與2025米蘭設計週同步登場的「24 Hours」計畫中，時間變成了一種可被觸碰、想像，甚至玩味的物件——由24組風格迥異的國際設計師所詮釋的24款掛鐘，打破對於「報時」的既定印象，也重新定義了設計的形式與功能。

24組設計師、24款創意時鐘

「24 Hours」由設計工作室Jamie Wolfond Studio策劃與執行，共邀請24組國際設計師參與。這些設計師在創意的光譜上各據一方，有人以研究為本、有人注重形式、有人偏好手作⋯⋯而他們收到的任務很簡明扼要：「製作一款可壁掛的時鐘，其尺寸必須能裝入一個邊長50公分的立方盒子中。」

這24個掛鐘的設計跨越不同時代與風格，把「時間」轉換成流動而靈活的元素，並邀請觀眾重新思考設計與實用性之間的關係。2025米蘭設計週期間，「24 Hours」將於藝文空間RIVIERA展出，由創意工作室Simple Flair策展，讓觀眾一覽這24個獨一無二的時鐘。以下精選了其中8款獨具特色與設計巧思的時鐘，一起來看看吧！

▸ Wrist to Wall

設計師：Chris Kabel

現在很少有人依靠手錶來看時間了。為了善用這些被淘汰的手錶，設計師發明了一個配置掛勾的放大鏡，讓使用者把舊手錶掛在牆上，透過放大鏡觀看錶面。讀取時間這件事從手腕移到了牆面，如同從私人轉變為公共的存在。

▸ Final Sale

設計師：Jamie Wolfond

這款時鐘由收據機（微型印表機）改裝而成，它每分鐘列印一次當前的日期與時間，並任其拋落在地上。而一旁閃爍的燈光，則顯示秒數的流逝。「Final Sale」每天列印1,440張收據、一週列印10,080張，每張收據皆獨一無二，快速堆積在時鐘下方。

▸ 24-hour Clock (Manual)

設計師：Sam Newman

這是一本共1,440頁的筆記本，每頁都有60個格子，對應一整天24小時內的每一秒。使用者需要像時鐘一樣，每秒在格子上打勾記錄時間。而為了保持時間精準，打勾的行為行為將全然佔據思緒、甚至帶有強迫性，最終浪費掉大量時間。

▸ Real Time

設計師：Sina Sohrab

這款時鐘由四個螢幕組成，輪播著全球約200個監視器的即時影像，包含從紐約的電梯到米蘭的教堂祭壇，從突尼西亞的服飾店到日本大阪的工廠，從印度阿布山的冥想室到峇里島的理髮店等。每個監視器畫面上的時間戳記成為「即時性」的證明；而觀看世界各地缺乏敘事性的畫面，就像是用某種抽象的方式追蹤時間的流逝。

▸ Time by Crayon

設計師：Shigeki Fujishiro

這款時鐘概念源自於設計師曾看過的一種玩具，裡面有球狀的蠟筆在盒中滾動，在底部畫出一幅圖像；隨著圖案逐漸加深，球體也越變越小。「Time by Crayon」將球狀蠟筆置於圓形框中，沿著邊緣不停地滾動，畫出越來越深的線條，象徵時間的流逝。

▸ Pendulum

設計師：Shane Schneck

尼采曾說過「時間本身就是一個圓」。他假設時間不是線性的，而是循環的，而人類所經歷的每個快樂、痛苦與喜悅，將不斷重演。這款時鐘使用舊平板電腦進行遠端編碼，呈現出觀眾所看到的畫面：最大的一圈顯示24小時制時間，而鐘擺每秒擺動一次，如同數位時代的布穀鳥鐘一般。這款時鐘不僅回應了尼采的理論，也向觀眾展現了電子垃圾的循環利用。

▸ Ravioli with butter and sage clock

設計師：Chris Fusaro

靈感源自於北義大利經典料理「奶油鼠尾草義大利餃」（ravioli con burro e salvia），這件作品以陶瓷盤為底，邊緣的紋飾作為12、3、6、9點標示，指針由兩片鼠尾草葉組成，而義大利餃則靜置於盤中，閃著奶油包裹的金黃色澤。此外，這些義大利餃皆由傳統的脫蠟鑄造（cera persa）技術製成，將工藝與飲食文化相結合。

▸ Belle

設計師：Studio Œ

「Belle」的靈感來自古老時代的報時方式。在多數人家中沒有時鐘的年代，人們依賴教堂鐘聲等聲音掌握日常生活節奏，用以區分工作時間、用餐與社交聚會等。在鬧鐘普及之前，還有一種職業叫做「敲窗人」（Knocker-uppers），他們會用吹管朝住戶的窗戶射出豌豆，叫醒早班工人。而這款「Belle」便是透過聲音引導使用者，每過15分鐘，它會模仿豌豆撞擊表面的聲音來報時。

激烈滾動的雲層、大街上跳著舞的藍裙姑娘、煙霧升起的荒蕪之境、男人靜靜佇立「森林湖泊」⋯⋯這些畫風和敘事各不相同，或幽靜、或湧動的影像，實則圍繞著同一主題——「風暴」。

2025百達攝影獎（Prix Pictet）決選作品展《風暴》巡迴來台，於台北藝術大學關渡美術館展出：12位參展攝影師以自然、政治、社會、環境為背景，帶來12種紀錄風暴的畫面敘事，共同轉動觀者透過天災、政治動亂、戰爭等事件，關注世界、思辨社會的齒輪。

從「永續」出發的攝影大獎

以「永續」為核心命題，瑞士百達集團（Pictet Group）於2008年創立「百達攝影獎（Prix Pictet）」，每屆皆選定一項與「永續」息息相關的主題，透過影像觸發人們對當代環境、社會問題的關注和思辨。回溯往年主題，2008年首屆以「水（Water）」為題旨，後續則關注「地球（Earth）」、「火（Fire）」、「人類（Human）」等面向，最近的2025年第11屆則聚焦「風暴（Storm）」。

有別於多數攝影獎採徵件報名制，百達攝影獎採「提名制」，由全球超過350位策展人、視覺藝術專家、評論家組成提名網絡，經提名、決選出12位入圍攝影師等階段，最終選出1名該年度大獎得主，授予10萬瑞士法朗獎金鼓勵並支持其創作。

風暴的多面性：醞釀、爆發、毀滅、再生

2025第11屆百達攝影獎以「風暴」為題，其指涉的不僅是氣象觀測中的自然現象，更延伸至一股席捲當代世界、無形卻持續重塑社會的巨大動能——從環境變遷、政局不安、經濟失衡，甚至數位時代下的集體社會焦慮，人類正處於日益動盪的時代，彷彿任何時候都將迎來下一場危機。

參展攝影師或捕捉了社會動盪之張力和影響、或紀錄了氣候災變下的流離失所，作品涵蓋社會、環境、政治等多重面向，可值得省思的是：「狼藉」之中映現的不只是毀滅和破壞，更蘊藏混亂之後轉變、重生、希望再起的可能。

百達攝影展《風暴》巡迴來台，12組作品亮點一次看

▌環境變遷下的風暴

本屆首獎得主阿爾弗雷多．賈爾（Alfredo Jaar），藉《終結》一作揭示美國猶他州大鹽湖的環境危機，這座「美國的死海」因過度開發而乾涸，被科學界警示為一觸即發的「環境核彈」。

湯姆・費希特（Tom Fecht）作品《螢光素⸺犬狼之間》聚焦於因全球暖化而瀕危的夜光生物，捕捉這些浮游生物在洶湧波浪中碰撞氧氣時，所散發出的奇幻螢光，夢幻畫面暗藏殘酷現實。

▌歷史中的風暴

瑪麗娜・卡內韋（Marina Caneve）回溯1966年重創義大利多羅米提山區的洪災，試圖勾勒出「未來災難」的輪廓，其作《是岩石還是雲？》像是一場「災前演習」。

新井卓（Takashi Arai）巡訪核歷史遺址創作《在百個太陽中燃燒》，他在日本、美國、馬紹爾群島拍攝數百張6x6釐米的銀版攝影，凝鍊出核能風暴的「微型紀念碑」。

▌政治社會風暴

貝拉勒・哈立德（Belal Khaled）的創作《手在訴說》始於他在加薩避難醫院外的帳篷生活，他拍攝了一雙雙刻滿傷痕、緊握生命的雙手，透過這些沈默的肢體語彙，講述那些言語無法極盡闡述的生存意志。

萊蒂西亞・范松（Laetitia Vançon）之作《致敖德薩》理念如其名，深深向烏克蘭城市敖德薩（Odesa）致敬。這座港口城市在俄烏戰爭期間，肩負重要的航運和戰略任務，展現了強大的韌性和反抗精神。

巴拉兹・加爾迪（Balazs Gardi）作品《風暴》紀錄了2021年美國國會大廈襲擊事件，當時美國國會正宣布2020美國總統大選結果，卻遭落選方支持者突破警方防線、闖進國會大廈。加爾迪直擊這場動亂，用鏡頭記錄了政治動盪中的風暴核心。

▌自然風暴

羅伯托・瓦爾卡亞（Roberto Huarcaya）與風暴「合作」，利用長達30公尺的感光紙，於亞馬遜河床藉4道閃電的瞬間曝光，捕捉大自然中棕櫚靜臥的壯麗魅影。

漢娜・莫迪（Hannah Modigh）的《颶風季》聚焦於美國路易斯安那州南部的日常，捕捉了那股風暴懸而未發的緊張感，以及潛藏在平靜表象下的不安、恐懼與集體憤怒。

卡米爾・西曼（Camille Seaman）記錄了震撼人心的「超大胞（Supercell）」雷暴，這類風暴能產生葡萄柚大小的冰雹與壯觀龍捲風，厚重雲層足以遮蔽天日，留下令人窒息的詭譎靜寂。

▌風暴後的溫情和希望

帕特里齊亞・澤拉諾（Patrizia Zelano）記錄她在2019年威尼斯大洪水期間，從水災中搶救出的百科全書、科學文獻與經典文學，試圖在洪水中保存人類文明的溫度。

博杜安・穆安達（Baudouin Mouanda）的作品則回溯2020年COVID-19疫情期間，剛果布拉柴維爾（Brazzaville）遭遇的洪災浩劫，並與災難倖存者展開共創計畫。

歷經倫敦V&A博物館、杜拜Ishara藝術基金會、東京東京都寫真美術館、蘇黎世Luma Westbau等地巡迴，百達攝影獎「風暴」主題決選作品正式抵達台北關渡美術館，即日起至6月14日，不妨到現場感受影像作品中風暴之震撼，及這些隨自然週期、人類行為、社會動盪而生的變動，是如何影響世界各地人們的日常生活。

大稻埕集結服裝、植栽、生活選品的複合式空間「裏 Ura.219」，正式啟動藝術計畫「URA.Gallery」，邀人們步入古香瀰漫、日式庭園為襯的寧謐空間，潛心探索工藝和藝術作品蘊藏的生活哲思。首發展覽邀東京品牌「TOUFU TOKYO」演繹，透過其代表作「再生盆栽」一系列由凋零盆栽轉化而成的工藝品，邀訪客在台北的古老街區，感受生命的雋永姿態。

裏 Ura.219：台北老城區裡的日式藝術庭園

「裏 Ura.219」隱身於大稻埕，由台灣服裝品牌「Professor E.」與陽明山古物植栽專門店「裏山」攜手打造，將服裝、植栽與生活家居融於一地，是許多潮流和生活玩家私藏的寶藏店鋪。呼應大稻埕古色，裏 Ura.219園區大量保留歷史建築原貌，藉天井引日光入內，精巧的榻榻米茶室散落古董家具，寧靜氛圍與窗外裏山策劃的日式庭園相映，自成一方幽謐天地，有著台北城難得的靜。

藝廊首展TOUFU TOKYO「再生盆栽」

近日裏 Ura.219再將觸角至藝術領域，啟動「URA.Gallery」藝廊計畫，首檔展覽邀請東京植栽工藝品牌「TOUFU TOKYO」擔綱主角，展出其代表作《RE BONSAI™》。此系列以「再生盆栽」為概念，將凋零盆栽轉化為「永生」的工藝擺件。

TOUFU TOKYO為已枯萎的植物移除土壤、修整枝條，並透過特殊的乾燥與保存技術，重構其比例與造型，讓原先需悉心照料的有機植物，蛻變為一種不需澆水、維護，也不受時間和生命限制的雋永物件。藉此，「再生盆栽」裝載的不是植物本身的生命狀態，而是盆景所象徵的文化精神；當人們看向這些盆栽，心中所想也從「養護」轉向「觀看」。

用工藝讓「消逝與再生」更具象可見

在TOUFU TOKYO創辦人鈴木良夫的觀點中，盆栽不只是園藝形式，而是一種關於時間、比例與空間關係的東方思考方式。對他而言，《RE BONSAI™》既不屬於傳統盆景，也不完全是一般的設計和工藝物件，而是一種對「消逝和再生」的表達和實踐。透過「再生盆栽」，他將盆景拆解、重構並轉譯，讓既有的文化符號，在當代生活中被重新理解和使用。

TOUFU TOKYO《RE BONSAI™》

展期｜2026.03.15－04.19

地點｜裏URA.219（台北市大同區迪化街一段219號）

開放時間｜11:00 – 19:00，每週一、二公休