2025台北雙年展主題公布!《地平線上的低吟》從臺灣錯綜歷史切入,藉藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》(Whispers on the Horizon)以臺灣錯綜複雜的歷史為背景,透過多元當代的創作語彙,探究「思慕」(yearning)這個難以明說卻又驅策行動的深層渴望。展覽由策展人山姆.巴塔維爾與提爾.法爾拉特(Sam Bardaouil and Till Fellrath)共同策劃,匯集來自全球35個城市、共54位藝術家的作品,將於2025111日至2026329日展出。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》主視覺,由柏林團隊EPS51設計。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展策展人山姆.巴塔維爾(右)和提爾.法爾拉特(左)。(圖片提供:臺北市立美術館)

從臺灣歷史切入,藉藝術追尋「思慕」的多重意義

臺灣錯綜交織的歷史——從殖民統治、認同掙扎到政治更迭——形塑了這次雙年展的背景。《地平線上的低吟》挖掘「思慕」的本質及其錯綜複雜的地層:它不僅是欲望,更是一種灼燒於心的渴求;它在個人記憶與集體歷史中流轉、在過去與未來間縈繞,也在現實與虛妄、歸屬與離散、消逝與恆常間迴盪;它是一種難以捉摸的引力,驅使著人們盡力前行、奮力邁進,卻終將是個永難企及的追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
王耀億,《合拍片》,錄像截圖。(圖片提供:王耀億)

《地平線上的低吟》以臺灣為起點,其所關注的主題卻不止於此——「思慕」存在於每個地方、每個時代在不同文化脈絡中潛行,是遷徙的痛、是思念的家;是身份與認同的追尋,是默默生根、持續醞釀的渴望。「思慕」從不停歇,也難以抹煞;飄忽無形、游移不定,卻又頑強真切地深植人心。

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羅希尼・德瓦夏爾,《鏡日》(暫名),2025。(圖片提供:羅希尼・德瓦夏爾)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
帕梅拉・法提莫・桑斯川,《SCENE 58》,2024,鉛筆、油畫、木板,140 x 300 公分。(圖片提供:帕梅拉・法提莫・桑斯川、倫敦Goodman Gallery/攝影:Alexander Edwards)

不見於展場、卻構築策展概念的三個物件

「地平線上的低吟」策展構想源自3個與臺灣歷史密切相關的物件──尪仔、日記與單車,來自3件不同時代的台灣文學及電影作品。尪仔,活在侯孝賢的電影《戲夢人生》(1993)的世界裡,呼應著李天祿動蕩不安的生命;日記,來自陳映真的短篇小說《我的弟弟康雄》(1960),記錄著一個年輕人對於理想的深切渴望;單車,存在於吳明益的作品《單車失竊記》(2015),追憶著消失在歷史中的父親身影。這些物件雖未現身展場,卻如銘刻於記憶的線索、潛流於空間的低語,提醒著人們:「思慕」雖關乎失落,亦是擁有,它不只是嚮往追尋,更包含我們所承載背負的信念。

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亨里克・奧利維拉,《減數分裂》,2014,膠合板、家具,93 × 147 × 83 公分,77 × 130 × 83 公分。私人收藏。(圖片提供:亨里克・奧利維拉)

陳澄波、陳進等臺灣畫家作品,讓「思慕」更為深邃

展覽亦從臺北市立美術館收藏的20世紀初期畫作,包括陳澄波、陳進及陳植棋等人的畫作,以及國立故宮博物院的典藏文物中汲取靈感,為「思慕」注入更深層的歷史紋理與文化縱深。穿越時代更迭、文化變遷與政治動盪,這些典藏作品成了視覺與概念的橋樑,以及跨越時空的殘響——封存於顏料與瓷釉之中,或隨筆觸與器物流轉。

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陳澄波,《新樓》,1943,油彩、畫布,72.7 × 90.9公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)
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陳進,《悠閒》,1935,膠彩、絹,136 x 161公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)

青壯年藝術家齊聚,跨領域媒材、回應現場空間的現地展演

2025台北雙年展將展出33件新委託創作和特定場域裝置,曾展出的作品也將回應美術館獨特的建築空間與城市脈絡。特別的是,近半數參展藝術家出生於1984年後,透過不同世代,帶著當代語境的思考,展現對於現今世界的即時視角,並以不同形式,回應過去與未來的連結,展開對「思慕」的多層次探索。展覽作品橫跨多種媒材與表現形式,作品風格多變,從視覺上的奇想,到結構上的重組,從親密細膩的個人體驗,到集體記憶的碰撞反思,讓「思慕」成為一種可以感知、得以進入,又能持續尋找、期待與探究的存在。

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伊凡娜・巴希奇,《氣動激情》,2020-2024,客製鑄造與熱彎玻璃、不鏽鋼、粉紅雪花石膏、吹製玻璃、氣息、氣動鎚、壓力、客製賽車排氣歧管、客製電路、麥克風、混音器、揚聲器、空氣壓縮機、蠟、白色雪花石膏、青銅、油畫顏料。(圖片提供:伊凡娜・巴希奇)
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莫尼亞・班・哈穆達,《Ya'aburnee (يقبرني (-) 未譯碎片 I)》,2025,塔拉大理石,106 × 85 × 15 公分。(圖片提供:莫尼亞・班・哈穆達)
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莫娜・哈透姆,《小室》(局部),2012-2013,低碳鋼、手工吹製玻璃,共八件,170 公分,寬度與深度不定。(圖片提供:莫娜・哈透姆、巴黎Chantal Crousel藝廊/攝影:Florian Kleinefenn)

「唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己」

《地平線上的低吟》穿梭於現實與想像,遊走在遺落與將成的各種時態之間,作品挖掘個人事件或構築虛擬世界,映照當前現況與異想未來。「思慕」不再只是抽象的情感,更是探尋自身定位的關鍵線索。於此,《地平線上的低吟》進一步揭示了思慕的真相:唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己。這裡沒有禁忌、不是答案、亦非解方,唯有「低吟」。

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高田冬彦,《The Princess and the Magic Birds》,2020-2021,單頻道有聲錄像,17分52秒。(圖片提供:高田冬彦)
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麗娜.拉蓓利代,《斜波研究》(又名,沉默者),2022,於法國 Lafayette Anticipations演出。(圖片提供:麗娜.拉蓓利代)

202514屆台北雙年展《地平線上的低吟》

展期|2025.11.012026.03.29

地點|臺北市立美術館

 

參展藝術家|按英文姓氏首字母排序

法特瑪・阿布杜哈迪1988年生於利雅德,現居工作於利雅德)

阿夫拉・阿達希里(1988年生於阿布達比,現居工作於阿布達比)

穆罕默德・阿法拉傑(1993年生於阿哈薩,現居工作於阿哈薩)

寇拉克里・阿讓諾度才(1986年生於曼谷,現居工作於紐約及曼谷)

伊凡娜・巴希奇(1986年生於貝爾格勒,現居工作於紐約)

拉納・貝古姆(1977年生於錫爾赫特,現居工作於倫敦)

莫尼亞・班・哈穆達(1991年生於米蘭,現居工作於開羅安及米蘭)

雅各波・貝納西(1970年生於拉斯佩齊亞,現居工作於拉斯佩齊亞)

赫拉・比于塔詹(1984年生於伊斯坦堡,現居工作於伊斯坦堡)

陳澄波(1895-1947,出生於嘉義)

陳植棋(1906-1931,出生於臺北廳,今新北市)

陳進(1907-1998,出生於新竹)

艾德加・卡萊爾(1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特,現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特)

陳柏豪(1982年生於高雄,現居工作於鹿特丹)

致穎(1985年生於臺北,現居工作於臺北及柏林)
加埃爾・肖瓦內(1985年生於瑟堡,現居工作於巴黎)
莊偉(1990年生於廣東,現居工作於柏林及香港)

邱子晏(1985年生於苗栗三義,現居工作於臺南)

傑基・康諾利(1990年生於紐約下哈德遜河谷,現居工作於紐約)

羅希尼・德瓦夏爾(1978年生於新德里,現居工作於新德里)

西蒙・迪布羅・莫勒(1976年生於奧胡斯,現居工作於哥本哈根)

莫娜・哈透姆(1952年生於貝魯特,現居工作於倫敦)

賀子珂(1990年生於貴陽,現居工作於北京及貴陽)

何彥諺(1993年生於臺北,現居工作於臺北)

安娜・葉爾莫萊娃(1970年生於列寧格勒,今聖彼得堡,現居工作於維也納及林茲)

伊娃・喬瑟邦(1975年生於巴黎,現居工作於巴黎)

金玟廷(1962年生於光州,現居工作於紐約及南法地區)

雅浸・金朝恩(1989年生於韓國,現居工作於紐約)

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯(1979年生於倫敦,現居工作於柏林及倫敦)

麗娜.拉蓓利代(1984年生於考納斯,現居工作於倫敦及維爾紐斯)

歐馬爾・米斯馬爾(1986年生於貝卡谷地,現居工作於貝魯特)

倪灝(1989年生於新竹,現居工作於新竹)

卡蜜兒・諾門(1970年生於馬里蘭銀泉,現居工作於奧斯陸)

亨里克・奧利維拉(1973年生於聖保羅歐里尼奧斯,現居工作於倫敦)

帕梅拉・法提莫・桑斯川(1980年生於莫楚迪,現居工作於海牙)

邦尼・羅傑斯(1990年生於休士頓,現居工作於紐約)

澤拓(1977年生於石川縣,現居工作於倫敦及金澤市)

西爾維・塞利格(1941年生於尼斯,現居工作於巴黎)

傑瑞米・蕭(1977年生於北溫哥華,現居工作於柏林)

・斯塔夫(1987年生於伯格諾里吉斯,現居工作於洛杉磯及倫敦)

卓永俊(1989年生於首爾,現居工作於柏林)

高田冬彦(1987年生於廣島縣,現居工作於千葉)

蕭崇(1987年生於海陽,現居工作於柏林)

基里亞科斯・托波利迪斯(1997年生於埃森,現居工作於柏林)

阿瓦羅・烏爾巴諾(1983年生於馬德里,現居工作於柏林及巴黎)

王湘靈(1984年生於臺北,現居工作於臺北)

王耀億(1987年生於臺南,現居工作於臺北)

納里・沃德(1963年生於聖安德魯,現居工作於紐約)

吳家昀(1988年生於臺灣,現居工作於紐約)

李受俓(1963年生於首爾,現居工作於首爾)

橫溝靜(1966年生於東京,現居工作於倫敦)

于吉(1985年生於上海,現居工作於紐約及當地)

張如怡(1985年生於上海,現居工作於上海)

托比亞斯・茲耶羅尼(1973年生於烏帕塔,現居工作於柏林)

北美館「共感:存在的節奏」開展!從11件台灣與國際藝術家作品,理解人與萬物共存的關係
北美館「共感:存在的節奏」開展!從11件台灣與國際藝術家作品,理解人與萬物共存的關係

臺北市立美術館(北美館)自2026年5月9日至9月20日於一樓推出「共感:存在的節奏」,由館內策展人余思穎策劃,展出 11位/組臺灣與國際藝術家作品。展覽從當代博物學的概念出發,在自然、技術與行動實踐的層面上,探討人類應如何理解自身與物種、環境與世界的關係。

數位網路與人工智慧快速發展的時代,訊息流通的方式經歷多次轉變,自我、他者與環境的關係,逐漸轉為更有機的感知網絡。本展以「共感」為題,意指一種理解自己與他者彼此牽動、共同生成的能力。策展人余思穎表示,法國哲學家布魯諾.拉圖(Bruno Latour)曾以地質學的臨界區(Critical Zone)的概念,探究關於自然、技術與人類行動相互作用的地表環境,藉此重新思考人類與萬物共存的關係。

「臨界區」原指自樹冠至地下水層之間的地表薄層,在此空間中,空氣、水、土壤、岩石與各種生命持續相互作用,形成地球維持生命的條件。策展人進一步援引美國物理學家暨理論學者凱倫.巴拉德(Karen Barad)回應量子物理中的「量子糾纏」(entanglement)概念,指出萬物並非彼此獨立存在,而是在持續互動與相互作用中生成關係,提示「存在」或許更接近一種關係性的整體。人與微生物、多物種,甚至與土地、技術感知、生物與環境等,並非單向支配,而更像是共同構成彼此、相互依存的網絡。

「共感:存在的節奏」主視覺。(圖片提供:北美館)
「共感:存在的節奏」主視覺。(圖片提供:北美館)

本展從「人與非人共同演繹世界」(自然)、「擴增人類五感與時空觀」(技術)與成為「互利共生的行動者」(行動實踐)三個面向出發,引領觀者感知原本難以觸及的其他物種世界,並重新思考生命倫理與共生關係。展場則透過不同作品的感知經驗與觀看狀態,開啟對共享、互助與共存價值的想像。

生命演化所呈現的繁茂形態與生態關係,映現人與非人共同演繹世界的多重面向。盧明德《生態圖鑑》透過多樣物種圖像符號,包括具生命初始寓意的蛋、隱含演化意象的貝殼、象徵死亡與遺骸的動物頭骨,以及動物肢體、皮毛等局部身體意象的複合與並置,以虛實交錯的擬態哲學觀,探討數位時代中自然真實與虛假之間的關係。瑟琳.克拉內《接地雜訊》系列,藝術家並置黑白膠捲拍攝的森林地貌、電子顯微鏡下的微觀圖像,藉由不同尺度的影像轉換,拓展肉眼觀看的視角,開啟對既有森林地景的新感知。

盧明德,《生態圖鑑》,1991,實物、壓克力顏料、木板,182 × 546 公分。臺北市立美術館典藏。
盧明德,《生態圖鑑》,1991,實物、壓克力顏料、木板,182 × 546 公分。臺北市立美術館典藏。
瑟琳・克拉內〈未孵化的蛛形綱卵,文森林地〉,《接地雜訊》系列,2023,電子顯微鏡成像、攝影、數位輸出。圖像由藝術家提供。
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蔡咅璟《山麻雀之歌》連結傳說與當代的保育行動,透過燒製曾文溪水庫淤泥為人工鳥巢,尋找人與動物共生的契機,影像紀錄文化記憶與當代行動,呈現環境變遷下人類與動物的互助關係。桑佳.鮑梅爾將創作視為身體、生物與環境共同演進的過程,以《活體藝術品》等三件作品,透過培養菌落、知識研究與行動創作等方式,使不可見的微生物被人所感知與想像,探索人體內外由多物種共構的生態關係,開啟界定人類主體性的重新理解。

蔡咅璟,《山麻雀之歌》,2022,複合媒材裝置、錄像、攝影,11分42秒,尺寸依空間而定。圖像由臺北市立美術館提供。
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桑佳‧鮑梅爾《活體藝術品》,2021-2024,影片、書籍,17分6秒、23×16 公分、31×21公分。圖像由藝術家提供。
桑佳‧鮑梅爾《活體藝術品》,2021-2024,影片、書籍,17分6秒、23×16 公分、31×21公分。圖像由藝術家提供。

科技、演算法與網際網路所生成的影像,正在重塑人們對世界的理解,並進一步影響其思考方式。吳其育+陳普《零點溫室》以跨洋運輸植物的「沃德箱」為靈感。這種可承載微型生態系統的容器,曾促成19世紀的蕨類與蘭花熱潮,也讓中國茶樹得以移植至印度。作品進一步延伸思考由生成式人工智慧資料庫主導的未來,如同人類過往藉由移植物種對自然進行收藏,以另一種形式延續人類對自然的想像。

吳其育+陳普,《零點溫室》,2026,錄像裝置,15分,尺寸依空間而定。圖像由臺北市立美術館提供提供。
吳其育+陳普,《零點溫室》,2026,錄像裝置,15分,尺寸依空間而定。圖像由臺北市立美術館提供提供。

陽春麵研究舍《潛像描繪儀》探討人工智慧如何透過雜訊、隨機性與資料運算生成影像,作品模擬18世紀側面描繪儀裝置的運作,對照影像從手工描繪、機械標準化到演算法生成的歷史轉變,呈現人工智慧如何以真實世界為基礎,持續產生難以預測的視覺結果,探問人類對創造力與影像真實性的認知邊界。

陽春麵研究舍,《潛像描繪儀》,2025,機械裝置、機器繪圖、演算法、生成動畫、複合媒材,尺寸依場地而定。圖像由藝術家提供。
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NOIZ Architects《待機休眠中》(Lazy House)為布料、張拉結構與感測系統構成的建築軟雕塑,作品透過電腦演算與參數設定,感應觀眾的注視,並產生相應的形變與回饋,邀請觀者於雕塑物件與空間的律動中感受人與環境的互動關係。

NOIZ Architects,《待機休眠中》,2026,互動裝置,20 x 6.5 公尺。圖像由臺北市立美術館提供。
NOIZ Architects,《待機休眠中》,2026,互動裝置,20 x 6.5 公尺。圖像由臺北市立美術館提供。

透過行動實踐,我們得以理解過往與當下的連結,並意識到事物關係在時空中並非恆定,而是在流動中形構其節奏。山城知佳子《土之民》三頻道錄像,以沖繩與濟州島的歷史為背景,敘述在地之民因候鳥落下的「詩句種子」自泥沼中甦醒,並在墜入時空洞底後目睹過往的戰爭殘影,作品透過影像、低語與環境聲響推動敘事,使觀者思考人與土地,如何共同承載那些尚未消散的歷史記憶。

山城知佳子,《土之民》,2016,三頻道錄像裝置,23分。圖像由藝術家提供。
山城知佳子,《土之民》,2016,三頻道錄像裝置,23分。圖像由藝術家提供。

希朵.史戴爾《使命完成: Belanciege》結合錄影與資料分析的講述表演錄像,從品牌如何挪用特定社會處境下的文化符碼與街頭文化,轉化為時尚美學的過程,揭示品味與身份如何被品牌私有化,並進一步指出當代消費文化、社群媒體與演算法機制,如何共同介入人們對階級、認同與政治現實的想像。

希朵‧史戴爾,《使命完成:Belanciege》,2019,與喬治・加戈・加戈希澤和米洛斯・特拉基洛維奇合作,3頻道HD錄像裝置,47分23秒。圖像由藝術家和Andrew Kreps Gallery, New York and Esther Schipper, Berlin/Paris/Seoul提供。
希朵‧史戴爾,《使命完成:Belanciege》,2019,與喬治・加戈・加戈希澤和米洛斯・特拉基洛維奇合作,3頻道HD錄像裝置,47分23秒。圖像由藝術家和Andrew Kreps Gallery, New York and Esther Schipper, Berlin/Paris/Seoul提供。

彭弘智《面對面》曾於多國雙年展與三年展展出,並為北美館典藏作品。藝術家以犬的第一視角記錄動物日常活動,並將影像螢幕嵌入動物雕塑頭部之中,觀者需貼近並模仿其姿態,方能進入觀看位置,作品透過身體姿態與觀看方式的轉換,引導觀者想像動物的感知經驗,進而思考人與動物相互依存的關係。

彭弘智,《面對面》(5件),2001,錄像裝置(彩色、有聲):玻璃纖維、LCD 螢幕、播放器、揚聲器、台座,尺寸依空間而定。臺北市立美術館典藏。
彭弘智,《面對面》(5件),2001,錄像裝置(彩色、有聲):玻璃纖維、LCD 螢幕、播放器、揚聲器、台座,尺寸依空間而定。臺北市立美術館典藏。

周東彥/狠劇場《變動的連結》是一場需與他人共同完成的集體延展實境(XR),觀者從非敘事的空間中展開探索,隨著虛擬線條在角色之間生成,無形的關係變得清晰可見,個體經驗轉化為群體感知的流動,最終呈現由眾人共構、以線條交織而生的「我們」之形態。

周東彥/狠劇場《變動的連結》,2025-2026,錄像、虛擬實境裝置,15-20分,尺寸依場地而定。圖像由臺北市立美術館提供。
周東彥/狠劇場《變動的連結》,2025-2026,錄像、虛擬實境裝置,15-20分,尺寸依場地而定。圖像由臺北市立美術館提供。

共感:存在的節奏
展期:2026.05.09-2026.09.20
地點:臺北市立美術館 1A、1B展覽室 

參展藝術家(依英文姓氏排列):桑佳.鮑梅爾(奧地利)、周東彥/狠劇場、瑟琳.克拉內(法國)、盧明德、NOIZ  Architects(日本)、彭弘智、陽春麵研究舍、希朵‧史戴爾(德國)、蔡咅璟、吳其育+陳普、山城知佳子(日本)

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在北美館廣場掀起一座鏡面小山!2026 X-site計畫首獎《鏡・亭・山》展出中,把「經過」化為一場參與行動
北美館X-site計畫首獎《鏡・亭・山》展出中!在城市廣場掀起一座鏡面小山

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把「經過」轉化成一種參與行動

「廣場」如城市裡的留白,為人們提供歇息之處,也在訪客抵達目的地之前,有片過渡地帶得以轉換情緒——但除了「經過」,我們還可以從廣場中獲得什麼樣的感知體驗?臺北市立美術館(北美館)邁入第13屆的「X-site計畫」,正是從這道提問出發,以館前廣場為基地,每年透過公開徵件,邀不同創意團隊透過建築、藝術、設計等方式介入,為人們開啟體驗北美館廣場的新路徑。

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2026 X-site計畫首獎得主——做白工作室,是以「創造有意義的空白」為核心概念的跨領域設計團隊,這次他們透過對基地脈絡的細膩閱讀與材料語彙的深入研究,將《鏡・亭・山》視為一種介入環境、重構人與廣場關係的行動實踐。

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做白工作室以鋼板和懸索結構為主要材料,在廣場創造一片不靠樑柱和牆支撐的穿透場域,且作品未錨定於既有地坪,巧妙形成地表被「掀起」的視覺效果。像這樣透明而公開的結構,不僅讓訪客得以一覽作品結構組件之間的相互關係,也為人們在廣場上的停留時光注入更多遊逛、探索的趣味。

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「鏡・亭・山」各有何涵義?

《鏡・亭・山》具有3種不同層面的解讀意涵,各個層面都讓「經過」成為一種參與:「鏡」反射空間下的動態互動,更在特定角度中映照出周遭自然、北美館建築等環境現況;「亭」意指傳統上遮蔽或供人停留的空間,也代表「從地表拉起的結構」所形成的新空間;「山」則可連結至雙向掀起的屋頂與地板共同構成的休憩空間,訪客可在此歇息,也能自由穿梭其中。

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聲音裝置、蛇紋磚片藏彩蛋

本作更有由環境發想延伸的「可觸碰發聲互動裝置」與「蛇紋磚板片」。團隊將抵抗風浮力的鋼纜,進一步結合為互動裝置,其猶如樂器中被繃緊的琴弦,當「弦」被觸碰時,便會發出自基地蒐集而來的日常聲響,包含展間中的低聲交談、觀者行走於建築內的腳步聲,揭露潛藏在美術館之中、平時不易被察覺的細微聲音。

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(圖片提供:臺北市立美術館)

而對於蛇紋磚板片,團隊表示:「塞尚晚年反覆描繪聖維克多山,不只是繪畫練習,更是一種追索真理的實踐。此次作品屋頂上的蛇紋磚板片,便是以此為靈感,並將自第1X-site舉辦以來的廣場衛星空拍圖作為像素,重新組構成蛇紋石地磚圖案。」北美館廣場的蛇紋石地磚,不僅是場域的重要視覺特徵,也承載著觀眾造訪美術館的共同記憶。

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(圖片提供:臺北市立美術館)

《鏡・亭・山》展出期間,亦規劃團隊座談及多項公眾活動,涵蓋現場演出、參與行動、聲音、文學與工作坊等,邀請觀眾在人與環境、內與外之間,與環境共同感受那片「有意義的空白」。

2026 X-site《鏡・亭・山:相看兩不厭》

展期|2026.05.16-07.26

地點|臺北市立美術館 戶外廣場

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