2025台北雙年展主題公布!《地平線上的低吟》從臺灣錯綜歷史切入,藉藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義

2025台北雙年展《地平線上的低吟》(Whispers on the Horizon)以臺灣錯綜複雜的歷史為背景,透過多元當代的創作語彙,探究「思慕」(yearning)這個難以明說卻又驅策行動的深層渴望。展覽由策展人山姆.巴塔維爾與提爾.法爾拉特(Sam Bardaouil and Till Fellrath)共同策劃,匯集來自全球35個城市、共54位藝術家的作品,將於2025111日至2026329日展出。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展《地平線上的低吟》主視覺,由柏林團隊EPS51設計。(圖片提供:臺北市立美術館)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
2025台北雙年展策展人山姆.巴塔維爾(右)和提爾.法爾拉特(左)。(圖片提供:臺北市立美術館)

從臺灣歷史切入,藉藝術追尋「思慕」的多重意義

臺灣錯綜交織的歷史——從殖民統治、認同掙扎到政治更迭——形塑了這次雙年展的背景。《地平線上的低吟》挖掘「思慕」的本質及其錯綜複雜的地層:它不僅是欲望,更是一種灼燒於心的渴求;它在個人記憶與集體歷史中流轉、在過去與未來間縈繞,也在現實與虛妄、歸屬與離散、消逝與恆常間迴盪;它是一種難以捉摸的引力,驅使著人們盡力前行、奮力邁進,卻終將是個永難企及的追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
王耀億,《合拍片》,錄像截圖。(圖片提供:王耀億)

《地平線上的低吟》以臺灣為起點,其所關注的主題卻不止於此——「思慕」存在於每個地方、每個時代在不同文化脈絡中潛行,是遷徙的痛、是思念的家;是身份與認同的追尋,是默默生根、持續醞釀的渴望。「思慕」從不停歇,也難以抹煞;飄忽無形、游移不定,卻又頑強真切地深植人心。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
羅希尼・德瓦夏爾,《鏡日》(暫名),2025。(圖片提供:羅希尼・德瓦夏爾)
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帕梅拉・法提莫・桑斯川,《SCENE 58》,2024,鉛筆、油畫、木板,140 x 300 公分。(圖片提供:帕梅拉・法提莫・桑斯川、倫敦Goodman Gallery/攝影:Alexander Edwards)

不見於展場、卻構築策展概念的三個物件

「地平線上的低吟」策展構想源自3個與臺灣歷史密切相關的物件──尪仔、日記與單車,來自3件不同時代的台灣文學及電影作品。尪仔,活在侯孝賢的電影《戲夢人生》(1993)的世界裡,呼應著李天祿動蕩不安的生命;日記,來自陳映真的短篇小說《我的弟弟康雄》(1960),記錄著一個年輕人對於理想的深切渴望;單車,存在於吳明益的作品《單車失竊記》(2015),追憶著消失在歷史中的父親身影。這些物件雖未現身展場,卻如銘刻於記憶的線索、潛流於空間的低語,提醒著人們:「思慕」雖關乎失落,亦是擁有,它不只是嚮往追尋,更包含我們所承載背負的信念。

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亨里克・奧利維拉,《減數分裂》,2014,膠合板、家具,93 × 147 × 83 公分,77 × 130 × 83 公分。私人收藏。(圖片提供:亨里克・奧利維拉)

陳澄波、陳進等臺灣畫家作品,讓「思慕」更為深邃

展覽亦從臺北市立美術館收藏的20世紀初期畫作,包括陳澄波、陳進及陳植棋等人的畫作,以及國立故宮博物院的典藏文物中汲取靈感,為「思慕」注入更深層的歷史紋理與文化縱深。穿越時代更迭、文化變遷與政治動盪,這些典藏作品成了視覺與概念的橋樑,以及跨越時空的殘響——封存於顏料與瓷釉之中,或隨筆觸與器物流轉。

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陳澄波,《新樓》,1943,油彩、畫布,72.7 × 90.9公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)
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陳進,《悠閒》,1935,膠彩、絹,136 x 161公分。(圖片來源:臺北市立美術館典藏)

青壯年藝術家齊聚,跨領域媒材、回應現場空間的現地展演

2025台北雙年展將展出33件新委託創作和特定場域裝置,曾展出的作品也將回應美術館獨特的建築空間與城市脈絡。特別的是,近半數參展藝術家出生於1984年後,透過不同世代,帶著當代語境的思考,展現對於現今世界的即時視角,並以不同形式,回應過去與未來的連結,展開對「思慕」的多層次探索。展覽作品橫跨多種媒材與表現形式,作品風格多變,從視覺上的奇想,到結構上的重組,從親密細膩的個人體驗,到集體記憶的碰撞反思,讓「思慕」成為一種可以感知、得以進入,又能持續尋找、期待與探究的存在。

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伊凡娜・巴希奇,《氣動激情》,2020-2024,客製鑄造與熱彎玻璃、不鏽鋼、粉紅雪花石膏、吹製玻璃、氣息、氣動鎚、壓力、客製賽車排氣歧管、客製電路、麥克風、混音器、揚聲器、空氣壓縮機、蠟、白色雪花石膏、青銅、油畫顏料。(圖片提供:伊凡娜・巴希奇)
2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
莫尼亞・班・哈穆達,《Ya'aburnee (يقبرني (-) 未譯碎片 I)》,2025,塔拉大理石,106 × 85 × 15 公分。(圖片提供:莫尼亞・班・哈穆達)
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莫娜・哈透姆,《小室》(局部),2012-2013,低碳鋼、手工吹製玻璃,共八件,170 公分,寬度與深度不定。(圖片提供:莫娜・哈透姆、巴黎Chantal Crousel藝廊/攝影:Florian Kleinefenn)

「唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己」

《地平線上的低吟》穿梭於現實與想像,遊走在遺落與將成的各種時態之間,作品挖掘個人事件或構築虛擬世界,映照當前現況與異想未來。「思慕」不再只是抽象的情感,更是探尋自身定位的關鍵線索。於此,《地平線上的低吟》進一步揭示了思慕的真相:唯有在不斷追尋之中,我們才得以開始理解自己。這裡沒有禁忌、不是答案、亦非解方,唯有「低吟」。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》!藉當代藝術探究「思慕」的意義
高田冬彦,《The Princess and the Magic Birds》,2020-2021,單頻道有聲錄像,17分52秒。(圖片提供:高田冬彦)
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麗娜.拉蓓利代,《斜波研究》(又名,沉默者),2022,於法國 Lafayette Anticipations演出。(圖片提供:麗娜.拉蓓利代)

202514屆台北雙年展《地平線上的低吟》

展期|2025.11.012026.03.29

地點|臺北市立美術館

 

參展藝術家|按英文姓氏首字母排序

法特瑪・阿布杜哈迪1988年生於利雅德,現居工作於利雅德)

阿夫拉・阿達希里(1988年生於阿布達比,現居工作於阿布達比)

穆罕默德・阿法拉傑(1993年生於阿哈薩,現居工作於阿哈薩)

寇拉克里・阿讓諾度才(1986年生於曼谷,現居工作於紐約及曼谷)

伊凡娜・巴希奇(1986年生於貝爾格勒,現居工作於紐約)

拉納・貝古姆(1977年生於錫爾赫特,現居工作於倫敦)

莫尼亞・班・哈穆達(1991年生於米蘭,現居工作於開羅安及米蘭)

雅各波・貝納西(1970年生於拉斯佩齊亞,現居工作於拉斯佩齊亞)

赫拉・比于塔詹(1984年生於伊斯坦堡,現居工作於伊斯坦堡)

陳澄波(1895-1947,出生於嘉義)

陳植棋(1906-1931,出生於臺北廳,今新北市)

陳進(1907-1998,出生於新竹)

艾德加・卡萊爾(1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特,現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特)

陳柏豪(1982年生於高雄,現居工作於鹿特丹)

致穎(1985年生於臺北,現居工作於臺北及柏林)
加埃爾・肖瓦內(1985年生於瑟堡,現居工作於巴黎)
莊偉(1990年生於廣東,現居工作於柏林及香港)

邱子晏(1985年生於苗栗三義,現居工作於臺南)

傑基・康諾利(1990年生於紐約下哈德遜河谷,現居工作於紐約)

羅希尼・德瓦夏爾(1978年生於新德里,現居工作於新德里)

西蒙・迪布羅・莫勒(1976年生於奧胡斯,現居工作於哥本哈根)

莫娜・哈透姆(1952年生於貝魯特,現居工作於倫敦)

賀子珂(1990年生於貴陽,現居工作於北京及貴陽)

何彥諺(1993年生於臺北,現居工作於臺北)

安娜・葉爾莫萊娃(1970年生於列寧格勒,今聖彼得堡,現居工作於維也納及林茲)

伊娃・喬瑟邦(1975年生於巴黎,現居工作於巴黎)

金玟廷(1962年生於光州,現居工作於紐約及南法地區)

雅浸・金朝恩(1989年生於韓國,現居工作於紐約)

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯(1979年生於倫敦,現居工作於柏林及倫敦)

麗娜.拉蓓利代(1984年生於考納斯,現居工作於倫敦及維爾紐斯)

歐馬爾・米斯馬爾(1986年生於貝卡谷地,現居工作於貝魯特)

倪灝(1989年生於新竹,現居工作於新竹)

卡蜜兒・諾門(1970年生於馬里蘭銀泉,現居工作於奧斯陸)

亨里克・奧利維拉(1973年生於聖保羅歐里尼奧斯,現居工作於倫敦)

帕梅拉・法提莫・桑斯川(1980年生於莫楚迪,現居工作於海牙)

邦尼・羅傑斯(1990年生於休士頓,現居工作於紐約)

澤拓(1977年生於石川縣,現居工作於倫敦及金澤市)

西爾維・塞利格(1941年生於尼斯,現居工作於巴黎)

傑瑞米・蕭(1977年生於北溫哥華,現居工作於柏林)

・斯塔夫(1987年生於伯格諾里吉斯,現居工作於洛杉磯及倫敦)

卓永俊(1989年生於首爾,現居工作於柏林)

高田冬彦(1987年生於廣島縣,現居工作於千葉)

蕭崇(1987年生於海陽,現居工作於柏林)

基里亞科斯・托波利迪斯(1997年生於埃森,現居工作於柏林)

阿瓦羅・烏爾巴諾(1983年生於馬德里,現居工作於柏林及巴黎)

王湘靈(1984年生於臺北,現居工作於臺北)

王耀億(1987年生於臺南,現居工作於臺北)

納里・沃德(1963年生於聖安德魯,現居工作於紐約)

吳家昀(1988年生於臺灣,現居工作於紐約)

李受俓(1963年生於首爾,現居工作於首爾)

橫溝靜(1966年生於東京,現居工作於倫敦)

于吉(1985年生於上海,現居工作於紐約及當地)

張如怡(1985年生於上海,現居工作於上海)

托比亞斯・茲耶羅尼(1973年生於烏帕塔,現居工作於柏林)

Loewe再攜手西班牙最大攝影節!美國藝術家個展《Bunny》同時召喚純真與情欲,並呈最老和最新創作揭自我認同命題
Loewe再攜手西班牙最大攝影節!美國藝術家個展《Bunny》同時召喚純真與情欲,並呈最老和最新創作揭自我認同命題

甫結束工藝獎籌辦的Loewe基金會,轉身即與西班牙最大規模攝影藝術節PHotoESPAÑA再次展開合作,推出曾多度執掌品牌形象廣告的美國攝影師Talia Chetrit落地該國首場個展《Bunny》,透過同時召喚純真與情欲的新舊作品揭示自我認同命題。本篇一面帶看拍攝手法已然突出其影像作品強烈「日常而不日常」氛圍的展覽現場圖輯,一面簡介該藝術節著眼內容及Talia Chetrit創作脈絡。2026年盛夏至初秋,預計訪歐旅客不妨走近一探究竟。

第29屆西班牙國際攝影與視覺藝術節(PHotoESPAÑA 2026)即日起至9月13日如火如荼進行中,當地工藝老牌Loewe旗下Loewe基金會值此之際帶來美國攝影藝術家Talia Chetrit在西班牙的首個機構級個展《Bunny》。全展由曾任威尼斯雙年展義大利館協同策展人的國際知名策展人Stella Bottai擔綱策劃,現已於馬德里拉薩羅加爾迪亞諾博物館(Museo Lázaro Galdiano)正式揭幕,並置藝術家最早期的部分作品與近年全新力作,引領世界各地觀者縱覽其數十年來同中求異、異中見同的影像創作軌跡。

美國攝影藝術家Talia Chetrit西班牙首個展《Bunny》,即日起至2026年9月13日進駐馬德里拉薩羅加爾迪亞諾博物館。(圖片來源:Museo Lázaro Galdiano Website、Loewe Foundation Instagram @loewefoundation)
美國攝影藝術家Talia Chetrit西班牙首個展《Bunny》,即日起至2026年9月13日進駐馬德里拉薩羅加爾迪亞諾博物館。(圖片來源:Museo Lázaro Galdiano Website、Loewe Foundation Instagram @loewefoundation)

探訪藝術節PHotoESPAÑA

西班牙最大規模攝影藝術節PHotoESPAÑA 2026策展概念聚焦「重新想像」,以影像創作能實現的好奇心、想像力與解放感為精神旗幟,著力彰顯對權威和公認現實的質疑,尤側重時尚攝影與前衛創意的關係。此交會地帶全然闡明Talia Chetrit的藝術實踐,她為Loewe所拍攝意境鮮活的諸多系列形象廣告,和《Bunny》中展出的《Untitled (Model)》等創作,恰恰相互映照、彼此共鳴。

由Talia Chetrit掌鏡之Loewe 2026秋冬(左)和2026春夏(右)形象廣告,淋漓發揮她擅於捕捉局部人體線條的獨到攝影語言。(圖片來源:Loewe Instagram @loewe)
由Talia Chetrit掌鏡之Loewe 2026秋冬(左)和2026春夏(右)形象廣告,淋漓發揮她擅於捕捉局部人體線條的獨到攝影語言。(圖片來源:Loewe Instagram @loewe)
靜物與人像皆充分展現Talia Chetrit的創作力。(圖片來源:Loewe Instagram @loewe)
靜物與人像皆充分展現Talia Chetrit的創作力。(圖片來源:Loewe Instagram @loewe)

認識藝術家Talia Chetrit

美國攝影師Talia Chetrit於1982年出身華盛頓,現居紐約。創作主題跨越靜物與人體的廣闊疆域,憑原始、攝人心魄卻又引人思考的攝影語言著稱,《Bunny》亦正是這種流動性的最佳註腳。一如展名所召喚的形象,其創作懷有溫柔與幽默兼存的難以捉摸質感,且輪轉於純真、嬉戲與情欲層次間,整體在對己身與家人的影像呈現中埋藏戲劇張力、挑釁意味與自我袒露。

本次個展匯聚Talia Chetrit近30年的影像積累,照見她對攝影藝術的雙重探索:既將之視為工具,也將之視為主題本身;多藉或遠或近、或俯或仰等精心編排的取景方式調度,定格「(場景)日常而(視角)不日常」的衝擊感畫面。各件作品尺幅懸殊,比如2021年親密的小幅印相《Boob Chair (Lygia Pape)》和2026年震撼的巨幅放大影像《Ella/Plastic Bottle》,即自然形成極具張力的視覺對話。

尺幅懸殊的作品並列呈現(如圖右),自然形成極具張力的視覺對話。(圖片來源:Loewe Foundation Instagram @loewefoundation)
尺幅懸殊的作品並列呈現(如圖右),自然形成極具張力的視覺對話。(圖片來源:Loewe Foundation Instagram @loewefoundation)
(圖片來源:Loewe Foundation Instagram @loewefoundation)
(圖片來源:Loewe Foundation Instagram @loewefoundation)
(圖片提供:Loewe)
(圖片提供:Loewe)

1990年代至今,Talia Chetrit持續堅守模擬攝影,進而孕育出不同階段創作中的同一份內在凝聚力——介質的嚴格一致性,使藝術家得以自由穿行相異主題與時間端點;哪怕相隔遙遠,也能於每回全新創作中將它們折疊為連貫序列,再透過並置手法,重新編碼過去影像,促發作品之間一種視覺與語義層面的同時性。就《Bunny》而言,Talia Chetrit一併陳列青少年時期拍攝的照片,與今次首度亮相的全新作品。鎖鏈、乳房、瓶子、腰腹⋯⋯看似無關的母題反覆迴響、循環歸來,關於家庭、性別與自我認同的核心旨意,遂在嶄新的時間與空間維度中再度被審視。

2020年代作品《Milk on Back》和《Untitled (Family no.1 )》則可覺察展覽深入探討分娩與人格構建語境下,照料與相互依存關係的覆雜性。在Talia Chetrit的自我呈演中,母親並非固定的身分標籤,而是一種「擴展」的存在方式——母親、被攝者與藝術家在此共生。

「母親」在Talia Chetrit的自我呈演中,並非固定的身分標籤,而是一種存在方式。(圖片提供:Loewe)
「母親」在Talia Chetrit的自我呈演中,並非固定的身分標籤,而是一種存在方式。(圖片提供:Loewe)
(左圖提供:Loewe、右圖來源:Loewe Foundation Instagram @loewefoundation)
(左圖提供:Loewe、右圖來源:Loewe Foundation Instagram @loewefoundation)
(圖片提供:Loewe)
(圖片提供:Loewe)

延續2025年同在拉薩羅加爾迪亞諾博物館舉辦的Dora Maar回顧展,以及2024年超現實主義百年紀念展的深厚積澱,《Bunny》標誌著Loewe基金會與PHotoESPAÑA的合作步入第15年,今後更多藝術篇章的開展亦指日可待。

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巴黎出發、行經紐約,亞洲首站登陸上海

繼2024年在巴黎巴塞爾藝術展(Art Basel)期間首度亮相耶拿宮(Palais d'Iéna)、2025年在紐約Terminal Warehouse登場後,計畫第3站於2026年6月正式插旗亞洲,在上海展覽中心再度擴展。

巴黎站選址耶拿宮舉辦。(圖片提供:Miu Miu)
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上海站選址上海展覽中心舉辦。(圖片提供:Miu Miu)
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錄像X裝置X現場表演共構沉浸式體驗

內容納入最新Miu Miu Women's Tales系列31部女性導演執導的短篇影像作品,同時奠基7件同樣藉女性藝術家之手,為品牌2022至2025時裝秀打造的舞台藝術作品,重構深入女性經驗與記憶的沉浸式展演。

▶ 31部短片劇照(選錄)

(圖片提供:Miu Miu)
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▶ 7場大秀舞台(選錄)

藝術家Shuang Li及其為Miu Miu創作的2023春夏大秀舞台。(圖片提供:Miu Miu)
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藝術家Geumhyung Jeong及其為Miu Miu創作的2023秋冬大秀舞台。(圖片提供:Miu Miu)
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藝術家Sophia Al Maria及其為Miu Miu創作的2024春夏大秀舞台。(圖片提供:Miu Miu)
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計畫核心致敬女性敘事者身分,與所在城市歷史共振

為致敬女性所背負的知識、文化與故事講述者身分,並通過多重視角探討女性如何塑造、保存和傳遞屬於自己的聲音與觀點——《故事與敘事者》最早由Miu Miu品牌創辦人暨當家創意總監Miuccia Prada構思發起,兼邀來藝術家Goshka Macuga進行策展創作,再交予策展人Elvira Dyangani Ose以總召集人之姿攜手劇場導演Fabio Cherstich共同呈獻。

由敘事者生成之後,故事何以被擴大參與?

來自Women's Tales作品中的角色被表演者帶入現實空間,經其身體、動作與重複性的行為語言獲得生命。她們彷彿成為各自故事的守護者穿梭現場與影像,構築真實與虛構、記憶與當下之間的流動對話,使新的敘事關係因角色在此相遇、交錯、互動而誕生。

左為Women's Tales系列短片劇照,右為其中角色被表演者帶入《故事與敘事者》現實空間一景。(圖片提供:Miu Miu)
左為Women's Tales系列短片劇照,右為其中角色被表演者帶入《故事與敘事者》現實空間一景。(圖片提供:Miu Miu)

除關注個體女性故事,全計畫亦體現女性群體相互連結、彼此映照的力量;它既為一場藝術表演,亦是一次關於空間的創作,因應不同場館特質調整更新,讓作品與所在地歷史、文化產生共鳴。

(圖片提供:Miu Miu)
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(圖片提供:Miu Miu)
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▶ 向重要地標建築的獨特文化氛圍汲取策展元素

從歐洲、美洲到亞洲,《故事與敘事者》上海站進駐落成於1955年、最初名為「中蘇友好大廈」的上海展覽中心。融合俄羅斯新古典主義社會主義現實主義風格的建築,長期以來皆是上海最具代表性的文化與公共活動場域之一,其歷史背景甚呼應《故事與敘事者》對敘事、意識形態與文化傳播的探索。

《故事與敘事者》上海站進駐上海展覽中心中央大廳,其建築底蘊融合俄羅斯新古典主義與社會主義現實主義風格。(圖片提供:Miu Miu)
《故事與敘事者》上海站進駐上海展覽中心中央大廳,其建築底蘊融合俄羅斯新古典主義與社會主義現實主義風格。(圖片提供:Miu Miu)

展場設計則由荷蘭大都會建築事務所(OMA)及其獨立研究與設計工作室AMO操刀,使展覽空間不再只是作品的容器,更真正成為敘事的一部分

(圖片提供:Miu Miu)
(圖片提供:Miu Miu)
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同場加映:召集跨域創作者,策展團隊成員一次認識

藝術家Goshka Macuga

創作橫跨多元研究領域,長期關注歷史及其背後的社會與政治脈絡,多藉非線性且富聯想性的閱讀方式重新審視既有敘事;同時擅長透過重組與轉譯現成物件、收藏品、檔案文獻,提出對權力結構的全新觀點。

曾參與德國卡塞爾文獻展、柏林雙年展、威尼斯雙年展、聖保羅雙年展等國際重要展覽。近年代表作包括2023年為都靈Sandretto Re Rebaudengo基金會打造的雕塑《GONOGO》、2019年受紐約現代藝術博物館委託創作的大型計畫《Exhibition M》,以及2016年於米蘭Prada基金會發表的開創性作品《To the Son of Man Who Ate the Scroll》。作品被倫敦泰特現代美術館(Tate Modern)、紐約現代藝術博物館(MoMA)、芝加哥當代藝術博物館(MCA Chicago)、沃克藝術中心(Walker Art Center)、華沙現代藝術博物館(Museum of Modern Art Warsaw)等全球多家藝術機構永久收藏。

藝術家Goshka Macuga。(圖片提供:Miu Miu)
藝術家Goshka Macuga。(圖片提供:Miu Miu)

策展人Elvira Dyangani Ose

現任阿布達比公共藝術雙年展(Public Art Abu Dhabi Biennial)策展人暨藝術總監,並於2021至2026年擔任巴塞隆納當代藝術博物館(MACBA)館長。策展主題聚焦藝術家如何在傳統框架外,創造新的文化平台與公共空間,從而探討其所衍生的文化意涵。

曾為泰特現代美術館顧問委員會成員和Prada基金會Thought Council成員,亦擔任過倫敦泰特現代美術館國際藝術策展人、哥德堡國際當代藝術雙年展(Göteborg International Biennial of Contemporary Art, GIBCA)策展人等。擁有巴塞隆納自治大學藝術史學士學位、巴塞隆納加泰隆尼亞理工大學建築理論與歷史高等研究文憑,現於美國康乃爾大學博士班攻讀藝術史與視覺研究。

策展人Elvira Dyangani Ose。(圖片提供:Miu Miu)
策展人Elvira Dyangani Ose。(圖片提供:Miu Miu)

劇場導演Fabio Cherstich

從事歌劇、劇場及舞台設計,以細膩的視覺美學著稱,且擅於融合當代媒體與創新影像語言,勾勒鮮明個人風格。

創作足跡遍及羅馬歌劇院等知名劇院,作品曾受邀參與威尼斯劇場雙年展、亞維儂藝術節等國際藝術節。由其創辦並擔任藝術總監、旨在將歌劇帶入公共空間的移動式表演計畫《Operacamion》,獲《紐約時報》形容為「一項讓歌劇回歸其本源的創舉」。在時尚與設計領域亦不遑多讓,過去Miu Miu的多項表演藝術項目皆為他與藝術家Goshka Macuga所聯手主導。創作之餘更為多本國際刊物撰稿,並於戲劇藝術學校教授劇場導演美學課程。

(圖片提供:Miu Miu)
(圖片提供:Miu Miu)

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