2024農曆年間，台灣社群被年菜和電影《可憐的東西》（Poor Things）洗版。戲中艾瑪・史東（Emma Stome）披著過腰的黑色長髮、身著維多利亞時代服裝穿梭各地，雕塑感澎袖、蕾絲荷葉邊、打褶裙擺⋯⋯與她身後的奇異城市景觀相映成趣。

這個遊走於虛實之間、充滿拼貼美感的世界，由導演Yorgos Lanthimos與電影美術指導James Price、Shona Heath構思而成，當中藏有許多呼應角色性格的設計思考，以及從名畫、名建築汲取的創作靈光，且讓我們一一拆解。

亮點整理

 ❍ 200頁的設計檔案，充滿名畫家給的靈感

❍ 導演說「盡量別用CGI」

❍ 在布達佩斯造4座歐、非城市

❍ 倫敦｜從角色的個性出發，在倫敦索恩博物館找點子

❍ 里斯本｜援引建築師Ricardo Bofill風格，拒絕「一致性」

❍ 船｜用細節構築海上巨籠

❍ 亞歷山大｜用微縮模型呈現一座人間煉獄

❍ 巴黎妓院｜充滿惡趣味的「復古夜總會」

❍ 創造新美學的野心——「用當今技術製作一部1930年代風格電影」

  以下內容含大量劇透，請慎滑！  

一場19世紀末的怪誕冒險

《可憐的東西》背景設定在19世紀的歐洲，外科醫生葛德溫（Godwin Baxter）偶然在河濱找到一名瀕死的漂亮女人，並對她進行移植手術，展開一場醫學實驗。從此女人有了新的身份——貝拉（Bella Baxter），外表看似是成熟女子，心智卻是懵懂的嬰孩；平時只在貝克斯特大宅內生活，凡事都聽醫生的，對門外的世界一無所知。然而，一切在醫學院學生麥克斯（Max）和風流男子鄧肯（Duncan）的出現後有了變化，貝拉踏上一場探索世界的旅程，用孩子般純淨、無畏、充滿好奇的眼與心觀察、感受世界，建立屬於自己的生活。

以家鄉倫敦為起點，貝拉走過里斯本、亞歷山大、巴黎，途中還被騙上一艘大船困在海上，最後輾轉回到倫敦。在設計場景時，James Price與Shona Heath貼合劇本超現實、怪誕的調性，並從貝拉的人物設定出發，試想一個「孩子」眼中的世界會是什麼模樣？

200頁的設計檔案，充滿名畫家給的靈感

兩人第一步先與導演對焦，取得幾位畫家的創作風格當線索，包含16世紀荷蘭名家Hieronymus Bosch，他以複雜的構圖著稱，常透過惡魔、半人半獸、機械等形象，描繪人類世界的罪惡與道德沈淪；以及20世紀初期的愛爾蘭畫家Francis Bacon，他的畫中常見扭曲的人類輪廓，如惡夢中所見的暴力、幽暗景象，帶有極為黑暗的視覺張力。

佈景中也洋溢荷蘭版畫藝術家艾雪（Maurits Cornelis Escher）的構圖風格，被譽為一代錯覺藝術大師的他，將幾何元素、變形結構玩得淋漓盡致，擅長在平面中創造多重空間的錯覺，像是一名對觀眾的視覺施以詭計的魔術師。最終，這些腦力激盪的成果匯集成一曡約200頁的設計檔案，成為《可憐的東西》世界的基礎。

導演說「盡量別用CGI」

這些超現實想像，聽來很適合用電腦繪圖（CGI）技術表現，但導演希望盡可能少用電腦特效，用貼近真實的形式呈現。於是佈景團隊在拍攝地布達佩斯，搭建一系列臨時建物，搭配眾多手繪背景、微縮模型、LED螢幕等，配合強迫透視攝影手法，在畫面中構築一個充滿立體感、層次感、沈浸感的奇幻世界。

舉例來說，電影開頭貝拉跳河的那座塔橋，還有亞歷山大城的人間煉獄場景，實際上是微縮模型，後者大約有15公尺那麼長（聽來不「微」，但相較於真實的城市尺度的確非常小，可以想像成在「小人國」裡見到的景觀）。另外，貝拉在大船甲板上看到的風景，其實是一面彎折LED幕牆上的投影；她所見的天空，不是你我頭上的這片，而是佈景團隊為她特製的。

更燒腦的是，為了滿足不同鏡位、角度的拍攝需求，設計團隊必須研究約4種不同尺度的製作物，比如拍亞歷山大城的全景時，得用微縮模型，才能一次讓觀眾看見全貌、感受整體氛圍；拍特寫又得換成符合真件大小的物件，才能把細節拍得清晰；不僅如此，還必須考量到所有製作物擺在一起的視覺效果能否達到平衡。

在布達佩斯造4座歐、非城市

看到這裡，你或許已經猜到貝拉不只擁有特製的天空，還有人們為她特製的城市——電影中的倫敦、里斯本、亞歷山大、巴黎，還有貝克斯特大宅、行駛於海面的大船，其實都在布達佩斯。這工程到底有多浩大？James Price向《The Wrap》透露，「我們一度預估匈牙利四分之三的施工人員都在參與這部電影的製作。」

接下來，我們就以倫敦的貝克斯特大宅為起點，仔細閱讀每個場景。

倫敦｜從角色的個性出發，在倫敦索恩博物館找點子

這座宅邸不只是貝拉的生活空間，也是她的「再生父親」God的家。這位外表如科學怪人、醫術精湛、以理性科學家自居的外科醫生，會住在什麼樣的房子裡？James Price與Shona Heath試想，執著於醫學實驗的God，會不會把動外科手術時切割、拼接身體器官的那一套，挪用到自己的家中？於是「拼接」成為大宅、甚至是全片的視覺主軸，設計團隊將蒐集到的建築、藝術、材質等素材，盡可能地切割、重組，最後形成一個衝擊視覺的空間。

坐落於倫敦霍本（Holborn）的索恩博物館（Sir John Soane's Museum）成為主要的靈感來源，這裡在曾是英國建築師約翰・索恩爵士（Sir John Soane）的住宅與工作室，現則展示上萬件他所收藏的19世紀繪畫、古董、藝術品等。設計團隊從博物館內蒐集了呼應《可憐的東西》時代背景的元素，結合「拼接」概念，並考量主角的性格，著手打造貝克斯特大宅——飯廳典雅的英式餐盤牆，旁邊卻掛著冰冷的巨大金屬吊燈；紋理豐富、濃厚的牆面，與一旁極其平整、光滑的階梯形成對比；屋裡散落許多器官外型的裝飾；家裡佈置許多軟墊，避免「嬰兒」貝拉在家中受傷。

黑白畫面重紋理，彩色畫面有寓意

電影開頭在倫敦的場景，導演Yorgos Lanthimos選擇用黑白影像呈現，起初設計團隊並不知道這個想法，但在製作佈景的過程中，常常接收到要將製作物的「質地」與「紋理」做得更強烈、濃重、鮮明的要求。事後回想，他們才領悟這是配合黑白畫面的必要修正，畢竟少了色彩的指引，物件的紋理就必須跳出來，讓畫面的立體度、對比感更加鮮明。

畫面在貝拉踏上探索之旅後轉為彩色，設計團隊力求佈景斑斕、繽紛，與倫敦時期的黑白形成強烈對比，凸顯主角「解放」前後的經歷與心境轉折。

里斯本｜援引建築師Ricardo Bofill風格，拒絕「一致性」

里斯本是貝拉冒險的第一站，在這裡懸吊電車行駛於城市上空，經過如遺跡般的石柱和拱門、葡式花磚和雕花鐵建裝飾的復古家屋；黃磚路和有機的大理石牆突然出現一座奇幻的水族箱，襯著粉紫色的浪漫天空，大大拓展了貝拉對世界的想像。

上面提到的一切，都被收束在長達51公尺、高18公尺的巨型佈景中，由匈牙利在地雕塑家團隊與劇組一同打造。James Price形容電影中的里斯本像座「主題公園」，其樣貌參考了大量的建築樣式，包含西班牙建築師Ricardo Bofill之作，這位以打造夢幻粉紅堡壘「La Muralla Roja」而廣為人知的大師，擅長拼貼幾何元素，總是把真實世界的建築蓋得如夢幻電影場景、AI生成的超現實畫面，彷彿將烏托邦帶到現實。

Ricardo Bofill式的活潑、繽紛、出奇不意，為《可憐的東西》版本的里斯本帶來許多驚喜，「人造佈景容易做得制式，因為這樣更方便作業，但我們盡量避免讓畫面中有一致的元素，」James Price與Shona Heath想藉此刻畫出一座城市的真實感，多元而複雜。

船｜用細節構築海上巨籠

在里斯本被騙上船的貝拉，瞬間從多彩、鮮豔的世界墜入幽暗。為了呼應劇情，這艘開往雅典的船得像是一個海上的「大籠子」，而貝拉就是被困在裡頭的小動物。大廳裡尺寸大得離譜的吊燈，還有大理石地板上那幅老虎正在殺死山羊的畫面，都讓人感受到強烈的壓迫感，幽閉又恐怖。

亞歷山大｜用微縮模型呈現一座人間煉獄

急著脫離束縛的貝拉，跟著新朋友離船來到了亞歷山大。在這座城市雖只短暫停留，卻對她造成深刻的影響，因為她目睹了熾熱的人間煉獄。

真實世界中的亞歷山大，是座位於埃及的港口城市，城內坐擁世界奇景之一的亞歷山大燈塔，自帶暖調濾鏡的歷史古蹟與湛藍海景相襯，形成獨特景觀。不過在《可憐的東西》中，亞歷山大被轉變為一座孤島，以長達15公尺的微縮模型呈現。

貝拉眼中的亞歷山大，就像是一座與世隔絕的象牙塔，上是氛圍愜意的高級餐廳，下卻是一片貧瘠的血紅色砂岩景觀，遍佈靈感汲取自Hieronymous Bosch畫作《人間樂園》的奇異建築，以及飢餓難耐、在存亡之間掙扎的小人物，他們在崎嶇地景上苟活，令人不忍直視。

為了將模型做得精緻，設計團隊特別翻閱了《珍寶櫃》（Cabinet of Curiosities），書中收錄了各式古董雕刻，有做工極其細緻的礦物、鱷魚、珊瑚工藝品等。這些瑰麗而富含工藝價值的收藏，多來自過去在歐洲擁有強大勢力、在文藝復興時期扮演關鍵角色的義大利麥地奇（Medici）家族，以及位於德國德勒斯登、收藏大量巴洛克及古典主義時期珍寶的綠穹珍寶館（Grünes Gewölbe），極盡華美。

巴黎妓院｜充滿惡趣味的「復古夜總會」

視線來到影響貝拉最為深刻的城市——巴黎，作為關鍵場景的妓院充滿了惡趣味。印象中，歐洲妓院總是紅通通的，在James Price眼中像是女人的子宮，片中刻意打破印象，讓空間略帶點藍、紫色調，「像是1990年代的夜總會。」

妓院挑高的大門與玻璃窗是巨大的陰莖形狀，電燈開關則是陰蒂的形象，這些對常人來說充滿性暗示、讓人輕易聯想到色情場所的物件，卻沒有阻止貝拉大大方方、毫不羞赧地推門進入，為什麼？因為妓院對貝拉來說是完全陌生的，只是又一個尚未挖掘的酷地方。設計團隊在這施展了一點幽默感，再一次讓佈景呼應貝拉的性格。

到底有哪些「真」的取景地？

Shona Heath推測，整部戲大約有90%的畫面都是以人造佈景、微縮模型呈現，少數的實景出現在God訓練新實驗對象費莉希蒂（Felicity）的那片樹林。不過劇組還是頑皮了一下，刻意在林中安插了一棵傾斜45度的巨大樹木，讓看似開闊、真實的自然場景中，仍透露著一點不協調與怪誕感。

創造新美學的野心——「用當今技術製作一部1930年代風格電影」

看完《可憐的東西》，你會如何形容片中美學？兩位美術指導在接受英國版《VOGUE》專訪時提到，人們或許會最快聯想到「蒸氣龐克」（steampunk），這是一種流行於1980至1990年代的科幻題材，常以維多利亞時代時代為背景，極度放大「蒸汽科技」對人類所造成的影響，創建出一個依賴機械的架空世界。不過，他們拒絕（reject）這樣的描述，期待人們看見的是「Bella眼中所見奇幻、冒險、超現實的混雜（magpie）世界。」

不想被既有的名詞定義，或許源自Yorgos Lanthimos、James Price與Shona Heath三人的野心。最初定調電影美學時，他們的設想是「用現在的技術做出一部1930年代電影」，立意並不是要讓《可憐的東西》看起來像是1930年代的產物，而是要讓電影具備那年代的美感，同時看得出是用2020年代的技術製作；因此劇組並沒有按照當時流行的風格、材料打造佈景，而是以「拼接」手法創建，「如此一來就能創造出一種嶄新的美學，」James Price在接受《Dezeen》專訪時說道。

最後，必須謝謝攝影師

導演和設計師的想法，有沒有打動觀眾？我想答案是肯定的，應不少人是因為在社群上滑到劇照，先被視覺吸引，而決定買票進戲院；畢竟看大製作，大螢幕才夠過癮。我們能夠看見那麼多關於美術的細節，或許就如James Price向英版《VOGUE》說的，要感謝導演和攝影Robbie Ryan選擇用大量的超廣角鏡頭拍攝，讓成品得以呈現大部分的佈景，「很多時候工作人員（在最終畫面）看不見自己90%的創作，這次卻有將近80%的作品都會被看到，這真的很酷！」

《真寵》和《單身動物園》之後，Yorgos Lanthimos的最佳代表作

在眾人意料之中，《可憐的東西》風光入圍第96屆奧斯卡金像獎共11個獎項，當中毫無懸念有「最佳導演」、「最佳攝影」與「最佳藝術指導」，末者將與2023年夏天上映的現象級電影《芭比》與《奧本海默》等片角逐獎項。無論得獎與否，《可憐的東西》想必會在觀眾心中留下難以抹滅的印象，甚至讓人們日後看見類似的美學呈現時，將脫口而出形容「這很《可憐的東西》」或「這很Yorgos Lanthimos」。

參考資料來源｜Dezeen、VOGUE British、The Wrap、Indie Wire、Architectural Digest

說到披頭四（Beatles），你腦中最先浮現什麼畫面？許多人的答案想必是4位團員走在斑馬線上的場景，那是1969年問世的《Abbey Road》專輯封面。從這張英搖經典，到2024年爆紅的Charli XCX專輯《Brat》，用一記直球「Brat Green」單色封面對決大眾視覺，掀起全球熱潮，兩者時隔55年，卻不約而同印證了專輯封面對一張唱片的藝術表達、大眾傳播度，影響有多深刻。

創立68年，葛萊美首度頒發「最佳專輯封面獎」

肯定封面視覺之於音樂專輯的必要性，及其所象徵的文化意義，2026年第68屆葛萊美獎（Grammy Awards）將首度頒發「最佳專輯封面獎（Best Album Cover）」，表彰藝術指導（art director）在專輯製作中的貢獻，這將與「最佳唱片包裝設計獎（Best Recording Package）」相映，成為葛萊美頒獎台上最具代表性的設計美學獎項。2026葛萊美頒獎典禮將於2/1舉行，本篇帶你預習史上首屆「最佳專輯封面獎」入圍名單，帶你看懂5張封面呼應音樂詞曲的視覺巧思！

入圍專輯01｜Tyler, The Creator《CHROMAKOPIA》

藝術指導：Shaun Llewellyn & Luis "Panch" Perez

歷年專輯封面總帶濃烈色彩、極具視覺張力，饒舌界的藝術家Tyler, The Creator第8張錄音室專輯《CHROMAKOPIA》也不例外。由攝影家Luis Perez擔任藝術指導，專輯封面以濃烈的褐色調呈現，畫面中Tyler, The Creator戴上一副刻有自身面容的陶瓷面具，向掌鏡人伸出右手，彷彿在渴求著什麼。這張面具乘載多重意義：藉外在形象，向樂迷介紹這位饒舌歌手的新分身「St. Chroma」；往內層意義探，則呼應收錄詞曲中對身份認同、真實性的探討，同時隱喻名人在公眾形象、內在自我之間的掙扎。

構思封面時，Tyler, The Creator以1940年代好萊塢流行的「黑色電影（film noir）」為範本，嘗試將其陰鬱視覺、悲觀敘事、對道德及人性黑暗面的探討……種種特質，融入《CHROMAKOPIA》專輯視覺，企圖透過詭譎、甚至令人看了感到不安的畫面，迫使觀者留意畫面中的主角（也就是Tyler, The Creator本人）想表達些什麼？以此入門聆聽詞曲中暗藏的故事。

入圍專輯02｜Djo《The Crux》

藝術指導：William Wesley II

在《怪奇物語》中飾演Steve一角的Joe Keery，不只是名演員，也是才華洋溢的音樂人。2025年4月，他以藝名Djo發表《The Crux》專輯，其核心概念圍繞著「人生的十字路口」展開，全輯故事以一座虛構的旅館為背景，房客們都正處在人生的關鍵轉折點（Cruxes）或岔路口，藉此設定引出專輯所要探討的主題——人在面對改變、抉擇時，所感受到的混亂與迷茫。在這張專輯中，Joe Keery展現自身更真實、脆弱的一面，唱出孤獨、自我反省及面對社會期待的焦慮。

《The Crux》封面由設計師William Wesley II擔綱藝術指導，在洛杉磯派拉蒙影業（Paramount Pictures）片場搭景實拍，將Joe Keery想像中的「Crux旅館」帶到現實世界。相對前張專輯《Decide》的洗練視覺，Joe Keery這次想走「極繁」路數：畫面中可見大家各做各事，有人對著鏡頭打鬧、有人仰天大笑、有人靠在敞篷車上發呆，而Joe Keery本人不知為何掛在飯店2樓的窗外。失序到令人不明所以的場景，呼應《The Crux》歌曲中唱的迷茫、失落與混亂，這些站在人生岔路上的旅人們，看似聚在一地，卻各自面對著生活的混沌，彷彿暗示著：我們都只是偌大世界中，萬千紛擾下的眾多之一。

入圍專輯03｜Wet Leg《moisturizer》

藝術指導：Matt de Jong, Joshua Mobaraki & Wet Leg

來自英國的獨立搖滾樂團Wet Leg，2022年以雙人編制發表首張同名專輯《Wet Leg》，就憑新人之姿拿下葛萊美「最佳另類音樂專輯獎」，其曲風遊走於後龐克、迷幻搖滾之間，配上無厘頭又貼近生活的歌詞、夾雜歌唱與碎念般的獨特表演方式，有點俏皮、有點搞怪，又幽默得讓人會心一笑，迅速在獨立樂壇圈下一席之地。時隔3年，Wet Leg擴展為5人組，並於2025年夏天帶來全新專輯《moisturizer》，樂曲融入更多後龐克與瞪鞋元素，同時以更成熟的音樂編制，昇華初代團員的表演魅力，讓Wet Leg頑皮、張狂、怪誕的迷人風格更加銷魂。

《moisturizer》專輯封面由5位團員與平面設計師Matt de Jong、攝影師Jamie-James Medina共同構思，創造野性十足的怪誕視覺。只見主唱Teasdale如獸般四肢著地，面帶挑釁笑容；吉他手Chambers則背對鏡頭環抱自身，刻意露出尖銳美甲。盯著這畫面看，你心裡有什麼感覺？是感受到詭異的性感，或覺得有點不舒服甚至噁心？Teasdale希望兩種感受能同時闖進你的心：「將對比強烈的概念並置，一直是我們在玩的東西，這種衝突感非常有趣。」Wet Leg本就不是乖乖牌，不走尋常路，因為他們相信無論是音樂或視覺，「創作能量」就該是一種顛覆性的存在。

入圍專輯04｜Perfume Genius《Glory》

藝術指導：Cody Critcheloe & Andrew J.S.

歷經3年沈澱，Perfume Genius於2025年3月釋出新專《Glory》，他曾坦言這是一張「有毒」的專輯，詞曲中裝滿焦慮，赤裸呈現他近年生活中的失重時刻，吟唱著關於死亡、慾望、自我厭煩的憂慮。對他而言，《Glory》也像是一回自我揭露——在沈潛多年後，選擇直面混亂，將自己脆弱而私密的一面化為樂音，企圖在混沌中找到突破的窗口。

在《Glory》專輯封面中，Perfume Genius再次以「雕塑」般的姿態出現，過去他曾在《Too Bright》封面頂著希臘雕像般的精緻面容亮相；為《Set My Heart on Fire Immediately》裸上身入鏡，臉部輪廓與身體線條在黑白畫面定格下，顯得更加鮮明而鋒利，明明鏡頭拍的是真人，卻讓觀者有種盯著蠟像看的錯覺。

話說回《Glory》，這次Perfume Genius倒臥在鄉間木屋的地毯上，雙腿歪斜、衣衫不整、身上還纏著延長線，詭譎畫面讓人看了心裡發毛，不禁好奇到底發生什麼事？對此他答：「這像是電影中的一幀定格畫面，我看起來像生病了、也像在跳舞……它可以被解讀成任何狀態。」也許可以把它想成一張不小心用手機截到的圖，因為隨機，所以令人摸不著頭緒。因隨機而生的混亂，正是Perfume Genius所求：「我喜歡它呈現出來的樣子，真誠而私密，夾雜著荒謬、戲劇性與表演性。」正如《Glory》歌詞、旋律、節拍與唱腔交織出的一切。

入圍專輯05｜Bad Bunny《Debí Tirar Más Fotos》

藝術指導：Benito Antonio Martinez Ocasio aka Bad Bunny

來自波多黎各的饒舌歌手Bad Bunny，2025年初透過專輯《Debí Tirar Más Fotos》，表達濃烈的家鄉愛。專輯以西班牙文中的「我應該多拍點照片」為名，表達對流逝生活的感慨和反思；曲目則藉深植波多黎各文化的雷鬼凍（Reguetón）曲風，交織奔放的拉丁舞曲節奏，提醒人們在忙碌生活中，停下腳步捕捉轉瞬即逝的回憶，別讓未來徒留遺憾。

由Bad Bunny親自操刀的專輯封面，是今年「最佳專輯封面獎」入圍名單中，唯一不見人影的作品。洋溢熱帶氣息的香蕉樹，捕捉了波多黎各的自然氣息，前年Bad Bunny回鄉度過夏天與秋季，在聖胡安（San Juan）連辦好幾場演唱會，場場滿座。然而在演出的喧騰背後，香蕉樹下的2張空椅，卻流露出一絲惆悵與失落，彷彿乘載著思念。這引起不少歌迷猜測，Bad Bunny藉此表達對已逝戀情的感受，但他本人從未證實這說法。或許並非關於「愛情」，但《Debí Tirar Más Fotos》絕對是一張關於「愛」的專輯，這是一封Bad Bunny獻給家鄉的情書，而他也在專輯背面親筆寫下：「此作獻給世界各地的所有波多黎各人。」

2026年，台北當代藝術館（當代館）迎來開館25週年，並宣佈營運至今年末，2027年起將閉館整修。為慶生也為紀念，當代館推出一系列25週年創意周邊，以「時間」為題，結合場館古蹟建築特色、撞色設計，及隱喻暫別的停止鍵符號，推出帆布袋、保溫瓶、繪本等紀念商品。本篇帶你從當代館建築有趣的身世看起，讀完後入手周邊會更懂其收藏價值所在！

當代館建築的複雜身世：從小學、市政府到美術館

坐落於長安西路的當代館，是台灣首座以當代藝術為主軸的美術館，也是全台少見以市定古蹟為據點的藝文機構。當代館所在建築的身世非常有趣，最初在日治時期為建成小學校，循當時日本流行的「和洋折衷」風格建造，紅磚牆、黑瓦屋頂、塔樓、木構、雙邊對稱的古典學院派樣式……皆可見日本與西洋建築樣貌融合的影子。

二戰後，台灣政權轉移，建成小學校轉作為市政府；到了20世紀末因市政府遷址，且此處被列為台北市定古蹟，場館後續用途引發多方論戰，最終決定將建物主樓改建為美術館，東西兩翼則改作為建成國中校舍，成了全世界罕見美術館與學校共用建物的案例。

當代館建築的多舛身世，深刻影響了場館如今的策展走向，因建築為古蹟，且早期作為學校、政府使用，並沒有館藏空間，限制頗多；然而也正是因為受限，當代館在展覽的議題定調、編排上更具實驗性，並將策展場域延伸至廣場和社區，逐步成長為台北指標性的藝文場域。

紅磚古蹟意象 X 自由變形框，構成2024年嶄新識別

2024年，當代館換上全新的識別系統，由顏伯駿率領的三頁文團隊操刀，以大家熟悉的紅磚古蹟外觀為基礎，將長廊、鐘塔等建築特色，簡化為俐落線條，並融入動態設計思維，為識別加入「自由變形的對話框」，呼應當代館建築自1920年代以來包容教育、政府、藝術等不同功能的靈活轉變，也回應了館方自由、富實驗性的策展精神。

25週年創意周邊登場！以「時間」為題設計

來到2026年，當代館迎接開館25週年，趁此推出紀念創意周邊，全系列設計圍繞著「時間」展開，圖樣自場館建築的「圓拱」元素汲取靈感，透過多重圓弧的疊加與交會，將靜態的建築曲線，轉化為具流動感的視覺符號，象徵25年來多元藝術在此匯聚、交流的軌跡，也在閉館整修前，為營運25年的歷程畫上深刻而美好的逗點。

帆布袋、原子筆採撞色設計，象徵多元藝術視角和創造力的交會，細節處融入「暫停鍵」與「播放鍵」符號，隱喻當代館將與觀眾暫別，調整步伐，3年後以嶄新姿態再次啟動。

保溫瓶身則覆以連續的拱門圖形，搭配呼應日、夜的亮與深色，象徵當代館陪伴城市走過的25年光陰。

「古蹟繪本」濃縮當代館25年精彩故事

下半年隨9月「全國古蹟月」來到，當代館將特別出版「古蹟繪本」，邀藝術家王春子擔任作者與繪者、吳孟寰擔綱美術設計，並委由典藏藝術家庭（小典藏）出版發行。像是一顆「記憶膠囊」，繪本將呈現當代館的歷史沿革、建築特色與展演精神，透過可親、易讀的敘事，引導讀者認識這座由古蹟轉化而成的美術館，如何在不同時代背景下，乘載藝術實踐與公共文化的角色，也藉此讓當代館25年來為藝術投注的的心力，得以留存紙上被珍視、收藏。