2025台北雙年展主題公布!《地平線上的低吟》從臺灣錯綜歷史切入,藉藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》(Whispers on the Horizon)以臺灣錯綜複雜的歷史為背景,透過多元當代的創作語彙,探究「思慕」(yearning)這個難以明說卻又驅策行動的深層渴望。展覽由策展人山姆.巴塔維爾與提爾.法爾拉特(Sam Bardaouil and Till Fellrath)共同策劃,匯集來自全球35個城市、共54位藝術家的作品,將於2025111日至2026329日展出。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》主視覺,由柏林團隊EPS51設計。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展策展人山姆.巴塔維爾(右)和提爾.法爾拉特(左)。(圖片提供:臺北市立美術館)

從臺灣歷史切入,藉藝術追尋「思慕」的多重意義

臺灣錯綜交織的歷史——從殖民統治、認同掙扎到政治更迭——形塑了這次雙年展的背景。《地平線上的低吟》挖掘「思慕」的本質及其錯綜複雜的地層:它不僅是欲望,更是一種灼燒於心的渴求;它在個人記憶與集體歷史中流轉、在過去與未來間縈繞,也在現實與虛妄、歸屬與離散、消逝與恆常間迴盪;它是一種難以捉摸的引力,驅使著人們盡力前行、奮力邁進,卻終將是個永難企及的追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
王耀億,《合拍片》,錄像截圖。(圖片提供:王耀億)

《地平線上的低吟》以臺灣為起點,其所關注的主題卻不止於此——「思慕」存在於每個地方、每個時代在不同文化脈絡中潛行,是遷徙的痛、是思念的家;是身份與認同的追尋,是默默生根、持續醞釀的渴望。「思慕」從不停歇,也難以抹煞;飄忽無形、游移不定,卻又頑強真切地深植人心。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
羅希尼・德瓦夏爾,《鏡日》(暫名),2025。(圖片提供:羅希尼・德瓦夏爾)
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帕梅拉・法提莫・桑斯川,《SCENE 58》,2024,鉛筆、油畫、木板,140 x 300 公分。(圖片提供:帕梅拉・法提莫・桑斯川、倫敦Goodman Gallery/攝影:Alexander Edwards)

不見於展場、卻構築策展概念的三個物件

「地平線上的低吟」策展構想源自3個與臺灣歷史密切相關的物件──尪仔、日記與單車,來自3件不同時代的台灣文學及電影作品。尪仔,活在侯孝賢的電影《戲夢人生》(1993)的世界裡,呼應著李天祿動蕩不安的生命;日記,來自陳映真的短篇小說《我的弟弟康雄》(1960),記錄著一個年輕人對於理想的深切渴望;單車,存在於吳明益的作品《單車失竊記》(2015),追憶著消失在歷史中的父親身影。這些物件雖未現身展場,卻如銘刻於記憶的線索、潛流於空間的低語,提醒著人們:「思慕」雖關乎失落,亦是擁有,它不只是嚮往追尋,更包含我們所承載背負的信念。

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亨里克・奧利維拉,《減數分裂》,2014,膠合板、家具,93 × 147 × 83 公分,77 × 130 × 83 公分。私人收藏。(圖片提供:亨里克・奧利維拉)

陳澄波、陳進等臺灣畫家作品,讓「思慕」更為深邃

展覽亦從臺北市立美術館收藏的20世紀初期畫作,包括陳澄波、陳進及陳植棋等人的畫作,以及國立故宮博物院的典藏文物中汲取靈感,為「思慕」注入更深層的歷史紋理與文化縱深。穿越時代更迭、文化變遷與政治動盪,這些典藏作品成了視覺與概念的橋樑,以及跨越時空的殘響——封存於顏料與瓷釉之中,或隨筆觸與器物流轉。

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陳澄波,《新樓》,1943,油彩、畫布,72.7 × 90.9公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)
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陳進,《悠閒》,1935,膠彩、絹,136 x 161公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)

青壯年藝術家齊聚,跨領域媒材、回應現場空間的現地展演

2025台北雙年展將展出33件新委託創作和特定場域裝置,曾展出的作品也將回應美術館獨特的建築空間與城市脈絡。特別的是,近半數參展藝術家出生於1984年後,透過不同世代,帶著當代語境的思考,展現對於現今世界的即時視角,並以不同形式,回應過去與未來的連結,展開對「思慕」的多層次探索。展覽作品橫跨多種媒材與表現形式,作品風格多變,從視覺上的奇想,到結構上的重組,從親密細膩的個人體驗,到集體記憶的碰撞反思,讓「思慕」成為一種可以感知、得以進入,又能持續尋找、期待與探究的存在。

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伊凡娜・巴希奇,《氣動激情》,2020-2024,客製鑄造與熱彎玻璃、不鏽鋼、粉紅雪花石膏、吹製玻璃、氣息、氣動鎚、壓力、客製賽車排氣歧管、客製電路、麥克風、混音器、揚聲器、空氣壓縮機、蠟、白色雪花石膏、青銅、油畫顏料。(圖片提供:伊凡娜・巴希奇)
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莫尼亞・班・哈穆達,《Ya'aburnee (يقبرني (-) 未譯碎片 I)》,2025,塔拉大理石,106 × 85 × 15 公分。(圖片提供:莫尼亞・班・哈穆達)
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莫娜・哈透姆,《小室》(局部),2012-2013,低碳鋼、手工吹製玻璃,共八件,170 公分,寬度與深度不定。(圖片提供:莫娜・哈透姆、巴黎Chantal Crousel藝廊/攝影:Florian Kleinefenn)

「唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己」

《地平線上的低吟》穿梭於現實與想像,遊走在遺落與將成的各種時態之間,作品挖掘個人事件或構築虛擬世界,映照當前現況與異想未來。「思慕」不再只是抽象的情感,更是探尋自身定位的關鍵線索。於此,《地平線上的低吟》進一步揭示了思慕的真相:唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己。這裡沒有禁忌、不是答案、亦非解方,唯有「低吟」。

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高田冬彦,《The Princess and the Magic Birds》,2020-2021,單頻道有聲錄像,17分52秒。(圖片提供:高田冬彦)
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麗娜.拉蓓利代,《斜波研究》(又名,沉默者),2022,於法國 Lafayette Anticipations演出。(圖片提供:麗娜.拉蓓利代)

202514屆台北雙年展《地平線上的低吟》

展期|2025.11.012026.03.29

地點|臺北市立美術館

 

參展藝術家|按英文姓氏首字母排序

法特瑪・阿布杜哈迪1988年生於利雅德,現居工作於利雅德)

阿夫拉・阿達希里(1988年生於阿布達比,現居工作於阿布達比)

穆罕默德・阿法拉傑(1993年生於阿哈薩,現居工作於阿哈薩)

寇拉克里・阿讓諾度才(1986年生於曼谷,現居工作於紐約及曼谷)

伊凡娜・巴希奇(1986年生於貝爾格勒,現居工作於紐約)

拉納・貝古姆(1977年生於錫爾赫特,現居工作於倫敦)

莫尼亞・班・哈穆達(1991年生於米蘭,現居工作於開羅安及米蘭)

雅各波・貝納西(1970年生於拉斯佩齊亞,現居工作於拉斯佩齊亞)

赫拉・比于塔詹(1984年生於伊斯坦堡,現居工作於伊斯坦堡)

陳澄波(1895-1947,出生於嘉義)

陳植棋(1906-1931,出生於臺北廳,今新北市)

陳進(1907-1998,出生於新竹)

艾德加・卡萊爾(1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特,現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特)

陳柏豪(1982年生於高雄,現居工作於鹿特丹)

致穎(1985年生於臺北,現居工作於臺北及柏林)
加埃爾・肖瓦內(1985年生於瑟堡,現居工作於巴黎)
莊偉(1990年生於廣東,現居工作於柏林及香港)

邱子晏(1985年生於苗栗三義,現居工作於臺南)

傑基・康諾利(1990年生於紐約下哈德遜河谷,現居工作於紐約)

羅希尼・德瓦夏爾(1978年生於新德里,現居工作於新德里)

西蒙・迪布羅・莫勒(1976年生於奧胡斯,現居工作於哥本哈根)

莫娜・哈透姆(1952年生於貝魯特,現居工作於倫敦)

賀子珂(1990年生於貴陽,現居工作於北京及貴陽)

何彥諺(1993年生於臺北,現居工作於臺北)

安娜・葉爾莫萊娃(1970年生於列寧格勒,今聖彼得堡,現居工作於維也納及林茲)

伊娃・喬瑟邦(1975年生於巴黎,現居工作於巴黎)

金玟廷(1962年生於光州,現居工作於紐約及南法地區)

雅浸・金朝恩(1989年生於韓國,現居工作於紐約)

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯(1979年生於倫敦,現居工作於柏林及倫敦)

麗娜.拉蓓利代(1984年生於考納斯,現居工作於倫敦及維爾紐斯)

歐馬爾・米斯馬爾(1986年生於貝卡谷地,現居工作於貝魯特)

倪灝(1989年生於新竹,現居工作於新竹)

卡蜜兒・諾門(1970年生於馬里蘭銀泉,現居工作於奧斯陸)

亨里克・奧利維拉(1973年生於聖保羅歐里尼奧斯,現居工作於倫敦)

帕梅拉・法提莫・桑斯川(1980年生於莫楚迪,現居工作於海牙)

邦尼・羅傑斯(1990年生於休士頓,現居工作於紐約)

澤拓(1977年生於石川縣,現居工作於倫敦及金澤市)

西爾維・塞利格(1941年生於尼斯,現居工作於巴黎)

傑瑞米・蕭(1977年生於北溫哥華,現居工作於柏林)

・斯塔夫(1987年生於伯格諾里吉斯,現居工作於洛杉磯及倫敦)

卓永俊(1989年生於首爾,現居工作於柏林)

高田冬彦(1987年生於廣島縣,現居工作於千葉)

蕭崇(1987年生於海陽,現居工作於柏林)

基里亞科斯・托波利迪斯(1997年生於埃森,現居工作於柏林)

阿瓦羅・烏爾巴諾(1983年生於馬德里,現居工作於柏林及巴黎)

王湘靈(1984年生於臺北,現居工作於臺北)

王耀億(1987年生於臺南,現居工作於臺北)

納里・沃德(1963年生於聖安德魯,現居工作於紐約)

吳家昀(1988年生於臺灣,現居工作於紐約)

李受俓(1963年生於首爾,現居工作於首爾)

橫溝靜(1966年生於東京,現居工作於倫敦)

于吉(1985年生於上海,現居工作於紐約及當地)

張如怡(1985年生於上海,現居工作於上海)

托比亞斯・茲耶羅尼(1973年生於烏帕塔,現居工作於柏林)

栽進作家筆下的「載物袋」裡!上海香奈兒空間《從邊緣開始收集》導覽:17組團隊、31件作品探討文本如何啟發藝術表達
栽進作家筆下的「載物袋」裡!上海香奈兒空間《從邊緣開始收集》導覽:17組團隊、31件作品探討文本如何啟發藝術表達

上海當代藝術博物館現正呈獻與香奈兒文化基金聯合策動的「新文化製作人」現場展覽《從邊緣開始收集》。從本文率先了解該專案實踐內容,並接續走進位於館內3樓的嘉柏麗香奈兒空間,一探17組參展藝術家及團隊、31件多媒材作品蘊含巧思。

由上海當代藝術博物館(Power Station of Art, PSA)與香奈兒文化基金(CHANEL Culture Fund)攜手執行的「新文化製作人」專案,即日起至2026年10月8日選址館內3樓、方於2025年11月底正式向大眾開放的嘉柏麗香奈兒空間(Espace Gabrielle Chanel)設計中心(psD),帶來第四季「文本與藝術」主題大展《從邊緣開始收集》。繼前三季對手工藝、建築與劇場等不同領域的關注,本季展覽內容探索廣義而具體的文本,何以作為創作語言和思考模型,啟發當代藝術及多元文化實踐中的突破性敘事表達。

上海當代藝術博物館X香奈兒文化基金「新文化製作人」第四季「文本與藝術」主題大展《從邊緣開始收集》。(圖片提供:上海當代藝術博物館)
上海當代藝術博物館X香奈兒文化基金「新文化製作人」第四季「文本與藝術」主題大展《從邊緣開始收集》。(圖片提供:上海當代藝術博物館)

前情提要:「新文化製作人」主要在做什麼?

全案由上海當代藝術博物館與香奈兒文化基金於2021年共同發起,旨在為具有文化視野的探索者、創作者、實踐者、堅守者提供全方位展示舞台。第一季聚焦「手藝再興」主題,藉於2022年11月5日至2023年2月5日舉辦的雙展《狂人之丘》與《回到未來:穿越時代的屏障》,引起各界對中國手藝當下境遇與再興可能性的熱議。第二季面向「活性建築」主題,於2023年7月15日至10月8日以單展《影之道》探討中國南方的「陰影」,如何憑其複雜性與連續性不斷拓展建築空間的不穩定邊界、活化中國文化深厚的內在能量。第三季定調「劇場」主題,於2025年7月12日至10月8日構建一座持續發生的寫意劇場《正午、荒原、息流、瓦捨、廢墟、劇場》,從而消解戲劇、表演與展覽的傳統邊界。

嘉柏麗香奈兒空間。(圖片來源:上海當代藝術博物館官方網站)
嘉柏麗香奈兒空間。(圖片來源:上海當代藝術博物館官方網站)
設計中心。(圖片來源:上海當代藝術博物館官方網站)
設計中心。(圖片來源:上海當代藝術博物館官方網站)

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本季則著眼「文本與藝術」主題,再以單展《從邊緣開始收集》溯游新聞報導虛構文學間,並經跨學科的創作實踐開展一場關乎文本性的當代藝術探究。兩位新一屆新文化製作人李雅倫、錢夢妮,遂從上述兩種文本出發,詮釋文本與藝術、個體與世界的關係。在她們看來,新聞、文學、影像、建築乃至更廣義當代藝術創作,皆可憑藉敏銳感知,從生活邊緣收集脆弱、柔軟和詼諧,也同時由不同角度反映或抵抗某種隱形的結構性暴力;如果將散落的「不可言說」與「不被言說」之物蒐集起來,便能連接自我與世界,正如透過閱讀新聞跳出資訊繭房、透過閱讀文學脫出個人經驗。

開幕嘉賓合影。(圖片提供:上海當代藝術博物館)
開幕嘉賓合影。(圖片提供:上海當代藝術博物館)

走進現場:裝填31件展品的「載物袋」,邀觀者思考主客體關係

展覽採美國作家娥蘇拉勒瑰恩(Ursula Le Guin)筆下的「載物袋」形式組織作品——拒絕宏大敘事的統領,轉而積攢日常碎片,藉以和觀眾共同思考敘事主體與客體之間的權力關係。特別為本展搭建的木質環形展架,圍合成一個具褶皺、形如載物袋的橢圓空間,將原來設計中心的白立方一分為內裡和邊緣兩部分。展架內側牆面選用柔軟的毛氈包裹,並裝填31件來自當代藝術、建築及文學等領域的作品。整體布展則始於邊緣,以散置手法在展架外圍牆面分別呈現一篇深度新聞報導與一篇小說的文本。各參展作品的創作方法且與新聞報導和虛構文學的敘事方式互有隱蔽呼應:一邊從現實世界選取素材,再現、分析、改編;一邊從主觀感受出發,流露、抒發、表達。

展場一隅。(圖片提供:上海當代藝術博物館)
展場一隅。(圖片提供:上海當代藝術博物館)
(圖片提供:上海當代藝術博物館)
(圖片提供:上海當代藝術博物館)

精彩展品一覽

劉任

展覽入口處,劉任利用草紙形塑的立體作品《關鍵時刻》和平面作品《2個單詞》,分別再現生活物件和新聞詞彙,揭露個體面對現實困境時的出神狀態。

劉任《關鍵時刻》,2024,草紙、油彩、綜合材料,17*23.8*15.7cm。(圖片提供:劉任、阿那亞藝術中心)
劉任《關鍵時刻》,2024,草紙、油彩、綜合材料,17*23.8*15.7cm。(圖片提供:劉任、阿那亞藝術中心)
劉任《兩個單詞》,2011,草紙、油彩,21.5*14.4cm。(圖片提供:劉任)
劉任《兩個單詞》,2011,草紙、油彩,21.5*14.4cm。(圖片提供:劉任)

楊露子

楊露子從文字圖表裝置(下圖為裝置)3個層次展開對記憶和意識的探索,記錄自己兒時曾策劃、執行並放棄專案項目的過程。

楊露子《雙盡柏,記憶與意識》(局部),2022,鋁塑板、松柏、綜合材料,尺寸可變。(圖片提供:楊露子)
楊露子《雙盡柏,記憶與意識》(局部),2022,鋁塑板、松柏、綜合材料,尺寸可變。(圖片提供:楊露子)

唐藝窈

唐藝窈拍攝工廠廢墟內餘下的生活用品,在裝置《庇護,停留》中使用廢舊建築板材與彎折的鐵片,捕捉被遺落的日常痕跡。

唐藝窈《庇護,停留》,2024-2026,銀尖筆、油墨、鐵,10*20*5cm/件(共46件),整體尺寸可變。(圖片提供:唐藝窈)
唐藝窈《庇護,停留》,2024-2026,銀尖筆、油墨、鐵,10*20*5cm/件(共46件),整體尺寸可變。(圖片提供:唐藝窈)

孫海霆

孫海霆藉類型學(Typology)式的鏡頭收集北京最常見的住宅板樓,審視同質化日常景觀中的個體生活。

孫海霆《北京大板樓》,2019-2022,攝影,尺寸可變。(圖片提供:孫海霆)
孫海霆《北京大板樓》,2019-2022,攝影,尺寸可變。(圖片提供:孫海霆)

張子彥

張子彥的《渡》、《掃》,經由影像聚焦聚光燈外的建築清潔和維護工作。

張子彥《渡》(靜幀),2025,單頻道影像,20分鐘。(圖片提供:張子彥)
張子彥《渡》(靜幀),2025,單頻道影像,20分鐘。(圖片提供:張子彥)

張可睿

張可睿的《敷面膜的人也是複製人》系列畫作超越現實語境,每張畫都可被視作通向一篇小說的入口。

張可睿《敷面膜的人也是複製人》,2025,布面綜合媒材,23*16*5cm。(圖片提供:張可睿)
張可睿《敷面膜的人也是複製人》,2025,布面綜合媒材,23*16*5cm。(圖片提供:張可睿)

李文嘉

李文嘉的《唱歌的杯子》同樣在展場中造出異境,NPC(非玩家角色)通過影像裝置提出問題,討論個體如何跳脫心理上的沉湎和孤寂。

李文嘉《唱歌的玻璃杯》(靜幀),2023/2026,多頻道影像(2023首演、2026為PSA重新製作)。(圖片提供:李文嘉)
李文嘉《唱歌的玻璃杯》(靜幀),2023/2026,多頻道影像(2023首演、2026為PSA重新製作)。(圖片提供:李文嘉)

▍鍾雲舒

鍾雲舒的雕塑將字母、詞語、符號、日用品、現成品串聯重組,再藉元素間的張力質疑既定的秩序與邊界。

鍾雲舒《n.將反射限制在內部》,2020,日本二手鑄鐵鍋、鑄鐵架、字母磁片,110*30*20cm(左);《t.取消條件,調整角度》,2020,訂製圖案瓷板、鐵藝支架、壓克力盤,32*35*35cm。(右)(圖片提供:鍾雲舒)
鍾雲舒《n.將反射限制在內部》,2020,日本二手鑄鐵鍋、鑄鐵架、字母磁片,110*30*20cm(左);《t.取消條件,調整角度》,2020,訂製圖案瓷板、鐵藝支架、壓克力盤,32*35*35cm。(右)(圖片提供:鍾雲舒)

▍鍾笛鳴

鍾笛鳴將裝置作品設定在「需要遠眺」或「費力才能看到」的狀態,與鄭源(另位參展藝術家)的影像中幾乎沒有交流但又同處一室的友人們共享相似精神面貌。

鍾笛鳴《高危》(靜幀),2024,單頻道影像,2分45秒。(圖片提供:鍾笛鳴、天線空間)
鍾笛鳴《高危》(靜幀),2024,單頻道影像,2分45秒。(圖片提供:鍾笛鳴、天線空間)
鐘笛鳴《最後一道菜》(局部),2024,紙、沙、磁鐵、鐵絲、細繩、塑膠、橡膠、環氧黏土、聚酯纖維、多種油漆,尺寸可變。(圖片提供:鐘笛鳴、天線空間)
鐘笛鳴《最後一道菜》(局部),2024,紙、沙、磁鐵、鐵絲、細繩、塑膠、橡膠、環氧黏土、聚酯纖維、多種油漆,尺寸可變。(圖片提供:鐘笛鳴、天線空間)

任莉莉、劉符潔

任莉莉的《落日如灼傷》、劉符潔的《通道》和《樹蔭間透過光的果實》,各採紫銅板、鋼和鋁為材,為日常生活中被遺忘的瞬間和不起眼的物件構建新敘事。

任莉莉《落日如灼傷》,2022,紫銅板、大理石、羽毛,尺寸可變。(圖片提供:任莉莉、魔金石空間)
任莉莉《落日如灼傷》,2022,紫銅板、大理石、羽毛,尺寸可變。(圖片提供:任莉莉、魔金石空間)
劉符潔《通道》,2023,不銹鋼、木板,135*70*55cm。(圖片提供:劉符潔、CLC畫廊)
劉符潔《通道》,2023,不銹鋼、木板,135*70*55cm。(圖片提供:劉符潔、CLC畫廊)
劉符潔《樹蔭間透過光的果實》,2023,鋁,33*32*27cm。(圖片提供:劉符潔、CLC畫廊)
劉符潔《樹蔭間透過光的果實》,2023,鋁,33*32*27cm。(圖片提供:劉符潔、CLC畫廊)

沙丘研究所

文化小組沙丘研究所的「沙丘辭典」計畫,以收集、編寫詞條為切角,提供專業術語一種既基於個人、卻又富開放性的重新闡釋。

沙丘研究所(陳飛樾、李雅倫、李若竹、陳一齊、宋淇森、呂孟汀)及其他貢獻者《沙丘詞典》,2026,網頁,尺寸可變。(圖片提供:沙丘研究所)
沙丘研究所(陳飛樾、李雅倫、李若竹、陳一齊、宋淇森、呂孟汀)及其他貢獻者《沙丘詞典》,2026,網頁,尺寸可變。(圖片提供:沙丘研究所)

方書君工作室、一介建築

方書君工作室和一介建築的建築實踐項目均圍繞建築師身處的場域展開,透過微型改造和社區行動,介入城市或鄉村的公共生活,以進一步連結社會。

方書君工作室《在“附近”工作-T10公交站》,中國北京市通州區小杜社村,2024-2026。(圖片提供:方書君工作室/攝影:朱雨蒙)
方書君工作室《在“附近”工作-T10公交站》,中國北京市通州區小杜社村,2024-2026。(圖片提供:方書君工作室/攝影:朱雨蒙)
方書君工作室《在“附近”工作-小杜社村中心公園》,中國北京市通州區小杜社村,2024-2026。(圖片提供:方書君工作室/攝影:朱雨蒙)
方書君工作室《在“附近”工作-小杜社村中心公園》,中國北京市通州區小杜社村,2024-2026。(圖片提供:方書君工作室/攝影:朱雨蒙)
一介建築(張唐、夏凡、陳申斌、周雨涵)《CACP“設計中?”》,中國成都市玉林二巷,2022-2024。(圖片提供:一介建築/攝影:存在建築-建築攝影)
一介建築(張唐、夏凡、陳申斌、周雨涵)《CACP“設計中?”》,中國成都市玉林二巷,2022-2024。(圖片提供:一介建築/攝影:存在建築-建築攝影)

展期內,一系列公共活動預計圍繞「文本與藝術」雙主線展開。開幕圓桌匯集對文本有深刻個人經驗的藝術家、電影人、建築師、寫作者,共同探討文本轉化為藝術形式的多重路徑。特別對話則以小說《刀痕》為引,叩問虛構文學在面對複雜社會矛盾時所激發的共鳴。與此同時,兩位策展人李雅倫、錢夢妮與參展藝術家亦將持續帶來多元教育活動,引領觀者「從邊緣開始收集」,深入藝術創作與文本實踐的第一現場,打撈那些被忽視的聲音與記憶

開幕圓桌。(圖片提供:上海當代藝術博物館)
開幕圓桌。(圖片提供:上海當代藝術博物館)

上海當代藝術博物館X香奈兒文化基金《從邊緣開始收集》

  • 時間:即日起至2026年10月8日11:00-19:00(18:00停止入場),週一休館
  • 地點:上海當代藝術博物館嘉柏麗香奈兒空間(上海市黃浦區苗江路678號3樓)

資料提供|上海當代藝術博物館          文字整理|Ning Chi

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日本藝術家橫溝美由紀個展《地景—行履無跡》登台:集結10餘件繪畫與裝置,以線性語言編織「平面上的立體世界」
日本藝術家橫溝美由紀個展《地景—行履無跡》登台:集結10餘件繪畫與裝置,以線性語言編織「平面上的立體世界」

同場呈獻平面繪畫與立體裝置,橫溝美由紀個展《地景—行履無跡》現正於台北双方藝廊迎各方觀者入內摸索時間軌跡。如展名「行履無跡」所示,藝術家透過彈灑顏料構築的織物般作品,引眾穿梭有形與無形,捕捉肉眼未見的事物。本篇邀你認識這位曾於台北國際藝術村駐村的日本藝術家,進而隨其創作潛進「平面上的立體世界」。

展場一隅。(圖片提供:双方藝廊)
展場一隅。(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)

坐落中山區北安路巷弄的台北双方藝廊(Double Square Gallery)即日起至2026年8月8日推出日本藝術家橫溝美由紀(Miyuki Yokomizo)個展《地景—行履無跡》。作為双方藝廊與該位藝術家的二度合作,全展鋪排橫溝美由紀10餘件繪畫與空間裝置作品;藉其擅長的線性語彙,帶領觀者在有形與無形的交界,尋溯記憶與時間中的微弱軌跡。

\ 先聽聽藝術家本人現身說法 /

橫溝美由紀個展《地景—行履無跡》即日起至2026年8月8日於台北双方藝廊展出。(圖片提供:双方藝廊)
橫溝美由紀個展《地景—行履無跡》即日起至2026年8月8日於台北双方藝廊展出。(圖片提供:双方藝廊)

▶ 總覽藝術家橫溝美由紀發跡脈絡

橫溝美由紀1968年生於日本東京,1994年自多摩美術大學雕塑系畢業取得藝術學士學位,隨後並獲日本文化廳「新進藝術家海外研修制度」獎助前往海外深造。1990年代起,始於日本國內外發表極簡主義裝置藝術,多運用塑膠等人造日常物件,強調時間、空間與光影的交互作用。2005年曾任京都國際藝術研究中心研究員。2001至2017年間陸續於包括台北國際藝術村在內的全球多座城市藝術機構展開駐村行動。這幾年來愈以構建嶄新的創作景觀和視覺體驗為目標,致力結合裝置藝術與平面作品,在畫布上重新詮釋、更甚於想像立體空間及其裝置性。作品現受羽田國際機場、日本國際交流基金會、關西醫科大學附屬醫院,以及京都四季酒店、麗思卡爾頓酒店等世界級酒店典藏。

日本藝術家橫溝美由紀。(圖片提供:双方藝廊)
日本藝術家橫溝美由紀。(圖片提供:双方藝廊)

過去遍及日本各地的展覽足跡包括1998年水戶藝術館《criterium 37》和埼玉縣立近代美術館《塑膠時代:藝術與設計》、2002年東京都現代美術館《傾斜的房子》、2003年DIC川村紀念美術館《被盜取的自然》,以及由日本國際交流基金會主辦、於2004至2019年間進行世界巡迴的《通往未來的路:日本新世代藝術展》。近期重要展出紀錄則有2021年Pola Museum Annex《風景:越過柔軟的地平線》、2023年Artizon美術館《抽象:抽象繪畫的起源與演變,從塞尚、野獸派、立體派至今》等。

橫溝美由紀利用細繩彈射顏料的獨特創作手法。(圖片提供:双方藝廊)
橫溝美由紀利用細繩彈射顏料的獨特創作手法。(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)

近賞台北個展《地景—行履無跡》多彩作品

紮實的雕塑背景促使橫溝美由紀習慣打破二維限制,視畫布為立體空間。本次展出的繪畫作品主要透過將沾有油畫顏料的細繩拉伸於畫布上,再以指尖撥動細繩,讓顏料在畫面中彈射一道道印記。無數縱橫疊置的線條勾勒出織物般肌理,誘發觀者深刻感知密度與力量的積累。除平面作品,藝術家亦跳脫畫布,採銀箔碳纖維管製作立體裝置,直接以整座空間為背景,延伸出可觸碰的線條,呼應展覽主題所示之「追逐並找尋看不見的軌跡」旨意。

(圖片提供:双方藝廊)
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(圖片提供:双方藝廊)
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(圖片提供:双方藝廊)

找尋記憶痕跡與時間碎片

展名「地景—行履無跡」為橫溝美由紀提出的創作概念。對她來說,地景(Landscape)並非眼前的風景或視野,而是多重觀點交織下的思考過程。據其自述提及,在無數次穿梭往返的旅程中,心中總交織著對未知土地的期待。她遂嘗試經由自身作品爬梳過往航線,進而找到記憶和時間中的微弱痕跡與碎片——正是這些難以捉摸、不可觸及、肉眼「未見」的事物,吸引著她持續創作。

(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
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(圖片提供:双方藝廊)
(圖片提供:双方藝廊)
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橫溝美由紀個展《地景—行履無跡》

  • 時間:即日起至2026年8月8日,週二至六12:00-18:00
  • 地點:双方藝廊(台北市中山區北安路770巷30號)

>> 更多資訊可至双方藝廊官方網站官方IG查看。

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