三金設計師方序中與 MoriMori LED W Speaker 的簡單不單調生活

歷經喧囂，內心往往更嚮往回歸詩意與安定，從設計師方序中的家中，即可以探見沉澱過後的寫意生活想像，他用聲音和光影為家做更深層次地的設計排列，找尋美與功能並存的平衡，在理想的狀態下，忘我也忘記時間，便是在空間最美之事。

談起唱片設計，方序中可說是近年來備受矚目的創意人，不僅曾操刀張惠妹、五月天的唱片與演唱會視覺設計，更是台灣史上第一位橫跨金鐘、金曲與金馬的「三金」設計師，方序中的設計為什麼迷人？或許跟他的生活品味有所關聯。

踏入方序中的家，低線家具擺設和溫暖的色調，是家的模樣，他解釋，生活在城市裡，本來就很難得看到天空，所以在家裡更要留白、留空間，成為能放鬆的療癒之所。在他的眼裡，「家就像是專屬自己的世界、也是城堡，人在裡面，所有的東西都跟你很親近，成為一種陪伴。」因此，只要是放在家裡的品項，都是他自己很喜歡的物件，他更把生活變成一種視覺排版，用新舊混搭，創造彼此的一種和諧關係，「好比說，老件能給你溫度，新設計卻能予以便利。」所以在家的空間，方序中有七〇年代德國 Grundig 的經典球型喇叭，也有來自日本職人氣氛燈音響設計品牌 MoriMori 的 LED W Speaker。

藉由聲音賦予空間不同情緒

MoriMori 在日文中為「森林」之意，創辦人著迷於古件收藏，且長期接觸黑膠與老式音響，因為對傳統煤油燈情有獨鍾，才設計了集復古與現代於一身的藍芽音響喇叭。其實方序中也是老式音響的愛好者，因為近幾年開始收藏老收音機，讓他深刻體悟到，聲音的質地跟表現會藉由不同的載體，傳遞不一樣的感受。他以自己的觀點解讀聲音，「是一種會鑽進身體的感受，是從耳朵流入身體，產生頻率共鳴過後，形成不同的氛圍跟畫面，有時候更藉由某一首歌、某一段音樂，快速帶領進入一個情境，或是穿梭很多時空。」

一直以來，方序中的許多作品都是與聲音有關，唱片設計既是，策展亦如是，他認為聲音是無形卻又無所不在，從感官接收到時，才具體成為一種明確的感受。因此，在實際體驗過 LED W Speaker 過後，特別喜歡 LED W Speaker 的聲感，憑藉其 360 度全方位環繞技術的立體揚聲，能打造沉浸式聆聽體驗，尤其樂音從 LED W Speaker 從上方振膜流洩而出，他形容，聲音設計有把音場做出層次，就好像歌手站在喇叭的後方，立體且輕聲地傳頌著迷人的嗓音。

用光影為家套上溫暖療癒濾鏡

作為視覺設計師，亦特別重視美感和機能的呈現。獲得 Golden Pin Design Award 金點設計獎的 LED W Speaker，設計線條簡約且溫暖，使用介面更是貼近人性，在他的眼中，設計「可以簡單，但不能單調；可以複雜，但不能花俏。」在生活的空間裡，既不突出，卻能時時刻刻看見，與方序中喜愛的設計風格不謀而合。尤以其輕便好握的線條、沉穩大地色系和俐落舒適的協調性，能與居家空間相融，更重要的是還有 IPX4 專業級防水認證，雨天外出也不怕，就算要從家裡移動其他場域，不到 800g 的重量，隨身攜帶散步也不會產生負擔。

聲音之外，其實光影也是方序中家中氛圍重要的組構元素。說穿了，光與影能夠賦予空間更多的變化，在不同的時刻，從不同的角度，營造完全不一樣的感覺。以「聲」與「光」為主軸的 LED W Speaker，有二段式暖光色溫調整，讓光成為一種能夠傳達情感的特殊符號。方序中表示，「發聲器跟燈光的合體，等於結合了我最喜歡的兩件事，一個東西的設計價值，在於如何巧妙地進入生活。」他舉例，通常燈具和發聲器都會放在固定的位置，但 LED W Speaker 的輕巧，能跟著生活作息改變，讓喜歡移動家居擺設的他，能隨當下心情喜好將 LED W Speaker 擺放在家的各種角落，在遠處產生在微微幽光，流露可撫慰人心的溫暖與安心感，如同他喜愛的 Lo-fi 音樂，擁有仿如滲入雜訊的朦朧感。

對方序中來說，聽覺是很私密又公開的感官，也是多變的姿態，相較把 LED W Speaker 擺放在客廳，他亦喜歡將其放在床頭，讓聲音宛若安撫情緒的一雙手，轉化為靜心的力量，讓 MoriMori LED W Speaker 就像是日常生活裡，一份平靜而溫暖的陪伴。

了解更多關於「MoriMori LED W Speaker」細節

請至MoriMori官網：https://pse.is/4wzl7n

撰文 | Iain   攝影 | 李明宜

為團隊2026至2027年國際巡演計畫揭幕，何理互動海外個展《風景的解析度》現正於韓國藝廊LEE & BAE展出中。本篇帶看釜山限定作到系列代表作等多件亮點裝置，依創作脈絡逐件解析團隊如何採集「山、海、港」地景紋理打造動態結構，建樹獨屬東北亞樞紐城市的科技藝術語彙。

深化台韓新媒體藝術交流

成立於2011年的台灣跨領域科技藝術團隊何理互動（WHYIXD），2026年受韓國指標性當代藝廊LEE & BAE之邀，即日起至6月18日進駐該藝廊品牌旗下3間分館之一的釜山L1空間，帶來集結團隊長期發展系列及全新構思單件裝置的《風景的解析度（The Resolution of Landscape）》作品展；同步躋身釜山市立美術館主辦、亞洲首個專注錄像與新媒體藝術的國際數位媒體藝術節Loop Lab Busan（註）年度重點展出之一。

註：Loop Lab Busan為全球知名錄像藝術博覽會Loop Barcelona（巴塞隆納）從歐洲到亞洲的延伸展會，串聯釜山逾30個文化機構，堪稱東北亞當今具國際級架構，且正快速成形的數位媒體藝術平台。而身為今年度重點展出單位之一，何理互動於開幕當日舉辦Artist Talk，由團隊成員與C-LAB當代藝術實驗平台總監吳達坤進行對談，以中韓雙語分享台灣科技藝術在演算法、動態機械與空間敘事上的實踐。

透過現地創作與環境資料轉譯，《風景的解析度》著眼「共振（Synergy）」理念，化釜山地形、氣候及城市節奏為可被感知的動態機械和光影裝置；並藉以深化台韓交流、建立深遠合作網絡，揭示台灣科技藝術的跨文化對話能力，以及在東北亞發展的嶄新可能。與此同時，兼被何理團隊拿作2026至2027年國際巡演計畫的開端，本案汲取之釜山自然與人文能量遂成創作基底，供整個旅程乘風開展。

釜山限定作X系列代表作，由觀者經驗照見專屬風景

展覽題名所謂「解析風景的能力」是對數位時代下「Resolution（解析度）」一字意涵的再定義，其於一般語境多涉及量測或顯示系統分辨細節的程度，在《風景的解析度》展覽則引申指稱人類理解風景的方式。

全展發想脈絡回歸藝廊坐落海港城市這一位址，進而依循釜山獨特的「山、海、港」紋理，融地形、氣候，乃至風力、電壓、磁暴等不可見的訊號於作品結構中。主軸由〈Alive #2: Flow of the Port〉和〈Tender Soul of Ocean〉兩件大型裝置，擴至何理團隊發展已久的《未來－自然共生》系列作〈Heaven Bloom: Vital Edition〉、〈Spectrum Light: City Butterfly〉、〈resona: Cloud〉等。借力於科技，各作交織自然感有機線條與工業風剛性網格，精密存藏語言和影像無法承載的細微感知；除使城市脈動通過全新方式被看見，亦將「解析度」從技術指標昇華為重新感知世界的能力，甚鋪排宏觀地貌到微觀訊號的敘事線索，讓觀者得自由穿梭異尺度的感知之間。

► 釜山限定作

專為釜山打造的全新機械裝置〈Alive #2: Flow of the Port〉可謂一大亮點。靈感源自當地山海地形和港口特徵，以極細電線搭配金屬工藝構築城市血管般的光之網格，重塑原始地貌為一座微縮的數位地景，寫意勾勒這座東北亞物流樞紐在日夜運行中的流動與循環。

光影裝置〈Tender Soul of Ocean〉即時擷取釜山港的風力數據，利用程式運算提取風速，堆疊如海洋潮汐般的光之波動。作品當隨每日環境變化而變化，造就彷彿自成一組呼吸系統的展覽本質——觀眾不僅僅居於觀看位置，也因自身的存在與移動躍然作品的一部分。

延伸閱讀：以光影映現海洋律動！何理互動《海境》藝術裝置前進威尼斯，將環境數據即時轉化為光

► 系列代表作

《未來－自然共生》系列作之一〈Heaven Bloom: Vital Edition〉自高山杜鵑構思，經微電壓感測捕捉花朵綻放時微弱的生命韻律；之二〈Spectrum Light: City Butterfly〉以回收偏光膜製成動力蝴蝶，探討都市生態的擬態與演化；之三〈resona: cloud〉和四〈resona: aura〉則憑克拉尼圖形（Chladni Figures）邏輯解析微小環境訊號，留下展覽的微觀註腳：所有裝置共演一幅錯落光、風與訊號的自然片段，交予觀者在自身經驗中重構眼前風景。

挾科技藝術語彙走向世界

何理互動長期奠基科技、藝術與自然觀察，創作跨領域藝術裝置，獲獎紀錄包括（德國）紅點設計獎、BBA藝術家獎、（瑞士）LIT照明設計獎、（英國）達克照明獎、（義大利）A'設計獎最高榮譽鉑金獎、威尼斯建築雙年展ECC平行展藝術裝置獎，以及北美館X-site首獎等海內外獎項。秉持「未來－自然共生」概念，何理互動致力將台灣海島文化、高山花卉意象與電子產業背景帶入創作，建樹團隊獨有的科技藝術語彙。此次釜山展出，既是《未來－自然共生》系列首次海外完整呈現，也標誌台灣科技藝術走上國際舞台的重要里程碑——台灣數位地景在釜山找到新語境，在跨文化轉譯中生成有別過往的感知方式。

隨風歸於海的城市，從釜山啟動兩年巡演計畫

因應全球文化機構漸以科技作為討論自然、城市、身體與未來的共同語言，團隊選擇巡演形式整合未來兩年的展演動線，拉出亞洲到歐洲的創作中軸。2026年4月自釜山啟程，緊接於秋季前往巴黎近郊文森城堡（Château de Vincennes）的「文森光之夜（Nuit de lumière de Vincennes）」，藉即時氣候資料重新詮釋月光在歷史建築中的折射，展出〈觀月計畫：文森堡〉後，巡演預定2027年回返北美館，舉辦年度個展《從這裡開始消融》作收，任作品回聲蕩漾不同城市風景下。

何理互動釜山個展《風景的解析度（The Resolution of Landscape）》

• 時間：即日起至2026年6月18日10:30-18:30；週日、一及開館日午間13:00-14:00公休
• 地點：LEE & BAE L1（127 Jwasuyeong-ro Suyeong-gu, Busan Korea）

在行銷廣告總是號召人們拿起手機、拍照分享的時代，KitKat反其道而行，推出一款特殊的「斷網包裝」，邀人們吃完巧克力餅乾後，把手機裝進袋內，暫時從「連線生活」中登出，讓身心好好休息一下，也讓自己更專注於現實當下。

經典標語化為廣告創意

這款「Break Mode」斷網包裝由巴拿馬KitKat與廣告代理商奧美（Ogilvy）合作策劃，巧妙將品牌自1958年沿用至今的經典標語 “Have a break, have a KitKat.” 轉化為廣告創意。標語中的 “Have a break.”  原意指掰開巧克力餅乾的動作，在Break Mode企劃中則被延伸和轉換為「休息一下」之意。

隔絕外在訊號的「迷你手機監獄」

有感於現代人總是盯著手機螢幕滑個不停，奧美以「法拉第籠（Faraday cage）」為發想，為KitKat構思了斷網包裝，讓人們能藉此暫離網路世界，重返現實、專注當下並放鬆休息。此特殊包裝由4層材料製作而成，包含銅、鎳、聚酯纖維及金屬導電層，搭配經精密設計的封口，可有效阻隔外部電場，讓包裝形同一座「迷你手機監獄」，將手機與網路、藍芽、電信訊號等完全隔絕。

為推廣這項創意，KitKat前進科技展、大學校園，也與巴拿馬規模最大的音樂季合作，邀請人們在吃完KitKat後，把手機送進「監獄」，一起Have a break。體驗不限於當下，斷網包裝使用壽命長達1年，體驗者可將其保留帶回日常，隨時提醒自己吃塊KitKat、休息一會。

結合精妙的創意和策略，奧美與KitKat精確掌握網路時代下的消費者輪廓，成功將「口號」轉化為「行動」，不僅與廣大年輕族群產生共鳴，也透過廣告巧妙回應時代脈動。