2025台北雙年展主題公布!《地平線上的低吟》從臺灣錯綜歷史切入,藉藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》(Whispers on the Horizon)以臺灣錯綜複雜的歷史為背景,透過多元當代的創作語彙,探究「思慕」(yearning)這個難以明說卻又驅策行動的深層渴望。展覽由策展人山姆.巴塔維爾與提爾.法爾拉特(Sam Bardaouil and Till Fellrath)共同策劃,匯集來自全球35個城市、共54位藝術家的作品,將於2025111日至2026329日展出。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》主視覺,由柏林團隊EPS51設計。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展策展人山姆.巴塔維爾(右)和提爾.法爾拉特(左)。(圖片提供:臺北市立美術館)

從臺灣歷史切入,藉藝術追尋「思慕」的多重意義

臺灣錯綜交織的歷史——從殖民統治、認同掙扎到政治更迭——形塑了這次雙年展的背景。《地平線上的低吟》挖掘「思慕」的本質及其錯綜複雜的地層:它不僅是欲望,更是一種灼燒於心的渴求;它在個人記憶與集體歷史中流轉、在過去與未來間縈繞,也在現實與虛妄、歸屬與離散、消逝與恆常間迴盪;它是一種難以捉摸的引力,驅使著人們盡力前行、奮力邁進,卻終將是個永難企及的追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
王耀億,《合拍片》,錄像截圖。(圖片提供:王耀億)

《地平線上的低吟》以臺灣為起點,其所關注的主題卻不止於此——「思慕」存在於每個地方、每個時代在不同文化脈絡中潛行,是遷徙的痛、是思念的家;是身份與認同的追尋,是默默生根、持續醞釀的渴望。「思慕」從不停歇,也難以抹煞;飄忽無形、游移不定,卻又頑強真切地深植人心。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
羅希尼・德瓦夏爾,《鏡日》(暫名),2025。(圖片提供:羅希尼・德瓦夏爾)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
帕梅拉・法提莫・桑斯川,《SCENE 58》,2024,鉛筆、油畫、木板,140 x 300 公分。(圖片提供:帕梅拉・法提莫・桑斯川、倫敦Goodman Gallery/攝影:Alexander Edwards)

不見於展場、卻構築策展概念的三個物件

「地平線上的低吟」策展構想源自3個與臺灣歷史密切相關的物件──尪仔、日記與單車,來自3件不同時代的台灣文學及電影作品。尪仔,活在侯孝賢的電影《戲夢人生》(1993)的世界裡,呼應著李天祿動蕩不安的生命;日記,來自陳映真的短篇小說《我的弟弟康雄》(1960),記錄著一個年輕人對於理想的深切渴望;單車,存在於吳明益的作品《單車失竊記》(2015),追憶著消失在歷史中的父親身影。這些物件雖未現身展場,卻如銘刻於記憶的線索、潛流於空間的低語,提醒著人們:「思慕」雖關乎失落,亦是擁有,它不只是嚮往追尋,更包含我們所承載背負的信念。

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亨里克・奧利維拉,《減數分裂》,2014,膠合板、家具,93 × 147 × 83 公分,77 × 130 × 83 公分。私人收藏。(圖片提供:亨里克・奧利維拉)

陳澄波、陳進等臺灣畫家作品,讓「思慕」更為深邃

展覽亦從臺北市立美術館收藏的20世紀初期畫作,包括陳澄波、陳進及陳植棋等人的畫作,以及國立故宮博物院的典藏文物中汲取靈感,為「思慕」注入更深層的歷史紋理與文化縱深。穿越時代更迭、文化變遷與政治動盪,這些典藏作品成了視覺與概念的橋樑,以及跨越時空的殘響——封存於顏料與瓷釉之中,或隨筆觸與器物流轉。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
陳澄波,《新樓》,1943,油彩、畫布,72.7 × 90.9公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)
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陳進,《悠閒》,1935,膠彩、絹,136 x 161公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)

青壯年藝術家齊聚,跨領域媒材、回應現場空間的現地展演

2025台北雙年展將展出33件新委託創作和特定場域裝置,曾展出的作品也將回應美術館獨特的建築空間與城市脈絡。特別的是,近半數參展藝術家出生於1984年後,透過不同世代,帶著當代語境的思考,展現對於現今世界的即時視角,並以不同形式,回應過去與未來的連結,展開對「思慕」的多層次探索。展覽作品橫跨多種媒材與表現形式,作品風格多變,從視覺上的奇想,到結構上的重組,從親密細膩的個人體驗,到集體記憶的碰撞反思,讓「思慕」成為一種可以感知、得以進入,又能持續尋找、期待與探究的存在。

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伊凡娜・巴希奇,《氣動激情》,2020-2024,客製鑄造與熱彎玻璃、不鏽鋼、粉紅雪花石膏、吹製玻璃、氣息、氣動鎚、壓力、客製賽車排氣歧管、客製電路、麥克風、混音器、揚聲器、空氣壓縮機、蠟、白色雪花石膏、青銅、油畫顏料。(圖片提供:伊凡娜・巴希奇)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
莫尼亞・班・哈穆達,《Ya'aburnee (يقبرني (-) 未譯碎片 I)》,2025,塔拉大理石,106 × 85 × 15 公分。(圖片提供:莫尼亞・班・哈穆達)
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莫娜・哈透姆,《小室》(局部),2012-2013,低碳鋼、手工吹製玻璃,共八件,170 公分,寬度與深度不定。(圖片提供:莫娜・哈透姆、巴黎Chantal Crousel藝廊/攝影:Florian Kleinefenn)

「唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己」

《地平線上的低吟》穿梭於現實與想像,遊走在遺落與將成的各種時態之間,作品挖掘個人事件或構築虛擬世界,映照當前現況與異想未來。「思慕」不再只是抽象的情感,更是探尋自身定位的關鍵線索。於此,《地平線上的低吟》進一步揭示了思慕的真相:唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己。這裡沒有禁忌、不是答案、亦非解方,唯有「低吟」。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
高田冬彦,《The Princess and the Magic Birds》,2020-2021,單頻道有聲錄像,17分52秒。(圖片提供:高田冬彦)
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麗娜.拉蓓利代,《斜波研究》(又名,沉默者),2022,於法國 Lafayette Anticipations演出。(圖片提供:麗娜.拉蓓利代)

202514屆台北雙年展《地平線上的低吟》

展期|2025.11.012026.03.29

地點|臺北市立美術館

 

參展藝術家|按英文姓氏首字母排序

法特瑪・阿布杜哈迪1988年生於利雅德,現居工作於利雅德)

阿夫拉・阿達希里(1988年生於阿布達比,現居工作於阿布達比)

穆罕默德・阿法拉傑(1993年生於阿哈薩,現居工作於阿哈薩)

寇拉克里・阿讓諾度才(1986年生於曼谷,現居工作於紐約及曼谷)

伊凡娜・巴希奇(1986年生於貝爾格勒,現居工作於紐約)

拉納・貝古姆(1977年生於錫爾赫特,現居工作於倫敦)

莫尼亞・班・哈穆達(1991年生於米蘭,現居工作於開羅安及米蘭)

雅各波・貝納西(1970年生於拉斯佩齊亞,現居工作於拉斯佩齊亞)

赫拉・比于塔詹(1984年生於伊斯坦堡,現居工作於伊斯坦堡)

陳澄波(1895-1947,出生於嘉義)

陳植棋(1906-1931,出生於臺北廳,今新北市)

陳進(1907-1998,出生於新竹)

艾德加・卡萊爾(1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特,現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特)

陳柏豪(1982年生於高雄,現居工作於鹿特丹)

致穎(1985年生於臺北,現居工作於臺北及柏林)
加埃爾・肖瓦內(1985年生於瑟堡,現居工作於巴黎)
莊偉(1990年生於廣東,現居工作於柏林及香港)

邱子晏(1985年生於苗栗三義,現居工作於臺南)

傑基・康諾利(1990年生於紐約下哈德遜河谷,現居工作於紐約)

羅希尼・德瓦夏爾(1978年生於新德里,現居工作於新德里)

西蒙・迪布羅・莫勒(1976年生於奧胡斯,現居工作於哥本哈根)

莫娜・哈透姆(1952年生於貝魯特,現居工作於倫敦)

賀子珂(1990年生於貴陽,現居工作於北京及貴陽)

何彥諺(1993年生於臺北,現居工作於臺北)

安娜・葉爾莫萊娃(1970年生於列寧格勒,今聖彼得堡,現居工作於維也納及林茲)

伊娃・喬瑟邦(1975年生於巴黎,現居工作於巴黎)

金玟廷(1962年生於光州,現居工作於紐約及南法地區)

雅浸・金朝恩(1989年生於韓國,現居工作於紐約)

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯(1979年生於倫敦,現居工作於柏林及倫敦)

麗娜.拉蓓利代(1984年生於考納斯,現居工作於倫敦及維爾紐斯)

歐馬爾・米斯馬爾(1986年生於貝卡谷地,現居工作於貝魯特)

倪灝(1989年生於新竹,現居工作於新竹)

卡蜜兒・諾門(1970年生於馬里蘭銀泉,現居工作於奧斯陸)

亨里克・奧利維拉(1973年生於聖保羅歐里尼奧斯,現居工作於倫敦)

帕梅拉・法提莫・桑斯川(1980年生於莫楚迪,現居工作於海牙)

邦尼・羅傑斯(1990年生於休士頓,現居工作於紐約)

澤拓(1977年生於石川縣,現居工作於倫敦及金澤市)

西爾維・塞利格(1941年生於尼斯,現居工作於巴黎)

傑瑞米・蕭(1977年生於北溫哥華,現居工作於柏林)

・斯塔夫(1987年生於伯格諾里吉斯,現居工作於洛杉磯及倫敦)

卓永俊(1989年生於首爾,現居工作於柏林)

高田冬彦(1987年生於廣島縣,現居工作於千葉)

蕭崇(1987年生於海陽,現居工作於柏林)

基里亞科斯・托波利迪斯(1997年生於埃森,現居工作於柏林)

阿瓦羅・烏爾巴諾(1983年生於馬德里,現居工作於柏林及巴黎)

王湘靈(1984年生於臺北,現居工作於臺北)

王耀億(1987年生於臺南,現居工作於臺北)

納里・沃德(1963年生於聖安德魯,現居工作於紐約)

吳家昀(1988年生於臺灣,現居工作於紐約)

李受俓(1963年生於首爾,現居工作於首爾)

橫溝靜(1966年生於東京,現居工作於倫敦)

于吉(1985年生於上海,現居工作於紐約及當地)

張如怡(1985年生於上海,現居工作於上海)

托比亞斯・茲耶羅尼(1973年生於烏帕塔,現居工作於柏林)

肯亞藝術家Wangechi Mutu個展進駐羅馬博爾蓋塞美術館!以「懸浮」形式重構觀看方法,化靜態場域為變動載體

肯亞藝術家Wangechi Mutu個展進駐羅馬博爾蓋塞美術館!以「懸浮」形式重構觀看方法,化靜態場域為變動載體

羅馬博爾蓋塞美術館即日起至2025年9月14日舉辦肯亞藝術家Wangechi Mutu個展《Black Soil Poems》。隨「特定場域創作」成人類互動虛擬化下更為有力的當代表達,Mutu以首位進駐該館的在世女性藝術家之姿,藉懸浮布展形式、大膽空間語彙及嶄新神話故事重新詮釋這座具權威象徵性的場館。各色作品從展廳延伸至戶外祕密花園,在形塑跨場域對話的同時,更強化了藝術作為所有既定觀念「轉換、衝破」地帶的深刻意義。

博爾蓋塞美術館(Galleria Borghese)首度在紅衣主教西皮奧內博爾蓋塞(Cardinal Scipione Borghese)故居內舉辦的《Black Soil Poems》展覽,由義大利品牌Fendi贊助、獨立策展人Cloé Perrone策劃,並一脈相承自先前致敬巴洛克詩人Giovan Battista Marino的展覽,延續該館近期對詩意表達的關注。

(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)

展覽名稱由來於Wangechi Mutu創作上二元性:既富有詩意與神話色彩,又與當代社會和物質背景緊密相連。「Black Soil」,黑土,在雨水的滋潤下如黏土一般豐饒而可塑,出現在包括博爾蓋塞美術館祕密花園在內的諸多地理場域,恰和這位藝術家的想像力共鳴——從這片黑土中,雕塑彷彿被一股原始力量自然捏塑而成,具象化為故事、神話、回憶和詩篇。而此意象也愈加強調出Mutu作品的孕育性和轉化性:根植於物質本身,又向未來開放,邀請人們給予多重詮釋。

肯亞裔美國藝術家Wangechi Mutu。(圖片提供:Fendi)
肯亞裔美國藝術家Wangechi Mutu。(圖片提供:Fendi)
其創作帶有神話色彩。(圖片提供:Fendi)
其創作帶有神話色彩。(圖片提供:Fendi)

在特定「權威空間」完成當代表達

作為一次特定場域創作,《Black Soil Poems》的各色作品遍布於展廳、美術館外牆和祕密花園。藝術家透過懸浮和流動形式的運用物質碎片和神話語彙的重構等創作策略,對古典傳統和館藏本身的視覺重量提出質疑,進而與這座具制度權威象徵性的空間進行一場層層交織的對話。同時更以雕塑、裝置和動態影像等手法,為博物館空間提出一種創新的觀看方式,挑戰既定意義、階級秩序觀念和所謂的永恆性。在其創作力渲染下,美術館空間不再只是靜態展示物品的容器,而是一個不斷變動的有機體,在失去、適應和再建構中持續轉換和重新被定義。

博爾蓋塞美術館本身已有許多典藏。(圖片提供:Fendi)
博爾蓋塞美術館本身已有許多典藏。(圖片提供:Fendi)
新設展品穿插其間。(圖片提供:Fendi)
新設展品穿插其間。(圖片提供:Fendi)

「觀看方向性」的再定義:重繪視覺場域,開啟全新感知

展覽分為相輔相成的兩部分。首先Mutu在館內徹底重新思考空間的方向性:她的雕塑作品並未遮擋住原來的收藏品,比起「占據」更像「點綴」;那些輕盈懸置於空中,抑或無聲安放於平面上的作品,都如虛無的幽靈般存在。數件裝置〈Ndege〉、〈Suspended Playtime〉、〈First Weeping Head〉、〈Second Weeping Head〉彷彿不顧重力邏輯地掛在天花板上,構築出有別過往的觀看視線——深層意義上,此形式亦引發對歷史敘事和物質階級秩序的轉換。Mutu重新繪製了博爾蓋塞美術館的整體視覺場域,引導觀者用各種角度與意識重新審視這座空間,讓多重敘事方式共存,並且告訴人們美術館不僅是一個記憶空間,也是想像與轉換的場所。

(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)

青銅、木材、羽毛、土壤、紙張、水和蠟同是本展核心精神。其中尤以青銅為重,它褪去傳統賦予它的象徵意義,成了承載先人記憶、復原和多元性的容器。當藝術家將有機、流動和可變的材質,帶入這個隨處都是大理石、灰泥和鍍金表面的空間時,更重申了一種轉換的詩學。

Wangechi Mutu的作品促請人們以不同方式參觀美術館——不只看那些展示的東西,也要凝視曾經被移除、被壓抑或被隱藏起來的東西。

(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)

人類 X 神話 X 容器,混合創作形態呼應全球宇宙觀

來到館外,即見多座青銅雕塑散落於優美風景中。〈The Seated I〉和〈The Seated IV〉兩座當代女像柱,標誌著藝術家與重要公共機構之間一次意義深遠的合作時刻(詳見下方圖說);〈Nyoka〉、〈Heads in a Basket〉、〈Musa〉和〈Water Woman〉等青銅作品,將原型容器詮釋為轉換場所;〈The End of Eating Everything〉則將Mutu的雕塑語彙延伸至影像,為她對神話的持續探索增添了時間性與沉浸感。

一部分人類,一部分神話,一部分容器,彷彿從一片象徵性的土壤中浮現,呼應東非傳統和全球宇宙觀。這些作品靜靜擺置於花園和建築的入口處,與場地的古典秩序達成微妙平衡,挑戰理想化的形式和線性敘事,轉而追求模糊性、差異性與精神存在感。

女像〈The Seated I〉和〈The Seated IV〉,最初於2019年為紐約大都會博物館「主館正面外牆委託創作計畫(The Facade Commission)」而作。(圖片提供:Fendi)
女像〈The Seated I〉和〈The Seated IV〉,最初於2019年為紐約大都會博物館「主館正面外牆委託創作計畫(The Facade Commission)」而作。(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)

《Black Soil Poems》的最後一件名為〈Shavasana I〉的青銅像在羅馬美國學院展出。其名取自瑜伽體式「攤屍式(Shavasana)」,以真實事件為靈感呈現一具仰臥的身體蓋著編織草蓆;雕塑放置於學院中庭,四周環繞古羅馬墓誌銘,凸顯出死亡、臣服和生命尊嚴的主題。

而博爾蓋塞美術館繼2023年推出《Giuseppe Penone: Universal Gestures》(吉塞普佩諾內)、2024年籌辦《Louise Bourgeois: Unconscious Memories》(路易絲布爾喬亞)展覽後,今年通過本展再次延續推廣當代藝術的承諾,藉由重量級國際藝術家的視野,激發觀者以嶄新視角觀看空間,創造出嶄新連結與對話。

Wangechi Mutu成為首位進駐博爾蓋塞美術館的在世女性藝術家。(圖片提供:Fendi)
Wangechi Mutu成為首位進駐博爾蓋塞美術館的在世女性藝術家。(圖片提供:Fendi)

Wangechi Mutu《Black Soil Poems》個展

  • 時間:即日起至2025年9月14日
  • 地點:義大利羅馬博爾蓋塞美術館

同場加映:Wangechi Mutu x Fendi Peekaboo特別包款

同時,為歡慶這項Fendi與美術館長期合作計畫的其中一環盛事,藝術家亦攜手品牌創作獨一無二的Peekaboo包款。Mutu表示:「Fendi的Peekaboo包幾何俐落,結構堅挺,而我當下就想讓它變得有機、夢幻、富有生命力。一邊是恩貢山丘,另一邊是美麗的肯亞山峰。這兩座山把袋子撐在一起。而內部的枝枒,就像生命在縫隙中竄生而出。這不只是一個包包,它是一件雕塑。」

(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)

呼應著Mutu詩意且充滿神話想像的創作視角、同時深深扎根於當代社會與物質脈絡,此特別包款融合多種技法打造,甚運用包括金箔在內的媒材裝飾包身,營造出層次豐富的視覺和觸感;不僅可見對藝術家本人別具意義的「恩貢山丘」和「肯亞山峰」兩處風景躍然其上,更有一組雕塑感木枝構成的裝置,如富生命般破袋而出。

(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)
(圖片提供:Fendi)

Fendi Peekaboo藝術合作系列

Fendi長期深耕藝術與文化領域的精神,自2014年展開的Peekaboo藝術合作系列多年來與各界知名人士共同打造特別包款,包括建築大師Zaha Hadid、設計師Sabine Marcelis、雕塑藝術家Arnaldo Pomodoro和Giuseppe Penone乃至歌手Adele都曾參與。

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繼《顫動的靈魂》從東京森美術館巡展各地,今年4月份方才於巴黎大皇宮落幕,塩田千春全新個展《靜寂之空》已在北京紅磚美術館領觀者另闢一段悟化旅程。與空間有著強烈互動性的「塩田式創作」,終以時而像擁抱、時而似拉扯、時而張力平衡的姿態,應場館本身環境蓬勃生長。而那兩綑至今不斷探問「缺席的存在」的黑紅絲線,此次更剝開東方哲學,化「空」為視覺沉思,在流瀉禪意的靜寂場館裡綻現生命力。

日本藝術家塩田千春(Chiharu Shiota)大型個展即日起至2025年8月31日於北京紅磚美術館展出。紅磚美術館館長閆士傑親力策劃,由藝術家根據館內環境,深度挖掘東方元素、充分調度在地材料,創作出一系列全新特定場域裝置。

《靜寂之空(Silent Emptiness)》籌備始於2018年,中間歷經5年的反覆調整與碰撞,完成了藝術家本人看來近年最好的一次展覽。不僅是對塩田千春「缺席的存在」這一核心命題的深化,更以她獨特的東方哲思跨文化經驗為脈絡,將東方哲學中的「空」轉化為可觸可感的視覺沉思,亦在其創作生涯中尋找新坐標。再者,透過早期行為影像、為本展特別繪製的手稿等檔案資料的同步公開,觀者更可循跡回溯她「流離」之下獨特的藝術實踐歷程:作為日本人,如何從柏林一步步走入全球當代藝術視野,從方寸間的繪畫走向沉浸式大型空間裝置。

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鹽的結晶,流離中的自我覺醒

作為長居柏林的藝術家,塩田千春的創作始終遊走於「東方基因」與「全球經驗」之間。她曾以「鹽的結晶」精準捕捉自己跨國身分的流動與凝結,而這種流離中的覺醒亦始終貫穿其創作。「在德國,我覺得自己學會了看到更多在日本時無法察覺的自我。例如,當妳把鹽水留在盤子裡,水分蒸發後,只剩下鹽。原本溶於水中、不可見的鹽開始結晶。我在日本時,作為個體是不可見的。在那片「水」中,我不知道自己是誰,不知道自己想做什麼,也不知道什麼是必要的。而來到德國後,我覺得自己終於成為了一個獨立的個體,如同結晶般清晰可見,並第一次真正理解了這些。」

塩田千春手稿及創作年表。(圖片提供:紅磚美術館)
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生成於場館空間,6大作品重構「空」的詩學

自開放空間與流動氣韻凝塑出的「靜寂」精神,構建起了此次《靜寂之空》充滿詩意的場域。塩田千春特別強調紅磚美術館的空間特質,「它融合了東方園林的靜謐禪意與西方建築的秩序感,與我的文化背景產生難以言喻的共鳴。」再加上在其他場館難以實施的大膽手法(包括用水鋪滿主展廳、把兩面牆體鑿開巨大的洞等),愈發體現創作者本身對「空」的深刻理解。恰如策展人閆士傑所述,「塩田的每件作品都將充分與紅磚的建築空間完美融合,轉化為深邃的場域空間,共同構建了一個關於『存在』的終極追問,導向東方哲學中對『空』的悟化。」

紅磚美術館外觀。(圖片提供:紅磚美術館)
紅磚美術館外觀。(圖片提供:紅磚美術館)
(圖片提供:紅磚美術館)
(圖片提供:紅磚美術館)

▍空間裝置

#01〈多重現實〉

以7件連衣裙為載體,既是對「第二層皮膚」的隱喻,亦是對「肉身消逝後靈魂起舞」的追問。藝術家落下註解:「衣服承載個體的記憶、情感與經歷,是自我的延伸。」當空蕩的衣裙在昏暗的房間裡緩緩旋轉,倒影在平靜的水面上,像一場缺席之舞;肉身消失,但仍能從裙擺的運動中感受到其存在。正呼應藝術家自己對「缺席的存在」的詮釋——事物的缺席並非消亡,而是融入更遼闊的宇宙,重新參與時間的流轉,與萬物相連。

〈多重現實〉,塩田千春,2025,綜合材料,尺寸可變。Multiple Realities, Chiharu Shiota, 2025, Mixed media, Dimensions variable.(圖片提供:紅磚美術館)
〈多重現實〉,塩田千春,2025,綜合材料,尺寸可變。Multiple Realities, Chiharu Shiota, 2025, Mixed media, Dimensions variable.(圖片提供:紅磚美術館)

#02〈意識的蛻變〉

水面上一條蜿蜒的石墩小徑通向一個柔光絲滑下墜的黑暗房間,蝴蝶正從軀殼般的身體中剝離,引入莊周夢蝶的哲思;並通過懸浮的蝶翼與殘留體溫的床鋪,挑戰肉身與意識的二元對立。承藝術家之言,「每一次入睡都是死亡的預演——一次超越身體的旅程。」在這裡,「空」恰似生死界限的消融。

〈意識的蛻變〉,塩田千春,2025,綜合材料,尺寸可變。Metamorphosis of Consciousness, Chiharu Shiota, 2025, Mixed media, Dimensions variable.(圖片提供:紅磚美術館)
〈意識的蛻變〉,塩田千春,2025,綜合材料,尺寸可變。Metamorphosis of Consciousness, Chiharu Shiota, 2025, Mixed media, Dimensions variable.(圖片提供:紅磚美術館)

#03〈通往靜寂之門〉

以藏傳佛教一座古老的門庭建築為主體,無數紅線穿越其中,衝破牆壁,撕裂物理空間的邊界,輾轉延伸至天際,彷彿一股無形的能量突破了物質空間的束縛,構建出一個超越現實的精神通道——紅線既是聯結的紐帶,亦是斷裂的痕跡。挑戰物質與精神的界限,邀請觀者進入一個沉思與悟化的空間。

〈通往靜寂之門〉,塩田千春,2025,古董門廊、紅毛線,尺寸可變。Gateway to Silence, Chiharu Shiota, 2025, Antique porch, red wool, Dimensions variable.(圖片提供:紅磚美術館)
〈通往靜寂之門〉,塩田千春,2025,古董門廊、紅毛線,尺寸可變。Gateway to Silence, Chiharu Shiota, 2025, Antique porch, red wool, Dimensions variable.(圖片提供:紅磚美術館)

塩田千春的紅線在此是依緣而顯、隨緣應物的當下覺知。——策展人閆士傑

(圖片提供:紅磚美術館)
(圖片提供:紅磚美術館)

#04〈時間的回響〉

取北京當地的天然洞石,賦予「時間」以物質形態。從巖石孔洞中冒出的黑線如波浪般在空間中翻湧成無垠的夜空、黑暗而炙熱的遠古大地——塩田千春以「線」隱喻時間對物質的侵蝕與重塑。而在東方文化中,石頭更關乎哲學與信仰,是人們理解宇宙、建構意義的載體。當3塊石頭佇立於同一空間時,便彷彿形成了一處小型遺跡,觀者能夠感知那席捲一切的時間洪流在空間中激蕩起的回響。

〈時間的回響〉,塩田千春,2025,黑毛線、石頭,尺寸可變。Echoes of Time, Chiharu Shiota, 2025, Black yarn, rock, Dimensions variable.(圖片提供:紅磚美術館)
〈時間的回響〉,塩田千春,2025,黑毛線、石頭,尺寸可變。Echoes of Time, Chiharu Shiota, 2025, Black yarn, rock, Dimensions variable.(圖片提供:紅磚美術館)
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(圖片提供:紅磚美術館)
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(圖片提供:紅磚美術館)

#05〈生根的記憶〉

再沿隱祕小徑入一溫熱空間,一艘來自河北邢台朱莊水庫的廢棄木船占據核心,船體裂縫中生長出一棵樹,紅色繩索如雨絲般垂落,滋養根系。塩田千春通過「樹從船中生」的意象,構建自然與人類活動的共生循環:樹是船的起源,船又是樹的搖籃,孕育出新的生命——物質的消亡恰是生命輪迴的起點

〈生根的記憶〉,塩田千春,2025,紅繩、木船、土壤,尺寸可變。Rooted Memories, Chiharu Shiota, 2025, Red rope, boat, earth, Dimensions variable.(圖片提供:紅磚美術館)
〈生根的記憶〉,塩田千春,2025,紅繩、木船、土壤,尺寸可變。Rooted Memories, Chiharu Shiota, 2025, Red rope, boat, earth, Dimensions variable.(圖片提供:紅磚美術館)
(圖片提供:紅磚美術館)
(圖片提供:紅磚美術館)
(圖片提供:紅磚美術館)
(圖片提供:紅磚美術館)

#06〈灰燼中的聯繫〉

作為展覽最後一件作品,燒焦的椅子全被紅線連接起來,象徵人與人的關係看似分離卻仍保有看不見的聯繫,彷彿訴說著:即使缺席,依然能被感知;即使毀滅,痕跡依然存留。

〈灰燼中的聯繫〉,塩田千春,2025,綜合材料,尺寸可變。Connections in Ashes, Chiharu Shiota, 2025, Mixed media, Dimensions variable.(圖片提供:紅磚美術館)
〈灰燼中的聯繫〉,塩田千春,2025,綜合材料,尺寸可變。Connections in Ashes, Chiharu Shiota, 2025, Mixed media, Dimensions variable.(圖片提供:紅磚美術館)

▍行為影像

展覽還將展出塩田千春早期的行為影像,包括1999年的〈浴室〉與2010年的〈牆〉皆以身體為媒介探討跨國身分的認同。〈浴室〉中,清洗的徒勞揭示了記憶的頑固性,如同皮膚上的烙印,既是個體歷史的見證,也是無法剝離的身分存在;〈牆〉中,身體既是牆本身,又是被牆禁錮的對象,如紅線般密布身體表面正在流動的「血管」則揭示了界限的虛妄——牆可倒塌、線可斷裂,但生命的力量永遠在禁錮的裂隙中湧動。

除裝置外,現場亦展出影像、畫作等其他作品。圖為〈與宇宙相連〉,塩田千春,2023,布面穿線、墨水。Connected to the Universe, Chiharu Shiota, 2023, Thread and ink on canvas.(圖片提供:紅磚美術館)
除裝置外,現場亦展出影像、畫作等其他作品。圖為〈與宇宙相連〉,塩田千春,2023,布面穿線、墨水。Connected to the Universe, Chiharu Shiota, 2023, Thread and ink on canvas.(圖片提供:紅磚美術館)

答案在每一根絲線的震顫中

從行為到裝置,塩田千春大量使用纖維、舊物、泥土等超越地域標籤的媒材,表達記憶、焦慮、夢想、沉默等無形的事物,通過對身分、界限和存在等普遍概念的質疑,巧妙地將個體焦慮轉化為集體記憶,將文化疏離昇華為對人類存在困境的叩問。策展人閆士傑強調,「塩田千春的『空』不屬於任何地域,而是對人類存在困境的終極回應。這正源於她在流離中的自我覺醒,在覺醒與疼痛間爆發出驚人的能量。」

(圖片提供:紅磚美術館)
(圖片提供:紅磚美術館)

進入紅磚美術館《塩田千春:靜寂之空》,如入一場「悟空」的旅程——當物質消逝、軀體消亡、時間流逝,人類如何通過記憶、藝術與信仰,在無我的宇宙重構存在之錨?塩田千春的答案藏在每一根絲線的震顫中——斷裂與聯結本是一體,廢墟中亦可生長新生。

這不僅是一場展覽,更是一場哲學宣言。塩田千春以纖維為經、舊物為緯,編織出「空」的當代詮釋:

它非虛無,而是緣起性空的自由,直面生死後的慈悲。

空性如如,不礙萬法紛然。

(圖片提供:紅磚美術館)
(圖片提供:紅磚美術館)

塩田千春

1972年生於日本大阪,現居德國柏林。2015年代表日本參加第56屆威尼斯雙年展,2025年被授予日本藝術選獎文部科學大臣獎。其創作靈感往往來自個人經歷或情感,進而擴展為生命、死亡和關係等人類普遍關注的議題。她通過收集既存的日常物件,如鞋子、鑰匙、床、椅子和裙子,使它們被吞沒在巨大的線織結構中,重新定義了記憶和意識的概念;並藉裝置、雕塑、繪畫、照片、行為影像等多元媒材深刻探索「缺席的存在」命題,2001至今在日本及世界各地場館多有展出。

紅磚VOICE|對話塩田千春

以下內容由紅磚美術館製作,本平台經館方授權轉載
文字採訪:李彥瑾
藝術家塩田千春與《靜寂之空》策展人閆士傑。(圖片提供:紅磚美術館)
藝術家塩田千春與《靜寂之空》策展人閆士傑。(圖片提供:紅磚美術館)

Q1 請用你自己的語言向觀眾闡釋展覽《靜寂之空》?

A:展覽《靜寂之空》延續了我一直以來的創作理念——缺席的存在。在紅磚美術館這樣一個空曠而沉靜的空間中,我試圖喚起種種「存在」的感知:石頭承載的記憶、船體積累的時間、藏地古門的歷史、旋轉的巨大裙子汲取的能量,還有作品〈意識的蛻變〉中夢境與現實交織的邊界。展覽最後一件作品〈灰燼中的聯繫〉中,所有的椅子都被紅線連接起來,象徵著人和人之間即使看似分離,也仍保有看不見的聯繫。這些作品共同編織出一個關於「空」與「存在」的完整敘事。

Q2 在展覽《靜寂之空》中,你的作品如何與紅磚的空間對話?

A:這次展覽的策展人是紅磚美術館的館長閆士傑,籌備初期,我們就進行了多次深入的溝通。比如說他會提供大量可用於創作的材料和空間資料,我會根據材料分享我希望探索的方向。我們就這樣反覆溝通、碰撞、提煉,最後形成了如今的展覽。這次的作品確實是根據紅磚美術館的空間關係因地制宜進行在地創作。比如,〈多重現實〉的展廳設有一方水池,盡頭是一扇小門,觀眾通過它可以看到旁邊〈通往靜寂之門〉的門庭。這個視角製造出一種奇異的錯覺:入口與出口似乎共存於同一時空,引導人通往一個未知的世界。

Q3 今年你有多個展覽同開,比如巴黎大皇宮的展覽《顫動的靈魂》,與《靜寂之空》有什麼區別?

A:巴黎大皇宮的展覽在4月19日剛剛結束,是我之前在日本森美術館《顫動的靈魂》巡展,這個展覽圍繞「靈魂將前往何處」展開。展覽《靜寂之空》更側重於對東方文化基因的挖掘與植根,不僅是對紅磚美術館空間特質的呼應,也是我時至今日創作理念的延伸。我的作品中「缺席的存在」與東方哲學中的「空」相通,缺席並非消亡,而是融入更遼闊的宇宙,重新參與時間的流轉,與萬物相連。

(圖片提供:紅磚美術館)
(圖片提供:紅磚美術館)

Q4 這次在紅磚布展你親自參與長達半個多月,與以往展覽有什麼不同的體驗?

A:其實在日本和歐洲做展覽會比較像,展覽往往早早規劃好,按部就班推進,一切似乎都在可控範圍內。但這次在紅磚的布展節奏非常不同,時間緊湊,挑戰很多,大家的力量凝聚在一起,把不可能的事變成現實,這是非常不可思議的。雖然很辛苦,但我覺得特別有意思。

Q5 你剛提到不可思議的事情,可以展開聊聊嗎?

A:作品〈生根的記憶〉最令我動容,我從沒有想像過一艘長出樹的船可以被「活著」搬到展廳;還有作品〈多重現實〉的展廳中引入了一方池水,這對我來說也是不可思議的。所以說,《靜寂之空》只有在紅磚美術館,才得以實現。

Q6 你之前的作品如〈內與外〉曾探討東、西柏林的分隔與連接,《靜寂之空》展覽中是否也有類似的文化或社區性?

A:在這次展覽中,〈時間的回響〉與中國文化有很深的連接。中國人對「石頭」的理解和情感投射是非常獨特的,比如人們會將精神、審美、情感寄託於一塊石頭上,再贈予他人,這種行為本身就富含文化性和地域性。在這件作品中,我嘗試捕捉這種文化情緒與物之間的隱祕共鳴。

(圖片提供:紅磚美術館)
(圖片提供:紅磚美術館)

Q7 你提到過很多藝術家都是在工作室完成作品,但你是在展廳中完成作品。對你來說,你通常會在工作室中做些什麼?

A:我的工作室基本上就是存放材料的地方。我會在裡面選擇我作品的材料,做小範圍的試驗。如果試驗成功了,這個模型就會成為之後在美術館空間中展出的範式。我的作品與空間本身密不可分,或者可以說是在現場「生成」的。

Q8 你從上世紀90年代末就一直在柏林生活、創作,為什麽選擇定居柏林?

A:我在德國生活,因為語言不通,反而讓我感覺藝術環境更加自由與放鬆。而且德國經歷二戰後長期在反思歷史,這種文化氛圍會讓大家更能接受真實的自己和彼此的差異。在這樣一個文化背景下,我可以更坦然地理解差異,更清晰地認識自己,也更本真地回應周遭。

Q9 你說過不願自己被貼上「女性藝術家」的標籤,為什麼?

A:我不想被任何標籤限制。現在全球有很多專為女性藝術家舉辦的展覽,但我不太願意參與。我還在日本生活的時候,對於自己是一位女性常常感到自卑,但當我去到柏林生活後,這種自卑感漸漸消失了。我並不是在否定女性主義,而是希望藝術家被看見是因為作品本身,而不是因為性別身分。

Q10 你希望觀眾在看完《靜寂之空》後有何所思所想?

A:我的願望非常單純,希望所有來看展覽的觀眾都會喜歡上藝術。讓他們覺得藝術是很簡單、很有趣的一件事,如果這個展覽能讓觀眾想要去看更多當代藝術,對我來說這就足夠了。

(圖片提供:紅磚美術館,藝術家肖像 Photo by Sunhi Mang, ©VG Bild-Kunst, Bonn, 2025 and Chiharu Shiota)
(圖片提供:紅磚美術館,藝術家肖像 Photo by Sunhi Mang, ©VG Bild-Kunst, Bonn, 2025 and Chiharu Shiota)

>> 更多展覽相關訊息可點此至紅磚美術館官方網站了解。

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