【編輯帶逛】高美館陳威廷個展《彼岸》：提煉佛學和文學，探索生命及存在意義的擺渡人

佛家說「彼岸」，指的是通往解脫、悟道的方法或途徑。深受佛學影響與啟發，常藉作品探討生命哲思的藝術家陳威廷，睽違三年在台舉辦個展，便以《彼岸》（Paramita）為題，匯集近十年平面繪畫、立體雕塑、手寫詩文等類型的重要創作，呈現自身對生命、成長、存在等課題的深刻思考，並傳遞對於此岸與彼岸、現實與幻境的探索和詮釋。《彼岸》即日起至2024年12月29日於高雄市立美術館展出。

生命的每個目的地都如「彼岸」

「波羅蜜多」（Paramita）一詞，在佛教中意指「到彼岸」，彼岸既飄渺又真實，指的是超脫生死與輪迴的涅槃；而對應的「此岸」則是處於不斷輪迴的境地。陳威廷對「彼岸」自有詮釋，他出生於台南，後因求學、當兵、工作、創作等不同生命階段，輾轉於屏東、高雄、台中、台北等台灣城市生活，後又赴日本東京藝術大學攻讀碩士課程，「我的生命歷經很多『位移』，對我來說各個目的地都像是『彼岸』。正好我的作品常探討生死等二元議題，談論很多『從這一邊到那一邊』的概念，『彼岸』這個詞作為展名，表達了作品中很多想法和情緒。」

藝術家的十年創作斷代史

《彼岸》將作品分為平面繪畫、紙上作品、立體雕塑三大類，並由策展人曾學彥策劃為四部配置：此地（Here）、生相（Portraits）、彼岸（There）、書寫（Writing）。「此地」與「生相」展示陳威廷前期創作的總結，大量使用卡漫風格的角色與物件組成畫面主體；「彼岸」呼應展覽名稱，是藝術家以少年的視角「回望」或「前瞻」成年後的人生境遇；「書寫」公開藝術家日常生活中的手稿、塗鴉、文字。

繪本、詩歌、文學滋養藝術創作

多年以來，陳威廷藉創作朝向原生家庭、人際關係的根源探究，以詩文作為敘事文本，並建構虛擬角色作為引路者，將東方哲思與當代視覺風格融為一題。

各生命階段的經歷，都在陳威廷作品中留下深刻印記：童年時愛看繪本，書中圖像與文字的密切接觸奠定他早期的創作風格；少時相伴的卡通動畫和玩具反斗城，影響他為動物畫「肖像」，並帶動物們走出畫框、成為雕塑，如同玩具店中被賦予立體型態的卡通IP；大學讀中文系養成對文字的敏銳感知，詩歌成了他表達內心世界的重要媒介，亦融入作品為畫面提供隱喻性的線索，此外，經典文學作品也為創作帶來啟發，本次個展便可見多幅他再讀卡繆《異鄉人》後、以「太陽」為主角的反思之作。

從《彼岸》3件亮點作品看陳威廷的創作思考

▍凡是符號，皆有意義

這幅小狗頭上插著蠟燭的童趣畫作，是陳威廷送給媽媽的母親節禮物，當時為了讓禮物更顯特別，他不以過往常畫的熊為主角、改以小狗作為主視覺，燭光則有所寄情，暗示著親密關係間「給予」的雙面性。「我是個喜歡賦予符號意義的人，可能中文系背景讓我對詞語和形象間的連結比較敏感。火照亮他人時也正慢慢消逝，不只象徵著有人願意給予，也帶有重生的價值和可能性，這樣的兩面性對我來說很有意思。」

▍以藝術演繹經典文學文本

在前往東京藝術大學進修之前，陳威廷自認只是個喜歡畫畫、寫詩的人，不敢談自己是藝術家。他看待藝術的視野，在讀到雲門舞集創辦人林懷民之作《九歌》後被拓展，「我看見怎麼用視覺（表演）藝術重新揣測、演繹文學作品的文本，原來藝術的可能性是很多的。」

《九歌》帶來的啟發也反映在陳威廷近日重讀卡繆名著《異鄉人》後的創作，書中主角槍殺阿拉伯人的情節，及時常被提及的炙熱、令人難耐的陽光，讓他畫下多件賦予太陽「想法」的小幅畫作，如〈逃亡的太陽〉是他想像：「人想逃離這世界，會不會太陽也不想待著？」另一件乍看像月亮的作品，則是想像太陽總是照亮他人、有天累了隨意躺在草地上休息的姿態。

陳威廷亦對《異鄉人》主角的處境和行為有所反思：「我從書中的情節、作者的書寫狀態，聯想自己面對世界的方式，也重新調整自己和世界的關係。主角感受到的『熱』讓我很有感覺，我很難想像人被逼到一個極限，會怎麼去回應外在。現在的時代要說是最快的時代也不爲過，收到資訊要很快消化、理解，回到我剛說的，我們要怎麼『正確地』面對外在，而且『正確』是什麼？我們也不得而知。」

▍延伸自佛學的生命哲思

談及自身面對外在世界的不確定，陳威廷提到日本編輯友人曾說常在他的作品中看見「迷惘」的狀態——曖昧、流動、難以捉摸，卻也充滿想像空間。這樣的狀態也反映於展覽後段多件大尺幅畫作，其中一件呼應日本戰時習俗的作品尤為深刻——綠丘在魔幻、超現實的畫面中綿延，一人靜坐樹下、一人彷彿在山丘上跳著舞，兩人都望著高掛夜空的月亮。

陳威廷曾聽朋友說，戰時人們無法見到征戰沙場的情人和親人，便用類似皮影的方式，將月亮想像為畫布，將思念之人的形貌投射至月亮上，想像他們就在那；這在日語中有個浪漫的名字——「追影」，背後卻是動盪時代下人們無處安放的無助心緒，略顯諷刺。如果說月亮是思念的投射，那大樹便是思考人生的媒介，陳威廷說：「佛家中佛陀在菩提樹下頓悟，畫中人在那樹下，不見得會得到答案，但或許會獲得一個思考的機會。」

做觀眾的擺渡人，探索此岸到彼岸的過渡狀態

《彼岸》以藝術家十年來的創作及生命歷程為索引，帶領觀者隨藝術家及畫中引路者的帶領，探索生命中的過渡狀態。有趣的是，展間正好是左右二分的長方形空間，有著明顯可見的端點和終點，觀展動線善用此特點，讓早期與近期作品相對，並藉燈光明暗變化暗示藝術家於不同生命階段的心境轉折；中段更巧妙安排三幅畫作銜接，不僅氛圍自明亮轉向幽暗，更透過畫作中的流星、彼岸花等意象，帶觀者從藝術家的外在轉向內心世界探索，同時遊走於明暗之間找尋自己的生命狀態。

陳威廷於創作自述寫下：「『彼岸』是哀悼，也是致敬過去與不可言喻的明天。它是位移變化的虛渺，一葉舟獨自游向他方，無邊也無際，見山還是山。」藝術創作對陳威廷而言，是對存在的反映，每件作品都是「移情」的片段，描繪著他所存在的世界。

陳威廷個展《彼岸 Paramita》

展覽日期｜2024.11.09日（六）－12.29（日）

展覽地點｜高雄市立美術館 B1 Kspace（高雄市鼓山區美術館路80號）

開放時間｜週二至週日 9:30－17:30（週一休館）

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23