2025台北雙年展主題公布!《地平線上的低吟》從臺灣錯綜歷史切入,藉藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》(Whispers on the Horizon)以臺灣錯綜複雜的歷史為背景,透過多元當代的創作語彙,探究「思慕」(yearning)這個難以明說卻又驅策行動的深層渴望。展覽由策展人山姆.巴塔維爾與提爾.法爾拉特(Sam Bardaouil and Till Fellrath)共同策劃,匯集來自全球35個城市、共54位藝術家的作品,將於2025111日至2026329日展出。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》主視覺,由柏林團隊EPS51設計。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展策展人山姆.巴塔維爾(右)和提爾.法爾拉特(左)。(圖片提供:臺北市立美術館)

從臺灣歷史切入,藉藝術追尋「思慕」的多重意義

臺灣錯綜交織的歷史——從殖民統治、認同掙扎到政治更迭——形塑了這次雙年展的背景。《地平線上的低吟》挖掘「思慕」的本質及其錯綜複雜的地層:它不僅是欲望,更是一種灼燒於心的渴求;它在個人記憶與集體歷史中流轉、在過去與未來間縈繞,也在現實與虛妄、歸屬與離散、消逝與恆常間迴盪;它是一種難以捉摸的引力,驅使著人們盡力前行、奮力邁進,卻終將是個永難企及的追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
王耀億,《合拍片》,錄像截圖。(圖片提供:王耀億)

《地平線上的低吟》以臺灣為起點,其所關注的主題卻不止於此——「思慕」存在於每個地方、每個時代在不同文化脈絡中潛行,是遷徙的痛、是思念的家;是身份與認同的追尋,是默默生根、持續醞釀的渴望。「思慕」從不停歇,也難以抹煞;飄忽無形、游移不定,卻又頑強真切地深植人心。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
羅希尼・德瓦夏爾,《鏡日》(暫名),2025。(圖片提供:羅希尼・德瓦夏爾)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
帕梅拉・法提莫・桑斯川,《SCENE 58》,2024,鉛筆、油畫、木板,140 x 300 公分。(圖片提供:帕梅拉・法提莫・桑斯川、倫敦Goodman Gallery/攝影:Alexander Edwards)

不見於展場、卻構築策展概念的三個物件

「地平線上的低吟」策展構想源自3個與臺灣歷史密切相關的物件──尪仔、日記與單車,來自3件不同時代的台灣文學及電影作品。尪仔,活在侯孝賢的電影《戲夢人生》(1993)的世界裡,呼應著李天祿動蕩不安的生命;日記,來自陳映真的短篇小說《我的弟弟康雄》(1960),記錄著一個年輕人對於理想的深切渴望;單車,存在於吳明益的作品《單車失竊記》(2015),追憶著消失在歷史中的父親身影。這些物件雖未現身展場,卻如銘刻於記憶的線索、潛流於空間的低語,提醒著人們:「思慕」雖關乎失落,亦是擁有,它不只是嚮往追尋,更包含我們所承載背負的信念。

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亨里克・奧利維拉,《減數分裂》,2014,膠合板、家具,93 × 147 × 83 公分,77 × 130 × 83 公分。私人收藏。(圖片提供:亨里克・奧利維拉)

陳澄波、陳進等臺灣畫家作品,讓「思慕」更為深邃

展覽亦從臺北市立美術館收藏的20世紀初期畫作,包括陳澄波、陳進及陳植棋等人的畫作,以及國立故宮博物院的典藏文物中汲取靈感,為「思慕」注入更深層的歷史紋理與文化縱深。穿越時代更迭、文化變遷與政治動盪,這些典藏作品成了視覺與概念的橋樑,以及跨越時空的殘響——封存於顏料與瓷釉之中,或隨筆觸與器物流轉。

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陳澄波,《新樓》,1943,油彩、畫布,72.7 × 90.9公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)
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陳進,《悠閒》,1935,膠彩、絹,136 x 161公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)

青壯年藝術家齊聚,跨領域媒材、回應現場空間的現地展演

2025台北雙年展將展出33件新委託創作和特定場域裝置,曾展出的作品也將回應美術館獨特的建築空間與城市脈絡。特別的是,近半數參展藝術家出生於1984年後,透過不同世代,帶著當代語境的思考,展現對於現今世界的即時視角,並以不同形式,回應過去與未來的連結,展開對「思慕」的多層次探索。展覽作品橫跨多種媒材與表現形式,作品風格多變,從視覺上的奇想,到結構上的重組,從親密細膩的個人體驗,到集體記憶的碰撞反思,讓「思慕」成為一種可以感知、得以進入,又能持續尋找、期待與探究的存在。

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伊凡娜・巴希奇,《氣動激情》,2020-2024,客製鑄造與熱彎玻璃、不鏽鋼、粉紅雪花石膏、吹製玻璃、氣息、氣動鎚、壓力、客製賽車排氣歧管、客製電路、麥克風、混音器、揚聲器、空氣壓縮機、蠟、白色雪花石膏、青銅、油畫顏料。(圖片提供:伊凡娜・巴希奇)
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莫尼亞・班・哈穆達,《Ya'aburnee (يقبرني (-) 未譯碎片 I)》,2025,塔拉大理石,106 × 85 × 15 公分。(圖片提供:莫尼亞・班・哈穆達)
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莫娜・哈透姆,《小室》(局部),2012-2013,低碳鋼、手工吹製玻璃,共八件,170 公分,寬度與深度不定。(圖片提供:莫娜・哈透姆、巴黎Chantal Crousel藝廊/攝影:Florian Kleinefenn)

「唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己」

《地平線上的低吟》穿梭於現實與想像,遊走在遺落與將成的各種時態之間,作品挖掘個人事件或構築虛擬世界,映照當前現況與異想未來。「思慕」不再只是抽象的情感,更是探尋自身定位的關鍵線索。於此,《地平線上的低吟》進一步揭示了思慕的真相:唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己。這裡沒有禁忌、不是答案、亦非解方,唯有「低吟」。

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高田冬彦,《The Princess and the Magic Birds》,2020-2021,單頻道有聲錄像,17分52秒。(圖片提供:高田冬彦)
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麗娜.拉蓓利代,《斜波研究》(又名,沉默者),2022,於法國 Lafayette Anticipations演出。(圖片提供:麗娜.拉蓓利代)

202514屆台北雙年展《地平線上的低吟》

展期|2025.11.012026.03.29

地點|臺北市立美術館

 

參展藝術家|按英文姓氏首字母排序

法特瑪・阿布杜哈迪1988年生於利雅德,現居工作於利雅德)

阿夫拉・阿達希里(1988年生於阿布達比,現居工作於阿布達比)

穆罕默德・阿法拉傑(1993年生於阿哈薩,現居工作於阿哈薩)

寇拉克里・阿讓諾度才(1986年生於曼谷,現居工作於紐約及曼谷)

伊凡娜・巴希奇(1986年生於貝爾格勒,現居工作於紐約)

拉納・貝古姆(1977年生於錫爾赫特,現居工作於倫敦)

莫尼亞・班・哈穆達(1991年生於米蘭,現居工作於開羅安及米蘭)

雅各波・貝納西(1970年生於拉斯佩齊亞,現居工作於拉斯佩齊亞)

赫拉・比于塔詹(1984年生於伊斯坦堡,現居工作於伊斯坦堡)

陳澄波(1895-1947,出生於嘉義)

陳植棋(1906-1931,出生於臺北廳,今新北市)

陳進(1907-1998,出生於新竹)

艾德加・卡萊爾(1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特,現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特)

陳柏豪(1982年生於高雄,現居工作於鹿特丹)

致穎(1985年生於臺北,現居工作於臺北及柏林)
加埃爾・肖瓦內(1985年生於瑟堡,現居工作於巴黎)
莊偉(1990年生於廣東,現居工作於柏林及香港)

邱子晏(1985年生於苗栗三義,現居工作於臺南)

傑基・康諾利(1990年生於紐約下哈德遜河谷,現居工作於紐約)

羅希尼・德瓦夏爾(1978年生於新德里,現居工作於新德里)

西蒙・迪布羅・莫勒(1976年生於奧胡斯,現居工作於哥本哈根)

莫娜・哈透姆(1952年生於貝魯特,現居工作於倫敦)

賀子珂(1990年生於貴陽,現居工作於北京及貴陽)

何彥諺(1993年生於臺北,現居工作於臺北)

安娜・葉爾莫萊娃(1970年生於列寧格勒,今聖彼得堡,現居工作於維也納及林茲)

伊娃・喬瑟邦(1975年生於巴黎,現居工作於巴黎)

金玟廷(1962年生於光州,現居工作於紐約及南法地區)

雅浸・金朝恩(1989年生於韓國,現居工作於紐約)

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯(1979年生於倫敦,現居工作於柏林及倫敦)

麗娜.拉蓓利代(1984年生於考納斯,現居工作於倫敦及維爾紐斯)

歐馬爾・米斯馬爾(1986年生於貝卡谷地,現居工作於貝魯特)

倪灝(1989年生於新竹,現居工作於新竹)

卡蜜兒・諾門(1970年生於馬里蘭銀泉,現居工作於奧斯陸)

亨里克・奧利維拉(1973年生於聖保羅歐里尼奧斯,現居工作於倫敦)

帕梅拉・法提莫・桑斯川(1980年生於莫楚迪,現居工作於海牙)

邦尼・羅傑斯(1990年生於休士頓,現居工作於紐約)

澤拓(1977年生於石川縣,現居工作於倫敦及金澤市)

西爾維・塞利格(1941年生於尼斯,現居工作於巴黎)

傑瑞米・蕭(1977年生於北溫哥華,現居工作於柏林)

・斯塔夫(1987年生於伯格諾里吉斯,現居工作於洛杉磯及倫敦)

卓永俊(1989年生於首爾,現居工作於柏林)

高田冬彦(1987年生於廣島縣,現居工作於千葉)

蕭崇(1987年生於海陽,現居工作於柏林)

基里亞科斯・托波利迪斯(1997年生於埃森,現居工作於柏林)

阿瓦羅・烏爾巴諾(1983年生於馬德里,現居工作於柏林及巴黎)

王湘靈(1984年生於臺北,現居工作於臺北)

王耀億(1987年生於臺南,現居工作於臺北)

納里・沃德(1963年生於聖安德魯,現居工作於紐約)

吳家昀(1988年生於臺灣,現居工作於紐約)

李受俓(1963年生於首爾,現居工作於首爾)

橫溝靜(1966年生於東京,現居工作於倫敦)

于吉(1985年生於上海,現居工作於紐約及當地)

張如怡(1985年生於上海,現居工作於上海)

托比亞斯・茲耶羅尼(1973年生於烏帕塔,現居工作於柏林)

凝視時代鏡頭下的人生百態:「浮生——《人間》中的報導攝影,1985–1989」高美館登場,循著鏡頭重返40年前的臺灣
凝視時代鏡頭下的人生百態:「浮生——《人間》中的報導攝影,1985–1989」高美館登場,循著鏡頭重返40年前的臺灣

先前於臺北教育大學北師美術館展出的「浮生——《人間》中的報導攝影,1985–1989」,移師至高雄市立美術館舉辦。本展由旅法策展人蘇盈龍、法國攝影史學者米榭爾.費佐(Michel Frizot)共同研究策劃,精選1980年代《人間》雜誌中11位攝影家拍攝的影像,帶領觀者走入臺灣社會在政治、經濟轉型的年代中,見證報導攝影直面現實與人性的獨特力量。

《人間》雜誌由作家陳映真創辦,從1985年創刊至1989年停刊,共發行47期。以報導文學與攝影作為深入社會的媒介,從對少數民族、基層勞工、兒童福祉的關懷,到環境破壞、抗爭運動的觀察,在經濟蓬勃發展的時代反其道而行,採取圖文並重的編輯方針,揭露社會不義與弱勢族群的處境。在臺灣走向民主化的歷程中,為媒體發展奠定了重要基礎,至今仍被視為報導攝影領域的里程碑。

《人間》雜誌由作家陳映真創辦,以圖文並重的編輯方針,帶出臺灣社會逐漸轉型的年代中的多重社會面貌。(圖片提供:高美館)
《人間》雜誌由作家陳映真創辦,以圖文並重的編輯方針,帶出臺灣社會逐漸轉型的年代中的多重社會面貌。(圖片提供:高美館)

精選11位攝影家作品

而「浮生——《人間》中的報導攝影,1985–1989」呈現雜誌長期以來被忽視的報導影像及攝影者。然而正是他們奠定了雜誌的視覺風格,影像的視覺效果造就了《人間》社會影響力,更開啟了臺灣報導攝影新階段。本展從47期雜誌中5,497張影像,精選阮義忠、林柏樑、林義祥、侯聰慧、梁國龍、張詠捷、廖嘉展、蔡明德、蔡雅琴、顏新珠、鐘俊陞11位攝影家作品,其中已在時間中佚失的原始影像,則以雜誌內頁輸出還原報導攝影之脈絡。

本展精選阮義忠、林柏樑、林義祥、侯聰慧、梁國龍、張詠捷、廖嘉展、蔡明德、蔡雅琴、顏新珠、鐘俊陞11位攝影家作品展出。(圖片提供:高美館)
本展精選阮義忠、林柏樑、林義祥、侯聰慧、梁國龍、張詠捷、廖嘉展、蔡明德、蔡雅琴、顏新珠、鐘俊陞11位攝影家作品展出。(圖片提供:高美館)
「浮生——《人間》中的報導攝影,1985–1989」精選1980年代《人間》雜誌中逾5,497張影像,見證報導攝影直面現實與人性的獨特力量。(圖片提供:高美館)
「浮生——《人間》中的報導攝影,1985–1989」精選1980年代《人間》雜誌中逾5,497張影像,見證報導攝影直面現實與人性的獨特力量。(圖片提供:高美館)

其中,高美館典藏的侯聰慧〈拆船廠〉系列重回高雄與觀眾相遇,記錄了昔日高雄拆船業全盛時期,勞工在惡劣條件下依然迸發的生命韌性。邀請民眾在影像快速流轉的今日,循著鏡頭重返40年前的臺灣,於每個凝結的瞬間感受攝影家們留存於底片的時代溫度。 

高美館典藏──侯聰慧〈拆船廠〉系列,紀錄高雄拆船業蓬勃發展時,基層員工的勞動身影。(圖片提供:高美館)
高美館典藏──侯聰慧〈拆船廠〉系列,紀錄高雄拆船業蓬勃發展時,基層員工的勞動身影。(圖片提供:高美館)

回顧發掘主題到走入現場的軌跡

展覽亦呈現其中7位攝影家的訪談記錄片,回顧他們如何從對拍攝感興趣到成為攝影記者,發掘主題、走入現場,最終實踐《人間》專題報導的歷程。同時,現場陳列當年編輯付印前揀選照片的印樣原件,設置閱讀區讓民眾得以閱讀當年的《人間》雜誌,親身理解攝影家們從最初按下快門到與圖文編排成頁的軌跡。

觀者可跟著7位攝影家的訪談記錄片,回顧他們如何成為攝影記者,發掘主題、走入現場,最終實踐《人間》專題報導的歷程。(圖片提供:高美館)
觀者可跟著7位攝影家的訪談記錄片,回顧他們如何成為攝影記者,發掘主題、走入現場,最終實踐《人間》專題報導的歷程。(圖片提供:高美館)
現場陳列照片印樣原件,還原當初攝影家們如何檢視拍攝影像,從中挑出適合用於報導的畫面。(圖片提供:高美館)
現場陳列照片印樣原件,還原當初攝影家們如何檢視拍攝影像,從中挑出適合用於報導的畫面。(圖片提供:高美館)

走進以影像構築的「人間」

另外,「浮生——《人間》中的報導攝影,1985–1989」展覽期間將舉辦多場專家導覽,歡迎民眾走進以影像構築的「人間」,欣賞攝影家們為這片土地留下的珍貴記憶。更多展覽與活動相關資訊,敬請鎖定高美館網站,以及臉書專頁與Instagram「高雄市立美術館」。

展間一隅(圖片提供:高美館)
展間一隅(圖片提供:高美館)
展間一隅(圖片提供:高美館)
展間一隅(圖片提供:高美館)

浮生——《人間》中的報導攝影,1985–1989
展覽日期|2026.05.23-08.30
展覽地點|高雄市立美術館404-405展覽室

資料提供|高美館、文字整理|Adela Cheng

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猜猜右圖中這些垂墜的「帷幕」是何物質?答案是——「時間」,由藝術家Lotus L. Kang以感光底片層疊懸掛而成。隨2026威尼斯美術雙年展如火如荼進行,寶格麗宣布榮膺展會獨家合作夥伴,邀集3位女性藝術家分別入駐品牌展館及當地歷史建築,啟動雙重藝術計畫。本篇帶你走訪威尼斯外掛米蘭的展覽現場,鑑賞4件意象獨特的亮點創作。

以2026至2030年的獨家合作夥伴之姿,義大利頂級珠寶品牌寶格麗(Bvlgari)正式攜手威尼斯雙年展,揭開別具意義的嶄新篇章;不僅印證深植品牌基因的藝術底蘊,更透過支持自由創作與文化對話推展創意邊界,將美學力量轉化為普世語言,和世界產生共鳴。

作為此段合作機緣的首次具體亮相,寶格麗於即日起至2026年11月22日的雙年展展期發起兩項藝術計畫。一則由加拿大藝術家Lotus L. Kang在坐落拿破崙花園(Giardini della Biennale)的品牌展館帶來全新創作;二則由寶格麗基金會選址15世紀建築聖馬可圖書館(Biblioteca Nazionale Marciana)紀念廳舉辦特展,聚焦Lara Favaretto和Monia Ben Hamouda兩位備受國際矚目的義大利當代創作者作品,使其取用場域限定的藝術語彙,導入與人文薈萃殿堂的深度對話。

寶格麗召開媒體發布會,正式啟動與威尼斯雙年展的合作篇章;圖中主講人為寶格麗全球總裁Jean-Christoph Babin。(圖片提供:Bvlgari)
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即日起至2026年11月22日,由寶格麗攜手雙年展的相關藝術計畫首度落實;右為活動主視覺。(圖片提供:Bvlgari)
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回饋義大利社群,再現推動藝術文化的美好願景

2024年成立的寶格麗基金會(Fondazione Bvlgari),至今踐行寶格麗品牌於文化、公益慈善及社會關懷範疇的堅定承諾,並創造在教育、工藝傳承及藝術贊助領域的悠遠價值。懷以對社群的厚重責任和回饋理念,基金會接連與全球富影響力的機構建立長期關係,經多元計畫保存文化遺產與藝術典藏,亦藉諸如聯手羅馬二十一世紀藝術博物館設置的MAXXI Bvlgari Prize等獎項涵養創新能量,促進未來世代發展。此外,繼合作紐約惠特尼雙年展後,寶格麗基金會今成威尼斯雙年展獨家合作夥伴,無疑再度嶄露品牌承先啟後,對推動當今藝術文化長久存續的美好願景。

寶格麗展館。(圖片提供:Bvlgari)
寶格麗展館。(圖片提供:Bvlgari)

「對寶格麗而言,這項合作象徵品牌長期支持藝術承諾的自然延伸,更是一項富有意義且面向未來的重要篇章。我們始終深耕藝術領域,尤其關注當代創作的發展。作為威尼斯雙年展的獨家合作夥伴,我們很榮幸能共同打造一個充滿活力與啟發性的環境,讓觀者、藝術家與策展人得以在其中交流、實驗、自由探索,並共同想像與形塑未來文化的樣貌。」——寶格麗全球總裁Jean-Christoph Babin

聖馬可圖書館。(圖片來源:Instagram @fondazionebvlgari)
聖馬可圖書館。(圖片來源:Instagram @fondazionebvlgari)

寶格麗展館

加拿大藝術家Lotus L. Kang進駐拿破崙花園內寶格麗展館(Bvlgari Pavilion)的裝置《The face of desire is loss》,沿襲她向來對時間性的探索,視時間為無序、沉積且非線性的存在。

「《The face of desire is loss》將多重時空匯聚,濃縮成一個取決於光線、時間與觀眾身體感知的環境。這些拼貼式的組構拒絕固定與單一性;在此,作為環境的一部分,身體正經歷著一場趨向力竭、死亡與新生的質變與轉化。內在翻轉為外在,反之亦然。」——Lotus L. Kang

Lotus L. Kang創作過程。(圖片提供:Bvlgari)
Lotus L. Kang創作過程。(圖片提供:Bvlgari)

展覽核心為多組未定影的感光底片,懸掛於鋼製梁架上持續感應環境,隨展館中的濕度與光線量逐漸顯影。Lotus L. Kang在這些如肌膚般延伸的薄膜上下,置入由榻榻米、鑄造物、蒸餾液體及多種可變形材質構築的雕塑;兼以35mm膠卷包覆周圍窗面,使影格裡的時間彷彿被攤展於同一平面,形成同步而流動的感知狀態,再運用不斷投射出幻變色彩與層疊光影的照明系統,深化作品所塑造的感官體驗。

裝置《The face of desire is loss》。(圖片提供:Bvlgari)
裝置《The face of desire is loss》。(圖片提供:Bvlgari)
(圖片提供:Bvlgari)
(圖片提供:Bvlgari)
(圖片提供:Bvlgari)
(圖片提供:Bvlgari)
(圖片提供:Bvlgari)
(圖片提供:Bvlgari)
(圖片提供:Bvlgari)
(圖片提供:Bvlgari)

聖馬可圖書館

寶格麗基金會首次主辦的展覽,落腳義大利聖馬可圖書館紀念廳這一象徵知識傳承的重要場域,展出兩件為此場地特別構思的限定作品。首先,曾獲頒MAXXI Bvlgari Prize的突尼西亞裔義大利藝術家Monia Ben Hamouda於前廳呈獻裝置《Fragments of Fire Worship》。

Monia Ben Hamouda創作過程。(圖片提供:Bvlgari)
Monia Ben Hamouda創作過程。(圖片提供:Bvlgari)
裝置《Fragments of Fire Worship》。(圖片提供:Bvlgari)
裝置《Fragments of Fire Worship》。(圖片提供:Bvlgari)

再者,一舉拿下2004-2005年義大利傑出年輕藝術家獎(Prize for Young Italian Art)、3度參與威尼斯雙年展的義大利藝術家Lara Favaretto於桑索維諾展廳(Salone Sansovino)揭曉系列裝置《Momentary Monument – The Library》最終章。

Lara Favaretto創作過程。(圖片提供:Bvlgari)
Lara Favaretto創作過程。(圖片提供:Bvlgari)
裝置《Momentary Monument – The Library》。(圖片提供:Bvlgari)
裝置《Momentary Monument – The Library》。(圖片提供:Bvlgari)

 展外展:米蘭寶格麗飯店花園空間

除上述藝術計畫外,Monia Ben Hamouda尚有一雕塑《Ya'aburnee (Untranslated Fragment I and II)》登陸米蘭寶格麗飯店花園空間,同步威尼斯雙年展展期對外開放。承藝術家對藝術語言起源和重塑藝術史可能性的研究,雕塑選用突尼西亞Thela石材打造,承載古老銘文蘊含的物質性與象徵意義。

作品名「Ya'aburnee」取自阿拉伯黎巴嫩語「يقبرني」,以「願你埋葬我」寓意希望摯愛長活自己身後,寄託著縛於愛、死亡與生命延續間的深刻情感;後連綴「Untranslated Fragment I and II(未譯碎片I與II)」則進一步凸顯此作通過觀者無法完全掌握的語言形式,拒絕被完整翻譯或明確定義為單一且封閉的註解,試圖讓觀者置身部分可理解、卻依然保有不可詮釋性的感知狀態。

雕塑《Ya'aburnee (Untranslated Fragment I and II)》。(圖片提供:Bvlgari)
雕塑《Ya'aburnee (Untranslated Fragment I and II)》。(圖片提供:Bvlgari)

逾百年來,藝術與文化始終高居品牌重要靈感泉源,寶格麗對其投入橫跨古典與現代,傾力促成交融歷史底蘊與創新精神的獨到語彙,啟發各面向創作的無限可能。如今,出手贊助雙年展盛會之餘,該承諾亦體現在同樣落地威尼斯的總督宮黃金階梯(Scala d'Oro)、聖伯多祿致命堂(San Pietro Martire)內保羅委羅內塞(Paolo Veronese)畫作等多項藝術修復計畫,另也包括回返品牌原鄉羅馬開展的西班牙階梯(Spanish Steps)、卡拉卡拉浴場(Terme di Caracalla)彩色馬賽克地磚、托洛尼亞典藏大理石雕塑等數個文化保存項目,在在揭示品牌與永恆之城的緊密連結。

(圖片提供:Bvlgari)
(圖片提供:Bvlgari)

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