台中「草地上的美術課」12/7開課！肢體律動、書本野餐等活動為綠美圖開幕暖身

臺中綠美圖即將於2025年底試營運，尚未開幕就因請到普立茲克建築獎得主——SANAA建築事務所創辦人妹島和世、西澤立衛——設計建築而備受矚目，近日發布由永真急制設計的視覺識別亦引發熱議。

為提前讓人們接觸並了解綠美圖，臺中市立美術館呼應綠美圖開放、流動的場域特質，特別於12/7在中央公園策劃「草地上的美術課」系列活動，邀人們跳脫白盒子、置身戶外探索藝術與生活的無限交集。

面向城市與市民的通透建築

臺中綠美圖由臺中市立美術館、臺中市立圖書館共構，為台灣首座結合兩者的藝文場域。由SANAA設計的場館由8棟相互連通的建築量體組成，並以金屬擴張網及玻璃營造通透、流動的空間效果，使自然光線和戶外綠意融入場域，創造人與環境和諧共生的氛圍。

盤點「草地上的美術課」6檔亮點活動

綠美圖的願景不僅是成為知識和藝術的交會點，更要打造市民探索知識與感知的跨域空間，於是臺中市立美術館在綠美圖開館前，率先推出全齡適合的「草地上的美術課」，透過三大系列創意體驗活動：藝術課市集、戶外藝術課、戶外藝術活動，帶人們提前了解綠美圖的理念。以下精選6檔亮點活動：

▍肢體律動課

由深度培育青少年舞者的「純白舍」圖隊帶領，課程結合親子舞蹈互動、視覺藝術的結構圖概念，帶家長與孩子一同探索穿梭、高低起伏、隱藏視覺的感官體驗。

▍雜耍共玩課

以臺灣當代馬戲藝術聞名的「創造焦點」團隊，將帶人們藉由馬戲、雜耍等提升手眼協調，並在互動中化身公園內的藝術品。

▍空間探索課

由藝術家莊志維引領民眾一同散步並觀察環境，藉由卡典西德的透明及連續特性，探索自身與公園環境及大自然間的關係，並攜手共創一件戶外藝術裝置。

▍書本野餐

本企劃呼應綠美圖由美術館、圖書館共構而生，欲參加者可線上預約或現場租借野餐籃，籃內皆備有刊物、藝術童書、藝術家彭禹慈與民眾共創的野餐墊，當天臺中市立圖書館的行動書車也將至現場巡迴。歡迎在草地與書相伴度過舒適午後！

▍藍美圖的記憶

由藝術家郭奕臣、繪本創作者林小杯一同策劃，內容包含藍美圖藍曬工作坊、夜光寫生活動，邀請民眾以記憶為畫布、時間為畫筆，共同踏上時光記憶的旅程。

▍黑青藝術計畫

藝術家陳普將帶領人們透過黑青AR彩繪及MR互動體驗，探索現實與虛擬的交融，想像綠美圖未來的無限可能。

臺中市立美術館「草地上的美術課」

時間｜2024年12月7日（六）11:00－20:00

地點｜臺中中央公園北側觸覺體驗區  

資料、圖片提供｜臺中市立美術館、均勻製作

現正於北美館展出的暑期國際展覽「調：心境與聲景之間」，由新加坡美術館策展人許芳慈策畫，以其長期研究戰後亞洲當代藝術發展的背景，匯集13位藝術家創作，他們以聲音為媒介，探索其與環境正義、邊界政治，及情感的社會性經濟之間的互涉關係。

本展的架構汲取兩種截然不同的自然哲學：馬丁．海德格（Martin Heidegger）將「調」的描述以雲影掠過地景的瞬息意象為喻；〈莊子．外篇．天運〉提及的「至樂」則凸顯在無常世界中調節自身，進而與所有生命型態和諧共處的方式。本展藝術家從不同領域出發，運用多樣媒材探究聲響美學，展出形式涵蓋中國水墨畫卷軸、生物電極、田野錄音與對歷史上各種聲響戰爭的研究等。

展覽圍繞「聞息」、「聆水」、「聽壤」三個相互交織、而非各自獨立的命題建構聲景，共同回應如何透過水、空氣與土地等自然介質所傳遞的頻率。形塑我們聆聽以及如何共享這個世界的方式。

聆聽水體脈動與沉澱之物

「聆水」此一主題聚焦於水，關注其作為連結生命又劃分疆域的媒介，因而經常成為資源分配與衝突的焦點。塔瑞克．阿圖伊（Tarek Atoui）《十一拍聲搏》取材自阿拉伯的塔拉布（Tarab）傳統音樂，藝術家將一支滴管懸置於盛滿水的盆子上方；該盆與揚聲器相連，每滴水落下的聲響以十一拍循環重複，牽引觀眾沉浸於節奏脈動的敘事。蘇珊．舒普利（Susan Schuppli）的《聽冰》則探索極地與冰川等冰凍圈在氣候變遷下的變化，片中紀錄了融水奔流、冰層碎裂、以及地球暖化而釋放出的氣泡爆裂聲，同時安排因冰川退縮而被迫遷徙的喜馬拉雅山區居民聆聽聲響，將環境歷史轉化為人們可聽聞的記憶。

芮娜．賽尼．卡拉特（Reena Saini Kallat）受「印巴分治」歷史的影響，其《河流的邊際打破了他們之間的寂靜》刻意使用傳遞電力用的線纜來勾勒河川的流動形貌。儘管河水經常被人類視為區隔地緣政治的邊界，但也唯有流水聲能穿透人為強加的界線，暗喻在分裂與融合中尋求對話的可能。另一件作品《合唱一號》以偵測敵機聲音的「聲學反射鏡」為原型，但將戰爭機器的轟鳴聲轉換為鳥鳴。在此雕塑中，相互敵對鄰國的國鳥一同歌唱，而牠們實際的棲息地卻跨越兩國國界，其合鳴象徵邊界消融、調諧世界的頻率，並藉此將感官聚焦於「聽壤」與其代表的土壤、森林及生命力之上。

阮純詩（Nguyen Trinh Thi）《四十七天，無聲》，承襲有別於人類中心敘事的視角，觀眾可見部落社群準備喪葬儀式的影像拼貼，並交織水滴迴音、蟋蟀、鳥鳴與鏡面裝置折散的光影，這些擷取自美國與越南戰爭電影背景音軌的聲音，回應作品名「四十七天」指涉從越南中部至電影《現代啟示錄》（Apocalypse）位於菲律賓拍攝地的步行時間。在巴古斯．潘德加（Bagus Pandega）與今津景（Kei Imazu）的《自然綠4.3創作之人造綠意》中，他們運用活體植物發出的生物訊號驅動機械臂進行繪畫，並刻意選擇大王椰子來呼應臺灣及印尼共有的熱帶景象與殖民歷史。此一描繪性的選件也與入口處袁旃的《會走路的山》等作呼應，藝術家以墨與礦物顏料在絹本上創作，反思臺灣九二一大地震後感受到的衝擊經驗，透過流動交疊的線條描繪不可視的震動，傳統山水在此被重新想像為一有機體，擁有自身迸發的生機、獨特的皴法與節奏。

細聞現實與地緣政治的頻率

策展軸線接續轉向「聞息」作為概念核心，讓聽者與感知到的聲音產生共鳴，並延伸出如「氛圍」ㄧ般的情感沉浸。例如2023年第15屆沙迦雙年展獎得主哈吉拉．瓦希德（Hajra Waheed）的作品《來自姐妹的家書（2015年11月16日）》，取材自家人間的一封私密信件，藝術家的手足在信中描述了法國因巴塔克蘭劇院襲擊進入緊急狀態的處境。畫面以「往復，來回，一切就這樣周而復始」為開端，並將人類抵抗與掙扎的文字映射於背景的天空，追溯著殖民與國家暴力如何在不同歷史、地理和世代中不斷重演。

勞倫斯．阿布．哈姆登（Lawrence Abu Hamdan）的《風之合奏》，藝術家刻意將影像投映至低音喇叭的網狀表面，捕捉了薩克斯風樂手站在「庫克」（kookh）這種傳統庇護所陽台上的即興演奏，回應以色列占領敘利亞戈蘭高地及興建31座風力發電機的領土抗爭行動。陳庭榕《我只在乎你（私語）》則以金屬、紙漿與聲音系統，擬造出僅距離廈門1.2英哩的金門北山聲牆，重新追溯鄧麗君的歌曲曾被用於心戰喊話的冷戰歷史，這些原本屬於私人情感與流行文化的歌曲，被轉化為承載意識形態與情感召喚的政治媒介，共同揭示聲音如何被納入權力運作，而聽覺也可能成為介入政治現實的形式。

楊嘉輝的《煙霧奏鳴曲》將視角投往物質性的轉化，這部錄像作品創作於藝術家駐村日本兩足院期間，透過宗教的儀式聲響與動作，凸顯煙霧既象徵冥想與精神性，也因其轉瞬即逝而顯得短暫而無常。作品中各種細微的聲音，引導觀眾從將注意力從視覺表象轉向聽覺，感受那些隱藏於可見世界背後的存在與變化。常被喻為臺灣聲響藝術先鋒的林其蔚，其創作《唸珠》的色珠本身即構成一部樂譜，透過表演者的誦唸構築出色彩比例與對比，集結成「音場」迴盪於空間中，也是一種集體狀態的聲音雕塑呈現。畫家余承堯長期浸淫於南管音樂，他筆下的的群山主峰以細密刻鑿般的皴法向上勾勒堆疊而成，令人聯想到南管曲調的單一音節。《山水》、《連山絕壑》等畫卷與林其蔚的《唸珠》和其三幅壓克力地景畫作一起展出，這些作品探索視覺與音樂性相互交融的「聯覺」，邀請觀者一起體驗感官的跨越。

調：心境與聲景之間
展期：2026.07.04-2026.09.27
地點：臺北市立美術館 三樓3A、3B展覽室
更多資訊可至官網查詢       

加州必訪藝文地標——洛杉磯郡立美術館（LACMA），2026年5月迎來全新展館「David Geffen Galleries」開幕。普立茲克獎得主Peter Zumthor受託設計新館，為LACMA打造一座高架式的展覽空間，專門展示永久典藏。這座展館的獨特之處在於，所有展品皆在單一樓層的開放式空間展出，且空間具備高度彈性，觀展動線可因應不同策展計畫靈活延展，邀觀眾在此依自身步調自由探索。

你肯定在美劇裡看過LACMA這片「光景」

以202盞復古街燈組成的巨型裝置〈城市之光（Urban Light）〉為門面亮點，美國西部規模最大的藝術博物館——洛杉磯郡立美術館（LACMA），不僅園區腹地廣大，館藏亦高達15.5萬件。位在一座由大量移民組成、多元文化交織的城市，LACMA的策展與收藏方針也深刻反映了洛杉磯包容、前衛的城市風格，及多元的「環太平洋」文化視角。

LACMA館藏年份橫跨6,000年藝術史，除包含大量西方現代藝術大師如安迪·沃荷（Andy Warhol）、賈柯梅蒂（Alberto Giacometti）等人名作，這裡的伊斯蘭藝術、古代美洲藝術、日本及亞洲藝術收藏也聞名國際。

普利茲克建築大師Peter Zumthor設計新館，混凝土與玻璃共舞

為創造更符合當代需求的展演空間，LACMA於2020年啟動開館以來最大規模的新場館建設——「David Geffen Galleries」由瑞士建築大師Peter Zumthor操刀，他與執行建築團隊SOM、LACMA館長Michael Govan密切合作，構思一座流動、蜿蜒、延展近274公尺的混凝土建築，其外部以通透的玻璃帷幕覆蓋，引自然光流入室內；整體抬升約9公尺，彷彿輕盈漂浮於地面之上，讓訪客置身高架展廳時，可隔窗眺望洛杉磯城市景色。

Peter Zumthor雖非多產的建築師，但他對材料運用之嫻熟、光影掌控之精妙，以及對極簡主義的極致演繹，讓他在2009年拿下「建築界的奧斯卡」——普立茲克獎。他為數不多的作品，多不在繁華都市，而是坐落郊區或隱於大自然之中，其中又以瑞士「瓦爾斯溫泉浴場 （Therme Vals）」為代表作。他運用當地開採的6萬塊片岩，將浴場塑成一座彷彿從山間自然生長出的石砌迷宮；室內光影透過精心設計的屋頂縫隙灑落，與水面、石材紋理交織，營造出一種充滿神性、令人抽離現實的感官體驗。

27種尺度的展廳在同一樓層「攤開」

視線從瑞士小鎮回到洛杉磯，LACMA新館無論就規模、形式、風格來說，對Peter Zumthor都是生涯的一大突破。這是他在美國的第一件建築作品，也是首次挑戰如此大尺度之作。David Geffen Galleries將取代LACMA始建於1960年代、圍繞著中央庭院配置的一系列老舊場館，用猶如「珍奇櫃」的空間佈局，為策展帶來更多可能、看展注入更多驚喜。

David Geffen Galleries全新展覽空間共包含27間展廳，每間的空間尺度、光線層次、所提供的觀展視野都不相同；且展廳都集中在同一樓層，彷彿被「攤平」在建築當中，透過彈性而多變的空間佈局，鼓勵觀眾自由探索，在各個角落偶遇藝術，而非依循固定路徑參觀。而其他設施如書店、餐廳、咖啡廳、演講廳等，則分散在建築下部7座不同的量體當中，未與展廳穿插，以讓訪客潛心沈浸於藝術之中。

材質藏巧思：呼應地質、保護珍貴館藏

除格局外，材質中也藏Peter Zumthor埋下的巧思。在館外，他巧妙利用材質提醒來客腳下土地的「本質」，如園區內一片鑲嵌著白色貝殼的黑色混凝土磨石子地面，過去曾經是一片海床。而在封閉的室內展廳，他選用一種以矽為基底、帶深紅和靛藍色調的塗料，覆蓋混凝土牆面，並從狹長的頂部窗戶引入光線，搭配他親自設計的壁燈，種種細節只為確保對光線敏感的展品，能在不受傷的情況下，亦有柔和、均勻的光芒照耀以完美展示。

除此之外，儘管建築的玻璃帷幕本身就具備抗紫外線功能，Peter Zumthor為了進一步保護館藏，特別邀請日本織品設計師須藤玲子（Reiko Sudo）設計了一系列不同密度的金屬紗簾，讓布料、紙等質地較為脆弱的展品，即使擺在距離玻璃窗5公尺內的範圍也能安全展出。

巨大雕塑〈Smoke〉鎮守入口

造訪David Geffen Galleries，公共藝術也值得駐足細賞，像是鎮守入口的大型雕塑〈Smoke〉，是LACMA最具代表性的館藏之一，此作出自美國藝術家Tony Smith之手，由數個狀似蜂巢的幾何結構共築，形態如向升起的煙霧，媒材剛硬卻有著輕盈而不失份量感的視覺效果。

此外，混凝土地面刻紋與圖樣，是墨西哥藝術家Mariana Castillo Deball的手筆。他以中美洲神話中象徵死亡與重生的「羽蛇神（Quetzalcoatl）」為題創作，連結新場館建築及其下的土地，向曾在此生存過的祖先與神靈致敬。

David Geffen Galleries的興建計畫，不僅象徵LACMA策劃與執行20餘年的轉型邁入新階段，朝全球性藝術博物館再進一步，也更加鞏固了它作為美西最具規模綜合性美術館的地位。