2025台北雙年展主題公布!《地平線上的低吟》從臺灣錯綜歷史切入,藉藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》(Whispers on the Horizon)以臺灣錯綜複雜的歷史為背景,透過多元當代的創作語彙,探究「思慕」(yearning)這個難以明說卻又驅策行動的深層渴望。展覽由策展人山姆.巴塔維爾與提爾.法爾拉特(Sam Bardaouil and Till Fellrath)共同策劃,匯集來自全球35個城市、共54位藝術家的作品,將於2025111日至2026329日展出。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》主視覺,由柏林團隊EPS51設計。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展策展人山姆.巴塔維爾(右)和提爾.法爾拉特(左)。(圖片提供:臺北市立美術館)

從臺灣歷史切入,藉藝術追尋「思慕」的多重意義

臺灣錯綜交織的歷史——從殖民統治、認同掙扎到政治更迭——形塑了這次雙年展的背景。《地平線上的低吟》挖掘「思慕」的本質及其錯綜複雜的地層:它不僅是欲望,更是一種灼燒於心的渴求;它在個人記憶與集體歷史中流轉、在過去與未來間縈繞,也在現實與虛妄、歸屬與離散、消逝與恆常間迴盪;它是一種難以捉摸的引力,驅使著人們盡力前行、奮力邁進,卻終將是個永難企及的追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
王耀億,《合拍片》,錄像截圖。(圖片提供:王耀億)

《地平線上的低吟》以臺灣為起點,其所關注的主題卻不止於此——「思慕」存在於每個地方、每個時代在不同文化脈絡中潛行,是遷徙的痛、是思念的家;是身份與認同的追尋,是默默生根、持續醞釀的渴望。「思慕」從不停歇,也難以抹煞;飄忽無形、游移不定,卻又頑強真切地深植人心。

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羅希尼・德瓦夏爾,《鏡日》(暫名),2025。(圖片提供:羅希尼・德瓦夏爾)
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帕梅拉・法提莫・桑斯川,《SCENE 58》,2024,鉛筆、油畫、木板,140 x 300 公分。(圖片提供:帕梅拉・法提莫・桑斯川、倫敦Goodman Gallery/攝影:Alexander Edwards)

不見於展場、卻構築策展概念的三個物件

「地平線上的低吟」策展構想源自3個與臺灣歷史密切相關的物件──尪仔、日記與單車,來自3件不同時代的台灣文學及電影作品。尪仔,活在侯孝賢的電影《戲夢人生》(1993)的世界裡,呼應著李天祿動蕩不安的生命;日記,來自陳映真的短篇小說《我的弟弟康雄》(1960),記錄著一個年輕人對於理想的深切渴望;單車,存在於吳明益的作品《單車失竊記》(2015),追憶著消失在歷史中的父親身影。這些物件雖未現身展場,卻如銘刻於記憶的線索、潛流於空間的低語,提醒著人們:「思慕」雖關乎失落,亦是擁有,它不只是嚮往追尋,更包含我們所承載背負的信念。

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亨里克・奧利維拉,《減數分裂》,2014,膠合板、家具,93 × 147 × 83 公分,77 × 130 × 83 公分。私人收藏。(圖片提供:亨里克・奧利維拉)

陳澄波、陳進等臺灣畫家作品,讓「思慕」更為深邃

展覽亦從臺北市立美術館收藏的20世紀初期畫作,包括陳澄波、陳進及陳植棋等人的畫作,以及國立故宮博物院的典藏文物中汲取靈感,為「思慕」注入更深層的歷史紋理與文化縱深。穿越時代更迭、文化變遷與政治動盪,這些典藏作品成了視覺與概念的橋樑,以及跨越時空的殘響——封存於顏料與瓷釉之中,或隨筆觸與器物流轉。

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陳澄波,《新樓》,1943,油彩、畫布,72.7 × 90.9公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)
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陳進,《悠閒》,1935,膠彩、絹,136 x 161公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)

青壯年藝術家齊聚,跨領域媒材、回應現場空間的現地展演

2025台北雙年展將展出33件新委託創作和特定場域裝置,曾展出的作品也將回應美術館獨特的建築空間與城市脈絡。特別的是,近半數參展藝術家出生於1984年後,透過不同世代,帶著當代語境的思考,展現對於現今世界的即時視角,並以不同形式,回應過去與未來的連結,展開對「思慕」的多層次探索。展覽作品橫跨多種媒材與表現形式,作品風格多變,從視覺上的奇想,到結構上的重組,從親密細膩的個人體驗,到集體記憶的碰撞反思,讓「思慕」成為一種可以感知、得以進入,又能持續尋找、期待與探究的存在。

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伊凡娜・巴希奇,《氣動激情》,2020-2024,客製鑄造與熱彎玻璃、不鏽鋼、粉紅雪花石膏、吹製玻璃、氣息、氣動鎚、壓力、客製賽車排氣歧管、客製電路、麥克風、混音器、揚聲器、空氣壓縮機、蠟、白色雪花石膏、青銅、油畫顏料。(圖片提供:伊凡娜・巴希奇)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
莫尼亞・班・哈穆達,《Ya'aburnee (يقبرني (-) 未譯碎片 I)》,2025,塔拉大理石,106 × 85 × 15 公分。(圖片提供:莫尼亞・班・哈穆達)
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莫娜・哈透姆,《小室》(局部),2012-2013,低碳鋼、手工吹製玻璃,共八件,170 公分,寬度與深度不定。(圖片提供:莫娜・哈透姆、巴黎Chantal Crousel藝廊/攝影:Florian Kleinefenn)

「唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己」

《地平線上的低吟》穿梭於現實與想像,遊走在遺落與將成的各種時態之間,作品挖掘個人事件或構築虛擬世界,映照當前現況與異想未來。「思慕」不再只是抽象的情感,更是探尋自身定位的關鍵線索。於此,《地平線上的低吟》進一步揭示了思慕的真相:唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己。這裡沒有禁忌、不是答案、亦非解方,唯有「低吟」。

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高田冬彦,《The Princess and the Magic Birds》,2020-2021,單頻道有聲錄像,17分52秒。(圖片提供:高田冬彦)
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麗娜.拉蓓利代,《斜波研究》(又名,沉默者),2022,於法國 Lafayette Anticipations演出。(圖片提供:麗娜.拉蓓利代)

202514屆台北雙年展《地平線上的低吟》

展期|2025.11.012026.03.29

地點|臺北市立美術館

 

參展藝術家|按英文姓氏首字母排序

法特瑪・阿布杜哈迪1988年生於利雅德,現居工作於利雅德)

阿夫拉・阿達希里(1988年生於阿布達比,現居工作於阿布達比)

穆罕默德・阿法拉傑(1993年生於阿哈薩,現居工作於阿哈薩)

寇拉克里・阿讓諾度才(1986年生於曼谷,現居工作於紐約及曼谷)

伊凡娜・巴希奇(1986年生於貝爾格勒,現居工作於紐約)

拉納・貝古姆(1977年生於錫爾赫特,現居工作於倫敦)

莫尼亞・班・哈穆達(1991年生於米蘭,現居工作於開羅安及米蘭)

雅各波・貝納西(1970年生於拉斯佩齊亞,現居工作於拉斯佩齊亞)

赫拉・比于塔詹(1984年生於伊斯坦堡,現居工作於伊斯坦堡)

陳澄波(1895-1947,出生於嘉義)

陳植棋(1906-1931,出生於臺北廳,今新北市)

陳進(1907-1998,出生於新竹)

艾德加・卡萊爾(1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特,現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特)

陳柏豪(1982年生於高雄,現居工作於鹿特丹)

致穎(1985年生於臺北,現居工作於臺北及柏林)
加埃爾・肖瓦內(1985年生於瑟堡,現居工作於巴黎)
莊偉(1990年生於廣東,現居工作於柏林及香港)

邱子晏(1985年生於苗栗三義,現居工作於臺南)

傑基・康諾利(1990年生於紐約下哈德遜河谷,現居工作於紐約)

羅希尼・德瓦夏爾(1978年生於新德里,現居工作於新德里)

西蒙・迪布羅・莫勒(1976年生於奧胡斯,現居工作於哥本哈根)

莫娜・哈透姆(1952年生於貝魯特,現居工作於倫敦)

賀子珂(1990年生於貴陽,現居工作於北京及貴陽)

何彥諺(1993年生於臺北,現居工作於臺北)

安娜・葉爾莫萊娃(1970年生於列寧格勒,今聖彼得堡,現居工作於維也納及林茲)

伊娃・喬瑟邦(1975年生於巴黎,現居工作於巴黎)

金玟廷(1962年生於光州,現居工作於紐約及南法地區)

雅浸・金朝恩(1989年生於韓國,現居工作於紐約)

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯(1979年生於倫敦,現居工作於柏林及倫敦)

麗娜.拉蓓利代(1984年生於考納斯,現居工作於倫敦及維爾紐斯)

歐馬爾・米斯馬爾(1986年生於貝卡谷地,現居工作於貝魯特)

倪灝(1989年生於新竹,現居工作於新竹)

卡蜜兒・諾門(1970年生於馬里蘭銀泉,現居工作於奧斯陸)

亨里克・奧利維拉(1973年生於聖保羅歐里尼奧斯,現居工作於倫敦)

帕梅拉・法提莫・桑斯川(1980年生於莫楚迪,現居工作於海牙)

邦尼・羅傑斯(1990年生於休士頓,現居工作於紐約)

澤拓(1977年生於石川縣,現居工作於倫敦及金澤市)

西爾維・塞利格(1941年生於尼斯,現居工作於巴黎)

傑瑞米・蕭(1977年生於北溫哥華,現居工作於柏林)

・斯塔夫(1987年生於伯格諾里吉斯,現居工作於洛杉磯及倫敦)

卓永俊(1989年生於首爾,現居工作於柏林)

高田冬彦(1987年生於廣島縣,現居工作於千葉)

蕭崇(1987年生於海陽,現居工作於柏林)

基里亞科斯・托波利迪斯(1997年生於埃森,現居工作於柏林)

阿瓦羅・烏爾巴諾(1983年生於馬德里,現居工作於柏林及巴黎)

王湘靈(1984年生於臺北,現居工作於臺北)

王耀億(1987年生於臺南,現居工作於臺北)

納里・沃德(1963年生於聖安德魯,現居工作於紐約)

吳家昀(1988年生於臺灣,現居工作於紐約)

李受俓(1963年生於首爾,現居工作於首爾)

橫溝靜(1966年生於東京,現居工作於倫敦)

于吉(1985年生於上海,現居工作於紐約及當地)

張如怡(1985年生於上海,現居工作於上海)

托比亞斯・茲耶羅尼(1973年生於烏帕塔,現居工作於柏林)

從電影看板到建築設計的摩登全才:中美館「搖擺阿哥哥」展覽以5大子題重現王水河的流金歲月
從電影看板到建築設計的摩登全才:中美館「搖擺阿哥哥」展覽以5大子題重現王水河的流金歲月

臺中市立美術館新展「搖擺阿哥哥-時代跨域者王水河」於8月29日正式登場,展期至10月25日止,展覽聚焦對臺灣戰後城市地景與視覺文化帶來重要影響的跨域創作者——王水河,向大眾多面向展示他獨樹一格的設計風格。本次展場結合呈現VR裝置、字體設計師對談等當代詮釋,希望透過藝術檔案與當代詮釋並行,帶領觀眾重新認識王水河。

本次展覽是中美館自成立以來持續投入中部藝術家研究與檔案建置工作,首次透過展覽形式呈現的階段性重要成果。歷時一年多的研究,爬梳設計手稿、老照片與報章雜誌等超過千件文獻資料,並進行數位化工作,也針對王水河長子、已故建築師王文芳完成多次深入訪談,逐步拼整出這位橫跨多重領域創作者的完整樣貌。

臺中市立美術館新展「搖擺阿哥哥-時代跨域者王水河」於8月29日正式登場,展期至10月25日止。(圖片提供:中美館)
臺中市立美術館新展「搖擺阿哥哥-時代跨域者王水河」於8月29日正式登場,展期至10月25日止。(圖片提供:臺中市立美術館)

認識自學出身的王水河

王水河(1925-2019)為自學出身,未受過美術學院的訓練,年輕時於戲院繪製電影看板起家,從實務中累積創作與設計的經驗。戰後於臺中成立「水河畫房」,業務由電影看板、廣告設計與商家招牌開始,逐步延伸至字體、平面、家具、燈具、建築與室內設計等多元領域,也培育了400餘名學徒,讓其摩登的設計風格流動於臺中地區,是形塑臺中走向現代摩登都會的重要創作者之一,後來業務版圖更延伸至全臺,在不同城市都有他的作品。

「搖擺阿哥哥-時代跨域者王水河」展覽現場。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)
「搖擺阿哥哥-時代跨域者王水河」展覽現場。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)

根基於前期藝術檔案的研究,本展邀請國立臺南藝術大學藝術史與文化資產學系助理教授許遠達進行策劃,許遠達指出,展名「阿哥哥」是對1960年代西方流行文化在臺灣的時代印記,當時美軍駐臺,西洋流行音樂與舞蹈文化隨之傳入並蔚為風潮,這也是王水河跨領域創作的重要背景。

「搖擺阿哥哥-時代跨域者王水河」展覽現場。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)
「搖擺阿哥哥-時代跨域者王水河」展覽現場。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)

5大子題重現水河時代

展覽以5個子題展開:從現代性視覺設計為核心出發的「摩登時代:字體、廣告與視覺設計」、展現自學雕塑創作的「純藝術之路」、以多元材質與物件展現整體設計思維的「摩登室內風:室內設計、家具與燈具設計」、融合現代幾何造形和摩登建築設計風格的「水河現代建築群」與透過生活物件與自塑像來認識王水河的「日子中的水河師」,從不同面向呈現王水河橫跨純藝術與不同設計範疇的創作,以及他如何參與並形塑戰後臺灣的摩登時代。

「搖擺阿哥哥-時代跨域者王水河」展覽現場。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)
「搖擺阿哥哥-時代跨域者王水河」展覽現場。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)

字體與造型的前衛探索

「摩登時代:字體、廣告與視覺設計」展現王水河因應不同對象量身訂做的字體變形能力,其文字線條與筆畫修飾,涵括幾何、飽滿與圓弧等設計語彙,在電腦排版尚未普及的年代,他擅長以繪畫與造形思維發展字體風格,並依商業、醫療、娛樂或公共場所的功能,亦或看板比例的需求,調整字體帶來的氛圍,讓文字成為空間性格的一部分,許多臺中街區招牌看板皆出自其手,為都會風景帶來濃厚的摩登氣息,獲業界尊稱「水河師」。

王水河字體復刻牆,左至右:〈水河隸書體〉、〈水河體〉、〈水河圓體〉。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)
王水河字體復刻牆,左至右:〈水河隸書體〉、〈水河體〉、〈水河圓體〉。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)

本展區亮點以牆面裝置呈現三種具代表性的王水河字體,並搭配不同材質:「水河圓體」以木頭呈現圓潤溫和之特質;「水河體」以王水河經常使用的材質之一壓克力還原招牌質感;「水河隸書體」則以金屬回應隸書源自金石文字的歷史厚度。除了三種代表字體,展區亦設有商標復刻牆,展出源益飼料、京王飯店等深植當時臺中人記憶的代表商標,同步陳列等比例放大商標與原始設計手稿,讓觀眾看見其從草稿到定稿反覆斟酌的創作痕跡。

王水河〈別府餐廳廣告〉,約1967年,紙,18.5 x 13.5公分。(圖片提供:臺中市立美術館)
王水河〈別府餐廳廣告〉,約1967年,紙,18.5 x 13.5公分。(圖片提供:臺中市立美術館)

雕塑的創作實踐

「純藝術之路」展區聚焦王水河在雕塑與繪畫領域的藝術積累。他自1947年為父親打造塑像為始,踏入雕塑自學之路,後結識林之助、張星建、張深切、蒲添生、陳夏雨、顏水龍等藝文界好友,逐步摸索寫實雕塑與現代造型的可能。這次展出中美館典藏品〈慈母〉是王水河於1971年喉癌手術後,懷念親情重返雕塑創作之第一件滿意的作品,刻畫母親樣貌,凝結時間與情感的重量。

〈裸女群像〉展陳於以南夜舞廳室內裝潢為設計構想的展臺上,展現其自學雕塑、刻畫人體線條之美。〈游氏胸像〉是王水河開發生漆材質雕塑的起點,刻劃已開業超過半世紀的台灣大飯店創辦人樣貌,此次為首度公開展出。本展區亦回望1957年置於臺中公園的雕塑〈芭蕾雙姝〉,此作以線條呈現舞者姿態,卻因被誤解帶有風俗意象遭致移除,如今僅能透過珍貴老照片回望,是王水河雕塑創作中一段令人惋惜的歷史見證。

王水河〈裸女群像A〉,1992年,玻璃纖維,140 x 227公分。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)
王水河〈裸女群像A〉,1992年,玻璃纖維,140 x 227公分。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)

帶你重返「南夜舞廳」

「摩登室內風:室內設計、家具與燈具設計」集中呈現王水河跨域創作能力,他的創作並不局限於單一物件或建築,而是從空間、材質、家具、燈飾,一路延伸至商標與平面視覺,形成彼此呼應的整體設計思維。

王水河設計家具原件。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)
王水河設計家具原件。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)

王水河的室內設計以多元材質與現代幾何造型見長,其中最為人所知的作品之一「南夜舞廳」(前身為南夜咖啡室Coffee Honolulu)於1962年擴建為四層樓建築,各層分別以酒吧、歌廳、舞廳呈現不同主題,大膽結合表演舞臺、演奏臺與舞池,以椰子樹、草裙舞女郎、渦旋曲線與女體浮雕營造熱情的南島意象,呼應當時盛行的夏威夷風情。從建築外觀、室內壁飾到桌椅燈具,乃至杯墊、火柴盒皆納入整體設計,堪稱1960年代最摩登的休閒空間代表之作。

「南夜舞廳」專區與復刻招牌。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)
「南夜舞廳」專區與復刻招牌。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)

沉浸體驗摩登風格

本展復刻了南夜舞廳的大型霓虹招牌,王水河設計的商標字體將再次被點亮,並與新媒體藝術家楊子慕合作重建虛擬影像,觀眾可透過VR互動裝置沉浸式體驗南夜舞廳當時的華麗風貌,展區亦同步呈現王水河以多元媒材及前衛造型設計的燈飾、椅件等家具,包含珍貴的原件及復刻版,讓觀眾從實體物件感受王水河整體性的設計思維。

王水河〈南夜舞廳數位VR體驗〉。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)
王水河〈南夜舞廳數位VR體驗〉。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)
南夜舞廳。(攝影:余如季、圖片提供:余立)
南夜舞廳。(攝影:余如季、圖片提供:余立)

從建築版圖到日常生活的美學實踐

「水河現代建築群」展區呈現王水河橫跨全臺的建築設計,包含其一生中留下的珍貴建築手稿,俐落的幾何圖形、曲角、直線的造型與抽象韻律橫飾帶,構成鮮明的「王水河風格」。從東海戲院的波浪造型外觀,到與長子王文芳共同成立「水河建築事務所」後承接的飯店、百貨、教堂等大型案件,王水河總能將建築外觀、立面材質到商標、招牌、菜單等視覺細節整合為一套完整語彙。除了手稿,展場中也設置了西北飯店、華士飯店與敬華飯店等專區,重現經典的建築立面與室內設計,勾起一代人的回憶,見證他如何在前衛造形與在地思考之間取得平衡,也讓其設計悄然融入臺灣戰後城市的摩登記憶。

西北飯店專區。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)
西北飯店專區。(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)

展覽最終以「日子中的水河師」作結,回到藝術家最貼近生活的一面。王水河對摩登美學的追求不僅止於設計案,也滲透日常。他每隔幾年就會重新改造家裡空間,利用大片鏡牆讓室內看起來更寬敞,燈具、桌子、收納盒等生活器物也多為親手製作。1971年罹患喉癌並接受手術後,更親自設計製作兼具功能與美感的發聲輔具,將畢生對造型的執著延伸至生命中的每個角落。本展區也展出他不同人生階段的自塑像,並首度公開王水河珍貴的手工作品集復刻版,讓觀眾從日常器物、自我形塑的文獻資料中,進一步理解他的創作生涯,由王水河來親自介紹王水河。

王水河工作桌(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)
王水河工作桌(攝影:Studio Millspace、圖片提供:臺中市立美術館)

親身走入王水河的設計宇宙

展覽期間規劃有可於展間內體驗的「角落任務」教具,設計參考取自王水河的作品,另推出由深耕中城區的蘇睿弼老師帶領走讀活動「1980年代的城中之舞」、由字體設計團隊justfont以認識字體為主題進行的書寫工作坊「筆尖中的字體趣味」,以及由市民錄音導覽的「早安綠之美」等推廣活動。近期更將推出「王水河設計地圖」網站,涵蓋豐富的藝術檔案研究成果與數條以王水河設計項目為主題規劃的臺中旅遊路線。中美館盼透過展覽與系列活動,讓藝術檔案從研究成果延伸為大眾可親近、可探索的城市文化資源,也讓觀眾在王水河的創作中重新看見臺中現代生活與視覺文化的發展軌跡。

王水河〈南夜舞廳數位VR體驗〉。(攝影:李建霖、圖片提供:臺中市立美術館)
王水河〈南夜舞廳數位VR體驗〉。(攝影:李建霖、圖片提供:臺中市立美術館)

搖擺阿哥哥-時代跨域者王水河
展覽期間:2026年8月29日至10月25日
展覽地點:臺中市立美術館|展覽室D、E
售票資訊:免費參觀
開放時間:每週二至週日9:00-17:00、每週六9:00-20:00,國定假日照常開放

資料提供|臺中市立美術館、文字整理|Adela Cheng

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(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)
(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)

回望動盪世代的生命處境

以1983至1995年間出生世代的生命處境為線索,《冥王星在天蠍座》命名靈感取自冥王星運行於天蠍座時期及其所象徵的毀滅與重生能量。同屬此一世代的劉玗與吳思嶔,成長於全球資本極端化、教育競逐與社會動盪的年代,並共同經歷90年代的危機與轉折。兩位藝術家於是藉由回望自身的成長記憶,將世代面對環境變動所展現的逃逸與重構,轉化為展覽的敘事線索,在現實的裂縫中開啟對自由與虛無的想像。

(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)
(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)
(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)
(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)
(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)
(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)

而展名既指涉特定的星象週期,也成為藝術家重新觀看自身世代的切入點。1983至1995年間出生的一代,在成長過程中面對快速變動的社會環境,生命經驗始終交織著對未來的想像與不確定性。本展並非試圖為一個世代提出單一而明確的定義,希望透過藝術家的個人視角,重新拾起散落於成長過程中的經驗與感受,思考個體如何在持續變動的環境中調整自身,尋找與世界相處的位置與節奏。

(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)
(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)

劉玗與吳思嶔從個人生命經驗出發,使展覽逐漸延伸至一個世代共同面對的處境與心境,讓私密記憶與更廣泛的社會經驗彼此交會,也讓「世代」不再只是出生年份的劃分,而成為理解個人如何受到時代形塑、又如何持續回應現實的一種觀看方式。

(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)
(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)
(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)
(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)

以「旅行」為線索貫穿,邀觀者在逃逸中重塑感知

劉玗與吳思嶔以文字、雕塑與影像共同建構展場,將旅行轉化為身體的逃逸與感知的再調頻。作品宛如一本被拆解的旅行日誌,散置於不同場景與影像之間,形成片段的時間切片,引領觀眾在不同感官訊息的交錯中,逐步進入藝術家所建構的旅程之中。

(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)
(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)

在此脈絡下,旅行不僅代表地理空間上的移動,也是重新觀看自身與現實的方法。兩位藝術家藉由重訪生命片段,在移動、離開與返回之間,思考自身與時代的關係,將記憶與感受轉化為影像、聲音及空間經驗,邀請觀眾一同思考在持續變動的世界中,如何感知自身所處的位置。

(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)
(圖片提供:新北市美術館/攝影:王世邦)

劉玗X吳思嶔《冥王星在天蠍座》

  • 時間:即日起至2026年11月22日
  • 地點:新北市美術館4A計畫空間

資料提供|新北市美術館          文字整理|Ning Chi