2025台北雙年展主題公布!《地平線上的低吟》從臺灣錯綜歷史切入,藉藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》(Whispers on the Horizon)以臺灣錯綜複雜的歷史為背景,透過多元當代的創作語彙,探究「思慕」(yearning)這個難以明說卻又驅策行動的深層渴望。展覽由策展人山姆.巴塔維爾與提爾.法爾拉特(Sam Bardaouil and Till Fellrath)共同策劃,匯集來自全球35個城市、共54位藝術家的作品,將於2025111日至2026329日展出。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》主視覺,由柏林團隊EPS51設計。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展策展人山姆.巴塔維爾(右)和提爾.法爾拉特(左)。(圖片提供:臺北市立美術館)

從臺灣歷史切入,藉藝術追尋「思慕」的多重意義

臺灣錯綜交織的歷史——從殖民統治、認同掙扎到政治更迭——形塑了這次雙年展的背景。《地平線上的低吟》挖掘「思慕」的本質及其錯綜複雜的地層:它不僅是欲望,更是一種灼燒於心的渴求;它在個人記憶與集體歷史中流轉、在過去與未來間縈繞,也在現實與虛妄、歸屬與離散、消逝與恆常間迴盪;它是一種難以捉摸的引力,驅使著人們盡力前行、奮力邁進,卻終將是個永難企及的追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
王耀億,《合拍片》,錄像截圖。(圖片提供:王耀億)

《地平線上的低吟》以臺灣為起點,其所關注的主題卻不止於此——「思慕」存在於每個地方、每個時代在不同文化脈絡中潛行,是遷徙的痛、是思念的家;是身份與認同的追尋,是默默生根、持續醞釀的渴望。「思慕」從不停歇,也難以抹煞;飄忽無形、游移不定,卻又頑強真切地深植人心。

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羅希尼・德瓦夏爾,《鏡日》(暫名),2025。(圖片提供:羅希尼・德瓦夏爾)
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帕梅拉・法提莫・桑斯川,《SCENE 58》,2024,鉛筆、油畫、木板,140 x 300 公分。(圖片提供:帕梅拉・法提莫・桑斯川、倫敦Goodman Gallery/攝影:Alexander Edwards)

不見於展場、卻構築策展概念的三個物件

「地平線上的低吟」策展構想源自3個與臺灣歷史密切相關的物件──尪仔、日記與單車,來自3件不同時代的台灣文學及電影作品。尪仔,活在侯孝賢的電影《戲夢人生》(1993)的世界裡,呼應著李天祿動蕩不安的生命;日記,來自陳映真的短篇小說《我的弟弟康雄》(1960),記錄著一個年輕人對於理想的深切渴望;單車,存在於吳明益的作品《單車失竊記》(2015),追憶著消失在歷史中的父親身影。這些物件雖未現身展場,卻如銘刻於記憶的線索、潛流於空間的低語,提醒著人們:「思慕」雖關乎失落,亦是擁有,它不只是嚮往追尋,更包含我們所承載背負的信念。

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亨里克・奧利維拉,《減數分裂》,2014,膠合板、家具,93 × 147 × 83 公分,77 × 130 × 83 公分。私人收藏。(圖片提供:亨里克・奧利維拉)

陳澄波、陳進等臺灣畫家作品,讓「思慕」更為深邃

展覽亦從臺北市立美術館收藏的20世紀初期畫作,包括陳澄波、陳進及陳植棋等人的畫作,以及國立故宮博物院的典藏文物中汲取靈感,為「思慕」注入更深層的歷史紋理與文化縱深。穿越時代更迭、文化變遷與政治動盪,這些典藏作品成了視覺與概念的橋樑,以及跨越時空的殘響——封存於顏料與瓷釉之中,或隨筆觸與器物流轉。

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陳澄波,《新樓》,1943,油彩、畫布,72.7 × 90.9公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)
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陳進,《悠閒》,1935,膠彩、絹,136 x 161公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)

青壯年藝術家齊聚,跨領域媒材、回應現場空間的現地展演

2025台北雙年展將展出33件新委託創作和特定場域裝置,曾展出的作品也將回應美術館獨特的建築空間與城市脈絡。特別的是,近半數參展藝術家出生於1984年後,透過不同世代,帶著當代語境的思考,展現對於現今世界的即時視角,並以不同形式,回應過去與未來的連結,展開對「思慕」的多層次探索。展覽作品橫跨多種媒材與表現形式,作品風格多變,從視覺上的奇想,到結構上的重組,從親密細膩的個人體驗,到集體記憶的碰撞反思,讓「思慕」成為一種可以感知、得以進入,又能持續尋找、期待與探究的存在。

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伊凡娜・巴希奇,《氣動激情》,2020-2024,客製鑄造與熱彎玻璃、不鏽鋼、粉紅雪花石膏、吹製玻璃、氣息、氣動鎚、壓力、客製賽車排氣歧管、客製電路、麥克風、混音器、揚聲器、空氣壓縮機、蠟、白色雪花石膏、青銅、油畫顏料。(圖片提供:伊凡娜・巴希奇)
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莫尼亞・班・哈穆達,《Ya'aburnee (يقبرني (-) 未譯碎片 I)》,2025,塔拉大理石,106 × 85 × 15 公分。(圖片提供:莫尼亞・班・哈穆達)
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莫娜・哈透姆,《小室》(局部),2012-2013,低碳鋼、手工吹製玻璃,共八件,170 公分,寬度與深度不定。(圖片提供:莫娜・哈透姆、巴黎Chantal Crousel藝廊/攝影:Florian Kleinefenn)

「唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己」

《地平線上的低吟》穿梭於現實與想像,遊走在遺落與將成的各種時態之間,作品挖掘個人事件或構築虛擬世界,映照當前現況與異想未來。「思慕」不再只是抽象的情感,更是探尋自身定位的關鍵線索。於此,《地平線上的低吟》進一步揭示了思慕的真相:唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己。這裡沒有禁忌、不是答案、亦非解方,唯有「低吟」。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
高田冬彦,《The Princess and the Magic Birds》,2020-2021,單頻道有聲錄像,17分52秒。(圖片提供:高田冬彦)
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麗娜.拉蓓利代,《斜波研究》(又名,沉默者),2022,於法國 Lafayette Anticipations演出。(圖片提供:麗娜.拉蓓利代)

202514屆台北雙年展《地平線上的低吟》

展期|2025.11.012026.03.29

地點|臺北市立美術館

 

參展藝術家|按英文姓氏首字母排序

法特瑪・阿布杜哈迪1988年生於利雅德,現居工作於利雅德)

阿夫拉・阿達希里(1988年生於阿布達比,現居工作於阿布達比)

穆罕默德・阿法拉傑(1993年生於阿哈薩,現居工作於阿哈薩)

寇拉克里・阿讓諾度才(1986年生於曼谷,現居工作於紐約及曼谷)

伊凡娜・巴希奇(1986年生於貝爾格勒,現居工作於紐約)

拉納・貝古姆(1977年生於錫爾赫特,現居工作於倫敦)

莫尼亞・班・哈穆達(1991年生於米蘭,現居工作於開羅安及米蘭)

雅各波・貝納西(1970年生於拉斯佩齊亞,現居工作於拉斯佩齊亞)

赫拉・比于塔詹(1984年生於伊斯坦堡,現居工作於伊斯坦堡)

陳澄波(1895-1947,出生於嘉義)

陳植棋(1906-1931,出生於臺北廳,今新北市)

陳進(1907-1998,出生於新竹)

艾德加・卡萊爾(1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特,現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特)

陳柏豪(1982年生於高雄,現居工作於鹿特丹)

致穎(1985年生於臺北,現居工作於臺北及柏林)
加埃爾・肖瓦內(1985年生於瑟堡,現居工作於巴黎)
莊偉(1990年生於廣東,現居工作於柏林及香港)

邱子晏(1985年生於苗栗三義,現居工作於臺南)

傑基・康諾利(1990年生於紐約下哈德遜河谷,現居工作於紐約)

羅希尼・德瓦夏爾(1978年生於新德里,現居工作於新德里)

西蒙・迪布羅・莫勒(1976年生於奧胡斯,現居工作於哥本哈根)

莫娜・哈透姆(1952年生於貝魯特,現居工作於倫敦)

賀子珂(1990年生於貴陽,現居工作於北京及貴陽)

何彥諺(1993年生於臺北,現居工作於臺北)

安娜・葉爾莫萊娃(1970年生於列寧格勒,今聖彼得堡,現居工作於維也納及林茲)

伊娃・喬瑟邦(1975年生於巴黎,現居工作於巴黎)

金玟廷(1962年生於光州,現居工作於紐約及南法地區)

雅浸・金朝恩(1989年生於韓國,現居工作於紐約)

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯(1979年生於倫敦,現居工作於柏林及倫敦)

麗娜.拉蓓利代(1984年生於考納斯,現居工作於倫敦及維爾紐斯)

歐馬爾・米斯馬爾(1986年生於貝卡谷地,現居工作於貝魯特)

倪灝(1989年生於新竹,現居工作於新竹)

卡蜜兒・諾門(1970年生於馬里蘭銀泉,現居工作於奧斯陸)

亨里克・奧利維拉(1973年生於聖保羅歐里尼奧斯,現居工作於倫敦)

帕梅拉・法提莫・桑斯川(1980年生於莫楚迪,現居工作於海牙)

邦尼・羅傑斯(1990年生於休士頓,現居工作於紐約)

澤拓(1977年生於石川縣,現居工作於倫敦及金澤市)

西爾維・塞利格(1941年生於尼斯,現居工作於巴黎)

傑瑞米・蕭(1977年生於北溫哥華,現居工作於柏林)

・斯塔夫(1987年生於伯格諾里吉斯,現居工作於洛杉磯及倫敦)

卓永俊(1989年生於首爾,現居工作於柏林)

高田冬彦(1987年生於廣島縣,現居工作於千葉)

蕭崇(1987年生於海陽,現居工作於柏林)

基里亞科斯・托波利迪斯(1997年生於埃森,現居工作於柏林)

阿瓦羅・烏爾巴諾(1983年生於馬德里,現居工作於柏林及巴黎)

王湘靈(1984年生於臺北,現居工作於臺北)

王耀億(1987年生於臺南,現居工作於臺北)

納里・沃德(1963年生於聖安德魯,現居工作於紐約)

吳家昀(1988年生於臺灣,現居工作於紐約)

李受俓(1963年生於首爾,現居工作於首爾)

橫溝靜(1966年生於東京,現居工作於倫敦)

于吉(1985年生於上海,現居工作於紐約及當地)

張如怡(1985年生於上海,現居工作於上海)

托比亞斯・茲耶羅尼(1973年生於烏帕塔,現居工作於柏林)

維梅爾《戴珍珠耳環的少女》展8月登陸大阪!miffy米飛兔擔任展覽大使、攜手《葬送的芙莉蓮》推聯名周邊
維梅爾《戴珍珠耳環的少女》展8月登陸大阪!miffy米飛兔化身展覽大使、攜手《葬送的芙莉蓮》推聯名周邊

大阪中之島美術館將於8月21日至9月27日舉辦維梅爾《戴珍珠耳環的少女》展(フェルメール《真珠の耳飾りの少女》展),除能欣賞到維梅爾兩件傑作,現場也將展出荷蘭莫瑞泰斯皇家美術館其他10幅館藏。另外,miffy米飛兔確定擔任本次展覽大使,並推出聯名周邊商品!

《戴珍珠耳環的少女》由17世紀荷蘭黃金時代畫家維梅爾(Johannes Vermeer)所繪,畫中,少女身穿帶有異國風情的服裝、頭戴東方風格的頭巾,耳際則配戴一顆格外醒目的大型珍珠耳環。而維梅爾以精湛的光影表現聞名,本作更可見少女柔和而略帶模糊的臉部輪廓、濕潤的嘴唇,以及珍珠的光澤感,皆充分展現他高超的描繪技法。

《戴珍珠耳環的少女》將於今年8月來到大阪展出。(圖片來源:Mauritshuis)
〈戴珍珠耳環的少女〉將於今年8月來到大阪展出。(圖片來源:Mauritshuis)

1675年,維梅爾在幾近破產的狀態下,以43歲的年紀英年早逝。他留下的作品之後陸續被拍賣、四散各地。此後《戴珍珠耳環的少女》歷經多次轉手,直到1881年,在荷蘭的一場拍賣中,收藏家Arnoldus Andries des Tombe以僅2荷蘭盾30分的價格購入此畫。

莫瑞泰斯皇家美術館代表性館藏

1903年,作品捐贈予莫瑞泰斯皇家美術館 (Mauritshuis)後,便成為該館最具代表性的館藏之一。這座規模不大、卻享譽國際的美術館,收藏了大量17世紀荷蘭「黃金時代」的作品,因而吸引來自世界各地的藝術愛好者前來參觀。另外,由Tracy Chevalier撰寫的《戴珍珠耳環的少女》同名歷史小說,靈感正來自於本畫作,後續於2003年改編成電影上映,更使這幅作品在全球的知名度大幅提升。

《戴珍珠耳環的少女》是世界上最知名的畫作之一,也是許多人造訪莫瑞泰斯皇家美術館的重要理由。(圖片來源:Mauritshuis)
《戴珍珠耳環的少女》是世界上最知名的畫作之一,也是許多人造訪莫瑞泰斯皇家美術館的重要理由。(圖片來源:Mauritshuis)

為什麼來到日本展出?

本作也是許多人造訪荷蘭莫瑞泰斯皇家美術館的重要理由。因此,這幅作品僅在極為特殊的情況下,才會出借至其他機構展出。上一次出借是在2023 年,參與荷蘭國家博物館舉辦的《維梅爾》特展,而隨著美術館即將進行閉館整修,也再度促成這次難得的展出機會。

莫瑞泰斯皇家美術館館長Martine Gosselink分享,「每年都有成千上萬來自日本、熱愛《戴珍珠耳環的少女》的觀光客造訪本館,對我們而言,讓這位《少女》踏上旅程,將她送到日本觀眾面前,或許是最後一次特別的機會。」加上2012~2014年美術館進行大規模整修以來,此次的主辦單位「朝日新聞社」一直是美術館極為重要的合作夥伴。

這次在大阪中之島美術館的展覽由《朝日新聞社》主辦。2012年,在日本舉辦的「莫瑞泰斯皇家美術館」也是由《朝日新聞社》負責。(圖片來源:大阪中之島美術館)
這次在大阪中之島美術館的展覽由朝日新聞社主辦。2012年,在日本舉辦的「莫瑞泰斯皇家美術館」也是由朝日新聞社負責。(圖片來源:大阪中之島美術館)

近距離欣賞「少女」本尊

曾於1984年在上野的國立西洋美術館、2012~13年在東京都美術館及神戶市立美術館展出的《戴珍珠耳環的少女》,這次將是第4次在日本登場。此次除了不會在在其他城市巡迴,更可能是「她」最後一次訪日,想欣賞少女本尊,可得把握機會。

(圖片來源:Mauritshuis)
(圖片來源:Mauritshuis)

展出12件珍貴館藏

此次展覽將展出莫瑞泰斯皇家美術館12件珍貴館藏,包含維梅爾的《戴珍珠耳環的少女》、《黛安娜和她的同伴》(Diana and her Companions),以及10幅17世紀荷蘭繪畫名作,帶領觀者走入莫瑞泰斯皇家美術館的藝術世界。另外,本展也打造了長達20公尺的沉浸式影像空間,讓人們感受維梅爾筆下獨有的光影世界。

miffy米飛兔化身展覽大使

值得一提的是,與維梅爾同樣誕生於荷蘭的miffy米飛兔,也將擔任本次展覽的大使;《戴珍珠耳環的少女》與米飛兔這兩位荷蘭代表性的角色,合作推出化身為《戴珍珠耳環的少女》造型的米飛兔玩偶,從黃色服裝、藍色頭巾到耳環細節等細節都完美還原,推薦收藏。

與《葬送的芙莉蓮》夢幻聯動

不僅如此,由山田鐘人(原作)與阿部司(作畫)創作的漫畫《葬送的芙莉蓮》,也確定與本展展開聯名合作。這次阿部司更特別為了展覽,全新繪製了將《戴珍珠耳環的少女》與芙莉蓮意象彼此交會重疊的插畫,本展特設商店也預計販售使用此次全新插畫設計的原創周邊商品,千萬別錯過!

《戴珍珠耳環的少女》門票怎麼買?

另外,本次展覽採預約日期與時段制,門票價格為3000日圓。6月1日起,開放「tabiwa 特別夜間鑑賞會」的門票販售(先搶先贏);6月1日~6月7日在Ticket Pia平台也將同步開放先行抽籤登記(包含一般票及各式套票);7月15日起,將分為三個階段陸續開放一般大眾購票:7月15日12時起販售8月21日~8月31日的門票、8月5日12時起販售9月1日~9月13日的門票、8月26日12時起販售9月14日~9月27日門票。

購票完整資訊請點此。

展覽日期:2026年8月21日~9月27日 ※無巡迴
展場:大阪中之島美術館 5階展示室

更多資訊可至《戴珍珠耳環的少女》展覽特設網站查詢

資料來源|朝日新聞社

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踏入臺北市立美術館(以下簡稱:北美館)二樓,你想要走逛展覽,卻走進了乍看習以為常的世界。從貨架上藍綠色瓶身的洗衣精到壓克力顏料打造的黃色雨衣,這些看似再日常不過的物件,在藝術家與策展人馮馨的詮釋下,重新長出了意義。

臺北市立美術館提供
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由北美館助理研究員馮馨策劃,5月1日正式推出的典藏研究展「物質世界」(Material Extensions)集結29位橫跨不同世代的藝術家,展出炭筆、油畫、壓克力、攝影、錄像、現成物、複合媒材與立體裝置等共87件作品。其中創作年份最早的作品為藝術家何德來1936年油畫作品《流逝的歲月》,在近乎一個世紀的作品跨度中,試圖勾勒物質如何深入人類的身體記憶、情感結構,甚至影響社會運作。

臺北市立美術館提供
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而在梳理過程中,馮馨長期關注的主題「當代感知的形成」也逐漸浮現在她的腦海。「我對於『當代感知是如何形成的?』這件事情很感興趣。事實上,這些感知的被意識與成形可能不是即刻的,而是經歷非常多過程與堆疊。」在科技無情地為萬事萬物加速的時代裡,這種透過身體感知的過程,反而更顯得珍貴。「像是你去喝一杯咖啡,感受到前中尾韻;觸摸到質地;嗅聞到氣味⋯⋯這些經驗都會形成人們跟世界之間,一種極度感受性的連結。至今,伴隨著科技與網路發展,我們得以有許多數位虛擬體驗,但人類每天依然活在一個物質的世界。」馮馨說道。

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從四大主題出發,走出一條由外而內,再回返感知的路

從這樣的概念出發,馮馨此次刻意將「物質世界」展覽設計成一條由外而內,再回返感知的敘事路徑,邀請人們從物質消費與其機制出發,延伸至物件構築的居所與城市現代化進程;接著轉向由物開展的奇想;再聚焦人與物之間的辯證關係;最後思考感知如何被物質延展與重塑。

臺北市立美術館提供
周育正,《工作史—盧皆得》,2012-2013。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

於是,當人們走進第一展區,李明學作品《溢出的記憶》讓觀眾一進門便遭遇視覺的陷阱。只見兩座不鏽鋼層架上,不同品牌但外觀極為相似的洗衣精與各類產品整齊排列,觀眾習慣性地將它們認定為同一物,卻會在細看後,發現自己被視覺慣習所欺騙。馮馨說道,「我在策展前期便決定要以這件作品開場。它對應了大家熟悉的日常場景,希望大家看到這組作品時,有機會因為發現相似卻差異的地方而慢下來,進而體會到觀看上的樂趣。」

臺北市立美術館提供
典藏品李明學《溢出的記憶》(2019)於「物質世界」展場一隅。圖像由臺北市立美術館提供。

節拍器、衣服、光線、灰塵,如何成為影響與印證生活的物

接著到了第二展區,物件在此逐漸變形、解構,成為通往潛意識的入口。像是黃文浩《上帝與我》以機械式節拍器驅動《創世紀》中亞當與神的手,兩者永遠無法相觸,荒誕而精準地隱喻人類徒勞往復的焦慮;賴九岑《這不是瑪格利特的天堂》則在名字裡埋下玄機,讓觀眾在作品與命名的辯證中,重新審視符號與現實的距離。

臺北市立美術館提供
黃文浩,《上帝與我》,1996。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。
臺北市立美術館提供
賴九岑,《這不是瑪格利特的天堂》,2018。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

此後,展覽進一步轉入更幽微的領域。第三展區中,日本藝術家日下淳一作品《超越認同》將帶有監獄粗條紋的西裝外套等30套改造服裝懸吊空中,讓人發現衣物從不只是「身外之物」,更影響人們的思考與身份認同。另一件令人印象深刻的作品則是湯雅雯的委託新作《揚起》。藝術家將家中及北美館積累的灰塵轉化為藝術裝置,當灰塵與玻璃窗外灑落的光線成為空間中的主角,日常中幾不可察的存在,彷彿也印證了生活的樣貌與時間的軌跡。

臺北市立美術館提供
日下淳一,《超越認同》,1994-1998。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。
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湯雅雯,《揚起》,2023-2026。藝術家自藏。圖像由臺北市立美術館提供。

最後來到第四展區,李傑的全新委託製作《People hate you for a reason》成為本次壓軸作品。在此,藝術家巧妙利用了展間自然光,結合流行音樂、聲響與筆觸式影像投射,隨著觀眾的移動生成多重媒介交錯的觀看經驗。馮馨感性地分享,李傑作品中透過文字、影像、聲音所營造出的強烈氛圍性,「看完可能沒有辦法馬上講出什麼,但會在心中留下感受,需要時間消化。」

臺北市立美術館提供
李傑,《People hate you for a reason》,2026。藝術家自藏。圖像由臺北市立美術館提供。

在展覽之間,找到物質與感知的對話方式

值得一提的是,「物質世界」並非單獨存在於北美館中。馮馨坦言,身為館內策展人,她從一開始便意識到同期展覽之間潛在的對話可能:「人的感受不單僅面對當下、單一的事情,而是可能有非常多事情同時湧入,相互影響與感受。」也因此,她建議觀眾同步觀賞地下樓正在展出的「超現實主義:對話中的世界」與一樓的「共感:存在的節奏」。前者在潛意識、符號與日常物件的變形想像上隱隱呼應;後者則邀請觀眾從共感與同理心出發,從自然、技術與行動實踐的角度,探索人、非人、物質相互連結、影響與共生的關係。三檔展覽橫跨不同樓層,各自獨立,卻在觀眾的移動之間,交織出彼此對話、互相補足的關係。

臺北市立美術館提供
黃銘昌,《巴黎閣樓—照見系列》,1978-1983。臺北市立美術館典藏。圖像由臺北市立美術館提供。

最後,馮馨也期待觀眾透過更長的時間,細細體驗展覽箇中趣味:「觀眾第一次觀看許多作品時,未必會留意到作品間的對話性。我希望大家可以慢下腳步,多相信自己看到的事情,多連結自己的生活。」而當我們在繁忙時空中緩下心緒,重新相信雙眼所見,或許便能在物質與感知的路徑中,再次找到自己與世界的關係。

Info:臺北市立美術館「物質世界」
Date:即日起~08.16
Add:北美館2A、2B展覽室

文 | 郭慧  圖片提供 | 臺北市立美術館提供