2025台北雙年展主題公布!《地平線上的低吟》從臺灣錯綜歷史切入,藉藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》(Whispers on the Horizon)以臺灣錯綜複雜的歷史為背景,透過多元當代的創作語彙,探究「思慕」(yearning)這個難以明說卻又驅策行動的深層渴望。展覽由策展人山姆.巴塔維爾與提爾.法爾拉特(Sam Bardaouil and Till Fellrath)共同策劃,匯集來自全球35個城市、共54位藝術家的作品,將於2025年11月1日至2026年3月29日展出。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》主視覺,由柏林團隊EPS51設計。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展策展人山姆.巴塔維爾(右)和提爾.法爾拉特(左)。(圖片提供:臺北市立美術館)

從臺灣歷史切入,藉藝術追尋「思慕」的多重意義

臺灣錯綜交織的歷史——從殖民統治、認同掙扎到政治更迭——形塑了這次雙年展的背景。《地平線上的低吟》挖掘「思慕」的本質及其錯綜複雜的地層:它不僅是欲望,更是一種灼燒於心的渴求;它在個人記憶與集體歷史中流轉、在過去與未來間縈繞,也在現實與虛妄、歸屬與離散、消逝與恆常間迴盪;它是一種難以捉摸的引力,驅使著人們盡力前行、奮力邁進,卻終將是個永難企及的追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
王耀億,《合拍片》,錄像截圖。(圖片提供:王耀億)

《地平線上的低吟》以臺灣為起點,其所關注的主題卻不止於此——「思慕」存在於每個地方、每個時代在不同文化脈絡中潛行,是遷徙的痛、是思念的家;是身份與認同的追尋,是默默生根、持續醞釀的渴望。「思慕」從不停歇,也難以抹煞;飄忽無形、游移不定,卻又頑強真切地深植人心。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
羅希尼・德瓦夏爾,《鏡日》(暫名),2025。(圖片提供:羅希尼・德瓦夏爾)
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帕梅拉・法提莫・桑斯川,《SCENE 58》,2024,鉛筆、油畫、木板,140 x 300 公分。(圖片提供:帕梅拉・法提莫・桑斯川、倫敦Goodman Gallery/攝影:Alexander Edwards)

不見於展場、卻構築策展概念的三個物件

「地平線上的低吟」策展構想源自3個與臺灣歷史密切相關的物件──尪仔、日記與單車,來自3件不同時代的台灣文學及電影作品。尪仔,活在侯孝賢的電影《戲夢人生》(1993)的世界裡,呼應著李天祿動蕩不安的生命;日記,來自陳映真的短篇小說《我的弟弟康雄》(1960),記錄著一個年輕人對於理想的深切渴望;單車,存在於吳明益的作品《單車失竊記》(2015),追憶著消失在歷史中的父親身影。這些物件雖未現身展場,卻如銘刻於記憶的線索、潛流於空間的低語,提醒著人們:「思慕」雖關乎失落,亦是擁有,它不只是嚮往追尋,更包含我們所承載背負的信念。

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亨里克・奧利維拉,《減數分裂》,2014,膠合板、家具,93 × 147 × 83 公分,77 × 130 × 83 公分。私人收藏。(圖片提供:亨里克・奧利維拉)

陳澄波、陳進等臺灣畫家作品,讓「思慕」更為深邃

展覽亦從臺北市立美術館收藏的20世紀初期畫作,包括陳澄波、陳進及陳植棋等人的畫作,以及國立故宮博物院的典藏文物中汲取靈感,為「思慕」注入更深層的歷史紋理與文化縱深。穿越時代更迭、文化變遷與政治動盪,這些典藏作品成了視覺與概念的橋樑,以及跨越時空的殘響——封存於顏料與瓷釉之中,或隨筆觸與器物流轉。

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陳澄波,《新樓》,1943,油彩、畫布,72.7 × 90.9公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)
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陳進,《悠閒》,1935,膠彩、絹,136 x 161公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)

青壯年藝術家齊聚,跨領域媒材、回應現場空間的現地展演

2025台北雙年展將展出33件新委託創作和特定場域裝置,曾展出的作品也將回應美術館獨特的建築空間與城市脈絡。特別的是,近半數參展藝術家出生於1984年後,透過不同世代,帶著當代語境的思考,展現對於現今世界的即時視角,並以不同形式,回應過去與未來的連結,展開對「思慕」的多層次探索。展覽作品橫跨多種媒材與表現形式,作品風格多變,從視覺上的奇想,到結構上的重組,從親密細膩的個人體驗,到集體記憶的碰撞反思,讓「思慕」成為一種可以感知、得以進入,又能持續尋找、期待與探究的存在。

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伊凡娜・巴希奇,《氣動激情》,2020-2024,客製鑄造與熱彎玻璃、不鏽鋼、粉紅雪花石膏、吹製玻璃、氣息、氣動鎚、壓力、客製賽車排氣歧管、客製電路、麥克風、混音器、揚聲器、空氣壓縮機、蠟、白色雪花石膏、青銅、油畫顏料。(圖片提供:伊凡娜・巴希奇)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
莫尼亞・班・哈穆達,《Ya'aburnee (يقبرني (-) 未譯碎片 I)》,2025,塔拉大理石,106 × 85 × 15 公分。(圖片提供:莫尼亞・班・哈穆達)
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莫娜・哈透姆,《小室》(局部),2012-2013,低碳鋼、手工吹製玻璃,共八件,170 公分,寬度與深度不定。(圖片提供:莫娜・哈透姆、巴黎Chantal Crousel藝廊/攝影:Florian Kleinefenn)

「唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己」

《地平線上的低吟》穿梭於現實與想像,遊走在遺落與將成的各種時態之間,作品挖掘個人事件或構築虛擬世界,映照當前現況與異想未來。「思慕」不再只是抽象的情感,更是探尋自身定位的關鍵線索。於此,《地平線上的低吟》進一步揭示了思慕的真相:唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己。這裡沒有禁忌、不是答案、亦非解方,唯有「低吟」。

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高田冬彦,《The Princess and the Magic Birds》,2020-2021,單頻道有聲錄像,17分52秒。(圖片提供:高田冬彦)
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麗娜.拉蓓利代,《斜波研究》(又名,沉默者),2022,於法國 Lafayette Anticipations演出。(圖片提供:麗娜.拉蓓利代)

2025第14屆台北雙年展《地平線上的低吟》

展期|2025.11.01-2026.03.29

地點|臺北市立美術館

 

參展藝術家|按英文姓氏首字母排序

法特瑪・阿布杜哈迪 (1988年生於利雅德,現居工作於利雅德)

阿夫拉・阿達希里(1988年生於阿布達比,現居工作於阿布達比)

穆罕默德・阿法拉傑(1993年生於阿哈薩,現居工作於阿哈薩)

寇拉克里・阿讓諾度才(1986年生於曼谷,現居工作於紐約及曼谷)

伊凡娜・巴希奇(1986年生於貝爾格勒,現居工作於紐約)

拉納・貝古姆(1977年生於錫爾赫特,現居工作於倫敦)

莫尼亞・班・哈穆達(1991年生於米蘭,現居工作於開羅安及米蘭)

雅各波・貝納西(1970年生於拉斯佩齊亞,現居工作於拉斯佩齊亞)

赫拉・比于塔詹(1984年生於伊斯坦堡,現居工作於伊斯坦堡)

陳澄波(1895-1947,出生於嘉義)

陳植棋(1906-1931,出生於臺北廳,今新北市)

陳進(1907-1998,出生於新竹)

艾德加・卡萊爾(1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特,現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特)

陳柏豪(1982年生於高雄,現居工作於鹿特丹)

致穎(1985年生於臺北,現居工作於臺北及柏林)
加埃爾・肖瓦內(1985年生於瑟堡,現居工作於巴黎)
莊偉(1990年生於廣東,現居工作於柏林及香港)

邱子晏(1985年生於苗栗三義,現居工作於臺南)

傑基・康諾利(1990年生於紐約下哈德遜河谷,現居工作於紐約)

羅希尼・德瓦夏爾(1978年生於新德里,現居工作於新德里)

西蒙・迪布羅・莫勒(1976年生於奧胡斯,現居工作於哥本哈根)

莫娜・哈透姆(1952年生於貝魯特,現居工作於倫敦)

賀子珂(1990年生於貴陽,現居工作於北京及貴陽)

何彥諺(1993年生於臺北,現居工作於臺北)

安娜・葉爾莫萊娃(1970年生於列寧格勒,今聖彼得堡,現居工作於維也納及林茲)

伊娃・喬瑟邦(1975年生於巴黎,現居工作於巴黎)

金玟廷(1962年生於光州,現居工作於紐約及南法地區)

雅浸・金朝恩(1989年生於韓國,現居工作於紐約)

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯(1979年生於倫敦,現居工作於柏林及倫敦)

麗娜.拉蓓利代(1984年生於考納斯,現居工作於倫敦及維爾紐斯)

歐馬爾・米斯馬爾(1986年生於貝卡谷地,現居工作於貝魯特)

倪灝(1989年生於新竹,現居工作於新竹)

卡蜜兒・諾門(1970年生於馬里蘭銀泉,現居工作於奧斯陸)

亨里克・奧利維拉(1973年生於聖保羅歐里尼奧斯,現居工作於倫敦)

帕梅拉・法提莫・桑斯川(1980年生於莫楚迪,現居工作於海牙)

邦尼・羅傑斯(1990年生於休士頓,現居工作於紐約)

澤拓(1977年生於石川縣,現居工作於倫敦及金澤市)

西爾維・塞利格(1941年生於尼斯,現居工作於巴黎)

傑瑞米・蕭(1977年生於北溫哥華,現居工作於柏林)

皮・斯塔夫(1987年生於伯格諾里吉斯,現居工作於洛杉磯及倫敦)

卓永俊(1989年生於首爾,現居工作於柏林)

高田冬彦(1987年生於廣島縣,現居工作於千葉)

蕭崇(1987年生於海陽,現居工作於柏林)

基里亞科斯・托波利迪斯(1997年生於埃森,現居工作於柏林)

阿瓦羅・烏爾巴諾(1983年生於馬德里,現居工作於柏林及巴黎)

王湘靈(1984年生於臺北,現居工作於臺北)

王耀億(1987年生於臺南,現居工作於臺北)

納里・沃德(1963年生於聖安德魯,現居工作於紐約)

吳家昀(1988年生於臺灣,現居工作於紐約)

李受俓(1963年生於首爾,現居工作於首爾)

橫溝靜(1966年生於東京,現居工作於倫敦)

于吉(1985年生於上海,現居工作於紐約及當地)

張如怡(1985年生於上海,現居工作於上海)

托比亞斯・茲耶羅尼(1973年生於烏帕塔,現居工作於柏林)

「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」11月中美館登場!匯聚大衛・霍克尼、畢卡索、安迪・沃荷等34位藝術巨匠作品
「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」11月中美館登場!大衛・霍克尼、畢卡索、安迪・沃荷等34位藝術巨匠作品

由臺中市政府與國巨基金會共同主辦的國際特展「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」,將於今年11月在臺中市立美術館登場。本次展出精選自國巨基金會典藏、共計66件橫跨文藝復興至當代的東西方經典作品,其中有55件作品首度於臺灣公開展出。早鳥票將於10月15日上午9時起至11月19日限時販售。

集結34位國際藝術家作品

本次「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」集結34位參展藝術家,涵蓋丁托列托(Jacopo Tintoretto)、阿爾泰米西婭・簡提列斯基(Artemisia Gentileschi)、 古斯塔夫・克林姆(Gustav Klimt)、巴布羅・畢卡索(Pablo Picasso)、馬克・羅斯科(Mark Rothko)、安迪・沃荷(Andy Warhol)、大衛・霍克尼(David Hockney)及傑夫・昆斯(Jeff Koons)等國際知名藝術家。展覽透過跨時代、跨媒材的作品並置,重新探討理性、本能等議題,邀請觀眾從不同時代作品的相互映照中,以嶄新的視角重新觀看藝術史上重要的藝術家經典作品。

國際特展「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」,將於今年11月在臺中市立美術館登場。(圖片提供:中美館)
國際特展「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」,將於11月在臺中市立美術館登場。(圖片提供:中美館)

以寓言隱喻開啟新的觀看方式

本展由常駐紐約的菲利普・拉瑞特-史密斯(Philip Larratt-Smith)策劃。他現任伊斯頓基金會(The Easton Foundation)策展人,負責路易絲・布爾喬亞(Louise Bourgeois)藝術遺產相關策展工作,近年曾策劃上海龍美術館的路易絲.布爾喬亞大型回顧展等著名藝術家國際展覽。

展名「蠍子與青蛙」源於一則俄國寓言,講述蠍子請求青蛙載牠渡河,卻因無法違背本性,在渡河途中螫傷青蛙,最終雙雙沉沒的故事。青蛙象徵理性與道德,蠍子則代表欲望、命運與人性。策展人以俄國寓言「蠍子與青蛙」為隱喻,並以「身心之別」作為選件的核心原則,將不同時代、文化與媒材的作品編排成20組對話,藉由故事中理性與本能的辯證,展開跨越時空的藝術對話。展覽從作品之間的視覺呼應與意義關聯出發,呈現不同作品如何彼此回應、重新詮釋,引導觀眾思考理性與本能、身體與心智之間的關係。 

策展人菲利普.拉瑞特-史密斯(Philip Larratt-Smith),(圖片提供:Philip Larratt-Smith)
策展人菲利普.拉瑞特-史密斯(Philip Larratt-Smith),(圖片提供:Philip Larratt-Smith)

從作品並置探索人性多重面貌

策展人將20世紀最具影響力的人物畫家法蘭西斯・培根〈教宗習畫之六〉(Study for a Pope VI)與文藝復興晚期威尼斯畫派最具代表性的藝術家之一丁托列托所繪的〈樞機主教馬坎托尼奧.達.穆拉肖像〉(Portrait of Cardinal Marcantonio da Mula)並置於同一展間。培根以扭曲、變形的人物形象重新詮釋傳統宗教肖像,呈現人物內在的不安、焦慮與精神張力,也使其「教宗系列」成為20世紀藝術史的重要經典。策展人將這組相隔4個世紀的畫作並置於同一展間,凸顯了丁托列托筆下寫實與客觀的教宗權威形象,並與培根作品中所呈現的心理張力形成鮮明對照。

法蘭西斯・培根〈教宗習畫之六〉,1961,152.5 x 116.8 公分,油彩、畫布 © 2026 The Estate of Francis Bacon. All rights reserved. DACS
法蘭西斯・培根〈教宗習畫之六〉,1961,152.5 x 116.8 公分,油彩、畫布 © 2026 The Estate of Francis Bacon. All rights reserved. DACS
丁托列托〈樞機主教馬坎托尼奧.達.穆拉肖像〉,1562-63,185 x 101.5 公分;含框 211 x 127 x 10 公分,油彩、畫布。
丁托列托〈樞機主教馬坎托尼奧.達.穆拉肖像〉,1562-63,185 x 101.5 公分;含框 211 x 127 x 10 公分,油彩、畫布。

常玉〈裸女背像〉與馬克・羅斯科〈第7號〉(No.7,1951)及〈無題〉(Untitled,1955)3件作品並置,展現兩位藝術家在形式上的巧妙對照。常玉以水平分界構成畫面,運用粉紅與橙紅色調,與羅斯科畫中的白色與橙色相互輝映,其細膩而纖柔的筆觸,也與羅斯科作品中色塊邊緣柔和而富有變化的效果相近。兩位藝術家皆以色彩為重要的表現元素,而常玉畫作中流露的靜謐,也與羅斯科試圖透過作品表達的精神境界形成呼應。 

常玉, 〈裸女背像〉, 1929, 油彩、畫布, 45 × 81 cm, 含框 58 × 94 × 5 cm
常玉, 〈裸女背像〉, 1929, 油彩、畫布, 45 × 81 cm, 含框 58 × 94 × 5 cm
馬克.羅斯科, 〈第7號〉, 1951, 油彩、畫布 
, 240 × 139 cm, 含框:246.4 × 144.8 × 7cm 
© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York
馬克.羅斯科, 〈第7號〉, 1951, 油彩、畫布 , 240 × 139 cm, 含框:246.4 × 144.8 × 7cm © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York

另一組作品則從家庭與生命記憶出發,將格哈德・里希特(Gerhard Richter)〈瑪莉安阿姨〉(Aunt Marianne,1965)與路易絲・布爾喬亞(Louise Bourgeois)〈蜘蛛〉(Spider,1994)相互對照。里希特以一張家庭照片為創作基礎,描繪阿姨瑪莉安與仍在襁褓中的自己,看似溫馨的家庭影像背後,卻隱含瑪莉安日後遭納粹「安樂死」計畫殺害的家族創傷。出生於掛毯修復家庭的她,將母親修補織物的工作與蜘蛛織網的意象相連,並延伸成修復、保護與母職的意涵。兩件作品看似迥異,卻皆以隱晦的方式梳理著自我與家庭的連結:里希特的畫作呈現家族歷史與社會、政治創傷的交會,而布爾喬亞的雕塑是母子關係的象徵性再現,同時也是對藝術家所稱「家庭病毒」(the family virus)的隱晦指涉。 

格哈德.里希特, 〈瑪莉安阿姨〉, 1965, 油彩、畫布, 100 × 115 cm, 含框:102 × 117 × 3 cm© Gerhard Richter 2026 (0188)
格哈德.里希特, 〈瑪莉安阿姨〉, 1965, 油彩、畫布, 100 × 115 cm, 含框:102 × 117 × 3 cm© Gerhard Richter 2026 (0188)
路易絲.布爾喬亞, 〈蜘蛛〉, 1994, 青銅、硝酸銀、棕色銅鏽、花崗岩, 274.3 × 457.2 × 378.5 cm© 2026 The Easton Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
路易絲.布爾喬亞, 〈蜘蛛〉, 1994, 青銅、硝酸銀、棕色銅鏽、花崗岩, 274.3 × 457.2 × 378.5 cm© 2026 The Easton Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

霍克尼雙人肖像首度在台亮相

本展另一件點睛之作,則是今年辭世的英國藝術家大衛・霍克尼的雙人肖像〈克里斯多福・伊舍伍德與唐・巴查迪〉(Christopher Isherwood and Don Bachardy)。此作為霍克尼備受推崇的雙人肖像系列代表作之一,亦是首次在臺灣公開展出的重要作品。霍克尼細膩地描繪英國作家克里斯多福・伊舍伍德(Christopher Isherwood)與其伴侶的情感關係,畫面採取古典式構圖,畫中的戀人各自獨立、相隔而坐,卻又彼此相依,巧妙映照出本展理性與本能相互消長的核心命題。

大衛・霍克尼〈克里斯多福・伊舍伍德與唐・巴查迪〉,1968,212.1 x 303.5 公分,壓克力、畫布 © David Hockney. Photo credit: Jonathan Wilkinson.
大衛・霍克尼〈克里斯多福・伊舍伍德與唐・巴查迪〉,1968,212.1 x 303.5 公分,壓克力、畫布 © David Hockney. Photo credit: Jonathan Wilkinson.

世界級名作走進中美館

另外,本次展覽匯集多件橫跨不同時代的藝術名作,呈現藝術家各具特色的創作語彙。巴洛克時期重要女性藝術家阿爾泰米西婭・簡提列斯基(Artemisia Gentileschi)〈沉思中的抹大拉馬利亞〉(Mary Magdalen in Meditation)描繪沉浸於冥想中的抹大拉的馬利亞,十字架、骷髏與《聖經》等物件環繞其側,透過豐富色彩與強烈明暗對比,展現女性角色的自主性與意志。古斯塔夫・克林姆〈扶手椅上的女士 〉(Dame im Fauteuil)創作於1897至1898年間,是其藝術發展的重要作品,見證他逐漸擺脫學院派傳統、轉向更具實驗性的表達,並首度採用日後經常使用的正方形畫幅。畫中女子身著深紅色洋裝與帽子,臉部輪廓清晰,腰間的綠色與畫面左上方的兩張隱約臉孔,更為作品增添視覺層次與神祕感。 

阿爾泰米西婭・簡提列斯基, 〈沉思中的抹大拉馬利亞〉, 1610s-1620s, 油彩、畫布, 156 × 117 cm, 含框 175 × 137 × 6.5 cm
阿爾泰米西婭・簡提列斯基, 〈沉思中的抹大拉馬利亞〉, 1610s-1620s, 油彩、畫布, 156 × 117 cm, 含框 175 × 137 × 6.5 cm
古斯塔夫.克林姆, 〈扶手椅上的女士〉, 1897–98, 油彩、木板, 52 × 52 cm
古斯塔夫.克林姆, 〈扶手椅上的女士〉, 1897–98, 油彩、木板, 52 × 52 cm

進入20世紀現當代藝術,畢卡索(Pablo Picasso)〈男子頭像〉(Tête d'Homme)創作於1971年,以灰色、赭色與淺藍等色彩構成錯落的人物面部,搭配紅白相間的頭帶與張開的嘴,呈現藝術家晚年自由奔放的創作風格。安迪・沃荷(Andy Warhol)〈自畫像(驚悚假髮)〉(Self-Portrait (Fright Wig))以深黑背景襯托面容與極具辨識度的銀色假髮,將個人形象轉化為鮮明的視覺標誌,展現他對公眾形象的經營。傑夫・昆斯(Jeff Koons)〈氣球狗(紅) 〉(Balloon Dog (Red) )將平易近人的氣球造型放大至紀念碑式尺度,以光亮如鏡的表面映照周遭環境與觀者身影,將尋常物件轉化為引人注目的當代藝術作品。 

巴布羅.畢卡索, 〈男子頭像〉, 1971, 油彩、畫布, 81 × 65 公分, 含框 102 × 86 × 10 cm © Succession Picasso 2026
巴布羅.畢卡索, 〈男子頭像〉, 1971, 油彩、畫布, 81 × 65 公分, 含框 102 × 86 × 10 cm © Succession Picasso 2026
安迪.沃荷, 〈自畫像(驚悚假髮)〉, 1986, 壓克力彩、絹印油墨、畫布, 203.2 × 203.2 × 5.08cm, 含框 205.1 × 205.1 × 5.1 cm © 2026 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Licensed by DACS, London.
安迪.沃荷, 〈自畫像(驚悚假髮)〉, 1986, 壓克力彩、絹印油墨、畫布, 203.2 × 203.2 × 5.08cm, 含框 205.1 × 205.1 × 5.1 cm © 2026 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Licensed by DACS, London.
傑夫.昆斯, 〈氣球狗(紅)〉, 1994-2000, 彩色透明塗層、無縫鏡面拋光不銹鋼, 307.3 × 363.2 × 114.3cm © Jeff Koons, Photo: Mike Bruce, Gate Studios; Courtesy the Royal Academy of Arts, London
傑夫.昆斯, 〈氣球狗(紅)〉, 1994-2000, 彩色透明塗層、無縫鏡面拋光不銹鋼, 307.3 × 363.2 × 114.3cm © Jeff Koons, Photo: Mike Bruce, Gate Studios; Courtesy the Royal Academy of Arts, London

早鳥優惠10/15起限時販售

「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」早鳥票將於10月15日上午9時起至11月19日限時販售,每張200元(原價300元)。票券依平日、假日提供不同選擇,平日採非預約票入場,假日及國定假日為維護觀展品質推出「假日預約時段票」,觀眾可選擇「假日預約時段票」或「非預約票」。預約時段票可事先選定觀展時段,並可由「優先通道」排隊優先入場;非預約票則無須預先指定時段,惟假日及國定假日須於「一般通道」待預約時段票入場結束後,依現場安排入場,讓觀眾可依行程規劃參觀時間。票券皆可於綠美圖1樓服務檯售票櫃檯及官方網站購買,非預約票另可透過KKday、Klook、GetYourGuide、Trip.com、易遊網、雄獅、ibon、Famiport、中台灣好玩卡等平臺選購。

⭣完整票價資訊可點擊下方官方IG查詢

蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展
時間:2026年11月20日至2027年4月4日
地點:臺中市立美術館|展覽室D、E
開放時間:每週二至週日9:00-17:00、每週六9:00-20:00,國定假日照常開放
早鳥票定價200元 (10月15日上午9時起至11月19日下午4時30分限時販售)
售票連結請點此

資料提供|中美館、文字整理|Adela Cheng

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日本京都話題展覽《C-GRAPHIC/TAIPEI》台北NOKE登場!齊聚15組設計團隊共覽2020年代台北平面設計風景
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2025年於日本京都 ddd gallery 登場的《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展》,由香港平面設計師、策展人毛灼然(Javin Mo)與現居大阪的設計師、策展人及編輯後藤哲也(Tetsuya Goto)共同策展。今年跨出日本,由NOKE忠泰樂生活、明日製作所攜手公益財團法人 DNP 文化振興財團(DNP)移師台北,即日起至11月9日在NOKE 3F Uncanny 展出。

從漢字文化圈到「台北」

《C-GRAPHIC/TAIPEI》源自後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》一書,其中「C」代表「Chinese」,從漢字文化圈出發觀察當代華語平面設計;發展成展覽時,則進一步聚焦於使用繁體中文的城市「台北」,並選擇1980至1990年代出生的設計世代作為主要觀察對象。展覽除了呈現海報、出版物、品牌識別與影像等作品,也試圖理解設計師如何學習、生活、受到什麼影響,以及這些創作如何與城市文化及社會脈絡相互交織。

《C-GRAPHIC_TAIPEI》集結15組台北設計師與團隊,以鮮明色彩與多元媒材呈現當代平面設計跨越視覺藝術、文化與日常生活的創作樣貌。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
《C-GRAPHIC_TAIPEI》集結15組台北設計師與團隊,以鮮明色彩與多元媒材呈現當代平面設計跨越視覺藝術、文化與日常生活的創作樣貌。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
圖左為毛灼然(圖片提供:毛灼然)圖右為後藤哲也(攝影:倉科直弘)
圖左為毛灼然(圖片提供:毛灼然)圖右為後藤哲也(攝影:倉科直弘)

延伸閱讀:京都ddd gallery《C-GRAPHIC/TAIPEI》展覽現場直擊:台灣設計在日本人眼中,有哪些好奇與獨特之處?

策展人如何觀看這座城市?

對後藤哲也而言,觀看台灣設計的起點,可以追溯至聶永真、王志弘等較早一代設計師,從設計介入公共議題,到漢字、日文與出版設計之間的重新詮釋,都讓他看見台灣平面設計與社會、文化之間緊密的連結。後藤哲也表示:「台灣的年輕世代設計師,常有機會直接參與政府、公共及大型文化活動的主視覺,展現出個人工作室與公共性高度對話的獨特動能。」而對毛灼然來說,他則認為:「風格極其多元且不受拘束。正如展覽主視覺所呈現的,我們大膽運用了呼應台灣『廟宇、夜市、煙火』等在地生活風景的強烈色彩組合,精準體現了當代台北新生代設計不墨守成規、敢於碰撞與實驗的視覺能量。」

展覽主視覺(圖片來源:後藤哲也、毛灼然)
展覽主視覺(圖片來源:後藤哲也、毛灼然)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

首度跨出日本、落腳台北

 《C-GRAPHIC/TAIPEI》展覽首度跨出日本,首站即選擇台北作為落腳處,並非將原有內容原封不動地移植,而是重新回到這座曾經被「觀看」的城市,讓展覽內容更加多元豐富。台北站除原有10組設計師外,進一步擴充至15組,透過不同世代、文化背景與創作方法的交會,呈現更加豐富多元的設計樣貌。展覽不僅呈現了當代台北平面設計的多元創作光譜,也讓觀眾能從不同視角,理解設計如何回應城市文化、社會議題與日常生活,並深入認識當代創作者在不同媒介與領域之間持續探索的實踐樣貌。

展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

同步展出《gggBooks》世界設計典藏

 除了聚焦台北當代平面設計,本次展覽也將觀看視角從台北延伸至世界,展出近40冊由公益財團法人DNP文化振興財團出版的《gggBooks》(World Graphic Design Series/世界平面設計系列)。《gggBooks》系列迄今已累積發行147輯,被譽為一座「微型畫廊」,精選收錄了日本及海外頂尖平面設計師的代表作,匯集充滿獨特個性的視覺內容。本次展覽是台灣首次有系統、大規模地展出此系列叢書,讓觀眾除了能欣賞台灣平面設計師的作品外,也能透過這些書頁窺見世界的設計脈動。

展覽特別展出近40冊由公益財團法人 DNP 文化振興財團出版的《gggBooks》世界平面設計系列,透過日本與國際設計師的代表作品,帶領觀眾探索世界平面設計的創作脈絡。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展覽特別展出近40冊由公益財團法人 DNP 文化振興財團出版的《gggBooks》世界平面設計系列,透過日本與國際設計師的代表作品,帶領觀眾探索世界平面設計的創作脈絡。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

匯聚多位 AGI 台灣會員

值得一提的是,本次策展及參展陣容中,更匯聚多位國際平面設計聯盟 AGI(Alliance Graphique Internationale)會員。AGI 於1952年成立於巴黎,被視為國際平面設計界極具代表性的專業聯盟,會員須經現任成員推薦、審查及投票通過,70多年來全球僅有約500位設計師獲選。此次策展人毛灼然,以及參展設計師葉忠宜、HOUTH何婉君、洪彰聯皆名列其中;在台灣目前僅10位正式會員的情況下,本展即集結其中3位台灣會員,展現2020年代台北平面設計在國際設計脈絡中的能見度與創作實力。

展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
《C-GRAPHIC/TAIPEI》展覽特別規劃「設計小賣所」,精選參展設計師相關出版品與設計商品,讓觀眾將台北平面設計的創作能量延伸至日常生活。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

C-GRAPHIC/TAIPEI

展期|2026年10月8日-11月9日
時間|週日-週四 11:00–21:30;週五-週六 11:00–22:00
地點|NOKE 忠泰樂生活 3F Uncanny|台北市中山區樂群三路200號 (捷運劍南路站)
票價|NT$100(限 Uncanny 現場購票)

資料提供|NOKE忠泰樂生活、文字整理|Adela Cheng

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