2025台北雙年展主題公布!《地平線上的低吟》從臺灣錯綜歷史切入,藉藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》(Whispers on the Horizon)以臺灣錯綜複雜的歷史為背景,透過多元當代的創作語彙,探究「思慕」(yearning)這個難以明說卻又驅策行動的深層渴望。展覽由策展人山姆.巴塔維爾與提爾.法爾拉特(Sam Bardaouil and Till Fellrath)共同策劃,匯集來自全球35個城市、共54位藝術家的作品,將於2025年11月1日至2026年3月29日展出。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》主視覺,由柏林團隊EPS51設計。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展策展人山姆.巴塔維爾(右)和提爾.法爾拉特(左)。(圖片提供:臺北市立美術館)

從臺灣歷史切入,藉藝術追尋「思慕」的多重意義

臺灣錯綜交織的歷史——從殖民統治、認同掙扎到政治更迭——形塑了這次雙年展的背景。《地平線上的低吟》挖掘「思慕」的本質及其錯綜複雜的地層:它不僅是欲望,更是一種灼燒於心的渴求;它在個人記憶與集體歷史中流轉、在過去與未來間縈繞,也在現實與虛妄、歸屬與離散、消逝與恆常間迴盪;它是一種難以捉摸的引力,驅使著人們盡力前行、奮力邁進,卻終將是個永難企及的追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
王耀億,《合拍片》,錄像截圖。(圖片提供:王耀億)

《地平線上的低吟》以臺灣為起點,其所關注的主題卻不止於此——「思慕」存在於每個地方、每個時代在不同文化脈絡中潛行,是遷徙的痛、是思念的家;是身份與認同的追尋,是默默生根、持續醞釀的渴望。「思慕」從不停歇,也難以抹煞;飄忽無形、游移不定,卻又頑強真切地深植人心。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
羅希尼・德瓦夏爾,《鏡日》(暫名),2025。(圖片提供:羅希尼・德瓦夏爾)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
帕梅拉・法提莫・桑斯川,《SCENE 58》,2024,鉛筆、油畫、木板,140 x 300 公分。(圖片提供:帕梅拉・法提莫・桑斯川、倫敦Goodman Gallery/攝影:Alexander Edwards)

不見於展場、卻構築策展概念的三個物件

「地平線上的低吟」策展構想源自3個與臺灣歷史密切相關的物件──尪仔、日記與單車,來自3件不同時代的台灣文學及電影作品。尪仔,活在侯孝賢的電影《戲夢人生》(1993)的世界裡,呼應著李天祿動蕩不安的生命;日記,來自陳映真的短篇小說《我的弟弟康雄》(1960),記錄著一個年輕人對於理想的深切渴望;單車,存在於吳明益的作品《單車失竊記》(2015),追憶著消失在歷史中的父親身影。這些物件雖未現身展場,卻如銘刻於記憶的線索、潛流於空間的低語,提醒著人們:「思慕」雖關乎失落,亦是擁有,它不只是嚮往追尋,更包含我們所承載背負的信念。

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亨里克・奧利維拉,《減數分裂》,2014,膠合板、家具,93 × 147 × 83 公分,77 × 130 × 83 公分。私人收藏。(圖片提供:亨里克・奧利維拉)

陳澄波、陳進等臺灣畫家作品,讓「思慕」更為深邃

展覽亦從臺北市立美術館收藏的20世紀初期畫作,包括陳澄波、陳進及陳植棋等人的畫作,以及國立故宮博物院的典藏文物中汲取靈感,為「思慕」注入更深層的歷史紋理與文化縱深。穿越時代更迭、文化變遷與政治動盪,這些典藏作品成了視覺與概念的橋樑,以及跨越時空的殘響——封存於顏料與瓷釉之中,或隨筆觸與器物流轉。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
陳澄波,《新樓》,1943,油彩、畫布,72.7 × 90.9公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)
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陳進,《悠閒》,1935,膠彩、絹,136 x 161公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)

青壯年藝術家齊聚,跨領域媒材、回應現場空間的現地展演

2025台北雙年展將展出33件新委託創作和特定場域裝置,曾展出的作品也將回應美術館獨特的建築空間與城市脈絡。特別的是,近半數參展藝術家出生於1984年後,透過不同世代,帶著當代語境的思考,展現對於現今世界的即時視角,並以不同形式,回應過去與未來的連結,展開對「思慕」的多層次探索。展覽作品橫跨多種媒材與表現形式,作品風格多變,從視覺上的奇想,到結構上的重組,從親密細膩的個人體驗,到集體記憶的碰撞反思,讓「思慕」成為一種可以感知、得以進入,又能持續尋找、期待與探究的存在。

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伊凡娜・巴希奇,《氣動激情》,2020-2024,客製鑄造與熱彎玻璃、不鏽鋼、粉紅雪花石膏、吹製玻璃、氣息、氣動鎚、壓力、客製賽車排氣歧管、客製電路、麥克風、混音器、揚聲器、空氣壓縮機、蠟、白色雪花石膏、青銅、油畫顏料。(圖片提供:伊凡娜・巴希奇)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
莫尼亞・班・哈穆達,《Ya'aburnee (يقبرني (-) 未譯碎片 I)》,2025,塔拉大理石,106 × 85 × 15 公分。(圖片提供:莫尼亞・班・哈穆達)
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莫娜・哈透姆,《小室》(局部),2012-2013,低碳鋼、手工吹製玻璃,共八件,170 公分,寬度與深度不定。(圖片提供:莫娜・哈透姆、巴黎Chantal Crousel藝廊/攝影:Florian Kleinefenn)

「唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己」

《地平線上的低吟》穿梭於現實與想像,遊走在遺落與將成的各種時態之間,作品挖掘個人事件或構築虛擬世界,映照當前現況與異想未來。「思慕」不再只是抽象的情感,更是探尋自身定位的關鍵線索。於此,《地平線上的低吟》進一步揭示了思慕的真相:唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己。這裡沒有禁忌、不是答案、亦非解方,唯有「低吟」。

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高田冬彦,《The Princess and the Magic Birds》,2020-2021,單頻道有聲錄像,17分52秒。(圖片提供:高田冬彦)
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麗娜.拉蓓利代,《斜波研究》(又名,沉默者),2022,於法國 Lafayette Anticipations演出。(圖片提供:麗娜.拉蓓利代)

2025第14屆台北雙年展《地平線上的低吟》

展期|2025.11.01-2026.03.29

地點|臺北市立美術館

 

參展藝術家|按英文姓氏首字母排序

法特瑪・阿布杜哈迪 (1988年生於利雅德,現居工作於利雅德)

阿夫拉・阿達希里(1988年生於阿布達比,現居工作於阿布達比)

穆罕默德・阿法拉傑(1993年生於阿哈薩,現居工作於阿哈薩)

寇拉克里・阿讓諾度才(1986年生於曼谷,現居工作於紐約及曼谷)

伊凡娜・巴希奇(1986年生於貝爾格勒,現居工作於紐約)

拉納・貝古姆(1977年生於錫爾赫特,現居工作於倫敦)

莫尼亞・班・哈穆達(1991年生於米蘭,現居工作於開羅安及米蘭)

雅各波・貝納西(1970年生於拉斯佩齊亞,現居工作於拉斯佩齊亞)

赫拉・比于塔詹(1984年生於伊斯坦堡,現居工作於伊斯坦堡)

陳澄波(1895-1947,出生於嘉義)

陳植棋(1906-1931,出生於臺北廳,今新北市)

陳進(1907-1998,出生於新竹)

艾德加・卡萊爾(1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特,現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特)

陳柏豪(1982年生於高雄,現居工作於鹿特丹)

致穎(1985年生於臺北,現居工作於臺北及柏林)
加埃爾・肖瓦內(1985年生於瑟堡,現居工作於巴黎)
莊偉(1990年生於廣東,現居工作於柏林及香港)

邱子晏(1985年生於苗栗三義,現居工作於臺南)

傑基・康諾利(1990年生於紐約下哈德遜河谷,現居工作於紐約)

羅希尼・德瓦夏爾(1978年生於新德里,現居工作於新德里)

西蒙・迪布羅・莫勒(1976年生於奧胡斯,現居工作於哥本哈根)

莫娜・哈透姆(1952年生於貝魯特,現居工作於倫敦)

賀子珂(1990年生於貴陽,現居工作於北京及貴陽)

何彥諺(1993年生於臺北,現居工作於臺北)

安娜・葉爾莫萊娃(1970年生於列寧格勒,今聖彼得堡,現居工作於維也納及林茲)

伊娃・喬瑟邦(1975年生於巴黎,現居工作於巴黎)

金玟廷(1962年生於光州,現居工作於紐約及南法地區)

雅浸・金朝恩(1989年生於韓國,現居工作於紐約)

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯(1979年生於倫敦,現居工作於柏林及倫敦)

麗娜.拉蓓利代(1984年生於考納斯,現居工作於倫敦及維爾紐斯)

歐馬爾・米斯馬爾(1986年生於貝卡谷地,現居工作於貝魯特)

倪灝(1989年生於新竹,現居工作於新竹)

卡蜜兒・諾門(1970年生於馬里蘭銀泉,現居工作於奧斯陸)

亨里克・奧利維拉(1973年生於聖保羅歐里尼奧斯,現居工作於倫敦)

帕梅拉・法提莫・桑斯川(1980年生於莫楚迪,現居工作於海牙)

邦尼・羅傑斯(1990年生於休士頓,現居工作於紐約)

澤拓(1977年生於石川縣,現居工作於倫敦及金澤市)

西爾維・塞利格(1941年生於尼斯,現居工作於巴黎)

傑瑞米・蕭(1977年生於北溫哥華,現居工作於柏林)

皮・斯塔夫(1987年生於伯格諾里吉斯,現居工作於洛杉磯及倫敦)

卓永俊(1989年生於首爾,現居工作於柏林)

高田冬彦(1987年生於廣島縣,現居工作於千葉)

蕭崇(1987年生於海陽,現居工作於柏林)

基里亞科斯・托波利迪斯(1997年生於埃森,現居工作於柏林)

阿瓦羅・烏爾巴諾(1983年生於馬德里,現居工作於柏林及巴黎)

王湘靈(1984年生於臺北,現居工作於臺北)

王耀億(1987年生於臺南,現居工作於臺北)

納里・沃德(1963年生於聖安德魯,現居工作於紐約)

吳家昀(1988年生於臺灣,現居工作於紐約)

李受俓(1963年生於首爾,現居工作於首爾)

橫溝靜(1966年生於東京,現居工作於倫敦)

于吉(1985年生於上海,現居工作於紐約及當地)

張如怡(1985年生於上海,現居工作於上海)

托比亞斯・茲耶羅尼(1973年生於烏帕塔,現居工作於柏林)

整座城市就是美術館!2026第一屆臺南藝術雙年展登場,集結7大展覽主題、藤本壯介設計的環形木構建築
整座城市就是一座美術館!2026第一屆臺南藝術雙年展登場,集結7大展覽主題、藤本壯介設計的環形木構建築

2026第一屆臺南藝術雙年展「迴圈.超展開」,以臺南市美術館為樞紐,串聯臺南國家美術館籌備處、國立臺灣文學館及替代空間、畫廊、歷史建築、宮廟、社區等各具特色的據點,歡迎每位旅人以散步的方式逛雙年展。而由日本建築師藤本壯介設計的環形木構建築,已進入現地製作階段,11月中之後,路過的民眾就能親眼見證大屋根從木構組裝到完成的過程。

7位策展人X7個子題

2026第一屆臺南藝術雙年展,從湯德章紀念公園圓環出發,沿7條放射狀道路,串聯16處核心展區與16處衛星展區,將32處城市場域化為藝術現場。而由7位臺灣策展人提出的7個子題:「被消逝的迴圈」、「環.境迴圈」、「歷史迴圈」、「集結迴圈」、「再生迴圈」、「風景迴圈」、「移動迴圈」, 在臺南市美術館本館空間內與館外核心展區之間彼此交織與纏繞,沒有固定的順序,希望讓觀眾彷彿從圓環大道轉入臺南獨特的窄巷深弄探索,又在某個轉彎處回到大馬路上的身體經驗,以及透過作品與作品之間的關聯,建構出自己的臺南故事。

由日本建築師藤本壯介設計的環形木構建築,進入現地製作階段,11月中之後,路過的民眾就能親眼見證大型木構建築逐步成形,近距離觀看大屋根從木構組裝到完成的過程。此為圓環示意圖。(圖片提供:南美館)
由日本建築師藤本壯介設計的環形木構建築,進入現地製作階段,11月中之後,路過的民眾就能親眼見證大型木構建築逐步成形,近距離觀看大屋根從木構組裝到完成的過程。此為圓環示意圖。(圖片提供:南美館)

齊聚國內外藝術家

本屆雙年展的藝術家名單集結臺灣近代藝術史的重要創作者,國際藝術家與跨域創作團隊,包括石川欽一郎、郭柏川、郭雪湖等與臺南、臺灣文化歷史脈絡密切相關的創作者;日本藝術家則有藤本壯介、佐々木類、小林万里子;此外,來自澳大利亞的瓦納帕蒂・尤努平古(Wanapati Yunupiŋu)、印度的夏本度・德(Sharbendu De)、尼泊爾的才仁.夏爾帕(Tsherin Sherpa)、越南的阮英俊、英國的約書亞・沙發兒(Joshua Sofaer)等國際藝術家,以及太認真(郭柏俞&佘文瑛)、杉原信幸&中村綾花等創作團隊也參與其中。

7大展覽主題一次看

▻ 被消逝的迴圈

由林磐聳策劃的「被消逝的迴圈」,回顧1895年至1960年代臺灣美術與設計的發展,從海報、明信片、書籍裝幀與插圖等視覺文化出發,回應美術設計在臺灣美術史中受到忽視的現況。

中村地平《太陽之眼》封面設計(圖版提供:林磐聳)
中村地平《太陽之眼》封面設計(圖版提供:林磐聳)

藝術家:小林永濯、木下靜涯、中村不折、石川寅治、石川欽一郎、立石鐵臣、矢崎千代二、西川滿、竹久夢二、多田北烏、吉田初三郎、林玉山、和田三造、宜州、高山嵐、郭承豐、許深洲、郭雪湖、陳慧坤、宮田彌太郎、黃昌惠、鄉原古統、黃華成、馮鍾睿、塚本閣治、楊英風、廖未林、趙國宗、龍思良、顏水龍、簡錫圭、簡錫欽、蘇新田、鹽月桃甫、中華民國設計協會

▻ 環•境迴圈 

謝宗哲策劃的「環•境迴圈」,從臺南城市空間的「環」與「境」出發,探討街道巷弄、居住空間與祭祀圈如何交織,並探索形塑城市生活軌跡的神話與信仰。另外,曾以大阪・關西世博會的大屋根受到國際關注的藤本壯介,此次則將環形、開放的建築概念帶入臺南市中心,以木構環形空間回應湯德章紀念公園作為城市交通與人群交會之地的特性。

藤本壯介圓環示意圖(圖片提供:南美館)
藤本壯介圓環示意圖(圖片提供:南美館)
藤本壯介圓環示意圖(圖片提供:南美館)
藤本壯介圓環示意圖(圖片提供:南美館)
由吳書原打造的〈野原之森〉,避開榕樹樹根,以原有植栽範圍,強化複層植物,並新增小型原生喬木,造就出共生之園。(圖片提供:南美館)
由吳書原打造的〈野原之森〉,避開榕樹樹根,以原有植栽範圍,強化複層植物,並新增小型原生喬木,造就出共生之園。(圖片提供:南美館)

藝術家:方瑋、安力.給怒、吳書原、梅志雄、簡琿瑛、簡學義、藤本壯介

▻ 歷史迴圈

高俊宏策劃的「歷史迴圈」,以日治初期的噍吧哖事件為主軸,結合環境劇場、物件裝置、聲響藝術、書籍出版與教育工作坊,透過藝術重現連結歷史與當代。

許丙丁〈警察漫畫〉 《臺灣警察時報》第139期,1929年3月,頁300。©國立臺灣圖書館
許丙丁〈警察漫畫〉 《臺灣警察時報》第139期,1929年3月,頁300。©國立臺灣圖書館
林柏樑〈葉石濤(獨照)〉,1998,12.7 × 25.4cm。©國立臺灣文學館
林柏樑〈葉石濤(獨照)〉,1998,12.7 × 25.4cm。©國立臺灣文學館

藝術家:林柏樑、許丙丁、郭俞平、楊淯緹、吳語涵&沈肱泓、郝渂心&蔡蕥竹&迴聲社造、廖烜榛&黃奕捷

▻ 集結迴圈

由楊佳璇策劃的「集結迴圈」,從思想、個體與群體、聚落及精神性等不同層面,探討人與場域的遭逢、匯聚與離散,以及交會後留下的記憶與痕跡。

(圖片提供:南美館)
(圖片提供:南美館)
(圖片提供:南美館)
(圖片提供:南美館)

藝術家:Karolina Breguła、Jane Ingram Allen、Joshua Sofaer、方偉文、陳毅哲、小事報團隊(龔義昭&洪淑青)、太認真(郭柏俞&佘文瑛)

文件展:新生態藝術環境
文件展:原型藝術
文件展:「城市寓言」展品檔案-方偉文、王邦榮、吳孟璋、林鴻文、唐唐發、許自貴、張惠蘭、陳俊明、崔廣宇、曾英棟、黃芳琪、潘大謙、盧明德
黑秀美-大女纖維共創計劃:吳佩珊、陳翊羽、陳思睿、官郁珊、杜昀庭、吳竺恩、李珉柔、陳晨、丁柔勻、馮靖評、陳玫瑄、大女Style聚落

▻ 再生迴圈

由柯春如策劃的「再生迴圈」,從圓環與美術館的前世今生出發,探討建築空間與城市系統中的物質循環,以及物質循環如何連結個人生命經驗、族群歷史記憶與環境變遷。

 佐佐木類<未見的追憶>,以臺南在地植物與廢棄窗戶玻璃為媒材,藝術家走訪巷弄、公園等日常空間,採集盆栽及承載殖民歷史的植物,追溯土地記憶。(圖片提供:南美館)
佐佐木類〈未見的追憶〉以臺南在地植物與廢棄窗戶玻璃為媒材,藝術家走訪巷弄、公園等日常空間,採集盆栽及承載殖民歷史的植物,追溯土地記憶。(圖片提供:南美館)
艾瑪.巴斯威爾(Emma Buswell)阿拉克妮之後(源自希臘神話)本作以12件編織創作對應2020年的十二個月份,構成藝術家的個人年度紀事。(圖片提供:南美館)
艾瑪.巴斯威爾(Emma Buswell)阿拉克妮之後(源自希臘神話)本作以12件編織創作對應2020年的十二個月份,構成藝術家的個人年度紀事。(圖片提供:南美館)
武玉玲〈發芽〉層層交織的線材承載排灣族女性的工藝記憶,也象徵生命在創傷與遷徙之後重新扎根、萌芽,持續生長的韌性與力量。(圖片提供:南美館)
武玉玲〈發芽〉層層交織的線材承載排灣族女性的工藝記憶,也象徵生命在創傷與遷徙之後重新扎根、萌芽,持續生長的韌性與力量。(圖片提供:南美館)

藝術家:Emma Buswell、Wanapati Yunupiŋu、小林万里子、佐々木類、拉黑子.達立夫、武玉玲、梁任宏、楊明迭

▻ 風景迴圈

莊東橋策劃的「風景迴圈」,聚焦信仰藝術與民間工藝的當代轉譯,以及風景中的身體感知,探討神祇符號、廟宇工藝與公共空間實踐所呈現的文化意涵。

(圖片提供:南美館)
(圖片提供:南美館)
黃逸民&陳妍伊〈快世界慢飛翔〉以結合懷孕女性身體與海盜船造形的搖籃為核心,在空間中緩慢擺盪,背景播放繞行臺南東門圓環與湯德章紀念公園的影像。(圖片提供:南美館)
黃逸民&陳妍伊〈快世界慢飛翔〉以結合懷孕女性身體與海盜船造形的搖籃為核心,在空間中緩慢擺盪,背景播放繞行臺南東門圓環與湯德章紀念公園的影像。(圖片提供:南美館)

藝術家:Peter Baran、Sharbendu De、Tsherin Sherpa、李若玫、吳耿禎、邱國峻、陳妍伊&黃逸民、許武勇、郭柏川、張炳堂、郭博州、張維元、楊季涓、耕品景觀設計、臺南社區大學

▻ 移動迴圈 

柯宜芸策劃的「移動迴圈 」,以圓環作為城市運轉的樞紐,從人們往返、停留與再次出發的路徑,探討道路如何串連分散的空間,形成城市的移動與節奏。

杉原信幸與中村綾花的作品〈海之老榕樹,西拉雅之樹〉,以南美館榕樹中庭的老榕樹為意象,運用蚵殼串,分別在一樓與二樓構築出巨大的牡蠣樹,將原本生長於戶外的老榕樹意象延伸至美術館室內。
杉原信幸與中村綾花的作品〈海之老榕樹,西拉雅之樹〉,以南美館榕樹中庭的老榕樹為意象,運用蚵殼串,分別在一樓與二樓構築出巨大的牡蠣樹,將原本生長於戶外的老榕樹意象延伸至美術館室內。(攝影:Adela Cheng)
臺南市美術館1樓中央廊道的郭晟邦〈勞動的精神:織女〉作品,以編織工藝結合文獻照片與祝福語句,呈現跨世代女工之間的情誼、關懷與集體力量,也使長期被歷史忽略的女性勞動重新被看見。(圖片提供:南美館)
臺南市美術館1樓中央廊道的郭晟邦〈勞動的精神:織女〉作品,以編織工藝結合文獻照片與祝福語句,呈現跨世代女工之間的情誼、關懷與集體力量,也使長期被歷史忽略的女性勞動重新被看見。(圖片提供:南美館)

藝術家:Rachmad Afandi、阮英俊、杉原信幸&中村綾花、卓俞翔、郭晟邦

論壇、走讀、遊行精彩接力

而第一屆臺南藝術雙年展以「臺南就是一座美術館」的城市精神為基礎,將展覽帶入城市不同角落。展覽期間也推出論壇、遊行、夜間市集、文學劇場、影像計畫、聲音計畫及城市藝術走讀等系列活動。有興趣者可至「迴圈‧超展開」臺南藝術雙年展行事曆關注接下來的活動。若是怕迷路,也推薦至官網查詢作品具體位置。

第一屆臺南藝術雙年展從美術館到宮廟、歷史建築與巷弄,讓城市不只是展覽場域,更成為展覽本身。(圖片提供:南美館)
第一屆臺南藝術雙年展從美術館到宮廟、歷史建築與巷弄,讓城市不只是展覽場域,更成為展覽本身。(圖片提供:南美館)

「迴圈.超展開」2026第一屆臺南藝術雙年展
展覽日期|2026年10月31日至2027年03月01日
展覽地點|
核心展區:臺南市美術館、臺南國家美術館籌備處、湯德章紀念公園、國立臺灣文學館+文化部文化資產局文化資產保存研究中心、臺南市中西區圖書館、葉石濤文學紀念館、臺南孔廟、愛國婦人會館、司法博物館、臺灣府城隍廟、B.B.ART、全美戲院、原臺南公園管理所、弎畫廊、絕對空間、府都建築館

衛星展區:臺南林百貨、八吉境道署關帝廳、友愛街旅館+大女style聚落、德鴻畫廊、太平境馬雅各紀念教會+公園路8號、臺灣首廟天壇(天公廟)、文鼎留聲博物館、艸祭Book inn、珍藝術空間、山前世界、海馬迴光畫館、小轉角、甘樂阿舍美術館、暮拉多元藝術空間、臺南市竹溪禪寺、原型一號宅

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資料提供|南美館、文字整理|Adela Cheng

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享譽國際的音樂家坂本龍一(Ryuichi Sakamoto,1952-2023),畢業於東京藝術大學,自幼學習古典鋼琴與作曲,奠定深厚的古典音樂基礎;1978年與細野晴臣(Haruomi Hosono)、高橋幸宏(Yukihiro Takahashi,1952-2023)組成電子音樂團體「黃色魔術交響樂團Yellow Magic Orchestra(YMO)」,開啟融合電子音樂與實驗聲響的創作歷程;1980年代,他持續將創作延伸至電影配樂,並曾獲得奧斯卡金像獎、葛萊美獎及金球獎等國際重要獎項。然而坂本龍一並未止步於音樂領域,自1990年代起,他積極將影像與數位科技融入現場演出,展開與不同領域藝術家合作。

坂本龍一(Ryuichi Sakamoto, 1952-2023)©2022 Kab Inc. 攝影: Neo Sora.
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2000年以後,他更頻繁地在美術館和藝術節發表裝置作品,透過聲音、影像與空間的結合,探索聲音如何被觀看、聆聽與感知。同時,他長期投入環境保護與反核倡議,融入聲音創作,透過環境錄音、非典型樂器採集與科技數據,捕捉日常生活中不易察覺的聲響,對當代音樂及跨領域藝術創作產生深遠影響。

坂本龍一 Ryuichi Sakamoto, 1925-2023 Photo by Neo Sora © 2020 Kab Inc.
坂本龍一 Ryuichi Sakamoto, 1925-2023 Photo by Neo Sora © 2020 Kab Inc.

集結7組大型裝置作品

本展由日本策展人難波祐子策劃,展覽回顧他自2000年代以來開創性的藝術實踐,集結7組大型裝置作品及精選1999年歌劇《LIFE》的檔案選粹,展示他與5組藝術家的長期合作,包括高谷史郎(Shiro Takatani)、真鍋大度(Daito Manabe)、卡斯滕.尼古拉(Carsten Nicolai)、阿比查邦.韋拉斯塔古(Apichatpong Weerasethakul)與Zakkubalan,帶領觀眾回溯坂本龍一對時間、生命、環境與科技的思考,以及他如何拓展聲音的表現形式與感知經驗,為我們開啟聆聽與感受世界的不同方式。

「坂本龍一|觀音.聽時」展覽主視覺(圖片提供:北美館)
「坂本龍一|觀音.聽時」展覽主視覺(圖片提供:北美館)

展覽入口迴廊,一座帶狀LED顯示器沿著面向北美館中庭的落地窗延伸。這件作品是日本藝術家真鍋大度與坂本龍一合作的《感測流2026——不可見、不可聞(臺北版)》(Sensing Streams 2026–invisible, inaudible (Taipei version)),透過設置於北美館外的天線,將城市中無法直接察覺的電磁波,轉化為可聽、可觀的感知場域,以影像與聲音描繪臺北這座變迭都市中,隱而未見的基礎設施脈動。同時,作品也提醒我們,所處的世界始終充滿那些看不見卻真實存在的能量與關係。

坂本龍一+真鍋大度,《感測流 2026——不可見、不可聞(臺北版)》,2026。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+真鍋大度,《感測流 2026——不可見、不可聞(臺北版)》,2026。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+真鍋大度,《感測流 2026——不可見、不可聞(臺北版)》,2026。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+真鍋大度,《感測流 2026——不可見、不可聞(臺北版)》,2026。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

走進展場,得以看見德國藝術家暨音樂人卡斯滕.尼古拉與坂本龍一合作的作品,兩人曾合作多張專輯及多場現場演出。本次展出的《光幻視》(PHOSPHENES)與《內/外》(ENDO EXO),皆源自尼古拉受儒勒・凡爾納(Jules Verne)小說《海底兩萬里》(Twenty Thousand Leagues Under the Sea)啟發而發展的首部長篇電影計畫《20000》,並分別選用坂本龍一生前最後一張個人專輯《12》中的〈20210310〉與〈20220207〉作為配樂。《光幻視》以遊走於夢境與現實之間的抽象影像,交織坂本龍一朦朧的合成器聲響;《內/外》則透過動物與骨骼標本的影像,搭配緩緩流動的鋼琴旋律,引領觀眾重新思考生命、身體與觀看的邊界。

卡斯滕・尼古拉、坂本龍一(音樂),《光幻視》/《內/外》,2024。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
卡斯滕・尼古拉、坂本龍一(音樂),《光幻視》/《內/外》,2024。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
卡斯滕・尼古拉、坂本龍一(音樂),《光幻視》/《內/外》,2024。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
卡斯滕・尼古拉、坂本龍一(音樂),《光幻視》/《內/外》,2024。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

泰國電影導演暨藝術家阿比查邦.韋拉斯塔古曾受坂本龍一邀請,聆聽錄製中的專輯《async》。《async——初光》(async–first light)選用專輯中的〈disintegration〉與〈Life, Life〉兩首曲目,由坂本龍一配合影像重新編排音樂,結合詩意的影像與詩作朗誦;與其並置放映的無聲作品《沉睡者》(Durmiente),則取材自韋拉斯塔古電影《記憶》(Memoria),捕捉女主角蒂妲.史雲頓(Tilda Swinton)逐漸入睡的片刻。兩件作品透過私密而細膩的影像,以及聲音與靜默的對照,呈現夢境、記憶與甦醒之間的微妙狀態。

坂本龍一+阿比查邦・韋拉斯塔古,《async——初光》,2017/阿比查邦・韋拉斯塔古,《沉睡者》,2021。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+阿比查邦・韋拉斯塔古,《async——初光》,2017/阿比查邦・韋拉斯塔古,《沉睡者》,2021。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+阿比查邦・韋拉斯塔古,《async——初光》,2017/阿比查邦・韋拉斯塔古,《沉睡者》,2021。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+阿比查邦・韋拉斯塔古,《async——初光》,2017/阿比查邦・韋拉斯塔古,《沉睡者》,2021。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

電影製作暨藝術團體Zakkubalan由空音央(Neo Sora)與阿爾伯特.托倫(Albert Tholen)組成。兩人與坂本龍一共同創作《async——容積》(async–volume),透過展場中24個閃爍微光的小窗,呈現坂本龍一製作專輯《async》期間,在紐約生活與工作的場景,包括工作室、客廳及花園等。觀眾透過這些螢幕,得以窺見坂本龍一幕後的創作生活與日常空間,彷彿在黑暗中走進他私密的內心世界。

坂本龍一+Zakkubalan,《async——容積》,2017。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+Zakkubalan,《async——容積》,2017。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+Zakkubalan,《async——容積》,2017。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+Zakkubalan,《async——容積》,2017。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

視覺藝術家暨劇場導演高谷史郎與坂本龍一有著長達數十年的友誼與合作關係。本次展出兩人共同創作的三件作品《水的樣態1》(water state 1)、《async——沉浸》(async–immersion)及《LIFE——流動、無形、無聲……》(LIFE–fluid, invisible, inaudible...),分別呈現於北美館不同尺度的展場空間。

坂本龍一+高谷史郎,《async——沉浸》,2023。
「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《async——沉浸》,2023。 「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

《水的樣態1》(water state 1)擷取包含臺北氣象衛星的降雨量資訊,當水滴落入水池之中,展現出水在不同狀態間的變化與循環,如同自然環境的縮影。《async——沉浸》(async–immersion)以坂本龍一專輯《async》的曲目為基礎,融入〈fullmoon〉與〈Life, Life〉中的朗讀文本,並結合其紐約工作室裡的日常影像。作品透過長達18公尺的LED影像牆,讓畫面隨著如掃描器般移動的光束緩緩生成、分解與延展,隨著時間推移,交織出聲音與影像非同步的時間軸。此作於坂本龍一辭世後完成,由高谷史郎獨立延續並深化兩人共同發展的「async(非同步)」創作語境,使其成為兩人生涯晚期合作的最後數件作品之一。

坂本龍一+高谷史郎,《水的樣態1》,2013。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《水的樣態1》,2013。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《水的樣態1》,2013。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《水的樣態1》,2013。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《async——沉浸》,2023。
「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《async——沉浸》,2023。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《async——沉浸》,2023。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《async——沉浸》,2023。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

高谷史郎自1999年擔任坂本龍一歌劇《LIFE》的視覺總監,兩人由此展開長期合作。2007年由山口媒體藝術中心(YCAM)委託創作《LIFE——流動、無形、無聲……》(LIFE–fluid, invisible, inaudible...),成為坂本龍一轉向創作「裝置音樂」(installation music)的重要轉捩點。兩人以1999年首演的歌劇《LIFE》為基礎,重新解構其音樂、聲音與影像素材,透過演算法生成不斷變化的視聽景象,並結合水、霧、光影等自然元素,延續原作對20世紀戰爭、科技與人類文明的反思,以及對21世紀的未來想像,逐步開啟觀者對自然環境的感知與思索。此件繼2024年於東京都現代美術館展出後,是首次於臺北以空間重構的方式呈現,也是本展極具代表性的亮點作品。

坂本龍一+高谷史郎,《LIFE——流動、無形、無聲……》,2007。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。©
坂本龍一+高谷史郎,《LIFE——流動、無形、無聲……》,2007。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《LIFE——流動、無形、無聲……》,2007。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《LIFE——流動、無形、無聲……》,2007。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

歌劇《LIFE》珍貴檔案臺北首度公開

與此同時,本展精選1999年歌劇《LIFE》的珍貴檔案,包括筆記、樂譜、手稿、影像及錄音帶,其中亦展出攝影師瀧本幹也(Mikiya Takimoto)當年拍攝的紀錄照片,多數資料為首次公開展出。展覽文獻區邀請觀眾回望坂本龍一歌劇《LIFE》的構思起源,以及他對音樂線性時間的思考與探索。透過檔案與裝置音樂的並置,勾勒出坂本龍一從音樂走向跨領域藝術創作的思考脈絡。

「坂本龍一|觀音.聽時」文獻區場景照。圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
「坂本龍一|觀音.聽時」文獻區場景照。圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

#北美館「坂本龍一」展覽網路預約辦法

本展採「網路預約制」,每日僅保留少量現場候補名額。10/15上午10:00起|開放第一波預約,預約10/31-11/30參觀場次。

只要4步驟,輕鬆完成預約:
①註冊/登入OPENTIX
②搜尋「坂本龍一|觀音.聽時」
③選擇參觀日期、入場時段及票券
④完成訂單,取得OPENTIX電子票券

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坂本龍一︱觀音.聽時 Ryuichi Sakamoto︱seeing sound, hearing time
展期:2026.10.31-2027.03.14
地點:北美館 一樓1A、1B展覽室

資料提供|北美館、文字整理|Adela Cheng

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