工藝，作為生命與創作的媒介 — 張凱亘

埋首於機具運作的匡噹聲響中，藝術家張凱亘扛起木料、身處微塵瀰漫的空間裡專注手中工作。他曾以投入四年正規工藝學習的歷程，發展出《「生命特徵」」系列作，刨自對生命的困惑，投注於木工技藝裡，兼容創新理念與優美技法，此作獲得2019 「臺灣工藝競賽」一等獎的榮耀。得獎之後，張凱亘暫放工藝創作的身份，毅然決然成為一名演員，探索未來的更多可能性。

生命軌跡裡的工藝芽點

張凱亘提到成為演員的契機，回推記憶是做完《「生命特徵》」後，有一段就學與職涯的空窗。這段期間熟識的戲劇系朋友向他邀約，要不要一起試試當群演。他因五官深邃的面貌，在描述台灣臺灣族群紛爭一劇《斯卡羅》中，成為眾多原住民臉孔其一。實際上，他的母系家族正是來自排灣族。張凱亘分享兒時是在屏東萬丹長大，作為主要照顧者的阿嬤，經常帶著他回到山上部落和親戚們敘舊，「大學選讀工藝設計系，在單純喜歡手作的因素裡，有部分份可以連結到小時候的片段記憶。」

細數成長階段，有親手體驗排灣族琉璃珠的精緻工藝，也見過族人縫製傳統服飾。爾後，在課業壓力襲來前拿畫筆為興趣。但要論有明確念頭，他說，和高中好友相偕到畫室的兩年期間，漸漸萌生，從語文科系的志願轉往藝術創作的方向。

回憶剛踏入工藝領域，身為初心者的張凱亘，把陶瓷、金屬、木材都修習了幾回，從中感受不同材料與身體合作的體感。他笑說對陶的第一印象不是太好，重心逐偏向金工和木工，往後，因有創作大型作品的考量，他近乎專注於木材材質上。那段時日，他每天早上十點便現身學校的木工工廠，直到夜深，他稱之如著魔的光景，曾經連除夕年夜飯都差點沒返家團圓。「把自己關住做出作品的行為，誠實反應當時的身心寫照。」他把潛藏在內心的巨大能量一口吐出，奠定往後由內向外的創作脈絡。當時製成的首件大型作品，正是「生命特徵」系列裡的「囚牢」。

概念是創作裡的向光性

看過張凱亘作品的人，感知創作者的抒情想法前，總先訝異木造結構的流線魅力，甚至會誇張讚嘆，「這真的是木頭做出來的嗎！」 搶眼的視覺張力，源自他大量使用冷壓曲木的工法。將一片片薄木片膠合後經模具，形塑出有機的姿態。有時，想出的弧形超出人腦無力解析的角度難題，他結合3D運用科技的模擬輸出，再進入木藝的製程裡。耗力又耗時的背後，是張凱亘欲跳脫方正又規矩的木頭印象，以曲線的靈活力，帶給工藝一股新的生命氣息。

經年累月學習工藝裡的悠遠，未讓張凱亘往傳統的象限生長。他笑認自己在體系裡是長歪了，成為匠人或職人一生懸命的精神，並非他追求的理想，想法何以成型才是他創作裡的向光性。「後來終究明白我的歪，源於我是個概念先行於技法的人。」談起工藝，張凱亘是曾有那麼一段思想上的黑暗期，他由學院派中所感知到的工藝，圍繞傳承與技藝兩大核心本質，卻與他的創作理想，相互磨合。於是當了演員，與工藝產生時空的距離感，當他再回望過去，更能以澄清的視野，梳理出他在藝術創作與工藝的穠纖關係。

潛行在生活裡的木藝田調

四年過去，張凱亘逐步自演員的身體創作，回歸大型立體作品的醞釀期。他與兩位仍在工藝路上的同伴，租下並修繕淡水近山的一處古厝，作為個人創作基地，同時嘗試木藝在商業跨界的廣度與尺度。例如，承包展場設計與施作、支援友好藝術團隊的製作，並持續關注木作產品的市場。而不久前他造訪了「木平台」，欣賞許多具實用性的工藝佳作。他有感大眾能以美的眼光閱讀工藝，卻少有識得產品動輒數十萬價值的伯樂。他同為製作者，理解背後費工與費時的成本。」不分創作或市場的取向，產出一件木製工藝都得花費製作者的全神貫注，也因此，有效率的量產始終是工藝持續克服的議題。

《「生命特徵」》 獲獎後由國立台灣臺灣工藝研究發展中心典藏，作品藉不同策展去到各個角落，傳達工藝隨時代新面貌，延展張凱亘投注其中的能量。木頭因需定期保養，他與作品週期性重逢，「每次再見到他們，感覺相互陪伴的時間好像是上輩子的事。」

張凱亘的作品衷於內在感受出發，也像從身體切割出去的碎片分身，詮釋他對於生命姿態的各式階段：初始、囚牢、探尋到平衡。現在的他呢？張凱亘說，如果真要比擬，是在「囚牢」與「探尋」之間來回游移。話語間，應和他不久前得知的新消息。淡水老厝的工作室即將調漲房租，與共租空間的夥伴們已決定各自找尋下個落腳處。近期，張凱亘正如火如荼整備生活，為創作的新階暖身續力。

面對工藝，張凱亘把內在世界的感受袒露得多，外顯的木工技法鮮少主動談起，唯獨提到上漆時，他多說了點，「上漆是完工前的最後步驟，塗上無色無味的保護漆，放置陰乾，再打磨。上述步驟需要反覆幾輪。對我來說也是種修行。」重視作品上完漆後，木頭呈現自然的消光光澤。張凱亘講的是上漆步驟，也像是打磨擦亮創作想法的歷程，展現恰好的光芒。未來的新作張凱亘還在琢磨，可以確定的是，持續反芻自身與外在的關係，用熱愛手工的技藝，傳達心中的創作風景。

文字：王涵葳

攝影：林家賢

橫跨台灣日治時期至當代，從廟宇神龕、神像雕刻、糕餅木模到生活器物，從台南孔廟「全臺首學」匾額，到見證台灣經濟起飛的木製贈禮，都可看見「陳彫刻處」作品的身影。

適逢創立一百週年，陳彫刻處攜手樸實創意策劃《陳彫刻處百年新生展》，以「銘」蘊藏對刻寫、銘記的雙關意涵為核心，集結百年來的經典雕刻工藝品，以及台、日創作者以「滿座」與「興勝」為主題帶來的創作，展現雕刻所乘載的文化意涵和情感，亦映現工藝如何跨越世代，持續傳遞人們對信仰、生活與祝福不變的心意。

走過百年，陳彫刻處始終以刻刀回應時代

1926年，第一代陳珍以一把刻刀創立陳彫刻處，從神像雕刻出發，一筆筆銘刻出人們對信仰、生活與祝福的寄託。第二代陳文才延續這份職人精神，在時代變遷中持續精進技藝，讓傳統木雕工藝躍上匾額、窗花與神桌，陪伴無數人的信仰與致謝儀式。如今的掌門人、第三代傳人陳希彥則在承襲百年根基的同時，讓雕刻與當代生活產生新的連結，跨域與新創設計及生活品牌共創新火花。

五路男神：三代匠人對雕刻的極致致敬

為《陳彫刻處百年新生展》，陳希彥特別與父親共同創作「五路男神」，作為獻給陳彫刻處的百年歷程紀念。作品取材自台灣民間信仰中的5位神明，經重新轉譯，將傳統神像從既有的框架中解放，保留神明所承載的守護、祝福與信念，同時融入當代美學與生活觀察，讓信仰符號展現出更自由、且富有時代感的樣貌。

攜手台、日本藝術家以「大入」為題共創

除了回望陳彫刻處百年工藝軌跡，展覽也邀請台灣、日本多位創作者，延續台灣傳統匾額中常見的「高朋滿座」、「生意興隆」美好寓意，以「大入（Ooiri）」為主題進行雕刻創作，讓傳統在當代語境中長出全新樣貌。

「大入」在日本傳統文化中，有滿座、客滿、興盛的意思，來看創作者們如何演繹！藝術家鄒駿昇以雙錢結與盤長結構築出財富與祝福持續流動的寓意；設計師方序中將窗花概念與大入的祝福能量結合；日本平面設計師美山有以相撲的形象來表現，將「大入」與傳統表演文化連結；丁原生及日本傳統標籤設計研究室，透過自身擅長的插畫創作及文字設計做出新穎的設計展演。

當來自不同世代與文化背景的創作者，共同回應同一祝福符號，它所代表的意義已超越「大入」乘載的興盛之意，更是一回傳統工藝與當代創作的相遇，一場百年老店和新世代的對話。

透過跨域工藝創作，開啟下一個百年想像

策展團隊樸實創意表示，透過《陳彫刻處百年新生展》，盼能讓傳統工藝在歲月流轉中的傳承與創新被更多人看見。近年來，陳彫刻處持續跨越不同領域，與「維摩舍」共同探索書寫與雕刻的可能；攜手「觀察之樹」發展家具創作；也和「林源美香舖」等品牌推出兼具文化底蘊與當代美感的特色作品。這些跨界成果，也將於展覽中一一呈現。

展期間，台中知名店家如咖啡廳「Hausinc 1035」、「群島李季」以及風格茶館「蕪時 KAELU」等，也將同步使用與陳彫刻共同企劃的特製器皿，讓雕刻器皿走出展場，讓人們在日常生活中感受。

《陳彫刻處百年新生展：銘》

展期｜2026.07.03－07.26

地點｜Ippuku（台中林森路40號）

靜候逾兩月評選，Loewe工藝獎正式發布2026年度得獎名單！大獎由韓國藝術家Jongjin Park憑《幻象地層》奪下，兩項特別提名則分別為西班牙藝術家的粗草織物，和義大利藝術家的金工珠寶所獲；齊聚30位入圍創作者的工藝大展隨之登場，將於新加坡國家美術館對外公開至2026年6月14日。本文概述獎項緣起、詳解本屆3件得獎作品，且邀你前進展廳，與品牌共同反思快時代下「慢工藝」的無可取代性。

眷戀不甚完美，觸拾人手痕跡——

工藝老牌如何看待時間積累的藝術？

綜觀近10、20年，諸多時尚品牌陸續設立藝術與文化獎項，重新爬梳時裝屋淵遠歷史、馳騁未來創意想像。其中，Loewe的工藝論述可謂最有跡可循。1846年自一群西班牙手工藝人合創的皮具工坊起家，今所稱之Loewe品牌，實則由德國（昔日普魯士）而來的創始人Enrique Loewe Roessberg在1872年入主後真正定名，並領軍躋身世界奢牌集團。百餘年來承此脈絡，從商品質材把控到文化保存行動，「工藝」的有形與無形意涵對Loewe可謂深如底蘊般存在。

可隨工業、數位乃至AI時代的後浪推前浪，工藝價值的定義是否發生變化？甚或該說，是否還能夠定義？2016年，Loewe前創意總監Jonathan Anderson倡議發起的Loewe工藝獎，無疑給出了正面且鼓舞人心的答案。連年藉一項大獎及兩項特別提名，表彰來自不同國家地區、不同文化背景、不同專業領域的全球18歲以上創作者，以強調手工藝之於現今文化的重要性和藝術價值；同時，每每涵蓋陶瓷、玻璃、珠寶、金工、木作、紙藝、漆藝、紡織等豐富類型的終選名單，更一再印證Loewe基金會主席Sheila Loewe發言所示，該獎對護持當代工藝多樣性的積極作為。

>> 看完整入圍名單：台灣藝術家謝佳珍闖決賽！2026 Loewe工藝獎終選名單公開：在裂變中重新詮釋傳統，30件入圍作品齊登新加坡國家美術館

3名得主揭曉，30位入圍者齊聚新加坡國家美術館

2026年度選自超過5,100件投稿中的30組入圍作品，除最終1+2名獎項得主可獲50,000歐元獎金（大獎）和5,000歐元獎勵（特別提名）外，所有進入決賽的藝術家將全員參與羅意威工藝大展，聯合呈獻精彩創作。該聯展數年間相繼落地倫敦設計博物館、東京草月會館、首爾工藝博物館、紐約野口勇博物館、巴黎東京宮，乃至2025年回歸品牌原鄉、進駐馬德里提森-博內米薩博物館舉辦後，今年選址坐擁世界最大規模現代東南亞藝術收藏的新加坡國家美術館（National Gallery Singapore）亮相，同步公開線上展廳並發行相關圖錄。

以下讓我們隔空搶先逛展場，隨後逐一踏入大獎得主Jongjin Park，以及特別提名者Álvaro Catalán de Ocón和Graziano Visintin的工藝世界。

▍大獎《幻象地層（Strata of Illusion）》

• 藝術家｜Jongjin Park

• 作品選材及尺寸｜紙、瓷、染料、釉料，750*450*560mm

Jongjin Park生於1982年，現居韓國首爾，任首爾女子大學助理教授；兼具英國卡地夫城市大學陶藝碩士，以及韓國國民大學陶藝學士、碩士和博士學位。擅融會傳統工藝與收藏級設計（Collectible Design）概念，近年與奢侈品牌和汽車公司的合作，尤嶄露他結合藝術與技術之長。創作多挑戰物質的幻象與真實存在界限，進而深究在強大的AI浪潮下，手工的物質智慧如何被重新定義。曾於美國Design Miami、英國PAD London Art+Design等著名藝術設計博覽會進行展出，2024年獲韓國京畿道陶瓷雙年展（Gyeonggi Ceramics Biennale）國際競賽卓越獎。

本次獲獎的陶瓷雕塑《幻象地層》完成於2025年，旨在藉由模仿地質沉積過程，探索控制與崩塌間的張力。其座椅般的空心結構，首先將數千張紙材塗覆摻有手調顏料的瓷漿，經手工折疊、堆疊、壓實，形塑出幾何感強烈的緻密塊體，同時保留過程中自然產生的折痕、壓痕和微小位移於表面。接著再以1,280度氧化焙燒燒盡紙材、使主體結構在熱力與重力作用下逐漸變形陷落，化為質地一致而外觀不規則的陶瓷實體，並運用電動工具最後修飾。作品既彰顯藝術家自身對物質不穩定性的關照，更致敬在這個置速度於完整性之上的時代中，仍默默堅持的手作精神。

評審團指出此作顛覆人們對陶瓷媒材的既定想像，展現出人意料又極具目的性的存在感；奠基瓷藝卻呼應多種工藝傳統：透過空氣塑形令人聯想到玻璃吹製，而紙張層疊則帶有書籍裝幀意蘊。評審且格外著迷於紙張在燒製中消失的詩意，以及作品因下陷而流淌的真誠不完美感。這種對製作本質的忠實體現，正是Loewe工藝獎長久著眼的重要敘事——材料、製程，及其「風險」本身，即為作品意義的核心。

▍特別提名#01《Frafra掛毯（Frafra Tapestry）》

• 藝術家｜Álvaro Catalán de Ocón x Baba Tree Master Weavers

• 作品選材及尺寸｜狼尾草，10*3300*3100mm

Álvaro Catalán de Ocón生於1975年，現居西班牙馬德里；曾先後就讀義大利歐洲設計學院和英國中央聖馬丁藝術與設計學院，鑽研產品設計。2004年在巴塞隆納創立個人工作室、2009年移居馬德里，持續兼行獨立創作與品牌合作。作品受巴黎龐畢度中心、倫敦V&A博物館、香港M+博物館等文化機構永久收藏。2023年憑藉在永續設計領域的貢獻，獲西班牙科學與創新部頒發國家設計獎。

本次獲獎的粗草織物《Frafra掛毯》完成於2024年，為藝術家與根植非洲迦納的編織工藝社群Baba Tree聯手完成，參與者包括其首席編織匠Mary Anaba，以及Charity Aveamah Atuah、Christiana Anaba Akolpoka、Asakiloro Aduko、Mary Ayinbogra、Teni Ayine、Subolo Ayine、Punka Joe共計8位工藝師。作品使用無人機捕捉迦納北部古倫西（Gurunsi）聚落標誌性的環形土坯住宅影像，發送至馬德里以AutoCAD軟體繪製後按比例印出建築平面圖，再交予Baba Tree Master Weavers，採編籃技法勾織天然及染色狼尾草而成；兩種色彩拼組的整體圖式，可見描畫外部牆體輪廓的黑色線，和標示內部庭院空間的原色線，其間則由工藝師自由填入紋樣，映照在集體勞作中延續的日常傳統與家庭記憶。

評審團肯定這場跨洲藝術合作，試圖通過當代製圖科技與祖傳編織知識的結合，存續一項發跡於非洲原住民Frafra部落文化、現正瀕臨消逝的建築形式與生活方式，恰如活生生的人類學檔案。

▍特別提名#02《項鍊（Collier）》

• 藝術家｜Graziano Visintin

• 作品選材及尺寸｜黃金、Niello黑漆，尺寸各異

Graziano Visintin生於1954年，現居義大利帕多瓦；義大利Pietro Selvatico藝術學院畢業，並自1976年至2019年任教該校。創作材料活用黃金、琺瑯及Niello黑漆，曾獲德國Herbert Hofmann Prize等國際權威珠寶獎項。2025年方於荷蘭代表性當代珠寶藝廊Galerie Marzee舉辦個展，近年亦至英國皇家藝術學院、中國北京理工大學等頂尖院校舉辦講座及工作坊。

本次獲獎的金工珠寶《項鍊》完成於2025年，所採行的熔鑄工藝（將金屬置於盛有硫磺的陶罐中熔化）卻可追溯至古埃及。整組作品含1、2號兩鍊，皆由極薄金片所打造的大小立方體連綴而成，交錯圓、三角和正方形視覺。其表面以古老金工技術「Niello（烏銀鑲嵌）」局部裝飾，且上色方式屏棄傳統刻紋嵌入、改用隨性筆觸塗抹，為作品賦予神祕痕跡；當光線流轉，金質的柔和與黑漆的深沉便自然形成對比，映現色彩和光影間不斷變化的豐富效果，終在與佩戴者身體的互動下帶出動靜並存的對話感。

評審團對他運用Niello創作當代珠寶此一少見的精湛手法尤為印象深刻，甚欣賞他如繪畫般將黑漆施於黃金表面，讓各幾何體似一幅幅無盡延展的微型畫作被優雅串接。

隨Loewe工藝獎第9屆得主揭曉，初次列居評審團成員的現任創意總監Jack McCollough和Lazaro Hernandez重申，「自品牌於180年前創立以來，工藝始終是Loewe的核心精神。每一件入圍作品都展現出非凡的創造力與創新精神，共同證明了『製作』這件事所蘊含的持久可能性。」主力籌辦獎項的Loewe基金會主席Sheila Loewe則有力總結，「今年的入圍名單是歷來最難評選的一次，也讓評審團得以深入討論工藝的邊界，以及它未來可能的樣貌。我始終深感榮幸，能夠站在這樣充滿驚喜的工藝世界核心，親眼見證這些非凡藝術家的創作能量。」