走進一場正在融化的夢境：睡夢頭《笑著笑著就融化了》個展，療癒雕塑帶你沉浸雨過天青的溫暖

by Lucinda Chen 2024-12-05

台北 2024展覽 雕塑
走進一場正在融化的夢境：睡夢頭《笑著笑著就融化了》個展，療癒雕塑帶你沉浸雨過天青的溫暖

生命所經歷的暗黑混沌，在事過境遷過後都會成為重生力量，蛻變出閃閃發亮的自我。現居台灣的馬來西亞藝術家「睡夢頭」近期舉辦個展《In the Melting of Dreams笑著笑著就融化了》，以療癒可愛的雕塑創作，帶領觀者進入一場暴雨後溫暖潮濕的夢遊，散播觸動人心的愛與快樂。

從電腦螢幕前走到雕塑世界

生長於馬來西亞、於2019年遷居至台灣的睡夢頭，自3D動畫設計科系畢業後，投入UI設計領域職場，卻發現自己不喜歡在冷冰冰的螢幕前創作。她想起小時候捏製黏土那段充滿溫度和無限可能的時光，便毅然決然放棄科技業，轉而專注於雕塑創作，進而開啟他的全職藝術家身份。

走進一場正在融化的夢境：睡夢頭《笑著笑著就融化了》個展，療癒雕塑帶你沉浸雨過天青的溫暖
睡夢頭放棄科技業、轉而專注於雕塑創作，開啟他的全職藝術家身份。（圖片提供：Chaos Control）

挖掘全新的生活樣貌後，睡夢頭形容自己是「一位快樂的雕塑家」，洋溢著活力與幸福感。她介紹，這場展覽就像是自己的人生寫照，在不同階段的探索中培養自我認知，並透過作品呈現她對外在人際關係和內心幻想世界的寄託。

走進一場正在融化的夢境：睡夢頭《笑著笑著就融化了》個展，療癒雕塑帶你沉浸雨過天青的溫暖
睡夢頭形容自己是「一位快樂的雕塑家」，而這場展覽就像是自己的人生寫照。（圖片提供：Chaos Control）

黑暗的暴風雨後，才有現在的我

回顧自我探索的成長歷程，睡夢頭意識到對於自我的認知與「一顆雲朵」最為接近，而自己最嚮往且最舒適的模樣，也就是雲朵純淨而美好的狀態。《笑著笑著就融化了》展覽中，有多件作品以雲朵為基底形體，看似療癒正向，實則源自藝術家將自己一生中歷經的混沌、暗黑時光撥劃開來，重新審視與感受後獲得的創作靈感；而作品中常見的珍珠元素，則象徵著她的淚水點滴。

走進一場正在融化的夢境：睡夢頭《笑著笑著就融化了》個展，療癒雕塑帶你沉浸雨過天青的溫暖
「一顆雲朵」是藝術家最嚮往、最舒適的模樣，而雲朵意象也經常在作品中出現。（圖片提供：Chaos Control）

在睡夢頭的創作世界裡，情緒彷彿變成一種可觸及的具象形體，化為觀者眼前的一座座雕塑。例如作品「等待著暴風雨的結束」，以一座灰黑色雕塑描繪失去感受的生命，身上漩渦圖形反映出藝術家在暴風中無助的狀態，透露成長道路上各種情緒的積累。

走進一場正在融化的夢境：睡夢頭《笑著笑著就融化了》個展，療癒雕塑帶你沉浸雨過天青的溫暖
灰黑色雕塑描繪失去感受的生命，身上漩渦圖形反映出藝術家在暴風中無助的狀態。（圖片提供：Chaos Control）

此次個展就像是睡夢頭對於一段人生篇章、一段成長歷程所做的重要總結：「如果沒有發生那些事，我就不會想逃離到台灣，也不會創立睡夢頭。」

走進一場正在融化的夢境

《笑著笑著就融化了》展場空間分為三個區域：首先是個性鮮明的睡夢頭角色系列作品，搭配陶製珍珠框中的小張畫作；接著主視覺裝置區域，則邀請到花藝師Twee Molar，將永生花與鮮花交織纏繞，並以大塊雲朵與草皮山丘的鋪陳，營造出天上夢境般的感受。

走進一場正在融化的夢境：睡夢頭《笑著笑著就融化了》個展，療癒雕塑帶你沉浸雨過天青的溫暖
個性鮮明的睡夢頭角色系列作品，搭配陶製珍珠框中的小張畫作。（圖片提供：Chaos Control）
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主視覺裝置邀請到花藝師Twee Molar營造出天上夢境般的感受。（圖片提供：Chaos Control）

來到展間最後一角，是一張擺滿餐具、蠟燭與蔬果的長餐桌，座位上是一封封來自藝術家的手寫信。策展人張允馨說明，用餐場景的設置，是希望觀者能在此透過餐桌上的燭台雕塑照亮自己，並在閱讀溫暖的文字後，與內心的自己、亦或餐桌對面的她/他交換感受。

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用餐場景的設置，是希望觀者能在此透過餐桌上的燭台雕塑照亮自己，與內心的自己、亦或餐桌對面的她/他交換感受。（圖片提供：Chaos Control）
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展間最後一角，是一張擺滿餐具、蠟燭與蔬果的長餐桌。（圖片提供：Chaos Control）
走進一場正在融化的夢境：睡夢頭《笑著笑著就融化了》個展，療癒雕塑帶你沉浸雨過天青的溫暖
來自藝術家的手寫信。（圖片提供：Chaos Control）

「我的心臟還在跳動嗎？不知道，但如果還能感受得到，現在的我應該已經融化了吧。」走進這一場正在融化的夢境、暴雨過後溫暖潮濕的夢遊，便能體會藝術家所傳達的複雜情緒，萌發帶有個人印記的共鳴。

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《笑著笑著就融化了》展覽現場。（圖片提供：Chaos Control）

睡夢頭《In the Melting of Dreams笑著笑著就融化了》

展覽日期｜2024/12/1至2024/12/27
開放時間｜13:00–20:00，每週三休館
展覽地點｜Yukanna Space勇敢的空間（台北市大安區通安街46號2樓）

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整個展廳化為作品！藝術家賴純純個展《光成為海》臺東美術館登場，感受藝術與光影交融的生命能量

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整個展廳化為作品！藝術家賴純純個展《光成為海》臺東美術館登場，感受藝術與光影交融的生命能量

藝術家賴純純全新藝術創作實驗個展《光成為海｜作品作為場》，於臺東美術館登場，她將整個展廳化為作品，讓觀眾也成為作品的一部分，歡迎人們走入現場，一同感受藝術與光影交融的生命能量。

展出巨型雕塑《希望之花》

藝術家賴純純創作橫跨繪畫、雕塑、空間裝置、觀念行動與公共藝術等領域，落腳臺東近20年的她，將對東海岸光線、海洋與土地律動的深刻體會，化為藝術的集大成呈現在這次展覽中。值得一提的是，賴純純在2025大阪世博展出的巨型雕塑〈希望之花〉也首度在臺東美術館的中庭展出，藉由光影折射，讓象徵生命力與希望的花朵，在臺東純淨的藍天下綻放，呈現夢幻般的繽紛色彩。

賴純純〈希望之花〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈希望之花〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
藝術家賴純純（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
藝術家賴純純（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈島嶼新生〉，2017（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈島嶼新生〉，2017（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

走入充滿生命能量的光影旅程

展覽共分為8個展區，從室內的深邃海色到戶外的陽光體驗，帶領觀眾進入一場充滿生命能量的光影旅程。展覽巧妙利用臺東美術館雙展廳的獨特結構，構築出完整的感知路徑。在山歌展廳以實驗性大型裝置作品〈光為山〉為核心，運用鋼材廢料構築主體，在挑高空間中，光影投射隨著時序持續轉化。

賴純純〈光為山〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為山〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為山〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為山〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

海舞廳則由〈光為海／黑潮〉的澎湃能量拉開序幕，作品利用鏡面底板的反射特性，觀者在不同角度凝視時，光影也將隨之流轉，彷彿海面上閃爍的粼粼波光，以極具張力的抽象視覺與材質特性，展現海洋深處洶湧搏動的生命力。

賴純純〈光為海〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為海〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純《光成為海｜作品作為場》海舞廳。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純《光成為海｜作品作為場》海舞廳。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無眼界〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無眼界〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

將不定期前往展場「加入新元素」

賴純純說，「這次於臺東美術館的展出意義非凡。臺東的光、海、空氣、時間節奏，以及山海相鄰的地理狀態，使『生成』不再只是抽象觀念，而是可以被感知、被經驗的存在著。」她更透漏，於展期間，會依循靈感不定期前往展場「加入新元素」，隨時調整與增添作品內容，讓多次造訪的觀眾一同感受藝術在時間流動中持續變化、生長，充分展現她推動的「自由生成美學」理念。

賴純純〈黑潮〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈黑潮〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無罣礙〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無罣礙〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

《光成為海｜作品作為場》賴純純個展 "Light Becoming Sea | The Work as Field"
展覽時間｜115年4月30日－6月14日  
展出時間｜週二至週日 09:00-12:00；13:30-17:00（週一休館）
展覽地點｜臺東美術館（臺東市浙江路350號）

資料提供｜臺東美術館、文字整理｜Adela Cheng

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北美館典藏研究展「物質世界」登場：跨越90年館藏，回應由物質所塑造的生活感知與想像

by La Vie 2026-04-30

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北美館典藏研究展「物質世界」登場：跨越90年館藏，回應由物質所塑造的生活感知與想像

臺北市立美術館「物質世界」自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。本展由館內助理研究員馮馨策劃，以典藏作品為主軸，匯集29位不同世代藝術家的創作，展出炭筆、油畫、壓克力、攝影、錄像、現成物、複合媒材與立體裝置等共87件/組作品，最早自何德來1936年的油畫至今，創作年代跨越90年，其中包含3件全新委託製作，以及多件入藏後首次展出的典藏作品。

從1970年代布希亞（Jean Baudrillard）提出消費社會中的符號價值，到1990年代提姆．登特（Tim Dant）與貝爾納．斯蒂格勒（Bernard Stiegler）對物質實踐的進一步探討，物質早已不僅是被消費的對象或承載意義的符號，更在日常的操作、使用與感知過程中，衍生出各種技術形式，進而形塑人們的行動模式與社會樣態。以「物質世界」為題，本展試圖回望自農業社會轉向工商社會以來，物質的生產與流通如何深刻改變我們所處的生活環境與世界樣貌。

臺北市立美術館推出「物質世界」，自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。（圖片提供：北美館）
臺北市立美術館推出「物質世界」，自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。（圖片提供：北美館）

展覽空間依循由外而內、再回返感知的敘事路徑展開。首展區從物質消費與其機制出發，延伸至物件所構築的居所與城市的現代化進程，李明學的《溢出的記憶》將不同品牌的同款商品分別陳列於兩座不鏽鋼層架，如不同牌子、瓶子顏色同樣為藍綠色的洗衣精，使觀眾在觀看過程誤以為相同商品重複出現，進而探討視覺消費符號遺留的慣習，觀者依賴過往的視覺經驗來辨識物品，反而被相似的視覺暗示所欺騙；黃冠均的《黃》中，壓克力顏料脫離畫布，成為塑膠雨衣的材質本身，既回應熟悉的日常經驗，也凸顯創作媒材的物質性。

李明學，《溢出的記憶》，2019，超市與超商物件，尺寸依場地而定。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
李明學，《溢出的記憶》，2019，超市與超商物件，尺寸依場地而定。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
黃冠鈞，《黃》，2017，壓克力顏料、壓克力媒介劑，160 × 100 公分。私人收藏。（圖片提供：北美館）
黃冠鈞，《黃》，2017，壓克力顏料、壓克力媒介劑，160 × 100 公分。私人收藏。（圖片提供：北美館）

《流逝的歲月》與《巴黎閣樓-照見系列》分別為何德來與黃銘昌以自身居住於東京目黑區與巴黎的空間為創作主題，透過畫面色調與室內陳設物件，映照不同年代的情感、記憶與生活樣貌。白景瑞的《台北之晨（林強全新配樂版）》以錄像形式記錄1960年代臺北市井小民的生活景況，此次展出版本為2019年，由與創作年份同齡的音樂人林強重新配樂，以電子樂與實驗聲響，將現代精神融入昔日臺北景觀，展開一場跨越媒介與時代的對話。

何德來，《流逝的歲月》，1936，油彩、木板，33 × 24 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
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黃銘昌，《巴黎閣樓—照見系列》，1978-1983，油彩、畫布、紙本。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
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白景瑞，《台北之晨（林強全新配樂版）》，1964，DCP，20分鐘。國家電影及視聽文化中心典藏。（圖片提供：國家電影及視聽文化中心與北美館）
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第二展區則轉向由物而開展的奇想，透過物的變形與再解構，打開現實與潛意識之間的縫隙，使日常之物成為感知轉譯的媒介。黃文浩的《上帝與我》以機械式節拍器驅動取自經典作品《創世紀》中亞當與上帝之手，形成無法觸及彼此的循環，隱喻徒勞往復的焦慮與荒謬；賴九岑《這不是瑪格利特的天堂》則透過作品與命名的辯證關係，回應超現實主義藝術家馬格利特（Rene Magritte），進一步探討符號與對應物之間的張力。

黃文浩，《上帝與我》，1996，節拍器、雜誌紙，57 × 12 × 14.5公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
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賴九岑，《這不是瑪格利特的天堂》，2018，壓克力顏料、畫布，140 × 180 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
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第三展區進一步聚焦人與物之間的辯證關係，從由物而體現的自我、聚集之物與其乘載到系統中的人與空間，觀察物如何滲入身體經驗、身份認同與當代社會結構。首次於1998年台北雙年展展出並被典藏的《超越認同》來自日本藝術家日下淳一，以30套懸吊的改造服裝構成，其中如帶有監獄式粗直條紋的西裝外套，指向衣物不僅決定外在形象，更影響個體的思考與人格認同；張照堂於1960年代創作的《存在與虛無》系列，實驗銀鹽相紙的媒材特性呈現詭譎而超現實的畫面構圖，回應其對生命、存在與虛無命題的思索。

日下淳一，《超越認同》，1994-1998，衣服、線，30套衣服。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
日下淳一，《超越認同》，1994-1998，衣服、線，30套衣服。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
張照堂，《存在與虛無I》，1962，銀鹽相紙，56 × 38 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
張照堂，《存在與虛無I》，1962，銀鹽相紙，56 × 38 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）

何采柔的《More》與湯雅雯的委託新作《揚起》，分別採集乾衣機中的棉絮與家中灰塵，轉化為毛衣與藝術裝置，將那些難以被察覺的微小變化，緩慢堆積成時間的痕跡。周育正《工作史－盧皆得》為2012年台北美術獎首獎並被收藏，內容圍繞在臨時工盧皆得，他的生命故事被印製成冊，而作品整體視覺的展陳結合他常穿的藍色格紋衫，反思創作勞動與工作勞動之間的異同。

何采柔，《More》，2016，乾衣機毛屑、木盒、木邊桌、烤漆，42 × 42 × 78 公分。私人收藏（圖片提供：北美館）
何采柔，《More》，2016，乾衣機毛屑、木盒、木邊桌、烤漆，42 × 42 × 78 公分。私人收藏（圖片提供：北美館）
湯雅雯，《揚起》，2023-2026，循環扇、格柵出風口、蛇形簾、灰塵、再生棉、地毯、白報紙、毛線，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）
湯雅雯，《揚起》，2023-2026，循環扇、格柵出風口、蛇形簾、灰塵、再生棉、地毯、白報紙、毛線，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）
周育正，《工作史—盧皆得》，2012-2013，壓克力彩、畫布、木板、印刷書。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
周育正，《工作史—盧皆得》，2012-2013，壓克力彩、畫布、木板、印刷書。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）

最終，第四展區回到感知與物件的堆疊，李傑的全新委託製作作品《People hate you for a reason》透過在空間中迴盪的流行音樂與自製聲響，以及投映於不織布地毯、不鏽鋼板與佈滿膠帶上的筆觸式影像，隨著觀眾在展場中的移動，生成多重媒介交錯堆疊下的觀看經驗，進一步思考感知如何被物質延展與重塑。

李傑，《People hate you for a reason》，2026，繪畫 (噴漆、粉彩、不鏽鋼板)、投影、不織布地毯、膠帶、壓克力、聲音及現成物，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）
李傑，《People hate you for a reason》，2026，繪畫 (噴漆、粉彩、不鏽鋼板)、投影、不織布地毯、膠帶、壓克力、聲音及現成物，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）

另外，不同於中文展名對「物質世界」的直指，英文展名「Material Extensions」則試圖討論當代物質如何作為一種媒介，持續延展並擴張我們的日常知覺，並使展覽敘事形成一條由物質通往感知、再由感知重新理解物質世界的循環路徑。作為北美館典藏研究與展示脈絡的重要策劃之一，「物質世界」透過大量且珍貴的館藏作品，重新梳理不同世代藝術家如何回應物質、媒介與生活經驗的轉變，也凸顯典藏作品作為時代感知與社會樣貌見證的重要性。

物質世界 Material Extensions
2026.05.01－2026.08.16
地點：臺北市立美術館 2A、2B展覽室

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