拍賣場上總有些特殊的時刻，讓人靜靜地驚嘆一件作品如何捕捉了那個年代的精神。而2025年9月，富藝斯（Phillips）的香港秋季拍賣正值進駐亞洲十週年，9月13～14日，近50件臻選作品將率先在台北BELLAVITA寶麗廣塲B1「藝文空間」與觀眾見面，奈良美智2000年的傑作〈粉紅〉便是這場現代及當代藝術拍賣的焦點之作。

日本當代藝術大師看這裡

❶ 奈良美智〈粉紅〉

2000年對奈良美智而言是個分水嶺。那年他創作了33幅畫作，其中僅有11幅採用了這種「半身肖像」構圖。其中，〈粉紅〉是藝術家生涯中僅有的4幅同名作品之首，且是首次現身拍場。畫中那位藍衣少女穿著淡色連衣裙，與觀者四目相對。這種從90年代延續而來的經典意象，既透露純真又縈繞著靜謐憂傷，如同一段漸次淡去的記憶。標誌性的淺藍色調在此顯得格外柔和，初看簡約的畫面，實則通過層次豐富的壓克力顏料技法，將複雜情感烙印在每一筆觸之中。這樣的手工痕跡，正是奈良作品獨有的溫度。

❷ 村上隆〈我凝視著你的眼〉

這是一件來自首爾貝浩登畫廊〈療癒〉展覽的重要作品。作為千禧年之際「超扁平運動」的領軍人物，村上隆始終致力於融合高雅藝術與大眾文化。這件作品通過色彩鮮豔的同心圓構圖，將觀者引入一個看似膚淺卻需要深度思考的「表裡不一」狀態。那些汲取自動畫、漫畫及日本傳統藝術的元素，以活潑的視覺語彙暗示著對消費主義、歷史記憶與文化身份的深刻批判。這種充滿趣味又尖銳的美學風格，正是村上隆創作的精髓所在。

波普藝術大師的感官探索

❸ 安迪・沃荷〈粉紅之心〉

安迪・沃荷（Andy Warhol）的首現拍場之作〈粉紅之心〉（1982年作），展現了這位波普藝術教父後期創作的另一面向。早在1979年初，沃荷就創作了一系列小尺幅心形畫作，靈感來自情人節心形符號，原計劃作為禮物贈予Studio 54的朋友們。到了1980年代初，他系統性地重拾該主題，以典型波普手法對情感符號進行解構與重塑。通過細膩的層次與色彩微差，他將情感封裝於熟悉的符號之中，讓藝術成為一份無言而永恆的饋贈。

傑出女性藝術家的突破

❹ 魯斯・阿薩瓦〈無題 S.013（懸吊單瓣，五層連續嵌套形體）〉

日裔美國藝術家魯斯・阿薩瓦（Ruth Asawa）以金屬絲編織模糊了雕塑與工藝、高雅與通俗的界限。她曾因日裔身份於二戰期間被困於拘留營，卻將鐵絲網帶來的創傷與苦難轉化為創作語言，使束縛的金屬絲成為連接生命與自由的媒介。他的雕塑將長期被忽視的「觸覺」帶回被視覺中心主義主導的現代藝術史。在本季拍賣呈現的〈無題 S.013（懸吊單瓣，五層連續嵌套形體）〉（1987年作）中，線條的糾纏與開放所形成的虛空與實體同樣重要。她用雙手穿梭、彎折、撚合金屬絲，每一個環扣都記錄著身體的節奏，創造出一種既透明又飽滿、既輕盈又穩固的形態。

❺  洛伊・霍洛韋爾，〈懸掛（向下）〉

洛伊・霍洛韋爾（Loie Hollowell）的〈懸掛（向下）〉（2016年作）則是她藝術生涯中的關鍵作品。通過鮮明的色彩與對稱的形式，該作喚起人們對女性氣質、性意識及政治張力的思考，尤其針對2016年美國總統大選時媒體對待希拉蕊·柯林頓（Hillary Clinton）的方式。這幅畫作首次亮相於其售罄的個展《母語（Mother Tongue）》，同時汲取了艾格尼絲·佩爾頓（Agnes Pelton）和喬治亞·歐姬芙（Georgia O'Keeffe）等先驅女性藝術家的創作遺產。

亞洲現代藝術的東西對話

❻ 朱德群，〈蒙紗的透明〉

❼ 趙無極，〈無題〉

本季富藝斯將呈現6件已被克勞德・博特默（Claude Bottemer）家族珍藏逾75年的趙無極作品。博特默原為法媒阿爾薩斯共和報記者，二戰期間以筆名克勞德從事地下抵抗運動。據家傳軼聞，其弟曾以法語課與趙無極交換乒乓課。這段珍貴的跨文化友誼，見證了藝術家旅法初期的創作歷程。其中最大亮點是創作於1948年的〈無題〉，標誌著趙無極開始脫離具象與傳統透視框架的轉捩點。趙無極並未描繪具體場景，而是構建出一個層次豐富的翠色光域，其間嬌嫩的粉彩花朵燦然盛放。這種充滿氛圍感的構圖輻射出蓬勃生機與萬象更新的氣息，精準捕捉了藝術家在巴黎早期創作階段所特有的蛻變精神。

❽ 梅忠恕，〈園中漫步〉

越南現代藝術先驅梅忠恕的〈園中漫步〉（1971年作）同樣值得關注。作為1930年代越南新興進步藝術家群體的關鍵人物，梅忠恕以其獨特的視覺語彙將民間意象與西方抽象融合，展現出越南現代藝術身份的演進。畫面中女子與兩童在翠綠色的奇幻背景中行走，構圖平衡，渲染出輕柔懷舊的氛圍，彷彿遙望藝術家夢中烏托邦般的越南映像。

預展資訊

《台北預展》
9月13日及14日，11:00-18:00
地點：BELLAVITA寶麗廣塲B1《藝文空間》（台北市信義區松仁路28號）

 

《香港拍賣》
晚間拍賣：9月27日晚上7時
日間拍賣：9月28日下午2時
地點：富藝斯亞洲區總部（香港九龍西九文化區柯士甸道西8號西九文化區管理局大樓G層）

公園是大眾熟悉的日常場域，當園區樣式漸成某種模板，我們還能如何重新想像這與城市生活密不可分的「日常樂園」？公園還能怎麼綻放出如樂園般令人感到驚奇、心生嚮往的魅力？

臺北市立美術館（北美館）兒藝中心推出《造公園》特展，以「公園的奇想」為出發點，邀集9組藝術家在館內造了一座「公園」——透過錄像、聲音裝置、立體、複合媒材等多元形式的創作，邀請大小朋友打開想像和體驗「公園」的多重路徑，透過藝術重新凝視這日常生活中熟悉的場域！

親臨展場，除了會看見路燈、涼亭、遊樂器材等熟悉元素的新樣貌，還會挖掘那些過去可能不曾知曉的台灣公園趣事——游泳池常見於20世紀初的台灣公園？台北市區竟有座存有史前遺址的公園？更多有趣的新知和舊事，待你到現場解鎖。

北美館兒藝中心《造公園》陣容

策展人｜王瑋婷

參展藝術家｜石孟鑫、李鈺淇、吳燦政、明白實驗所（李明潔、李欣穎）、倪祥、陳姿尹、陳萬仁、楊雨樵與蕭聖健

從台灣第一座近代公園「圓山園區」出發

北美館地理位置鄰近花博公園，隔著中山北路的圓山園區過去即是台灣第一座近代公園——圓山公園，於1897年對外開放。園區內不僅保存著台灣重要的史前遺址——圓山文化層遺址，亦曾於1915年與1938年先後設立動物園與遊樂園。1977年，台北廣播電台遷入，此地長期作為台北重要的休憩、教育與娛樂場域，在不同歷史階段承載著城市記憶與公共角色。

《造公園》以圓山公園的歷史脈絡為前期研究基礎，透過3個子題：「形狀與感知」、「自然與建構」及「公共性與再想像」，以展覽內容包裹公園所蘊含的多重面向，引導觀眾重新思考人與自然、人與人之間的關係，並在參與及觀看之中，開啟一場與歷史之間的對話。

探索路燈、涼亭、翹翹板的有趣新貌

藝術家將公園中的路燈、遊具、涼亭、球場等元素，凝聚為「形狀與感知」，重新放大那些細微而常被忽略的片刻。石孟鑫的《 （ ） 》與《門燈柱》，將公園常見的黃色圓球柱燈擬人化，讓原本直立的柱體展現出不同姿態，賦予日常物件新的生命與空間意義。作品位於展場入口，散發溫暖的黃光，引導觀眾進入展覽空間，如同踏進公園。

陳姿尹的作品《Light up and down》以翹翹板為意象，隨著光線明暗的變化而產生傾斜，藉此向觀眾提出「光是否具有重量」的提問，喚起人們對城市生活中晝夜節奏，以及光對於身體與情緒所產生牽引的感知。

來自香港的李鈺淇將香港城市的記憶轉化為錄像裝置《遊、樂、園》，透過手繪動畫帶領觀眾穿梭於結合想像的遊樂場、行人隧道與城市角落。

從公園裡的人造自然，尋訪台灣公園往事

公園的設計規劃經常涉及人造自然，「自然與建構」子題探討其中人與自然的關係。陳萬仁的錄像作品《深邃而璀璨的憂鬱》以空拍機視角俯瞰水面，在策展脈絡上呼應1920至1930年代台灣公園相繼設置游泳池的歷史背景。作品在此成為泳者身體與時間交會的場域，重複性的動作亦為觀眾帶來平靜或不安的矛盾感受。

蕭聖健之作《月夜》以機械結構模擬自然聲響，回應科技文明與城市進程對感知經驗的改寫，使觀眾重新意識到自然如何被「重新製造」。

聲音影像裝置《公園》延續吳燦政對城市聲景的長期觀察，透過拍攝公園中不同的樹種，並結合多年累積的聲音地圖，作品中收錄風吹樹葉、蟲鳴、鳥叫與人群交談的聲音，既屬於城市，也承載個體記憶，揭示公園「存於公私領域之界」的空間特質。

在公園裡考古城市歷史

互動區及工作坊的內容，回應了圓山公園的歷史脈絡與史前文化遺址，探討了城市在文化保存與現代化之間的調適與變遷。明白實驗所的《13號兒童樂園》系列作品，以旋轉木馬意象與公園流傳的故事為起點，將舊兒童樂園與其前身「圓山動物園」的文本史料轉譯為影像裝置、身體展演與聲響物件，喚起觀眾心中跨越時間的共同記憶。

言說藝術表演者楊雨樵的《塚》以考古遺跡為靈感，觀眾可將粉筆塊投擲到特製的斜坡屋頂，粉筆在滾動與掉落的過程中發出各種聲響，藝術家將於展期間的演出活動中，如同考古學家般「挖掘」堆積的粉筆，透過遊戲、聲音與歷史的結合，引導觀眾重新感受城市與歷史，以及物質與聲響之間的微妙關聯。

倪祥的《很久以前之後》則以圓山公園的歷史為靈感，邀請觀眾參與互動，將公園常見的元素，如雕像檯座、紀念碑、樹幹轉化為意象不到的體驗方式，讓觀眾重新體驗日常空間中潛藏的奇幻與開放性。

一起想像北美館的未來樣貌！

本展特別設置「靈感草稿：公園設計」與「地底下的美術館，上面的公園」2個創作區域，邀請觀眾發揮想像力，描繪心中理想的公園樣貌。以此回應北美館正以「花博公園美術園區」為基地擴建新館的當下情境——新館的主建築位於地下層，地面則規劃為開放的公園綠地，未來將成為台北都會北區的文化綠色廊帶。透過觀眾參與，展覽得以從展場延伸至對美術館、圓山園區以及城市未來的思考與想像。

《造公園》Imagining a Park

展期｜2026.03.28－08.30

地點｜臺北市立美術館 兒童藝術教育中心

更多展期間活動與工作坊資訊請見此

3/30更新：去年倫敦 V&A 博物館推出《瑪麗・安東妮風格》（Marie Antoinette Style）展覽，向這位傳奇時尚偶像致敬。如今，該世界巡迴展在日本的唯一一站，也將於今（2026）年8月1日至11月23日於坐落神奈川縣的橫濱美術館登場。

在長達20年的統治期間，儘管最終命運被斷送，但法國皇后瑪麗·安東妮（Marie-Antoinette）其獨特鮮明的個人風格，徹底革新了18世紀的時尚與設計界。華麗粉彩色禮服、高聳假髮，到璀璨珠寶和鍍金家具，奢華優雅風格為皇室氣派賦予全新定義。倫敦 V&A 博物館（Victoria and Albert Museum, V&A）於2025年9月20日至2026年3月22日，推出《瑪麗·安東妮風格》（Marie Antoinette Style）展覽，向這位傳奇時尚偶像致敬。

250件展品看見18世紀宮廷時尚與延伸

瑪麗·安東妮的一生雖短暫，然而其時尚精神卻渲染了好幾個世紀，時至今日依舊是人們津津樂道的話題與靈感，像是已逝設計師亞歷山大．麥昆（Alexander McQueen）的服裝設計，到電影導演蘇菲亞．柯波拉（Sofia Coppola）執導的《凡爾賽拜金女》，無數藝術家都為她所著迷。

《瑪麗·安東妮風格》展覽是英國首度以這位法國皇后為主題的大型展覽，將追溯其風格起源，並探討她如何成為時尚偶像，以及在 18 世紀末所塑造的美學如何影響後世超過 250 年的設計、時尚、影視與裝飾藝術。

展覽預計展出超過 250 件珍貴文物，包含瑪麗・安東妮親自擁有及穿戴的稀有物品，如絲質拖鞋、私人珠寶收藏，以及她生前最後寫下的手札，其中有些更是首次離開凡爾賽宮及法國的珍稀展品。

四大主題，從皇后到時尚傳奇的美學探索

《瑪麗·安東妮風格》依照年份分為四大主題，第一主題「瑪麗．安東妮的風格起源」（Marie Antoinette: The Origins of a Style）將呈現瑪麗・安東妮的生平，展出傢俱、珠寶、服飾、樂器，並揭示她作為王后在啟蒙思想、母職與新科技上的影響。同時也探討「沒麵包吃，那就給他們吃蛋糕」等流傳至今的迷思；展品包括Boehmer and Bassenge鑽石項鍊複製品、皇后專屬字母刺繡扶手椅，以及她在行刑前於祈禱書空白頁上留下的最後字條。

第二部分「瑪麗．安東妮的永恆紀念：一個風格崇拜的誕生」（Marie Antoinette Memorialised: The Birth of a Style Cult）則聚焦其在19世紀掀起的時尚熱潮。19 世紀中葉，在拿破崙三世皇后歐仁妮推動下，掀起大眾對瑪麗・安東妮的浪漫化再詮釋，這一時期，人們將她視為優雅、自由與悲劇的象徵，她的生活被小說、繪畫與戲劇重新演繹，逐漸轉化為藝術與文化的靈感來源。將展出Worth設計的華麗晚禮服，以及攝影師Atget的巴黎影像，展示其形象如何被浪漫化，並衍生出「法式復興風格」在歐美流行。

第三部分「瑪麗·安東妮的魅惑與幻象」（Marie Antoinette: Enchantment and Illusion），聚焦19世紀後期其形象進入奇幻與神話化階段，象徵逃避現實與美感。展出新藝術與裝飾藝術時期的晚禮服，以及 Erté、George Barbier、Edmund Dulac的插畫。

第四部分：「再造的瑪麗・安東妮風格」（Marie Antoinette Re-Styled） 則描述她如何影響當代時尚與流行文化，包括 Moschino、Dior、Chanel、Vivienne Westwood、Valentino 的高級訂製服作品；以及獲得奧斯卡獎肯定，由導演蘇菲亞・柯波拉執導的《凡爾賽拜金女》，電影裡由 Manolo Blahnik 親自操刀設計的戲服與鞋履。

此外，還包括攝影師Tim Walker 與 Robert Polidori 的奇幻攝影作品，以及 Beth Katleman、Victor Glemaud 等當代藝術家的再詮釋，體現瑪麗・安東妮如何持續啟發跨領域創作。

對於本次時尚大展，策展人Sarah Grant表示：「瑪麗．安東妮是歷史上最時尚、備受關注且充滿爭議的皇后，她的名字同時代表著極度奢靡，也象徵著無與倫比的美麗物件與室內設計。本次展覽將探索她的個人風格與核心人物，藉由一系列專屬她的精緻物品，以及受其遺產啟發而創作的華美藝術品與裝飾品。」

重現香水氣味，展開跨時空沉浸式體驗

展覽不僅是靜態展示，也將透過沉浸式舞台設計、多感官體驗再現宮廷氛圍。觀眾可在展廳中聞到根據皇后最愛香氣重現的香水，或近距離觀察她生活日常的小物，從而貼近她的個人世界。當然，紀念品也是不容錯過的部分，目前已可在V&A官網購買查看。