2025台北雙年展主題公布!《地平線上的低吟》從臺灣錯綜歷史切入,藉藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》(Whispers on the Horizon)以臺灣錯綜複雜的歷史為背景,透過多元當代的創作語彙,探究「思慕」(yearning)這個難以明說卻又驅策行動的深層渴望。展覽由策展人山姆.巴塔維爾與提爾.法爾拉特(Sam Bardaouil and Till Fellrath)共同策劃,匯集來自全球35個城市、共54位藝術家的作品,將於2025111日至2026329日展出。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》主視覺,由柏林團隊EPS51設計。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展策展人山姆.巴塔維爾(右)和提爾.法爾拉特(左)。(圖片提供:臺北市立美術館)

從臺灣歷史切入,藉藝術追尋「思慕」的多重意義

臺灣錯綜交織的歷史——從殖民統治、認同掙扎到政治更迭——形塑了這次雙年展的背景。《地平線上的低吟》挖掘「思慕」的本質及其錯綜複雜的地層:它不僅是欲望,更是一種灼燒於心的渴求;它在個人記憶與集體歷史中流轉、在過去與未來間縈繞,也在現實與虛妄、歸屬與離散、消逝與恆常間迴盪;它是一種難以捉摸的引力,驅使著人們盡力前行、奮力邁進,卻終將是個永難企及的追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
王耀億,《合拍片》,錄像截圖。(圖片提供:王耀億)

《地平線上的低吟》以臺灣為起點,其所關注的主題卻不止於此——「思慕」存在於每個地方、每個時代在不同文化脈絡中潛行,是遷徙的痛、是思念的家;是身份與認同的追尋,是默默生根、持續醞釀的渴望。「思慕」從不停歇,也難以抹煞;飄忽無形、游移不定,卻又頑強真切地深植人心。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
羅希尼・德瓦夏爾,《鏡日》(暫名),2025。(圖片提供:羅希尼・德瓦夏爾)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
帕梅拉・法提莫・桑斯川,《SCENE 58》,2024,鉛筆、油畫、木板,140 x 300 公分。(圖片提供:帕梅拉・法提莫・桑斯川、倫敦Goodman Gallery/攝影:Alexander Edwards)

不見於展場、卻構築策展概念的三個物件

「地平線上的低吟」策展構想源自3個與臺灣歷史密切相關的物件──尪仔、日記與單車,來自3件不同時代的台灣文學及電影作品。尪仔,活在侯孝賢的電影《戲夢人生》(1993)的世界裡,呼應著李天祿動蕩不安的生命;日記,來自陳映真的短篇小說《我的弟弟康雄》(1960),記錄著一個年輕人對於理想的深切渴望;單車,存在於吳明益的作品《單車失竊記》(2015),追憶著消失在歷史中的父親身影。這些物件雖未現身展場,卻如銘刻於記憶的線索、潛流於空間的低語,提醒著人們:「思慕」雖關乎失落,亦是擁有,它不只是嚮往追尋,更包含我們所承載背負的信念。

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亨里克・奧利維拉,《減數分裂》,2014,膠合板、家具,93 × 147 × 83 公分,77 × 130 × 83 公分。私人收藏。(圖片提供:亨里克・奧利維拉)

陳澄波、陳進等臺灣畫家作品,讓「思慕」更為深邃

展覽亦從臺北市立美術館收藏的20世紀初期畫作,包括陳澄波、陳進及陳植棋等人的畫作,以及國立故宮博物院的典藏文物中汲取靈感,為「思慕」注入更深層的歷史紋理與文化縱深。穿越時代更迭、文化變遷與政治動盪,這些典藏作品成了視覺與概念的橋樑,以及跨越時空的殘響——封存於顏料與瓷釉之中,或隨筆觸與器物流轉。

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陳澄波,《新樓》,1943,油彩、畫布,72.7 × 90.9公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)
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陳進,《悠閒》,1935,膠彩、絹,136 x 161公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)

青壯年藝術家齊聚,跨領域媒材、回應現場空間的現地展演

2025台北雙年展將展出33件新委託創作和特定場域裝置,曾展出的作品也將回應美術館獨特的建築空間與城市脈絡。特別的是,近半數參展藝術家出生於1984年後,透過不同世代,帶著當代語境的思考,展現對於現今世界的即時視角,並以不同形式,回應過去與未來的連結,展開對「思慕」的多層次探索。展覽作品橫跨多種媒材與表現形式,作品風格多變,從視覺上的奇想,到結構上的重組,從親密細膩的個人體驗,到集體記憶的碰撞反思,讓「思慕」成為一種可以感知、得以進入,又能持續尋找、期待與探究的存在。

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伊凡娜・巴希奇,《氣動激情》,2020-2024,客製鑄造與熱彎玻璃、不鏽鋼、粉紅雪花石膏、吹製玻璃、氣息、氣動鎚、壓力、客製賽車排氣歧管、客製電路、麥克風、混音器、揚聲器、空氣壓縮機、蠟、白色雪花石膏、青銅、油畫顏料。(圖片提供:伊凡娜・巴希奇)
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莫尼亞・班・哈穆達,《Ya'aburnee (يقبرني (-) 未譯碎片 I)》,2025,塔拉大理石,106 × 85 × 15 公分。(圖片提供:莫尼亞・班・哈穆達)
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莫娜・哈透姆,《小室》(局部),2012-2013,低碳鋼、手工吹製玻璃,共八件,170 公分,寬度與深度不定。(圖片提供:莫娜・哈透姆、巴黎Chantal Crousel藝廊/攝影:Florian Kleinefenn)

「唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己」

《地平線上的低吟》穿梭於現實與想像,遊走在遺落與將成的各種時態之間,作品挖掘個人事件或構築虛擬世界,映照當前現況與異想未來。「思慕」不再只是抽象的情感,更是探尋自身定位的關鍵線索。於此,《地平線上的低吟》進一步揭示了思慕的真相:唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己。這裡沒有禁忌、不是答案、亦非解方,唯有「低吟」。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
高田冬彦,《The Princess and the Magic Birds》,2020-2021,單頻道有聲錄像,17分52秒。(圖片提供:高田冬彦)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
麗娜.拉蓓利代,《斜波研究》(又名,沉默者),2022,於法國 Lafayette Anticipations演出。(圖片提供:麗娜.拉蓓利代)

202514屆台北雙年展《地平線上的低吟》

展期|2025.11.012026.03.29

地點|臺北市立美術館

 

參展藝術家|按英文姓氏首字母排序

法特瑪・阿布杜哈迪1988年生於利雅德,現居工作於利雅德)

阿夫拉・阿達希里(1988年生於阿布達比,現居工作於阿布達比)

穆罕默德・阿法拉傑(1993年生於阿哈薩,現居工作於阿哈薩)

寇拉克里・阿讓諾度才(1986年生於曼谷,現居工作於紐約及曼谷)

伊凡娜・巴希奇(1986年生於貝爾格勒,現居工作於紐約)

拉納・貝古姆(1977年生於錫爾赫特,現居工作於倫敦)

莫尼亞・班・哈穆達(1991年生於米蘭,現居工作於開羅安及米蘭)

雅各波・貝納西(1970年生於拉斯佩齊亞,現居工作於拉斯佩齊亞)

赫拉・比于塔詹(1984年生於伊斯坦堡,現居工作於伊斯坦堡)

陳澄波(1895-1947,出生於嘉義)

陳植棋(1906-1931,出生於臺北廳,今新北市)

陳進(1907-1998,出生於新竹)

艾德加・卡萊爾(1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特,現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特)

陳柏豪(1982年生於高雄,現居工作於鹿特丹)

致穎(1985年生於臺北,現居工作於臺北及柏林)
加埃爾・肖瓦內(1985年生於瑟堡,現居工作於巴黎)
莊偉(1990年生於廣東,現居工作於柏林及香港)

邱子晏(1985年生於苗栗三義,現居工作於臺南)

傑基・康諾利(1990年生於紐約下哈德遜河谷,現居工作於紐約)

羅希尼・德瓦夏爾(1978年生於新德里,現居工作於新德里)

西蒙・迪布羅・莫勒(1976年生於奧胡斯,現居工作於哥本哈根)

莫娜・哈透姆(1952年生於貝魯特,現居工作於倫敦)

賀子珂(1990年生於貴陽,現居工作於北京及貴陽)

何彥諺(1993年生於臺北,現居工作於臺北)

安娜・葉爾莫萊娃(1970年生於列寧格勒,今聖彼得堡,現居工作於維也納及林茲)

伊娃・喬瑟邦(1975年生於巴黎,現居工作於巴黎)

金玟廷(1962年生於光州,現居工作於紐約及南法地區)

雅浸・金朝恩(1989年生於韓國,現居工作於紐約)

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯(1979年生於倫敦,現居工作於柏林及倫敦)

麗娜.拉蓓利代(1984年生於考納斯,現居工作於倫敦及維爾紐斯)

歐馬爾・米斯馬爾(1986年生於貝卡谷地,現居工作於貝魯特)

倪灝(1989年生於新竹,現居工作於新竹)

卡蜜兒・諾門(1970年生於馬里蘭銀泉,現居工作於奧斯陸)

亨里克・奧利維拉(1973年生於聖保羅歐里尼奧斯,現居工作於倫敦)

帕梅拉・法提莫・桑斯川(1980年生於莫楚迪,現居工作於海牙)

邦尼・羅傑斯(1990年生於休士頓,現居工作於紐約)

澤拓(1977年生於石川縣,現居工作於倫敦及金澤市)

西爾維・塞利格(1941年生於尼斯,現居工作於巴黎)

傑瑞米・蕭(1977年生於北溫哥華,現居工作於柏林)

・斯塔夫(1987年生於伯格諾里吉斯,現居工作於洛杉磯及倫敦)

卓永俊(1989年生於首爾,現居工作於柏林)

高田冬彦(1987年生於廣島縣,現居工作於千葉)

蕭崇(1987年生於海陽,現居工作於柏林)

基里亞科斯・托波利迪斯(1997年生於埃森,現居工作於柏林)

阿瓦羅・烏爾巴諾(1983年生於馬德里,現居工作於柏林及巴黎)

王湘靈(1984年生於臺北,現居工作於臺北)

王耀億(1987年生於臺南,現居工作於臺北)

納里・沃德(1963年生於聖安德魯,現居工作於紐約)

吳家昀(1988年生於臺灣,現居工作於紐約)

李受俓(1963年生於首爾,現居工作於首爾)

橫溝靜(1966年生於東京,現居工作於倫敦)

于吉(1985年生於上海,現居工作於紐約及當地)

張如怡(1985年生於上海,現居工作於上海)

托比亞斯・茲耶羅尼(1973年生於烏帕塔,現居工作於柏林)

來趟當代鑑賞之旅,一次看成4檔個展!「伊日藝術計劃」雙空間齊開至8/29:台日創作者會聚內湖畫廊,亮點作品全導覽
來趟當代鑑賞之旅,一次看成4檔個展!「伊日藝術計劃」雙空間齊開至8/29:台日創作者會聚內湖畫廊,亮點作品全導覽

內湖畫廊「伊日藝術計劃」旗下雙空間齊開,台日創作者王冠蓁、蔡瑞恒、新藤杏子、蓮輪友子全新個展現正亮相!隨本篇前進媒材、技法各不相同的當代雕塑及繪畫藝術家悉心構築的風格宇宙,在搶先感受現場氛圍之餘,逐一尋獲埋藏作品背後的驚喜。即日起至2026年8月29日前,不妨再親身來趟當代鑑賞之旅,一次看成4檔個展。

旨在透過展覽策劃、出版研究與跨域合作探討藝術如何介入社會,台灣當代畫廊「伊日藝術計劃」即日起至2026年8月29日,於品牌旗下坐落台北內湖的伊日藝術計劃空間伊日後樂園兩大主要展場雙層展廳,重磅推出分別由4位台日創作者帶來的全新個展,同步展示曾以《意識的推手》獲2025臺北美術獎優選的台灣雕塑藝術家王冠蓁、另位台灣繪畫藝術家蔡瑞恒,以及兩位日本藝術家新藤杏子、蓮輪友子精彩作品。

伊日藝術計劃空間。(圖片來源:伊日藝術計劃官方網站)
伊日藝術計劃空間。(圖片來源:伊日藝術計劃官方網站)
伊日後樂園。(圖片來源:伊日藝術計劃官方網站)
伊日後樂園。(圖片來源:伊日藝術計劃官方網站)

王冠蓁《尚未命名的涼亭》

台灣藝術家王冠蓁於此次個展呈現的同名雕塑系列《尚未命名的涼亭》,汲取靈感於自身童年時期經常造訪的苗栗景點「秋茂園」,且揉合她近年到蘭嶼旅行的經驗,以生活中常見的涼亭為靈感進行創作;從秋茂園內充滿時代感的怪奇景觀,到蘭嶼沿海地帶被拿作休憩與交流場所運用的高腳涼亭,皆成其重要想像來源。藉由陶土的堆塑與轉化,藝術家所勾勒的不僅是建築形式,更是一只只允許停留、提供庇護,並盛裝地方情感的記憶載體。在這些介於雕塑與微型景觀之間的作品裡,涼亭化身得讓人們短暫停歇的精神空間,兼映現作者和觀者在日常移動下尋找安定與歸屬的渴望。

(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
王冠蓁個展《尚未命名的涼亭》全景。(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
王冠蓁個展《尚未命名的涼亭》全景。(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)

藝術家檔案

王冠蓁,1991年生,2018年取得臺北藝術大學美術系碩士學位。其創作獨具的疏離孤獨氛圍,尤給人恍如漂浮外太空般的無重力之感;哪怕偶有一絲溫情萌發在她彩筆下的人物肌理中,也隨即就被周圍無止境的黑暗吞噬。然若逐件細賞雕塑上看似漠然的表情,卻彷彿能夠感知作者正淡淡述說著關於失去的絕望心情——那些潛藏的情緒張力,聽得見嘆息,又極其溫柔。冷靜與熱情只相隔一層膜的距離,正是所有作品最引人入勝之處。2025年以《意識的推手》獲臺北美術獎優選殊榮,過去創作亦曾受臺灣美術館典藏。

蔡瑞恒《晃動的神像》

台灣藝術家蔡瑞恒善用隱喻性繪畫語言,臨摹當代社會普遍存在的焦慮、困惑與失控感,創作風格遊走於幽默與憂傷之間地帶。此次個展沿襲他向來對不穩定狀態的思考,巧妙自1985年愛爾蘭「聖母像晃動事件」延伸出展覽題名,且將這則集體目擊事件視為一種隱喻:當那些被視為穩固、神聖或理所當然的信念開始產生細微晃動,既定的秩序也隨之出現裂縫,新的觀看方式便得以展開。承此脈絡,藝術家挪用包括騎士、雕像、吊燈等富宗教與歷史象徵的中世紀圖像,進而以濕潤、透明且略帶混濁質地的筆觸重新詮釋,透過讓符號脫離原有意義,使神聖與荒誕並存。畫中各角色彷彿共同參與一場明知虛構卻仍持續完成的儀式,在不斷晃動的縫隙裡,照見當代人面對現實微妙而複雜的生存狀態。

(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
蔡瑞恒個展《晃動的神像》全景。(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
蔡瑞恒個展《晃動的神像》全景。(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)

藝術家檔案

蔡瑞恒,1989年生,2018年取得臺北藝術大學美術系碩士學位。創作上擅於處理某種關於崩壞世界的錯置與重組,進而轉化自身無能改變現狀的憤怒為無賴般的攪和——這些崩壞不全然取材自藝術家本人,也經常由媒體和想像構成。作品多揭示「無能者」在現實世界巨大齒輪碰撞下被撕扯和輾壓的感受,畫面故常以既熟悉又陌生的混亂、矛盾、滑稽感與懸置感,呈現人們面對生命的迷茫。曾入圍澳洲BAM Art Prize,並於2021、2022年兩度登上英國知名藝術雜誌ARTMAZE Mag。

新藤杏子《Between the Terrarium and the Beyond》

日本藝術家新藤杏子長期圍繞記憶生命循環自然秩序創作。她融會日常經驗與與神話傳說,在具象與抽象之間構築持續生成的獨特景觀。作品中出現的孩童、動植物乃至庭園意象,既取自現實世界,又指向潛藏時間深處的精神空間。此次個展描繪介於封閉與開放、有限與無限的狀態;整體展出如生態瓶中的微型宇宙,除有生命不斷經歷誕生、變化與再生,亦可見過去與未來、神話與現實交織其中。透過一系列新作,藝術家邀觀者走進微觀與宏觀之間的場域,重新感知生命流轉的軌跡,和萬物彼此相連的細微網絡。

(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
新藤杏子個展《Between the Terrarium and the Beyond》全景。(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
新藤杏子個展《Between the Terrarium and the Beyond》全景。(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)

藝術家檔案

新藤杏子(Kyoko Shindo),1982年生,2007年自多摩美術大學美術研究所畢業,現為日本當代繪畫領域別具代表性的藝術家之一。其創作源自對日常生活與內在感知的細膩體察,且透過反覆的內省與轉化,逐步將個人情感記憶凝聚為創作語彙。對她而言,創作恰似自然界的生成與回返:生命從土壤中萌生、成長,最終歸於大地,並在循環中孕育新可能。她屏棄傳統油畫厚重的表現方式,轉而憑藉近似水彩般通透柔軟富時間感和流動性的繪畫質地,搭建充滿生命力的感知空間;時而輕盈明媚、時而濃密深沉的筆觸,使作品始終流露介於夢境與現實之間的曖昧狀態。2022年獲日本SOMPO美術館主辦之FACE展大獎,亦曾入選第10屆Gunma Biennale for Young Artists和首屆Kumamoto Art Award等重要展覽及獎項。

蓮輪友子《小星星》

日本藝術家蓮輪友子不懈藉由創作探索觀看記憶情感留存的關係。此次集結其最新畫作的個展,指向一種觀看世界的態度:那些曾相遇的人物、風景與日常片刻,皆具備被凝視與珍藏的價值。她用近乎讚頌的目光注視前述存在,並以繪畫保存難以停駐的瞬間,使它們得在時間外延續。當錄像中的幀幀影格在轉譯為繪畫的過程中逐漸脫離原有時序,其中人物、景物與色彩亦受拆解與重組,形成如同視覺暫留般的畫面結構——所有形象既來自真實經驗,也揉有記憶與想像成分。總的來說,繪畫之於藝術家而言並非對現實的再現,而是一種留存情感的方式:原本屬於個人的觀看經驗,在色彩與筆觸之中漸被開放,成為觀者能夠投射感受、產生共鳴的場域。

(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
蓮輪友子個展《小星星》全景。(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)
蓮輪友子個展《小星星》全景。(圖片提供:伊日藝術計劃 YIRI ARTS)

藝術家檔案

蓮輪友子(Tomoko Hasuwa),1981年生,2006年自京都市立藝術大學美術研究所畢業。其創作始於觀看,且有別於多數畫家取靜態照片作為素材,她擅長利用電腦循環播放自己拍攝的動態影像,再經肉眼捕捉,將畫面拆解成一系列「連作」,產生類似殘影的效果。有些擷取景物局部,有些則來自記憶碎片或生活中的浮光掠影,供觀者憑主觀視覺調和其他色彩,進而對應自身生命光譜,找到似曾相識的感動。曾在日本、台灣、美國、荷蘭、西班牙等多地舉辦個展及聯展。

伊日藝術計劃台日藝術家個展

  • 時間:即日起至2026年8月29日,週二至週六14:00-19:00
  • 地點:

1. 伊日後樂園(台北市內湖區新明路66號)

【1F】王冠蓁《尚未命名的涼亭》

【2F】蔡瑞恒《晃動的神像》

2. 伊日藝術計劃空間(台北市內湖區新明路86巷1號)

【1F】新藤杏子《Between the Terrarium and the Beyond》

【B1&1F】蓮輪友子《小星星》

>> 更多資訊可至伊日藝術計劃官方網站官方社群查看。

資料提供|伊日藝術計劃          文字整理|Ning Chi

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西班牙藝術家Ana de Alvear全新個展《慾望之物:微觀與巨觀的交會之境》即將於2026年8月15日至9月26日在台北双方藝廊舉辦。(圖片提供:双方藝廊)

綜覽藝術家Ana de Alvear生平

1962年出身馬德里,現為西班牙當代藝術的重要代表之一。她善用多重媒材進行創作,藝術實踐範疇涵蓋平面大型繪畫、錄像乃至表演和現地製作的跨領域裝置等豐富類型,其中又以單純使用色鉛筆所繪製幾可亂真的石頭色澤與紋理、細膩入微的植物昆蟲等人造視覺幻象聞名於世。

Ana de Alvear尤擅創作單以色鉛筆為媒材的超寫實繪畫。(圖片提供:双方藝廊)
Ana de Alvear尤擅創作單以色鉛筆為媒材的超寫實繪畫。(圖片提供:双方藝廊)

過去除在歐洲備受推崇,2025年亦憑創新視野獲得台北當代藝術博覽會「新生維度藝術家獎(Edge Artist Award)」殊榮。曾在法國龐畢度中心、西班牙索菲亞王后國家藝術中心博物館、美國聖地牙哥美術館、日本原美術館、韓國國立現代美術館首爾館等世界各地場館展出。作品並受美國聖地牙哥美術館、底特律美術館等機構典藏。

藝術家於2025台北當代藝術博覽會展位。(圖片來源:Ana de Alvear Instagram @anadealvear)
藝術家於2025台北當代藝術博覽會展位。(圖片來源:Ana de Alvear Instagram @anadealvear)

洞悉全新個展《慾望之物》概念

展名「慾望之物:微觀與巨觀的交會之境」靈感汲取自藝術家Ana de Alvear自述,以及美國詩人暨文學評論家Susan Stewart探討微縮模型、巨物、紀念品與收藏品的知名著作《論渴求(On Longing)》。後者分析的微觀與巨觀,視身體為人類感知尺度的基準,指出身體恰恰體現「容器與被包含物」的悖論。前者的色鉛筆畫作則充分反映這場身體與尺度的辯證:人在凝視微縮宇宙時,彷彿擁有全知的視覺掌控權,然當面對浩瀚空間,我們的身體卻又淪為被包圍和吞噬的局部,只得穿梭周遭風景,抽象地向巨大的外在世界投射感知。

(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)

▼ 3大系列亮點展品一次看

Ana de Alvear長期通過創作挑戰人類潛意識中的既定原型,進而運用該概念促發觀者的認同或排斥感,觀者因此必須克服自身抗拒,才得以完整關乎「主體性」的核心思維。其作品尤其刻意從慣常脈絡中抽離現實所參照的元素,以促成改變內在意義並模糊固有界線之效,迫使觀者於看展過程中不斷遊走縮小與放大的尺度間。好比在微觀視野方面,帶有底片印樣的《苔蘚》系列正玩弄真實情境與視覺幻象:看似經微距攝影捕捉的微縮畫面,實為尺寸達66*96公分的色鉛筆畫作。

(圖片提供:双方藝廊)
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(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
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以各色各式石塊為主體的《收藏之物》系列另自「所有孩子都從收集彩色石頭開始⋯⋯我們都是囤積者」觀點呼應Susan Stewart的論述:收藏的本質,是以分類(即藏家重新建立的體系)取代歷史(即物件原來帶有的脈絡),且將時間轉化為空間性秩序;人類藉由囤積物件,在私有場域中構建出一個可以完全被掌控的封閉宇宙——將外在世界內部化的渴望,也可謂Ana de Alvear對「慾望之物」四字的關鍵詮釋。

(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)

又或者在巨觀視野方面,藝術家縝密勾勒《虛無迷宮》系列中充滿無盡倒影與開闔房間的迷宮。這些向四面八方拓展的空間,無疑打破觀者身體作為「容器」與「被包含物」的界線。

(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)

此次新展,Ana de Alvear巧妙並置全採色鉛筆描繪的極小與極大場景,讓微觀與巨觀交融於場內,引領觀者在兩者的無縫切換中尋找自我極限。

Ana de Alvear個展《慾望之物:微觀與巨觀的交會之境》

  • 時間:2026年8月15日至9月26日,週二至六12:00-18:00
  • 地點:双方藝廊(台北市中山區北安路770巷30號)

>> 更多資訊可至双方藝廊官方網站官方IG查看。

資料提供|双方藝廊          文字整理|Ning Chi

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