Grace Han 於台北藝術概念店推出春季首展《Carry Art into Life》，以「情感色譜」為主軸，邀請觀者透過皮件與空間色彩感受情感的流動，並在之中尋找屬於自己的平衡。

在日常快速的節奏下，我們習慣將情緒壓抑，鮮少有機會好好感受情感的形狀與重量。而在 2026 年春季，Grace Han 便以「情感色譜」為策展核心，於台北藝術概念店推出首檔展覽《Carry Art into Life》，透過皮革工藝與空間敘事，開啟一場靜謐而深層的對話，在柔軟與力量、流動與停駐之間，重新梳理情感與生活之間的關係，並尋找屬於自己的內在平衡。

以皮革為顏料，重新調和情感的日常比例

在本次展覽中，Grace Han 將品牌象徵精神的「平衡桌」轉化為一道筆直延伸的調色軸，成為貫穿整體空間的視覺主線。皮革不再只是材質，而被視為一種可被塑形、堆疊與調和的「顏料」，透過層層工藝的細膩推進，情感被轉譯為可觸、可見的色彩層次，並重新配置於日常之中。這樣的創作語彙，也讓作品回歸一種更貼近生活的狀態；尤其在春日與愛意悄然交會的時刻，每款皮件也承載著祝福與浪漫的寓意。

四種情感色彩構築流動的場域

展覽以四種象徵不同情緒狀態的色彩展開，形成一個既獨立又彼此呼應的空間結構。Romance Pink 帶出細膩溫柔的情感質地，如同低聲流動的優雅呢喃；Fortune Red 則象徵祝福與勇氣，在鮮明之中蘊含持續向前的力量；Muse Blue 作為創作的起點，呈現一種靜靜支撐萬物的內在穩定；Flirty Grey 則落在理性與感性之間，以成熟而從容的姿態，體現平衡的可能。

四種色彩透過一條貫穿全場的「平衡線」相互串聯，形成流動的情感敘事，而皮革作品如顏料般在空間中延展，使觀者不只是觀看皮件，而是走入可被感動與引發共鳴的旅程，在移動之間，慢慢對照自身的情緒狀態。

放慢腳步，讓情感走入生活

《Carry Art into Life》不僅停留於展覽形式，更延伸至可被收藏與使用的日常物件。現場同步展出呼應策展靈感的極限量包款，將藝術語言轉化為可攜帶的設計作品，讓情感不再只是片刻的觀看，而是能夠長時間陪伴的存在。每一件作品皆為限量呈現，售罄後不再復刻，使其更具時間性與獨特價值。此外，展期亦設計了專屬回饋機制，為與創作產生深度共鳴的收藏者，提供一份溫柔且私密的回應，進一步延續觀者與作品之間的情感連結。

回到創作的初衷，Grace Han 希望陪伴每一位走入空間的觀者，在日常之中，找到那恰到好處的情感平衡線，讓藝術不再遙遠，而是被提在手中，走進生活。

《Carry Art into Life》

Grace Han 台北藝術概念店（台北市大安區安和路二段 227 巷 2 號）

由臺北市立美術館策劃之台灣館「鬱卒的平面：李亦凡」，即將在2026第61屆威尼斯國際美術雙年展於義大利威尼斯普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）展出，展期為2026年5月9日至11月22日，其中5月7日至5月9日開幕當週的下午將舉辦多場公眾活動，並於5月7日晚間舉辦台灣館開幕儀式。

藝術家李亦凡 × 策展人Raphael  Fonseca

本屆威尼斯雙年展台灣館由成長於網路技術萌芽期的藝術家李亦凡與策展人哈法艾爾・馮希卡（Raphael  Fonseca）組成，在數位轉型世代的背景下，同為見證者與觀察者，透過幽默與荒誕的敘事語境，提出不同於以往的觀看視角與當代觀點。展覽最初以葡萄牙語「Melancolia de tela」構思，指涉長期使用螢幕所產生的鬱卒狀態；隨著轉譯為中英文「鬱卒的平面（Screen Melancholy）」，在不同語境中展開新的意涵。「鬱卒」回應數位時代資訊過載與人工智慧快速發展所帶來的焦慮，同時映照人在螢幕介面中逐漸被扁平化的感知經驗與情緒狀態。

策展概念從李亦凡影像創作的發展脈絡抽絲剝繭，馮希卡追溯自第一件作品《海邊散步》（2011）至本屆威尼斯雙年展新作《鬱卒的平面》（2026）的創作軌跡，觀察其影像技術的演變與敘事節奏的轉變，並延伸至對當代數位文化的思考。他亦以西方藝術史視角加以詮釋，借鑑德國藝術家阿爾布雷希特．杜勒（Albrecht Dürer）1514年的版畫《憂鬱 I》（Melencolia I），將文藝復興時期對人類處境的思考延伸至當代科技與影像焦慮的探討。

反思知識的廣度與科技焦慮的當代處境

李亦凡生於臺北，目前正於荷蘭皇家視覺藝術學院（Rijksakademie van Beeldende Kunsten）駐村。長期自製影像開發工具，發展「數位操偶」創作方法，自2021年透過即時遊戲引擎進行創作，將動畫生產轉化為更具直覺性的過程，使影像成為個人且私密的探索與後設反思；李亦凡不僅在創作中檢視自身，也揭示影像背後的權力結構，重新檢視人與影像技術之間的關係，探討影像如何形塑人類感知。新作《鬱卒的平面》呈現藝術家創作實踐的關鍵新階段，集結多年鑽研的影像技術，在機械學習生成式人工智慧的細縫中尋求人性的本質，引導觀者反思知識的廣度與科技焦慮的當代處境。

作品回應普里奇歐尼宮邸的歷史與建築脈絡

台灣館自1995年設於威尼斯普里奇歐尼宮邸，這棟建於17世紀初與總督宮相連的監獄，是過往囚犯走向即將終生囚禁的牢房前的必經之路。李亦凡試圖回應普里奇歐尼宮邸的歷史與建築脈絡，將實體場域融入影像敘事，創作出前所未見之作。當觀者觀看作品時，承載著影像、聲響與雕塑的空間容器，彷彿重新召喚身體記憶，在虛實交錯的感知之中，讓觀者體驗「既觀看、亦被觀看」的親密且具臨場感的觀看經驗。

映照千禧世代與科技之間的緊密關係

隨著步入展間，以一件長達60分鐘的全新影像裝置為核心，搭配兩件新作短影片，訴說一顆「眼球」返家的故事，探索眼球世代中個人與「影像」的層層關係，沉浸在藝術家私密的後設反思。李亦凡以一人即興讀白的口吻摻雜著教學影片的形式，提出對電腦動畫的講解與AI生成影像的思考，再延伸至「高雅」與「低俗」文化影像差異的討論，更透過不同人體器官重逢的對話，探討人工智能對人的影響。隨著劇情推進，場景不斷變換，在影片中普宮化為戲劇性的動力舞臺，交織慾望與恐懼，映照千禧世代與科技之間的緊密關係。

逐漸模糊「真實」與「數位」之間的界線

延續李亦凡長期對模型、數位操偶與模擬佈景構圖的興趣，他在實體展場內陳列著手掌、腳、頭、局部的腿與手臂等大型3D列印雕塑，與影像中角色的身體相互呼應。觀者在觀看影像的同時，也被這些誇張比例的身體碎片包圍，將空間轉化為戲劇性的後設舞台，營造出呼應著電腦生成影像的戲劇性解構場景，並可供觀眾坐下休憩，使「真實」與「數位」之間的界線逐漸模糊，展現台灣館不同以往的全新力度。

李亦凡表示：「我的創作始終源於個人情感，但這次我思考的是，這些私密情緒如何與同世代的人產生共鳴。我希望觀眾在《鬱卒的平面》中既展開一段孤獨的旅程，也共同面對這個由科技重塑、由演算法主導的世界。影像曾是如此重要，曾像是連接世界的窗戶，如今卻發現這個窗戶其實僅是一塊平面時，我們又該如何回應。」

馮希卡指出：「李亦凡透過即時引擎與建模系統等工具，解構影像生產技術的結構。當這條創作軌跡與他慣用的黑色幽默交織時，便揭示出一種在扁平螢幕前共享的憂鬱狀態。在身處於21世紀的四分之一末端，面對日益狹隘化的後虛構與數位自戀，李亦凡並未提供神奇的解方或道德化的回應，而是暗示每個人都兼具囚徒、操控者與偶的三重身分。就讓我們欣然接受這種處境的鬱卒，準備迎接如螢幕般扁平化的存在。一切才剛開始而已。」

另外，開幕當日下午將舉辦藝術家與策展人對談，分享展覽創作歷程。隨後，韓國藝術家洪銀珠（Eunju Hong）將帶來現場演出《She seemed devastated, when I was weeping with joy》，透過編舞探討憂鬱與身體動態的主題。

2026「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館 「鬱卒的平面：李亦凡」
展期：2026年5月9日至11月22日
2026年5月09日至9月30日，每週二至週日上午11 時至下午7時
2026年10月1日至11月22日，每週二至週日上午10時至下午6時
週一休館， 5/11、11/16特別開放
地點：義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni, Venice, Italy）
主題網頁：www.taiwaninvenice.org/2026

公園是大眾熟悉的日常場域，當園區樣式漸成某種模板，我們還能如何重新想像這與城市生活密不可分的「日常樂園」？公園還能怎麼綻放出如樂園般令人感到驚奇、心生嚮往的魅力？

臺北市立美術館（北美館）兒藝中心推出《造公園》特展，以「公園的奇想」為出發點，邀集9組藝術家在館內造了一座「公園」——透過錄像、聲音裝置、立體、複合媒材等多元形式的創作，邀請大小朋友打開想像和體驗「公園」的多重路徑，透過藝術重新凝視這日常生活中熟悉的場域！

親臨展場，除了會看見路燈、涼亭、遊樂器材等熟悉元素的新樣貌，還會挖掘那些過去可能不曾知曉的台灣公園趣事——游泳池常見於20世紀初的台灣公園？台北市區竟有座存有史前遺址的公園？更多有趣的新知和舊事，待你到現場解鎖。

北美館兒藝中心《造公園》陣容

策展人｜王瑋婷

參展藝術家｜石孟鑫、李鈺淇、吳燦政、明白實驗所（李明潔、李欣穎）、倪祥、陳姿尹、陳萬仁、楊雨樵與蕭聖健

從台灣第一座近代公園「圓山園區」出發

北美館地理位置鄰近花博公園，隔著中山北路的圓山園區過去即是台灣第一座近代公園——圓山公園，於1897年對外開放。園區內不僅保存著台灣重要的史前遺址——圓山文化層遺址，亦曾於1915年與1938年先後設立動物園與遊樂園。1977年，台北廣播電台遷入，此地長期作為台北重要的休憩、教育與娛樂場域，在不同歷史階段承載著城市記憶與公共角色。

《造公園》以圓山公園的歷史脈絡為前期研究基礎，透過3個子題：「形狀與感知」、「自然與建構」及「公共性與再想像」，以展覽內容包裹公園所蘊含的多重面向，引導觀眾重新思考人與自然、人與人之間的關係，並在參與及觀看之中，開啟一場與歷史之間的對話。

探索路燈、涼亭、翹翹板的有趣新貌

藝術家將公園中的路燈、遊具、涼亭、球場等元素，凝聚為「形狀與感知」，重新放大那些細微而常被忽略的片刻。石孟鑫的《 （ ） 》與《門燈柱》，將公園常見的黃色圓球柱燈擬人化，讓原本直立的柱體展現出不同姿態，賦予日常物件新的生命與空間意義。作品位於展場入口，散發溫暖的黃光，引導觀眾進入展覽空間，如同踏進公園。

陳姿尹的作品《Light up and down》以翹翹板為意象，隨著光線明暗的變化而產生傾斜，藉此向觀眾提出「光是否具有重量」的提問，喚起人們對城市生活中晝夜節奏，以及光對於身體與情緒所產生牽引的感知。

來自香港的李鈺淇將香港城市的記憶轉化為錄像裝置《遊、樂、園》，透過手繪動畫帶領觀眾穿梭於結合想像的遊樂場、行人隧道與城市角落。

從公園裡的人造自然，尋訪台灣公園往事

公園的設計規劃經常涉及人造自然，「自然與建構」子題探討其中人與自然的關係。陳萬仁的錄像作品《深邃而璀璨的憂鬱》以空拍機視角俯瞰水面，在策展脈絡上呼應1920至1930年代台灣公園相繼設置游泳池的歷史背景。作品在此成為泳者身體與時間交會的場域，重複性的動作亦為觀眾帶來平靜或不安的矛盾感受。

蕭聖健之作《月夜》以機械結構模擬自然聲響，回應科技文明與城市進程對感知經驗的改寫，使觀眾重新意識到自然如何被「重新製造」。

聲音影像裝置《公園》延續吳燦政對城市聲景的長期觀察，透過拍攝公園中不同的樹種，並結合多年累積的聲音地圖，作品中收錄風吹樹葉、蟲鳴、鳥叫與人群交談的聲音，既屬於城市，也承載個體記憶，揭示公園「存於公私領域之界」的空間特質。

在公園裡考古城市歷史

互動區及工作坊的內容，回應了圓山公園的歷史脈絡與史前文化遺址，探討了城市在文化保存與現代化之間的調適與變遷。明白實驗所的《13號兒童樂園》系列作品，以旋轉木馬意象與公園流傳的故事為起點，將舊兒童樂園與其前身「圓山動物園」的文本史料轉譯為影像裝置、身體展演與聲響物件，喚起觀眾心中跨越時間的共同記憶。

言說藝術表演者楊雨樵的《塚》以考古遺跡為靈感，觀眾可將粉筆塊投擲到特製的斜坡屋頂，粉筆在滾動與掉落的過程中發出各種聲響，藝術家將於展期間的演出活動中，如同考古學家般「挖掘」堆積的粉筆，透過遊戲、聲音與歷史的結合，引導觀眾重新感受城市與歷史，以及物質與聲響之間的微妙關聯。

倪祥的《很久以前之後》則以圓山公園的歷史為靈感，邀請觀眾參與互動，將公園常見的元素，如雕像檯座、紀念碑、樹幹轉化為意象不到的體驗方式，讓觀眾重新體驗日常空間中潛藏的奇幻與開放性。

一起想像北美館的未來樣貌！

本展特別設置「靈感草稿：公園設計」與「地底下的美術館，上面的公園」2個創作區域，邀請觀眾發揮想像力，描繪心中理想的公園樣貌。以此回應北美館正以「花博公園美術園區」為基地擴建新館的當下情境——新館的主建築位於地下層，地面則規劃為開放的公園綠地，未來將成為台北都會北區的文化綠色廊帶。透過觀眾參與，展覽得以從展場延伸至對美術館、圓山園區以及城市未來的思考與想像。

《造公園》Imagining a Park

展期｜2026.03.28－08.30

地點｜臺北市立美術館 兒童藝術教育中心

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