2025台北雙年展主題公布!《地平線上的低吟》從臺灣錯綜歷史切入,藉藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》(Whispers on the Horizon)以臺灣錯綜複雜的歷史為背景,透過多元當代的創作語彙,探究「思慕」(yearning)這個難以明說卻又驅策行動的深層渴望。展覽由策展人山姆.巴塔維爾與提爾.法爾拉特(Sam Bardaouil and Till Fellrath)共同策劃,匯集來自全球35個城市、共54位藝術家的作品,將於2025111日至2026329日展出。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》主視覺,由柏林團隊EPS51設計。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展策展人山姆.巴塔維爾(右)和提爾.法爾拉特(左)。(圖片提供:臺北市立美術館)

從臺灣歷史切入,藉藝術追尋「思慕」的多重意義

臺灣錯綜交織的歷史——從殖民統治、認同掙扎到政治更迭——形塑了這次雙年展的背景。《地平線上的低吟》挖掘「思慕」的本質及其錯綜複雜的地層:它不僅是欲望,更是一種灼燒於心的渴求;它在個人記憶與集體歷史中流轉、在過去與未來間縈繞,也在現實與虛妄、歸屬與離散、消逝與恆常間迴盪;它是一種難以捉摸的引力,驅使著人們盡力前行、奮力邁進,卻終將是個永難企及的追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
王耀億,《合拍片》,錄像截圖。(圖片提供:王耀億)

《地平線上的低吟》以臺灣為起點,其所關注的主題卻不止於此——「思慕」存在於每個地方、每個時代在不同文化脈絡中潛行,是遷徙的痛、是思念的家;是身份與認同的追尋,是默默生根、持續醞釀的渴望。「思慕」從不停歇,也難以抹煞;飄忽無形、游移不定,卻又頑強真切地深植人心。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
羅希尼・德瓦夏爾,《鏡日》(暫名),2025。(圖片提供:羅希尼・德瓦夏爾)
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帕梅拉・法提莫・桑斯川,《SCENE 58》,2024,鉛筆、油畫、木板,140 x 300 公分。(圖片提供:帕梅拉・法提莫・桑斯川、倫敦Goodman Gallery/攝影:Alexander Edwards)

不見於展場、卻構築策展概念的三個物件

「地平線上的低吟」策展構想源自3個與臺灣歷史密切相關的物件──尪仔、日記與單車,來自3件不同時代的台灣文學及電影作品。尪仔,活在侯孝賢的電影《戲夢人生》(1993)的世界裡,呼應著李天祿動蕩不安的生命;日記,來自陳映真的短篇小說《我的弟弟康雄》(1960),記錄著一個年輕人對於理想的深切渴望;單車,存在於吳明益的作品《單車失竊記》(2015),追憶著消失在歷史中的父親身影。這些物件雖未現身展場,卻如銘刻於記憶的線索、潛流於空間的低語,提醒著人們:「思慕」雖關乎失落,亦是擁有,它不只是嚮往追尋,更包含我們所承載背負的信念。

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亨里克・奧利維拉,《減數分裂》,2014,膠合板、家具,93 × 147 × 83 公分,77 × 130 × 83 公分。私人收藏。(圖片提供:亨里克・奧利維拉)

陳澄波、陳進等臺灣畫家作品,讓「思慕」更為深邃

展覽亦從臺北市立美術館收藏的20世紀初期畫作,包括陳澄波、陳進及陳植棋等人的畫作,以及國立故宮博物院的典藏文物中汲取靈感,為「思慕」注入更深層的歷史紋理與文化縱深。穿越時代更迭、文化變遷與政治動盪,這些典藏作品成了視覺與概念的橋樑,以及跨越時空的殘響——封存於顏料與瓷釉之中,或隨筆觸與器物流轉。

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陳澄波,《新樓》,1943,油彩、畫布,72.7 × 90.9公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)
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陳進,《悠閒》,1935,膠彩、絹,136 x 161公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)

青壯年藝術家齊聚,跨領域媒材、回應現場空間的現地展演

2025台北雙年展將展出33件新委託創作和特定場域裝置,曾展出的作品也將回應美術館獨特的建築空間與城市脈絡。特別的是,近半數參展藝術家出生於1984年後,透過不同世代,帶著當代語境的思考,展現對於現今世界的即時視角,並以不同形式,回應過去與未來的連結,展開對「思慕」的多層次探索。展覽作品橫跨多種媒材與表現形式,作品風格多變,從視覺上的奇想,到結構上的重組,從親密細膩的個人體驗,到集體記憶的碰撞反思,讓「思慕」成為一種可以感知、得以進入,又能持續尋找、期待與探究的存在。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
伊凡娜・巴希奇,《氣動激情》,2020-2024,客製鑄造與熱彎玻璃、不鏽鋼、粉紅雪花石膏、吹製玻璃、氣息、氣動鎚、壓力、客製賽車排氣歧管、客製電路、麥克風、混音器、揚聲器、空氣壓縮機、蠟、白色雪花石膏、青銅、油畫顏料。(圖片提供:伊凡娜・巴希奇)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
莫尼亞・班・哈穆達,《Ya'aburnee (يقبرني (-) 未譯碎片 I)》,2025,塔拉大理石,106 × 85 × 15 公分。(圖片提供:莫尼亞・班・哈穆達)
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莫娜・哈透姆,《小室》(局部),2012-2013,低碳鋼、手工吹製玻璃,共八件,170 公分,寬度與深度不定。(圖片提供:莫娜・哈透姆、巴黎Chantal Crousel藝廊/攝影:Florian Kleinefenn)

「唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己」

《地平線上的低吟》穿梭於現實與想像,遊走在遺落與將成的各種時態之間,作品挖掘個人事件或構築虛擬世界,映照當前現況與異想未來。「思慕」不再只是抽象的情感,更是探尋自身定位的關鍵線索。於此,《地平線上的低吟》進一步揭示了思慕的真相:唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己。這裡沒有禁忌、不是答案、亦非解方,唯有「低吟」。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
高田冬彦,《The Princess and the Magic Birds》,2020-2021,單頻道有聲錄像,17分52秒。(圖片提供:高田冬彦)
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麗娜.拉蓓利代,《斜波研究》(又名,沉默者),2022,於法國 Lafayette Anticipations演出。(圖片提供:麗娜.拉蓓利代)

202514屆台北雙年展《地平線上的低吟》

展期|2025.11.012026.03.29

地點|臺北市立美術館

 

參展藝術家|按英文姓氏首字母排序

法特瑪・阿布杜哈迪1988年生於利雅德,現居工作於利雅德)

阿夫拉・阿達希里(1988年生於阿布達比,現居工作於阿布達比)

穆罕默德・阿法拉傑(1993年生於阿哈薩,現居工作於阿哈薩)

寇拉克里・阿讓諾度才(1986年生於曼谷,現居工作於紐約及曼谷)

伊凡娜・巴希奇(1986年生於貝爾格勒,現居工作於紐約)

拉納・貝古姆(1977年生於錫爾赫特,現居工作於倫敦)

莫尼亞・班・哈穆達(1991年生於米蘭,現居工作於開羅安及米蘭)

雅各波・貝納西(1970年生於拉斯佩齊亞,現居工作於拉斯佩齊亞)

赫拉・比于塔詹(1984年生於伊斯坦堡,現居工作於伊斯坦堡)

陳澄波(1895-1947,出生於嘉義)

陳植棋(1906-1931,出生於臺北廳,今新北市)

陳進(1907-1998,出生於新竹)

艾德加・卡萊爾(1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特,現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特)

陳柏豪(1982年生於高雄,現居工作於鹿特丹)

致穎(1985年生於臺北,現居工作於臺北及柏林)
加埃爾・肖瓦內(1985年生於瑟堡,現居工作於巴黎)
莊偉(1990年生於廣東,現居工作於柏林及香港)

邱子晏(1985年生於苗栗三義,現居工作於臺南)

傑基・康諾利(1990年生於紐約下哈德遜河谷,現居工作於紐約)

羅希尼・德瓦夏爾(1978年生於新德里,現居工作於新德里)

西蒙・迪布羅・莫勒(1976年生於奧胡斯,現居工作於哥本哈根)

莫娜・哈透姆(1952年生於貝魯特,現居工作於倫敦)

賀子珂(1990年生於貴陽,現居工作於北京及貴陽)

何彥諺(1993年生於臺北,現居工作於臺北)

安娜・葉爾莫萊娃(1970年生於列寧格勒,今聖彼得堡,現居工作於維也納及林茲)

伊娃・喬瑟邦(1975年生於巴黎,現居工作於巴黎)

金玟廷(1962年生於光州,現居工作於紐約及南法地區)

雅浸・金朝恩(1989年生於韓國,現居工作於紐約)

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯(1979年生於倫敦,現居工作於柏林及倫敦)

麗娜.拉蓓利代(1984年生於考納斯,現居工作於倫敦及維爾紐斯)

歐馬爾・米斯馬爾(1986年生於貝卡谷地,現居工作於貝魯特)

倪灝(1989年生於新竹,現居工作於新竹)

卡蜜兒・諾門(1970年生於馬里蘭銀泉,現居工作於奧斯陸)

亨里克・奧利維拉(1973年生於聖保羅歐里尼奧斯,現居工作於倫敦)

帕梅拉・法提莫・桑斯川(1980年生於莫楚迪,現居工作於海牙)

邦尼・羅傑斯(1990年生於休士頓,現居工作於紐約)

澤拓(1977年生於石川縣,現居工作於倫敦及金澤市)

西爾維・塞利格(1941年生於尼斯,現居工作於巴黎)

傑瑞米・蕭(1977年生於北溫哥華,現居工作於柏林)

・斯塔夫(1987年生於伯格諾里吉斯,現居工作於洛杉磯及倫敦)

卓永俊(1989年生於首爾,現居工作於柏林)

高田冬彦(1987年生於廣島縣,現居工作於千葉)

蕭崇(1987年生於海陽,現居工作於柏林)

基里亞科斯・托波利迪斯(1997年生於埃森,現居工作於柏林)

阿瓦羅・烏爾巴諾(1983年生於馬德里,現居工作於柏林及巴黎)

王湘靈(1984年生於臺北,現居工作於臺北)

王耀億(1987年生於臺南,現居工作於臺北)

納里・沃德(1963年生於聖安德魯,現居工作於紐約)

吳家昀(1988年生於臺灣,現居工作於紐約)

李受俓(1963年生於首爾,現居工作於首爾)

橫溝靜(1966年生於東京,現居工作於倫敦)

于吉(1985年生於上海,現居工作於紐約及當地)

張如怡(1985年生於上海,現居工作於上海)

托比亞斯・茲耶羅尼(1973年生於烏帕塔,現居工作於柏林)

2026威尼斯雙年展台灣館「鬱卒的平面:李亦凡」5月開幕!全新創作首度公開,反思人與科技之間的當代處境

2026威尼斯雙年展台灣館「鬱卒的平面:李亦凡」5月開幕:全新創作首度公開,反思人與科技之間的當代處境

由臺北市立美術館策劃之台灣館「鬱卒的平面:李亦凡」,即將在2026第61屆威尼斯國際美術雙年展於義大利威尼斯普里奇歐尼宮(Palazzo delle Prigioni)展出,展期為2026年5月9日至11月22日,其中5月7日至5月9日開幕當週的下午將舉辦多場公眾活動,並於5月7日晚間舉辦台灣館開幕儀式。

藝術家李亦凡 × 策展人Raphael  Fonseca

本屆威尼斯雙年展台灣館由成長於網路技術萌芽期的藝術家李亦凡與策展人哈法艾爾・馮希卡(Raphael  Fonseca)組成,在數位轉型世代的背景下,同為見證者與觀察者,透過幽默與荒誕的敘事語境,提出不同於以往的觀看視角與當代觀點。展覽最初以葡萄牙語「Melancolia de tela」構思,指涉長期使用螢幕所產生的鬱卒狀態;隨著轉譯為中英文「鬱卒的平面(Screen Melancholy)」,在不同語境中展開新的意涵。「鬱卒」回應數位時代資訊過載與人工智慧快速發展所帶來的焦慮,同時映照人在螢幕介面中逐漸被扁平化的感知經驗與情緒狀態。

2026「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館「鬱卒的平面:李亦凡」主視覺。(圖片提供:台北市立美術館)
2026「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館「鬱卒的平面:李亦凡」主視覺。(圖片提供:台北市立美術館)

策展概念從李亦凡影像創作的發展脈絡抽絲剝繭,馮希卡追溯自第一件作品《海邊散步》(2011)至本屆威尼斯雙年展新作《鬱卒的平面》(2026)的創作軌跡,觀察其影像技術的演變與敘事節奏的轉變,並延伸至對當代數位文化的思考。他亦以西方藝術史視角加以詮釋,借鑑德國藝術家阿爾布雷希特.杜勒(Albrecht Dürer)1514年的版畫《憂鬱 I》(Melencolia I),將文藝復興時期對人類處境的思考延伸至當代科技與影像焦慮的探討。

2026年威尼斯雙年展台灣館代表藝術家李亦凡與策展人哈法艾爾・馮希卡。(圖片提供:北美館2026威尼斯雙年展台灣館)
2026年威尼斯雙年展台灣館代表藝術家李亦凡與策展人哈法艾爾・馮希卡。(圖片提供:北美館2026威尼斯雙年展台灣館)

反思知識的廣度與科技焦慮的當代處境

李亦凡生於臺北,目前正於荷蘭皇家視覺藝術學院(Rijksakademie van Beeldende Kunsten)駐村。長期自製影像開發工具,發展「數位操偶」創作方法,自2021年透過即時遊戲引擎進行創作,將動畫生產轉化為更具直覺性的過程,使影像成為個人且私密的探索與後設反思;李亦凡不僅在創作中檢視自身,也揭示影像背後的權力結構,重新檢視人與影像技術之間的關係,探討影像如何形塑人類感知。新作《鬱卒的平面》呈現藝術家創作實踐的關鍵新階段,集結多年鑽研的影像技術,在機械學習生成式人工智慧的細縫中尋求人性的本質,引導觀者反思知識的廣度與科技焦慮的當代處境。

李亦凡,《鬱卒的平面》(影像截圖),2026,60分,影像裝置。©李亦凡,藝術家與2026威尼斯雙年展台灣館提供
李亦凡,《鬱卒的平面》(影像截圖),2026,60分,影像裝置。©李亦凡,藝術家與2026威尼斯雙年展台灣館提供

作品回應普里奇歐尼宮邸的歷史與建築脈絡

台灣館自1995年設於威尼斯普里奇歐尼宮邸,這棟建於17世紀初與總督宮相連的監獄,是過往囚犯走向即將終生囚禁的牢房前的必經之路。李亦凡試圖回應普里奇歐尼宮邸的歷史與建築脈絡,將實體場域融入影像敘事,創作出前所未見之作。當觀者觀看作品時,承載著影像、聲響與雕塑的空間容器,彷彿重新召喚身體記憶,在虛實交錯的感知之中,讓觀者體驗「既觀看、亦被觀看」的親密且具臨場感的觀看經驗。

李亦凡,《鬱卒的平面》(影像截圖),2026,60分,影像裝置。©李亦凡,藝術家與2026威尼斯雙年展台灣館提供
李亦凡,《鬱卒的平面》(影像截圖),2026,60分,影像裝置。©李亦凡,藝術家與2026威尼斯雙年展台灣館提供

映照千禧世代與科技之間的緊密關係

隨著步入展間,以一件長達60分鐘的全新影像裝置為核心,搭配兩件新作短影片,訴說一顆「眼球」返家的故事,探索眼球世代中個人與「影像」的層層關係,沉浸在藝術家私密的後設反思。李亦凡以一人即興讀白的口吻摻雜著教學影片的形式,提出對電腦動畫的講解與AI生成影像的思考,再延伸至「高雅」與「低俗」文化影像差異的討論,更透過不同人體器官重逢的對話,探討人工智能對人的影響。隨著劇情推進,場景不斷變換,在影片中普宮化為戲劇性的動力舞臺,交織慾望與恐懼,映照千禧世代與科技之間的緊密關係。

李亦凡,《鬱卒的平面》(影像截圖),2026,60分,影像裝置。©李亦凡,藝術家與2026威尼斯雙年展台灣館提供
李亦凡,《鬱卒的平面》(影像截圖),2026,60分,影像裝置。©李亦凡,藝術家與2026威尼斯雙年展台灣館提供
李亦凡,《鬱卒的平面》(展場示意圖)。© 李亦凡,藝術家與北美館2026 威尼斯雙年展台灣館提供
李亦凡,《鬱卒的平面》(展場示意圖)。© 李亦凡,藝術家與北美館2026 威尼斯雙年展台灣館提供

逐漸模糊「真實」與「數位」之間的界線

延續李亦凡長期對模型、數位操偶與模擬佈景構圖的興趣,他在實體展場內陳列著手掌、腳、頭、局部的腿與手臂等大型3D列印雕塑,與影像中角色的身體相互呼應。觀者在觀看影像的同時,也被這些誇張比例的身體碎片包圍,將空間轉化為戲劇性的後設舞台,營造出呼應著電腦生成影像的戲劇性解構場景,並可供觀眾坐下休憩,使「真實」與「數位」之間的界線逐漸模糊,展現台灣館不同以往的全新力度。

李亦凡,《鬱卒的平面》(影像截圖),2026,60分,影像裝置。©李亦凡,藝術家與2026威尼斯雙年展台灣館提供
李亦凡,《鬱卒的平面》(影像截圖),2026,60分,影像裝置。©李亦凡,藝術家與2026威尼斯雙年展台灣館提供

李亦凡表示:「我的創作始終源於個人情感,但這次我思考的是,這些私密情緒如何與同世代的人產生共鳴。我希望觀眾在《鬱卒的平面》中既展開一段孤獨的旅程,也共同面對這個由科技重塑、由演算法主導的世界。影像曾是如此重要,曾像是連接世界的窗戶,如今卻發現這個窗戶其實僅是一塊平面時,我們又該如何回應。」

李亦凡,《鬱卒的平面》(影像截圖),2026,60分,影像裝置。©李亦凡,藝術家與2026威尼斯雙年展台灣館提供
李亦凡,《鬱卒的平面》(影像截圖),2026,60分,影像裝置。©李亦凡,藝術家與2026威尼斯雙年展台灣館提供

馮希卡指出:「李亦凡透過即時引擎與建模系統等工具,解構影像生產技術的結構。當這條創作軌跡與他慣用的黑色幽默交織時,便揭示出一種在扁平螢幕前共享的憂鬱狀態。在身處於21世紀的四分之一末端,面對日益狹隘化的後虛構與數位自戀,李亦凡並未提供神奇的解方或道德化的回應,而是暗示每個人都兼具囚徒、操控者與偶的三重身分。就讓我們欣然接受這種處境的鬱卒,準備迎接如螢幕般扁平化的存在。一切才剛開始而已。」

「鬱卒的平面:李亦凡」,2026。©李亦凡,藝術家與北美館2026威尼斯雙年展台灣館提供
「鬱卒的平面:李亦凡」,2026。©李亦凡,藝術家與北美館2026威尼斯雙年展台灣館提供

另外,開幕當日下午將舉辦藝術家與策展人對談,分享展覽創作歷程。隨後,韓國藝術家洪銀珠(Eunju Hong)將帶來現場演出《She seemed devastated, when I was weeping with joy》,透過編舞探討憂鬱與身體動態的主題。

洪銀珠,《當我喜極而泣時,她卻傷心欲絕》(影像截圖),2025,演出,30分。圖像由藝術家提供。
洪銀珠,《當我喜極而泣時,她卻傷心欲絕》(影像截圖),2025,演出,30分。圖像由藝術家提供。

2026「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館 「鬱卒的平面:李亦凡」
展期:2026年5月9日至11月22日
2026年5月09日至9月30日,每週二至週日上午11 時至下午7時
2026年10月1日至11月22日,每週二至週日上午10時至下午6時
週一休館, 5/11、11/16特別開放
地點:義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸(Palazzo delle Prigioni, Venice, Italy)
主題網頁:www.taiwaninvenice.org/2026

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(圖片提供:臺北市立美術館)

在公園裡考古城市歷史

互動區及工作坊的內容,回應了圓山公園的歷史脈絡與史前文化遺址,探討了城市在文化保存與現代化之間的調適與變遷。明白實驗所的《13號兒童樂園》系列作品,以旋轉木馬意象與公園流傳的故事為起點,將舊兒童樂園與其前身「圓山動物園」的文本史料轉譯為影像裝置、身體展演與聲響物件,喚起觀眾心中跨越時間的共同記憶。

北美館兒藝中心展覽《造公園》!9組藝術家共織「日常樂園」奇想
(圖片提供:臺北市立美術館)
北美館兒藝中心展覽《造公園》!9組藝術家共織「日常樂園」奇想
(圖片提供:臺北市立美術館)
北美館兒藝中心展覽《造公園》!9組藝術家共織「日常樂園」奇想
(圖片提供:臺北市立美術館)

言說藝術表演者楊雨樵的《塚》以考古遺跡為靈感,觀眾可將粉筆塊投擲到特製的斜坡屋頂,粉筆在滾動與掉落的過程中發出各種聲響,藝術家將於展期間的演出活動中,如同考古學家般「挖掘」堆積的粉筆,透過遊戲、聲音與歷史的結合,引導觀眾重新感受城市與歷史,以及物質與聲響之間的微妙關聯。

北美館兒藝中心展覽《造公園》!9組藝術家共織「日常樂園」奇想
(圖片提供:臺北市立美術館)

倪祥的《很久以前之後》則以圓山公園的歷史為靈感,邀請觀眾參與互動,將公園常見的元素,如雕像檯座、紀念碑、樹幹轉化為意象不到的體驗方式,讓觀眾重新體驗日常空間中潛藏的奇幻與開放性。

北美館兒藝中心展覽《造公園》!9組藝術家共織「日常樂園」奇想
(圖片提供:臺北市立美術館)
北美館兒藝中心展覽《造公園》!9組藝術家共織「日常樂園」奇想
(圖片提供:臺北市立美術館)

一起想像北美館的未來樣貌!

本展特別設置「靈感草稿:公園設計」與「地底下的美術館,上面的公園」2個創作區域,邀請觀眾發揮想像力,描繪心中理想的公園樣貌。以此回應北美館正以「花博公園美術園區」為基地擴建新館的當下情境——新館的主建築位於地下層,地面則規劃為開放的公園綠地,未來將成為台北都會北區的文化綠色廊帶。透過觀眾參與,展覽得以從展場延伸至對美術館、圓山園區以及城市未來的思考與想像。

北美館兒藝中心展覽《造公園》!9組藝術家共織「日常樂園」奇想
(圖片提供:臺北市立美術館)

《造公園》Imagining a Park

展期|2026.03.2808.30

地點|臺北市立美術館 兒童藝術教育中心

更多展期間活動與工作坊資訊請見此