細節亦會隱含情節的轉折，這些都是相互呼應而連貫的，無法拆解個別而成立。設計也是如此，建築外觀的表與室內的裏、家具的材質與照明的強弱，一一都回應著以使用者為出發點的敘事論述，因而他不是來回切換建築師、室內設計師或產品設計師的角色，而是以更為綜觀全貌的導演視角，想像最終的畫面逐一到位成形。

誠實設計者要是做正確決策的專家

因建築涉及的設計層面較多，有時不同領域各自關注的細節也會有所相斥，貫徹設計的核心思想就顯得無比重要，芦沢啓治提出的答案正是「誠實設計」（正直なデザイン／Honest Design），一種設計傳遞訊息的方式，或說是透過設計實踐的概念與想法，將設計與社會、環境議題相結合。

芦沢啓治認為設計應作為一個高度社會化的工具，經由誠實設計理念，所有的設計都可以一體完成，而正確設計會對社會有所裨益：「建築在完成的瞬間就成為『公共財產』，因為體積龐大，是誰也無法忽視的存在，也因此說建築是『為所有人而設計』，一點也不為過。」這也是他總是強調，比起創造炫目外型、媒體爭相報導的「設計」，建構一 個讓所有使用者都能安心而持續使用的空間，才是他的目標。

誠實設計聽起來似乎有些理想化，實際應用會是什麼樣子呢？芦沢啓治說，其實就是回歸到設計者本身，去考慮若是自己會購買與使用的物件設計為何，撇除個人喜好，進而思考真正能夠長久使用的設計。「對於設計師來說，弄清楚我們正在做的是否是正確的設計（對社會有益），誠實和正確之間是否有些微差異？反覆自問自答的過程是相當重要的。如果不這麼做，就很容易提出只是稍作外型修改的設計了。」

邀請人們進入流動的生活場景

舉日本橫濱的藍瓶咖啡港未來店（Minatomirai Cafe）為例，這是芦沢啓治與長期合作的丹麥Norm Architects，為日本老牌木家具製造商Karimoku所監製品牌「Karimoku Case」的第二個企畫，建築空間本體像是個透明的玻璃盒子，座落在一個平凡無奇的公園內、廣場上的活動也極少。

芦沢啓治從經營層面切入，在此基地條件下，光是將店內打造成為舒適的空間可能還不夠，「如果可能的話，我也想設計一下廣場。當廣場被設計得漂亮時，人們會更願意光臨這個區域。」在他的眼中，看見的不只是「設計一家咖啡館」，而是讓人們可以來到咖啡廳稍作休息或於此工作，再回到舒服公園的「生活場景」。

因此芦沢啓治客製化設計可堆疊的戶外家具，延續咖啡館內以圓形吧台為中心，創造出一種從室內擴散至戶外的景觀設計，並將環境因素考慮進室內家具的細節中，成為一整體的體驗。建築玻璃箱中的圓形長椅、桌子、椅子，再呼應到公園外的圓形長凳，無形中加強與店鋪空間更深層意義上的連結，歡迎來到此處的人們進入這場流動的生活電影。為了解決公園不屬於咖啡館的管轄範圍，工作人員每天早上都會在店外放置長凳，將它們融入現有的藝術品和行道樹環境，創造一個與周圍景觀相協調的咖啡館空間。

這確實使整體空間變得更富有在地特色的樂趣，也引發了內外空間的共振。同時，從設計者的角度出發，提出這樣的創意正是設計工作中的重要任務， 這需要豐饒的想像力和對空間的深入理解。芦沢啓治認為誠實設計不是追求極簡乾淨，也不是追求華麗驚艷，「而是設計如何適時適地運用在問題的解決與創造之上，我們的工作就是理解空間可以實現什麼。設計師不僅僅是思考或定義物品的形狀，要在思想上有所作為，我們對於所建立的世界觀應該更全面地提出建議。」

細節中獲得靈感，不斷自問設計的意義

翻閱芦沢啓治網站與社群平台上的作品照，即便影像中無人，卻總能透過整體配置巧思感受到使用者存在的蹤跡。對於這發現，他的微笑爬上臉頰，解釋一般空間攝影經常會使用廣角鏡頭，運用樓梯跟窗戶的布局構圖帶來高大與寬闊之感，「但這並不是我看待空間的方式，我期望大家是將目光集中在細節之上，例如這張單椅坐下來是否舒適，咖啡邊桌上會放著什麼樣的書，我會把這些枝微末節安排適當，不需要過多解釋。」

芦沢啓治說，「我們常從非常小的細節中獲得靈感，通過累積這些小細節，從中創造出空間。就像美國建築師、家具設計師Charles Eames曾說過，細節才是創造空間的關鍵。」這些靈感並非突然湧現，而是以先前經驗累積為基礎上創造新的細節，設計者會針對各種狀況的應對深思熟慮，確保空間不會對使用者產生排拒或是不合。

家具除了是建構房屋空間的基本元素，更是為了居住者而生，而避免過分追求時尚和潮流正是Karimoku Case的理念，除了多間各具特色的藍瓶咖啡分店，2023年最新揭幕的Bellustar Tokyo於高空200 公尺之上打造遠離喧囂的旅居。而同年延續與Norm Architects、Karimoku的合作，另加上日本木家具品牌Ariake，共同設計東京市中心的TRUNK（HOTEL）YOYOGI PARK，給予旅人療癒和刺激的空間，也與代代木公園活躍、時髦的風采融為一體。

而長年著重在地製造（Made Local）、深耕地方的石卷工房，也自2020年起推出旅店企畫「石卷Home Base」，在在展現家具的設計、角色與功能性如何豐富人們的生活方式，如何以有用的方式為空間而存在、為人所理解，進而擴及到對於製作生產端耐久性、提升國產木材的使用率、減少資源浪費等等思考，是將設計與社會、環境議題相結合的實踐。「對製造和建築規劃做出堅定的承諾非常重要，但我們也必須認真考慮這是否有任何用處。」芦沢啓治最後說道，「誠實」不僅僅意味對自己誠實，還代表著嘗試設想建築和設計應該是什麼樣子，並且每天自問、探索何謂「誠實設計」，而他會持續地進行下去。

芦沢啓治（Keiji Ashizawa）

1973年生於東京。2005年創立芦沢啓治建築設計事務所，擁有建築師、產品設計師、家具設計師等多重身分，小從家具，大至建築空間皆注入「誠實設計」理念，誠實面對素材特性加以設計。不僅廣泛應用於國內外設計合作中，亦積極於社會參與，如東日本大震災復興而生的「石卷工房」、期間限定Gallery「DESIGN小石川」等，皆為超越領域界限、非制式的設計實踐。

^{企劃｜吳哲夫　文｜劉祥蝶}

^{攝影｜楠瀬友将、Jonas Bjerre-Poulsen、Sebastian Stadler、Tomooki Kengaku}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/3月號《建築自然系》

近年談到日本建築，似乎不可忽視一股「自然系」的設計流派。在此才結束2023年威尼斯建築雙年展日本館策展的新生代建築家大西麻貴與百田有希，親身分享他們一路走來的建築思考。而我們也透過他們的眼睛，透視日本文化中，建築為何與自然緊密相依。

走進2023年威尼斯建築雙年展日本館，館外園圃上方覆著一片淨白的織布網格遮頂，讓陽光隨風投下斑斕而搖曳的光影，1樓有個小巧的溫泉陶池，上方懸著的小陶石彷彿隨著氤氳的蒸汽輕輕由中庭洞口飄上充滿日照的通透展間，感官上如此輕盈。

日本館的策展主題《追求受人喜愛的建築》（Architecture, a place to be loved）由新一代日本建築家大西麻貴+百田有希（o+h）策劃，1樓的木質吧台和工作坊為人們提供交流的場所與親近日本老與新工法的場域，並在2樓展示日本建築如何與大自然緊密相連。

兩人分享，「由於雙年展會場很大，人們經常沒有足夠時間慢慢品味每件作品，感受陽光和風穿過空間的美好，透過展覽創造能夠與訪客互動的機會，希望使他們與日本館產生共鳴，共同思考『受人喜愛的建築』（愛される建築）到底意味著什麼。」

將建築視作生物，如面對生命體般呵護

對大西與百田而言，建築不只涉及建體空間本身，更要將周圍環境甚至城市囊括進來。如他們的早期代表作「二重螺旋之家」（2011）中，盤旋建築外的木質樓梯讓通往私領域的路徑成為建築體驗的延伸，街景映入眼簾。

周遭環境與建築體驗融合的概念也可在日本傳統茶室文化找到，兩人解釋，「茶室的建築體驗包含從屋外的等待、移動至屋舍入口後鑽過躙口進入茶室的整套過程。這意味著建築體驗不僅止於建物本體，而是從街區到庭園，再到建築內的一連串過程。」

談及日本傳統文化，建築與外界自然環境的界線素來曖昧，這成為日本當代建築實踐中一種頗具代表性的樣貌。他們說明，這與傳統文化中的泛靈論（アニミズム）密切相關，人們認為大樹、岩石、爐灶等萬物都有神靈依附，因而將物體視為一個個生命體，尊重其存在的價值與本質。

「在日本潮濕多雨的氣候下，人們必須每天進行打掃和修復等維護工作，才能延長建築壽命。（日本）偏好通風良好、通透舒適空間的美感價值觀，並不只成立於建築本身所呈現的樣態，更是透過人們與建築的互動關係，日積月累下才誕生的。」

這次在日本館展出期間，他們與當地工作人員充分溝通這分源於日本傳統的理念，當他們更投入在每日維護、向遊客導覽的過程中，無論自己或訪客都能感受到因認同展場所溢發的生命力。

當初打造展館的建築師吉阪隆正曾說過「所謂的創作，就是將生命注入其中」，而大西與百田延續了此概念，希望人們與「牠」互動，從中加強關係。他們將建築看作是有生命的生物，如同對待孩子一樣加以培育。

「這跟我們面對孩子時，不會單就其角色或能力去衡量他們的價值是一樣的，面對建築時也不該只看它的機能性，應該以開放的態度接受它的個性，並包容不完整或未完成之處，期待在愛護、培育下所產生的變化。」

早在o+h創立之初，2006年、在長野縣森林的千之瀧的別墅提案中，兩人就開始秉持這樣的思考，當時他們自問：是否有可能讓建築像林中的鹿和貓頭鷹一樣存在？牠們融入環境的靜立姿態啟發了浮空設計。快轉到現在，正在進行中的2025大阪世界博覽會（Osaka Expo 2025）休息設施，計畫打造一個外觀如動物皮毛、讓人的五感都能感到舒適的場域。「透過將建築視為生物而非人造物的方法論，可以重新理解建築與人之間的關係。」

對話中，感受建築與自身的連結

談起日本近代建築團隊如SANAA和Atelier Bow-Wow，經常是由雙人、不同性別組成。大西與百田從大學時期就並肩作戰，已然發展出明朗輕快的對話創作模式，他們分享，「由兩位建築師組成的團隊能使設計過程充滿對話性和能量，不論任何想法，透過交換意見來發展設計方案。」

兩人因不同的發展路徑而更有所激盪，曾在普立茲克建築獎大師伊東豊雄事務所工作約5年的百田提到，「伊東先生善於運用語言激發創造力，當面對不同意見時，會如鐘擺般在論點間搖擺，思考如何融合互相對立的事物觀點，會議中也經常拋出如『什麼是會呼吸的建築？』等引人深思的問題。」這令團隊成員能各自多方探索可能性。

向來是獨立活動的大西，表示不免羨慕百田師徒制般的近身經歷，她則是在一路上的合作中，拾起不同人顯露的智慧，像是學生時代從指導教授竹山聖學到如風般靈活優雅的生活態度、於伊東豊雄身上知曉作為建築師的美好，現在也從同在橫濱國立大學教書的西澤立衛（與妹島和世共理SANAA）身上看見另一種以建築理解世界的觀點。

o+h的設計正始於對話，這並不止步在大西與百田兩人之間。「如果要建造一座長存於城鎮中的公共建築，我們希望讓當地居民參與過程，使其真正成為地方發展的一部分。」

他們提到「Good Job！Center香芝」（2016）是創作上的重要轉折，委託方蒲公英之家在地活動50餘年，致力協助身心障礙者透過藝術與工藝發揮創造力，「我們可以如何設計空間，讓身處其中的人們能自然而然承認和珍視彼此的差異？從那時起，這成為我們在設計公共建築時必須考慮的問題。」這些思考的痕跡，也可在他們近期收穫2023年日本建築學會賞的「山形市室內兒童遊樂場Copal」（2022）中見到。

而在施造「多賀町中央公民館」（2019）的過程中，他們定期舉辦地區會議「多賀交談所」、自主學習會，邀請居民、市政府職員等一同參與，也挖掘在地飲食文化、進行山區林業工作訪談，還與身心障礙人士一起舉辦紡織工作坊，許多在完工後仍持續進行。而由於這些建築從設計過程開始就極具互動性，其他事務所成員、工程師與當地居民、營造者也能自由參與在自然對話中，思考並親身感受建築與自身的關聯。

讓建築成為大家共有的存在

這些時間、這些對話是非常珍貴的，不僅幫助o+h全面理解地方與案例，並讓社群在面對困難時，有力量共同克服。在專訪前，日本才歷經能登半島震災。這座島國素來與台灣一樣同災禍共存，「與其奮力對抗災害，倒不如敬畏自然的力量並與之和諧共存。」大西與百田認為社區與建築的關係在日常中就要注重培養，即便發生災難，也能仰賴正向積極的力量重建家園。

此時，社區的交流場域就顯得至關重要。「這樣的場所必須要讓無論是嬰兒、老年人或是身心 障礙者，每個人都能隨時隨地自由參與，而地方社區居民也能自行運營。」他們說明311地震振興計畫「Home for All」一環、與伊東豊雄共同合作的「東松島兒童之家」（2013）就是以此為目標。

他們坦言，在2011年的311地震之前，曾認為建築更多關乎個人創造力，「可現在我們想要挑戰的是，如何從個人出發並超越個人，使建築成為大家共同擁有的存在。」

「我們開始從事建築工作沒多久就遇到2011年的東日本大地震，因此深刻體會到思考建築本身外，同時也須與當地居民交流，而創造與土地歷史深深相連的建築是何等重要。」

在2023年竣工的「熊本地震紀念館KIOKU」，開窗和屋頂的方位設定刻意朝向阿蘇火山外輪山與火山口，由建築內部就呼應到遠處景觀，創造跨越場域範圍的空間感官。建築材料多源自附近阿蘇與山鹿地區， 與當地兒童一同拋光的人造石招牌，在在提醒人們面對災禍的記憶，以及社群共有的情感與韌性。

談到未來計畫，鹿兒島縣正面臨人口老化與外流，原本散布櫻島上的8所中小學將統合為「櫻島義務教育學校學校」。他們正為此進行設計，通過名為「書本通道」的走廊相互連接，錯落的分區空間設計向周遭開放，空間更創意靈活了，也讓學校成為像家一樣的地方，「我們希望學校不只是一個學校，也讓整個櫻島成為可以學習的場所。」

無論自然與社區都成為了教室，而對於大西與百田來說，建築是人與社區、與自然的情感連結點，建築是如此讓人心愛的地方。

o+h大西麻貴+百田有希（onishimaki＋hyakudayuki）

創立於2008年。大西麻貴和百田有希兩人在就讀京都大學期間組隊參賽，以千之瀧的別墅提案（2006）得獎前便開始合作關係。代表作品有二重螺旋之家（2011）、Good Job！Center香芝（2016）、山形市室內兒童遊樂場Copal（2022，獲2023年日本建築學會賞）等。擔任2023年威尼斯建築雙年展日本館策展人。

^{文｜高綺韓、吳哲夫
攝影｜吳哲夫、Kai Nakamura、Takumi Ota、Yoshiro Masuda、Yuma Harada
圖片提供｜Copal、o+h、The Japan Foundation}

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