2025台北雙年展主題公布!《地平線上的低吟》從臺灣錯綜歷史切入,藉藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》(Whispers on the Horizon)以臺灣錯綜複雜的歷史為背景,透過多元當代的創作語彙,探究「思慕」(yearning)這個難以明說卻又驅策行動的深層渴望。展覽由策展人山姆.巴塔維爾與提爾.法爾拉特(Sam Bardaouil and Till Fellrath)共同策劃,匯集來自全球35個城市、共54位藝術家的作品,將於2025年11月1日至2026年3月29日展出。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》主視覺,由柏林團隊EPS51設計。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展策展人山姆.巴塔維爾(右)和提爾.法爾拉特(左)。(圖片提供:臺北市立美術館)

從臺灣歷史切入,藉藝術追尋「思慕」的多重意義

臺灣錯綜交織的歷史——從殖民統治、認同掙扎到政治更迭——形塑了這次雙年展的背景。《地平線上的低吟》挖掘「思慕」的本質及其錯綜複雜的地層:它不僅是欲望,更是一種灼燒於心的渴求;它在個人記憶與集體歷史中流轉、在過去與未來間縈繞,也在現實與虛妄、歸屬與離散、消逝與恆常間迴盪;它是一種難以捉摸的引力,驅使著人們盡力前行、奮力邁進,卻終將是個永難企及的追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
王耀億,《合拍片》,錄像截圖。(圖片提供:王耀億)

《地平線上的低吟》以臺灣為起點,其所關注的主題卻不止於此——「思慕」存在於每個地方、每個時代在不同文化脈絡中潛行,是遷徙的痛、是思念的家;是身份與認同的追尋,是默默生根、持續醞釀的渴望。「思慕」從不停歇,也難以抹煞;飄忽無形、游移不定,卻又頑強真切地深植人心。

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羅希尼・德瓦夏爾,《鏡日》(暫名),2025。(圖片提供:羅希尼・德瓦夏爾)
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帕梅拉・法提莫・桑斯川,《SCENE 58》,2024,鉛筆、油畫、木板,140 x 300 公分。(圖片提供:帕梅拉・法提莫・桑斯川、倫敦Goodman Gallery/攝影:Alexander Edwards)

不見於展場、卻構築策展概念的三個物件

「地平線上的低吟」策展構想源自3個與臺灣歷史密切相關的物件──尪仔、日記與單車,來自3件不同時代的台灣文學及電影作品。尪仔,活在侯孝賢的電影《戲夢人生》(1993)的世界裡,呼應著李天祿動蕩不安的生命;日記,來自陳映真的短篇小說《我的弟弟康雄》(1960),記錄著一個年輕人對於理想的深切渴望;單車,存在於吳明益的作品《單車失竊記》(2015),追憶著消失在歷史中的父親身影。這些物件雖未現身展場,卻如銘刻於記憶的線索、潛流於空間的低語,提醒著人們:「思慕」雖關乎失落,亦是擁有,它不只是嚮往追尋,更包含我們所承載背負的信念。

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亨里克・奧利維拉,《減數分裂》,2014,膠合板、家具,93 × 147 × 83 公分,77 × 130 × 83 公分。私人收藏。(圖片提供:亨里克・奧利維拉)

陳澄波、陳進等臺灣畫家作品,讓「思慕」更為深邃

展覽亦從臺北市立美術館收藏的20世紀初期畫作,包括陳澄波、陳進及陳植棋等人的畫作,以及國立故宮博物院的典藏文物中汲取靈感,為「思慕」注入更深層的歷史紋理與文化縱深。穿越時代更迭、文化變遷與政治動盪,這些典藏作品成了視覺與概念的橋樑,以及跨越時空的殘響——封存於顏料與瓷釉之中,或隨筆觸與器物流轉。

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陳澄波,《新樓》,1943,油彩、畫布,72.7 × 90.9公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)
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陳進,《悠閒》,1935,膠彩、絹,136 x 161公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)

青壯年藝術家齊聚,跨領域媒材、回應現場空間的現地展演

2025台北雙年展將展出33件新委託創作和特定場域裝置,曾展出的作品也將回應美術館獨特的建築空間與城市脈絡。特別的是,近半數參展藝術家出生於1984年後,透過不同世代,帶著當代語境的思考,展現對於現今世界的即時視角,並以不同形式,回應過去與未來的連結,展開對「思慕」的多層次探索。展覽作品橫跨多種媒材與表現形式,作品風格多變,從視覺上的奇想,到結構上的重組,從親密細膩的個人體驗,到集體記憶的碰撞反思,讓「思慕」成為一種可以感知、得以進入,又能持續尋找、期待與探究的存在。

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伊凡娜・巴希奇,《氣動激情》,2020-2024,客製鑄造與熱彎玻璃、不鏽鋼、粉紅雪花石膏、吹製玻璃、氣息、氣動鎚、壓力、客製賽車排氣歧管、客製電路、麥克風、混音器、揚聲器、空氣壓縮機、蠟、白色雪花石膏、青銅、油畫顏料。(圖片提供:伊凡娜・巴希奇)
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莫尼亞・班・哈穆達,《Ya'aburnee (يقبرني (-) 未譯碎片 I)》,2025,塔拉大理石,106 × 85 × 15 公分。(圖片提供:莫尼亞・班・哈穆達)
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莫娜・哈透姆,《小室》(局部),2012-2013,低碳鋼、手工吹製玻璃,共八件,170 公分,寬度與深度不定。(圖片提供:莫娜・哈透姆、巴黎Chantal Crousel藝廊/攝影:Florian Kleinefenn)

「唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己」

《地平線上的低吟》穿梭於現實與想像,遊走在遺落與將成的各種時態之間,作品挖掘個人事件或構築虛擬世界,映照當前現況與異想未來。「思慕」不再只是抽象的情感,更是探尋自身定位的關鍵線索。於此,《地平線上的低吟》進一步揭示了思慕的真相:唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己。這裡沒有禁忌、不是答案、亦非解方,唯有「低吟」。

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高田冬彦,《The Princess and the Magic Birds》,2020-2021,單頻道有聲錄像,17分52秒。(圖片提供:高田冬彦)
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麗娜.拉蓓利代,《斜波研究》(又名,沉默者),2022,於法國 Lafayette Anticipations演出。(圖片提供:麗娜.拉蓓利代)

2025第14屆台北雙年展《地平線上的低吟》

展期|2025.11.01-2026.03.29

地點|臺北市立美術館

 

參展藝術家|按英文姓氏首字母排序

法特瑪・阿布杜哈迪 (1988年生於利雅德,現居工作於利雅德)

阿夫拉・阿達希里(1988年生於阿布達比,現居工作於阿布達比)

穆罕默德・阿法拉傑(1993年生於阿哈薩,現居工作於阿哈薩)

寇拉克里・阿讓諾度才(1986年生於曼谷,現居工作於紐約及曼谷)

伊凡娜・巴希奇(1986年生於貝爾格勒,現居工作於紐約)

拉納・貝古姆(1977年生於錫爾赫特,現居工作於倫敦)

莫尼亞・班・哈穆達(1991年生於米蘭,現居工作於開羅安及米蘭)

雅各波・貝納西(1970年生於拉斯佩齊亞,現居工作於拉斯佩齊亞)

赫拉・比于塔詹(1984年生於伊斯坦堡,現居工作於伊斯坦堡)

陳澄波(1895-1947,出生於嘉義)

陳植棋(1906-1931,出生於臺北廳,今新北市)

陳進(1907-1998,出生於新竹)

艾德加・卡萊爾(1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特,現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特)

陳柏豪(1982年生於高雄,現居工作於鹿特丹)

致穎(1985年生於臺北,現居工作於臺北及柏林)
加埃爾・肖瓦內(1985年生於瑟堡,現居工作於巴黎)
莊偉(1990年生於廣東,現居工作於柏林及香港)

邱子晏(1985年生於苗栗三義,現居工作於臺南)

傑基・康諾利(1990年生於紐約下哈德遜河谷,現居工作於紐約)

羅希尼・德瓦夏爾(1978年生於新德里,現居工作於新德里)

西蒙・迪布羅・莫勒(1976年生於奧胡斯,現居工作於哥本哈根)

莫娜・哈透姆(1952年生於貝魯特,現居工作於倫敦)

賀子珂(1990年生於貴陽,現居工作於北京及貴陽)

何彥諺(1993年生於臺北,現居工作於臺北)

安娜・葉爾莫萊娃(1970年生於列寧格勒,今聖彼得堡,現居工作於維也納及林茲)

伊娃・喬瑟邦(1975年生於巴黎,現居工作於巴黎)

金玟廷(1962年生於光州,現居工作於紐約及南法地區)

雅浸・金朝恩(1989年生於韓國,現居工作於紐約)

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯(1979年生於倫敦,現居工作於柏林及倫敦)

麗娜.拉蓓利代(1984年生於考納斯,現居工作於倫敦及維爾紐斯)

歐馬爾・米斯馬爾(1986年生於貝卡谷地,現居工作於貝魯特)

倪灝(1989年生於新竹,現居工作於新竹)

卡蜜兒・諾門(1970年生於馬里蘭銀泉,現居工作於奧斯陸)

亨里克・奧利維拉(1973年生於聖保羅歐里尼奧斯,現居工作於倫敦)

帕梅拉・法提莫・桑斯川(1980年生於莫楚迪,現居工作於海牙)

邦尼・羅傑斯(1990年生於休士頓,現居工作於紐約)

澤拓(1977年生於石川縣,現居工作於倫敦及金澤市)

西爾維・塞利格(1941年生於尼斯,現居工作於巴黎)

傑瑞米・蕭(1977年生於北溫哥華,現居工作於柏林)

皮・斯塔夫(1987年生於伯格諾里吉斯,現居工作於洛杉磯及倫敦)

卓永俊(1989年生於首爾,現居工作於柏林)

高田冬彦(1987年生於廣島縣,現居工作於千葉)

蕭崇(1987年生於海陽,現居工作於柏林)

基里亞科斯・托波利迪斯(1997年生於埃森,現居工作於柏林)

阿瓦羅・烏爾巴諾(1983年生於馬德里,現居工作於柏林及巴黎)

王湘靈(1984年生於臺北,現居工作於臺北)

王耀億(1987年生於臺南,現居工作於臺北)

納里・沃德(1963年生於聖安德魯,現居工作於紐約)

吳家昀(1988年生於臺灣,現居工作於紐約)

李受俓(1963年生於首爾,現居工作於首爾)

橫溝靜(1966年生於東京,現居工作於倫敦)

于吉(1985年生於上海,現居工作於紐約及當地)

張如怡(1985年生於上海,現居工作於上海)

托比亞斯・茲耶羅尼(1973年生於烏帕塔,現居工作於柏林)

北美館「坂本龍一︱觀音.聽時」大型回顧展登場:集結7組大型裝置作品,感受聲音、空間與時間的交會
北美館「坂本龍一︱觀音.聽時」大型回顧展:集結7組大型裝置作品,感受聲音、空間與時間的交會

北美館於2026年10月31日至2027年3月14日推出──「坂本龍一︱觀音.聽時」(Ryuichi Sakamoto︱seeing sound, hearing time) 大型回顧展。展覽回溯藝術家坂本龍一自2000年代以來開創性的藝術實踐,呈現他如何透過聲音、影像、數位技術與真實世界的結合,突破媒介界線,形塑當代感知經驗的新語彙。另外,本展採網路預約制,預約辦法請見文末!

認識藝術家坂本龍一

享譽國際的音樂家坂本龍一(Ryuichi Sakamoto,1952-2023),畢業於東京藝術大學,自幼學習古典鋼琴與作曲,奠定深厚的古典音樂基礎;1978年與細野晴臣(Haruomi Hosono)、高橋幸宏(Yukihiro Takahashi,1952-2023)組成電子音樂團體「黃色魔術交響樂團Yellow Magic Orchestra(YMO)」,開啟融合電子音樂與實驗聲響的創作歷程;1980年代,他持續將創作延伸至電影配樂,並曾獲得奧斯卡金像獎、葛萊美獎及金球獎等國際重要獎項。然而坂本龍一並未止步於音樂領域,自1990年代起,他積極將影像與數位科技融入現場演出,展開與不同領域藝術家合作。

坂本龍一(Ryuichi Sakamoto, 1952-2023)©2022 Kab Inc. 攝影: Neo Sora.
坂本龍一(Ryuichi Sakamoto, 1952-2023)©2022 Kab Inc. 攝影: Neo Sora.

2000年以後,他更頻繁地在美術館和藝術節發表裝置作品,透過聲音、影像與空間的結合,探索聲音如何被觀看、聆聽與感知。同時,他長期投入環境保護與反核倡議,融入聲音創作,透過環境錄音、非典型樂器採集與科技數據,捕捉日常生活中不易察覺的聲響,對當代音樂及跨領域藝術創作產生深遠影響。

坂本龍一 Ryuichi Sakamoto, 1925-2023 Photo by Neo Sora © 2020 Kab Inc.
坂本龍一 Ryuichi Sakamoto, 1925-2023 Photo by Neo Sora © 2020 Kab Inc.

集結7組大型裝置作品

本展由日本策展人難波祐子策劃,展覽回顧他自2000年代以來開創性的藝術實踐,集結7組大型裝置作品及精選1999年歌劇《LIFE》的檔案選粹,展示他與5組藝術家的長期合作,包括高谷史郎(Shiro Takatani)、真鍋大度(Daito Manabe)、卡斯滕.尼古拉(Carsten Nicolai)、阿比查邦.韋拉斯塔古(Apichatpong Weerasethakul)與Zakkubalan,帶領觀眾回溯坂本龍一對時間、生命、環境與科技的思考,以及他如何拓展聲音的表現形式與感知經驗,為我們開啟聆聽與感受世界的不同方式。

「坂本龍一|觀音.聽時」展覽主視覺(圖片提供:北美館)
「坂本龍一|觀音.聽時」展覽主視覺(圖片提供:北美館)

展覽入口迴廊,一座帶狀LED顯示器沿著面向北美館中庭的落地窗延伸。這件作品是日本藝術家真鍋大度與坂本龍一合作的《感測流2026——不可見、不可聞(臺北版)》(Sensing Streams 2026–invisible, inaudible (Taipei version)),透過設置於北美館外的天線,將城市中無法直接察覺的電磁波,轉化為可聽、可觀的感知場域,以影像與聲音描繪臺北這座變迭都市中,隱而未見的基礎設施脈動。同時,作品也提醒我們,所處的世界始終充滿那些看不見卻真實存在的能量與關係。

坂本龍一+真鍋大度,《感測流 2026——不可見、不可聞(臺北版)》,2026。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+真鍋大度,《感測流 2026——不可見、不可聞(臺北版)》,2026。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+真鍋大度,《感測流 2026——不可見、不可聞(臺北版)》,2026。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+真鍋大度,《感測流 2026——不可見、不可聞(臺北版)》,2026。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

走進展場,得以看見德國藝術家暨音樂人卡斯滕.尼古拉與坂本龍一合作的作品,兩人曾合作多張專輯及多場現場演出。本次展出的《光幻視》(PHOSPHENES)與《內/外》(ENDO EXO),皆源自尼古拉受儒勒・凡爾納(Jules Verne)小說《海底兩萬里》(Twenty Thousand Leagues Under the Sea)啟發而發展的首部長篇電影計畫《20000》,並分別選用坂本龍一生前最後一張個人專輯《12》中的〈20210310〉與〈20220207〉作為配樂。《光幻視》以遊走於夢境與現實之間的抽象影像,交織坂本龍一朦朧的合成器聲響;《內/外》則透過動物與骨骼標本的影像,搭配緩緩流動的鋼琴旋律,引領觀眾重新思考生命、身體與觀看的邊界。

卡斯滕・尼古拉、坂本龍一(音樂),《光幻視》/《內/外》,2024。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
卡斯滕・尼古拉、坂本龍一(音樂),《光幻視》/《內/外》,2024。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
卡斯滕・尼古拉、坂本龍一(音樂),《光幻視》/《內/外》,2024。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
卡斯滕・尼古拉、坂本龍一(音樂),《光幻視》/《內/外》,2024。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

泰國電影導演暨藝術家阿比查邦.韋拉斯塔古曾受坂本龍一邀請,聆聽錄製中的專輯《async》。《async——初光》(async–first light)選用專輯中的〈disintegration〉與〈Life, Life〉兩首曲目,由坂本龍一配合影像重新編排音樂,結合詩意的影像與詩作朗誦;與其並置放映的無聲作品《沉睡者》(Durmiente),則取材自韋拉斯塔古電影《記憶》(Memoria),捕捉女主角蒂妲.史雲頓(Tilda Swinton)逐漸入睡的片刻。兩件作品透過私密而細膩的影像,以及聲音與靜默的對照,呈現夢境、記憶與甦醒之間的微妙狀態。

坂本龍一+阿比查邦・韋拉斯塔古,《async——初光》,2017/阿比查邦・韋拉斯塔古,《沉睡者》,2021。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+阿比查邦・韋拉斯塔古,《async——初光》,2017/阿比查邦・韋拉斯塔古,《沉睡者》,2021。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+阿比查邦・韋拉斯塔古,《async——初光》,2017/阿比查邦・韋拉斯塔古,《沉睡者》,2021。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+阿比查邦・韋拉斯塔古,《async——初光》,2017/阿比查邦・韋拉斯塔古,《沉睡者》,2021。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

電影製作暨藝術團體Zakkubalan由空音央(Neo Sora)與阿爾伯特.托倫(Albert Tholen)組成。兩人與坂本龍一共同創作《async——容積》(async–volume),透過展場中24個閃爍微光的小窗,呈現坂本龍一製作專輯《async》期間,在紐約生活與工作的場景,包括工作室、客廳及花園等。觀眾透過這些螢幕,得以窺見坂本龍一幕後的創作生活與日常空間,彷彿在黑暗中走進他私密的內心世界。

坂本龍一+Zakkubalan,《async——容積》,2017。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+Zakkubalan,《async——容積》,2017。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+Zakkubalan,《async——容積》,2017。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+Zakkubalan,《async——容積》,2017。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

視覺藝術家暨劇場導演高谷史郎與坂本龍一有著長達數十年的友誼與合作關係。本次展出兩人共同創作的三件作品《水的樣態1》(water state 1)、《async——沉浸》(async–immersion)及《LIFE——流動、無形、無聲……》(LIFE–fluid, invisible, inaudible...),分別呈現於北美館不同尺度的展場空間。

坂本龍一+高谷史郎,《async——沉浸》,2023。
「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《async——沉浸》,2023。 「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

《水的樣態1》(water state 1)擷取包含臺北氣象衛星的降雨量資訊,當水滴落入水池之中,展現出水在不同狀態間的變化與循環,如同自然環境的縮影。《async——沉浸》(async–immersion)以坂本龍一專輯《async》的曲目為基礎,融入〈fullmoon〉與〈Life, Life〉中的朗讀文本,並結合其紐約工作室裡的日常影像。作品透過長達18公尺的LED影像牆,讓畫面隨著如掃描器般移動的光束緩緩生成、分解與延展,隨著時間推移,交織出聲音與影像非同步的時間軸。此作於坂本龍一辭世後完成,由高谷史郎獨立延續並深化兩人共同發展的「async(非同步)」創作語境,使其成為兩人生涯晚期合作的最後數件作品之一。

坂本龍一+高谷史郎,《水的樣態1》,2013。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《水的樣態1》,2013。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《水的樣態1》,2013。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《水的樣態1》,2013。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《async——沉浸》,2023。
「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《async——沉浸》,2023。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《async——沉浸》,2023。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《async——沉浸》,2023。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

高谷史郎自1999年擔任坂本龍一歌劇《LIFE》的視覺總監,兩人由此展開長期合作。2007年由山口媒體藝術中心(YCAM)委託創作《LIFE——流動、無形、無聲……》(LIFE–fluid, invisible, inaudible...),成為坂本龍一轉向創作「裝置音樂」(installation music)的重要轉捩點。兩人以1999年首演的歌劇《LIFE》為基礎,重新解構其音樂、聲音與影像素材,透過演算法生成不斷變化的視聽景象,並結合水、霧、光影等自然元素,延續原作對20世紀戰爭、科技與人類文明的反思,以及對21世紀的未來想像,逐步開啟觀者對自然環境的感知與思索。此件繼2024年於東京都現代美術館展出後,是首次於臺北以空間重構的方式呈現,也是本展極具代表性的亮點作品。

坂本龍一+高谷史郎,《LIFE——流動、無形、無聲……》,2007。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。©
坂本龍一+高谷史郎,《LIFE——流動、無形、無聲……》,2007。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《LIFE——流動、無形、無聲……》,2007。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
坂本龍一+高谷史郎,《LIFE——流動、無形、無聲……》,2007。「坂本龍一|觀音.聽時」圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

歌劇《LIFE》珍貴檔案臺北首度公開

與此同時,本展精選1999年歌劇《LIFE》的珍貴檔案,包括筆記、樂譜、手稿、影像及錄音帶,其中亦展出攝影師瀧本幹也(Mikiya Takimoto)當年拍攝的紀錄照片,多數資料為首次公開展出。展覽文獻區邀請觀眾回望坂本龍一歌劇《LIFE》的構思起源,以及他對音樂線性時間的思考與探索。透過檔案與裝置音樂的並置,勾勒出坂本龍一從音樂走向跨領域藝術創作的思考脈絡。

「坂本龍一|觀音.聽時」文獻區場景照。圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc
「坂本龍一|觀音.聽時」文獻區場景照。圖片攝影/提供:臺北市立美術館,2026。© 2026 KAB Inc

#北美館「坂本龍一」展覽網路預約辦法

本展採「網路預約制」,每日僅保留少量現場候補名額。10/15上午10:00起|開放第一波預約,預約10/31-11/30參觀場次。

只要4步驟,輕鬆完成預約:
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坂本龍一︱觀音.聽時 Ryuichi Sakamoto︱seeing sound, hearing time
展期:2026.10.31-2027.03.14
地點:北美館 一樓1A、1B展覽室

資料提供|北美館、文字整理|Adela Cheng

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集結超過百件建築模型與精選攝影作品!妹島和世+西沢立衛/SANAA展「環境與建築」2027年臺中綠美圖開展
集結超過百件建築模型與精選攝影作品!妹島和世+西沢立衛/SANAA展「環境與建築」2027年臺中綠美圖開展

臺中市立美術館將推出年度重點國際展「妹島和世+西沢立衛/SANAA展『環境與建築』」,本展由曾獲「普立茲克獎」的國際建築團隊,也是打造出綠美圖的SANAA事務所策劃,展期自2027年1月30日至5月9日止。此次更為SANAA歷來規模最大的展覽,集結超過百件建築模型與精選攝影作品,包含首度公開的創作過程模型,揭露SANAA事務所建築思考的創作脈絡。

讓建築與環境自然交融

SANAA事務所由妹島和世與西澤立衛於1995年共同創立,以輕盈、透明、流動的空間語彙受到國際矚目。「環境與建築」是事務所長期思考的重要議題,也是本次展覽核心,對SANAA而言,建築並非劃分內外、獨立存在的物體,而是與周遭環境相互延展、共構的存在。從建築與地景的連結、室內外空間的延續,到個人置身其中的移動與交流,SANAA持續嘗試消弭建築與環境之間的界線。本展透過不同時期、地域與尺度的作品,呈現妹島和世與西澤立衛兩位建築師如何探索建築與城市、自然、人群及公共生活之間的關係。

SANAA建築事務所創辦 人妹島和世(右)與西澤立衛(左)於臺中綠美圖。(圖片提供:臺中市立美術館;攝影:Lily Chen)
SANAA建築事務所創辦 人妹島和世(右)與西澤立衛(左)於臺中綠美圖。(圖片提供:臺中市立美術館;攝影:Lily Chen)

延伸閱讀→專訪日本SANAA妹島和世、西澤立衛:用12年打造臺中綠美圖,一座可被穿越、立體延展的城市公園

從歷年代表作回望SANAA的建築思考

SANAA多年來的作品遍及世界,於不同城市與自然環境中發展出各自的回應方式。2004年落成的日本金澤21世紀美術館,以宛若城市公園的美術館為概念,大片透明外牆將室內外連結一體,模糊美術館與日常生活的界線;法國羅浮宮朗斯分館順應平緩的坡地地形,以低矮延展的建築量體回應周遭地景,使建築融入開闊的環境之中;由妹島和世負責建築設計,位在瀨戶內海上的犬島「家計畫」,更將視野從單一建築延伸至整座村落,透過改造閒置民宅,讓藝術、建築、自然與居民生活融為一體,創造一種新型態的美術館。

日本金澤21世紀美術館全景。(圖片來源:SANAA事務所)
日本金澤21世紀美術館全景。(圖片來源:SANAA事務所)
日本犬島村落空拍全景,妹島和世負責「家計畫」建築設計,使觀者、藝術作品與島上風景形成一個整體。(圖片來源:SANAA建築師事務所;攝影:Takashi Homma)
日本犬島村落空拍全景,妹島和世負責「家計畫」建築設計,使觀者、藝術作品與島上風景形成一個整體。(圖片來源:SANAA建築師事務所;攝影:Takashi Homma)

2025年完工的臺中綠美圖,建築以金屬擴張網與玻璃帷幕構成輕盈的外觀,搭配挑高的遮蔭廣場,引入光線與風,在建築中自然流動,也模糊室內外的界線。透過大廳水池達成微氣候調節的效果,並導入綠建築計畫,充分回應當代的環境課題。位於建築內的半戶外屋頂花園「文化之森」,串連周圍公園綠意,並將其引入空間內部,同時,開闊的視野可遠眺城市風景,感受城市-公園-建築間的環境關係、連結與交融,也展現SANAA對建築與環境的思考。

臺灣臺中綠美圖建築與周圍環境空拍全景。(圖片提供:臺中市立美術館;攝影:Iwan Baan)
臺灣臺中綠美圖建築與周圍環境空拍全景。(圖片提供:臺中市立美術館;攝影:Iwan Baan)

2010年榮獲「普立茲克獎」

除了遍布世界的代表作品,妹島和世與西澤立衛也屢獲國際重要獎項,兩人於2010年憑藉代表作「金澤21世紀美術館」共同獲得建築界最高榮耀「普立茲克獎」,其中,妹島和世是首位獲此殊榮的亞洲女性,西澤立衛則是截至目前最年輕的得獎建築師。此外,兩人亦陸續獲頒威尼斯建築雙年展金獅獎、日本建築學會獎、高松宮殿下紀念世界文化獎,以及在2025年獲得由英國君主親自批准、表彰他們對建築領域終身貢獻的英國皇家建築師協會(RIBA)皇家金質獎章等重要肯定。這些獎項與長期累積的建築實踐,反映了SANAA在當代建築領域長期累積的國際影響力。

日本金澤21世紀美術館室內。(圖片來源:藝術家提供;攝影:攝影:Walter Niedermayr/Bildraum S 3/200)
日本金澤21世紀美術館室內。(圖片來源:藝術家提供;攝影:攝影:Walter Niedermayr/Bildraum S 3/200)

展出大型模型、建築攝影

本展將於中美館展覽室A、B、C並延伸至臺中市立圖書館世界講堂展出,透過建築模型與攝影等多元形式,從不同角度呈現SANAA數十年來的設計歷程。展覽透過大量經典案例的建築模型,將建築、基地、周遭環境與人的活動一併納入,呈現SANAA對「環境與建築」的思考演進,以及面對不同場所與課題所發展出的設計方法與實踐。展出的模型涵蓋不同階段、時間與專案,包括日本金澤21世紀美術館、法國羅浮宮朗斯分館、美國紐約新當代藝術博物館、瑞士洛桑勞力士學習中心、澳洲雪梨現代美術館等,透過並置不同作品,回溯建築從概念生成、空間探索到逐步成形的過程,讓觀眾看見設計反覆嘗試與調整的軌跡。

臺灣臺中綠美圖建築外觀。(圖片提供:臺中市立美術館;攝影:YHLAA李易暹)
臺中綠美圖建築外觀。(圖片提供:臺中市立美術館;攝影:YHLAA李易暹)

從多種尺度走進SANAA的設計現場

此次展覽亦特別呈現攝影家沃爾特.尼德邁爾(Walter Niedermayr)長期關注自然景觀如何受到人類活動與建築影響而改變的創作視角。他與SANAA保持超過25年的交流合作,透過攝影捕捉SANAA建築中室內與室外、建築與景觀,以及自然與人工之間的流動關係,開啟建築與攝影的對話,帶領觀眾從不同視角觀看SANAA的空間。此外,展覽也透過犬島「家計畫」的模型、錄像與圖像,呈現建築、藝術、自然與居民如何共融,形塑出島嶼特有的風景。

展覽主視覺。(圖片提供:臺中市立美術館)
展覽主視覺。(圖片提供:臺中市立美術館)

臺中綠美圖不僅是此次展覽的展出場域,本身更是SANAA建築理念在臺中的具體實踐。觀眾在SANAA親自設計的建築中回望其數十年來的創作歷程,展覽與場館也形成相互對照的觀看經驗。從展間走向綠美圖及中央公園,亦能親身感受公園與建築、室內與室外,以及人與環境之間如何彼此連結。另外,展覽期間亦將規劃導覽及推廣活動,相關資訊將陸續公布,敬請關注中美館官網及Facebook、Instagram等官方社群平臺。

妹島和世+西沢立衛/SANAA展「環境與建築」
展覽期間:2027年1月30日(六)至5月9日(日)
展覽地點:臺中市立美術館展覽室A、B、C及臺中市立圖書館世界講堂
售票資訊:一般全票100元|臺中市民50元|65歲以上及未滿6歲免費|世界講堂免門票
開放時間:每週二至週日9:00-17:00、每週六9:00-20:00,國定假日照常開放。國定假日期間,因應中市圖休館,世界講堂僅開放文化之森側入口。

資料提供|臺中市立美術館、文字整理|Adela Cheng

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