在移動之中,看見文明餘燼裡的城市! 專訪《燼光之城》策展人高森信男、OnlyOne Travel共同創辦人Cath Lee、攝影師Gigi Chang

「展覽跟旅行有點像,是一種短暫的離開。結束之後,你會帶走一種難以言喻、模糊、卻持續存在的感受。」忠泰美術館與與獨立策展人高森信男合作推出《燼光之城——文明之後的迴響》,試圖從不同城市經驗出發,回望文明發展背後的斷裂與流動。La Vie高森信男與OnlyOne Travel共同創辦人Cath Lee以旅行者的視角切入展覽議題,並邀請攝影師Gigi Chang分享她在非洲的第一線觀察,一同思考城市發展的矛盾、重組與再造。

➣本文選自La Vie 2026/5月號《現在還看書嗎?》,更多精彩內容請點此

談起「城市」,浮現在你腦海裡的是什麼模樣?是東京密集而有序的生活節奏、紐約銳利延展的天際線,還是巴黎交織著歷史與繁華的浪漫想像?2020年,曾於日本生活近10年的Cath離開當地旅宿產業,回到台灣投入OnlyOne Travel,以深度旅遊為核心,帶領旅人走進中南美洲與非洲的城市與角落。與此同時,長期往返德國杜塞道夫與台北、每年約有1/3時間在世界各地行走的獨立策展人高森信男,3月起則與忠泰美術館合作推出《燼光之城——文明之後的迴響》,邀集來自菲律賓、斯里蘭卡、敘利亞、羅馬尼亞、多哥、韓國和台灣等地的11組藝術家,呈現城市在發展過程中所面臨的斷裂、矛盾與不平衡。在他們眼中,城市不只是繁榮與秩序的象徵,文明也不等同於現代化與教育程度;在世界的更多角落,城市同時承載著遷移、勞動、資源分配和歷史記憶所形成的結構性困境。

(攝影:蔡耀徵)
台灣藝術家黃海欣作品取材日常生活,描繪現代都會居民的荒謬與恐懼。(攝影:蔡耀徵)

外包的成本:全球化下的城市資源不均

「在全球化的時代裡,我們在已開發國家、在大城市中看似舒適的生活背後,往往有許多人替我們承擔成本,但這些人承受了代價之後,換來的卻是偏見和歧視。」高森信男指出,當代城市的運作以及日常的消費與汰換行為,其實建立在跨國流動的資源分配與勞動體系之上。他回憶過去經常往返孟加拉時,親眼看見快時尚產業如何仰賴當地勞工長時間、低成本地生產,卻也正因為價格低廉,更容易被隨意地丟棄。「即使是被視為善意的舊衣回收,實際上在流入非洲市場後,反而進一步衝擊當地的產業。」

(圖片提供:忠泰美術館)
(圖片提供:忠泰美術館)

展覽中,由多哥音樂家Elom 20ce、台灣藝術家致穎與德國藝術家Gregor Kasper共同創作的〈貨幣—阿格博格布洛謝—戒指〉,透過錄像、攝影與回收金屬等媒材,將視角帶往位於迦納首都阿克拉的電子廢棄物聚落。作為全球最大的都市採礦場之一,阿格博格布洛謝匯集來自世界各地的廢棄電器,當地工人從中提取金、銀、銅等金屬重新販售,或製作成手工戒指與手鐲,將原本被視為無用的廢棄物,轉化為具備宗教與儀式意義的物件。

(攝影:蔡耀徵)
(攝影:蔡耀徵)

談及這件作品,Cath也以過去在非洲的旅行經驗分享,當地人往往必須以犧牲健康為代價,從事與廢棄物相關的零工,一天下來甚至賺不到幾塊美金;孩子即使接受教育,仍可能面臨飢餓等更迫切的生存問題。「他們真正的需求,和我們以為可以提供的幫助,其實是完全不同層次的。」在她看來,這樣的落差不只是生活條件的差異,更來自整體環境與資源分配的不均,卻也是難以在短時間內改變的現實。

(圖片提供:忠泰美術館)
〈貨幣—阿格博格布洛謝—戒指〉以迦納電子廢棄物聚落為背景,呈現工人從廢棄電器中提取金屬,並製作為手工飾品的過程,揭示全球資源流動背後的不對等。(圖片提供:忠泰美術館)

沒落的地標:繁華之後的城市變遷

除了全球資源的流動外,展覽亦從時間的維度切入,回望城市在不同歷史階段裡的轉變。高森信男提到,他在旅行時經常會特別關注一座城市曾經最繁華的區域,試圖想像它在「黃金年代」時的樣貌,以及如今的黯淡。Cath也分享,在她的旅行經驗中,類似的城市轉變其實並不少見。無論是工業城市,還是曾經熱鬧的觀光區,當外在條件改變時,城市的命運往往也隨之翻轉。「某種程度上是無可避免的,因為時代一直在推進。像日本曾經有許多繁華的溫泉街,但現在也隨著消費習慣改變而沒落。看到還留下來生活的人們,會有一種滿滄桑的感覺。」她說。

(攝影:蔡耀徵)
(攝影:蔡耀徵)

羅馬尼亞藝術家Sebastian Moldovan的〈巴黎計畫〉,便從這樣的角度出發,回望布加勒斯特在政治與經濟體制轉變下,從「小巴黎」走向衰退的歷程。作品中,他製作一塊寫著「告別巴黎」的路牌,穿梭於如今布加勒斯特所留下的集合住宅與殘破建築之間,並透過影像記錄這段行動,延伸對歷史、懷舊與無常的思考。

(圖片提供:忠泰美術館)
〈巴黎計畫〉中,Sebastian Moldovan手持「告別巴黎」的路牌穿梭於布加勒斯特,以行動與影像回望這座「小巴黎」在政經動盪下的歷史變遷與幻滅。(圖片提供:忠泰美術館)

而在作品〈水痕〉中,菲律賓藝術家Mark Salvatus則從馬尼拉的二手商店蒐集舊明信片,以液態溶液抹除清晰的地標與風景,暗指海平面上升等環境變遷所帶來的威脅,也引領觀者思考這些被視為固定存在的「地標」,如何在變動之中被重新定義與理解。

(圖片提供:忠泰美術館)
〈水痕〉以液態溶液抹除舊明信片上的地標影像,隱喻海平面上升與環境變遷的威脅,以及「地標」在時間與災變之中的脆弱與不確定性。(圖片提供:忠泰美術館)

流動的居所:家園與城市的再定義

如果說城市的變動來自於資源與時間的推動,那麼「家」的概念,或許正是在這些流動之中不斷被重新定義的存在。展覽中,來自菲律賓的藝術家夫妻Isabel and Alfredo Aquilizan,便以回收木材與紙板構築出一座可被不斷移動與重組的大型裝置〈居所:(在某處)另一個國家計畫〉。這些看似零散的材料,來自不同地方、不同生命經驗,在拼接的過程中形成一個暫時而開放的「居所」,也回應了當代社會中遷移、離散與勞力流動的現實。

(攝影:蔡耀徵)
〈居所:(在某處)另一個國家計畫〉以回收木材與紙板構築大型裝置,並與各地社群共同創作。透過材料的拼接與重組,回應遷移與離散經驗,呈現流動而開放的家園想像。(攝影:蔡耀徵)

長時間在不同城市間移動,也讓Cath和高森信男對於「家」有了不同的理解。Cath說:「『家』的感受,其實會隨著你走得越遠而變得更強烈,尤其當所到之處愈發遙遠、環境也相對艱困時,反而會更明顯地感受到『回家』這件事的意義。」不過她也認為,當旅行不再只是短暫停留,而成為生活的一部分,「家」也逐漸從一個具體的地理位置,轉為一種內在的安定狀態。

(圖片提供:忠泰美術館)
台灣藝術家林書楷與紐約FuturePerfect Studio創辦人Wayne Ashley共同創作的〈幻影之城〉,透過混合實境(MR)結合微縮城市模型,回應都市拆遷經驗,探討城市斷裂、記憶與重構之間的關係。(圖片提供:忠泰美術館)

高森信男則指出,並非所有的移動都來自選擇。在全球化的時代下,許多人因為經濟與政治因素被迫離開原本的生活環境,在不同城市之間流動。對這些人而言,「家」往往是一個難以穩定停留的狀態。「這也延伸出另一個重要的提問:究竟誰才是真正構成一座城市的居民?」他補充道。回到「城市」,或許會發現,它從來不只是那些繁華的天際線或街道景觀,也存在於世界各個不同的角落,隱含著被忽略的斷裂、矛盾與不平衡;它由無數個體的移動、記憶與選擇所構成,並在不斷變動的關係之中,持續被改寫。

(攝影:蔡耀徵)
(攝影:蔡耀徵)

高森信男
獨立策展人、北藝大兼任助理教授。長期關注亞洲跨文化與現當代藝術發展,策展多聚焦少數族裔、跨域、歷史記憶與地方性等議題。曾以《海洋與詮釋者》獲第21屆台新藝術獎視覺藝術獎。

Cath Lee
OnlyOne Travel共同創辦人、旅遊策展人。深耕日本旅遊產業7年,於2020年返台後創立OnlyOne Travel。憑藉對旅遊細節的極致要求與對未知的渴望,將目光投向中南美洲與非洲,致力於為旅人打造一生一次的極致深度體驗。

【來自非洲的第一手觀察】攝影師Gigi的城市筆記

我在奈及利亞時,有一次帶貧民區的朋友到當地的富人區,那是一個過橋即可抵達、像島一樣的地方。讓我很難以理解的是,他們從來沒有跨過那座橋。表面上,城市發展帶來了移動自由,但實際上,人們卻被某種無形的界線禁錮著。

(圖片提供:Gigi)
(圖片提供:Gigi)

在非洲多數國家中,貧富差距是非常直接的:從高樓大廈步行5分鐘,望眼一片貧民窟。發展與貧窮並不是線性的,而是並置、甚至是衝突 的。許多國家投入資金蓋高樓、建大橋,但這些建設和當地人民的生活沒有連結,多數人的處境從未真正改善,反而讓落差變得更加明顯。同時,多數非洲國家的人口流動問題也相當嚴重。

年輕人們離開村莊,擠進城市裡環境惡劣的貧民窟,抱著希望尋找機會,卻承擔著極低的成功率;他們對城市並不熟悉,不理解這整套運作邏輯,卻被迫在其中生存。

(圖片提供:Gigi)
(圖片提供:Gigi)
(圖片提供:Gigi)
(圖片提供:Gigi)

殖民奪走了原本的語言、制度與生活方式,留下一套外來的標準,去衡量什麼是「進步」、什麼是「文明」。我也曾經以為非洲是一片極度貧窮、危險的大陸,但當真正走進其中時,感受到的卻是全然的歡迎。我和當地的人們建立關係,過著很真實、很緩慢、很快樂的生活。在非洲的這4年多來,我才發現很多所謂的「貧窮」或「險惡」,其實都是已開發國家的投射,是主流媒體建構出來的樣貌。現在觀看任何城市、文明或文化時,我變得更開放,也不再帶著預設立場去評斷。在沒有真正走進那個地方、與當地人交流之前,永遠無法了解那裡真實的樣子。

(圖片提供:Gigi)
(圖片提供:Gigi)
(圖片提供:Gigi)
(圖片提供:Gigi)

Gigi Chang

攝影師,2000年生。22 歲時隻身前往肯亞擔任志工教師,從此展開長達4年多的非洲旅居生活。

導覽報名中!跟著策展人從旅行視角重返城市

翻開城市繁榮秩序的表象,文明背後是承載歷史與資源的矛盾角力,我們該如何重新觀看「城市」?《La Vie》攜手忠泰美術館,邀請《燼光之城——文明之後的迴響》策展人高森信男親自導覽,帶領讀者深入城市的歷史脈絡,一起走入文明發展背後的重組與再造。

導覽將從藝術家所在的城市故事切入展覽,透過來自菲律賓、敘利亞、韓國、台灣等地11組藝術家作品,以影像、裝置、當代藝術創作重新感受城市留下的痕跡與餘燼。跟隨策展人的視角,將看見那些隱藏於文明表象之下的真實故事,重新思考我們與城市、歷史與世界的關係。導覽名額有限!千萬別錯過!

(圖片提供:La Vie)
(圖片提供:La Vie)

《燼光之城一文明之後的迴響》策展人導覽:從旅行視角重返城市|La Vie美感俱樂部X忠泰美術館

活動日期|2026.05.23(六)15:00~16:00

集合地點|忠泰美術館 一樓服務台(臺北市大安區市民大道三段178號)

導覽講者|高森信男 《燼光之城一文明之後的迴響》策展人

活動流程|14:45~15:00 觀眾報到+寄物
                   15:00~16:00 展場導覽
                   16:00~ 導覽結束,自由參觀

報名方式|全程免費,名額有限,請把握機會!

報名時間|2026.05.15(五)中午12:00起至額滿為止

更多精彩內容,請見 La Vie 2026/5月號《現在還看書嗎?》

文|葉欣昀 攝影|蔡耀徵 圖片提供|忠泰美術館、Gigi Chang

「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」11月中美館登場!匯聚大衛・霍克尼、畢卡索、安迪・沃荷等34位藝術巨匠作品
「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」11月中美館登場!大衛・霍克尼、畢卡索、安迪・沃荷等34位藝術巨匠作品

由臺中市政府與國巨基金會共同主辦的國際特展「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」,將於今年11月在臺中市立美術館登場。本次展出精選自國巨基金會典藏、共計66件橫跨文藝復興至當代的東西方經典作品,其中有55件作品首度於臺灣公開展出。早鳥票將於10月15日上午9時起至11月19日限時販售。

集結34位國際藝術家作品

本次「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」集結34位參展藝術家,涵蓋丁托列托(Jacopo Tintoretto)、阿爾泰米西婭・簡提列斯基(Artemisia Gentileschi)、 古斯塔夫・克林姆(Gustav Klimt)、巴布羅・畢卡索(Pablo Picasso)、馬克・羅斯科(Mark Rothko)、安迪・沃荷(Andy Warhol)、大衛・霍克尼(David Hockney)及傑夫・昆斯(Jeff Koons)等國際知名藝術家。展覽透過跨時代、跨媒材的作品並置,重新探討理性、本能等議題,邀請觀眾從不同時代作品的相互映照中,以嶄新的視角重新觀看藝術史上重要的藝術家經典作品。

國際特展「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」,將於今年11月在臺中市立美術館登場。(圖片提供:中美館)
國際特展「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」,將於11月在臺中市立美術館登場。(圖片提供:中美館)

以寓言隱喻開啟新的觀看方式

本展由常駐紐約的菲利普・拉瑞特-史密斯(Philip Larratt-Smith)策劃。他現任伊斯頓基金會(The Easton Foundation)策展人,負責路易絲・布爾喬亞(Louise Bourgeois)藝術遺產相關策展工作,近年曾策劃上海龍美術館的路易絲.布爾喬亞大型回顧展等著名藝術家國際展覽。

展名「蠍子與青蛙」源於一則俄國寓言,講述蠍子請求青蛙載牠渡河,卻因無法違背本性,在渡河途中螫傷青蛙,最終雙雙沉沒的故事。青蛙象徵理性與道德,蠍子則代表欲望、命運與人性。策展人以俄國寓言「蠍子與青蛙」為隱喻,並以「身心之別」作為選件的核心原則,將不同時代、文化與媒材的作品編排成20組對話,藉由故事中理性與本能的辯證,展開跨越時空的藝術對話。展覽從作品之間的視覺呼應與意義關聯出發,呈現不同作品如何彼此回應、重新詮釋,引導觀眾思考理性與本能、身體與心智之間的關係。 

策展人菲利普.拉瑞特-史密斯(Philip Larratt-Smith),(圖片提供:Philip Larratt-Smith)
策展人菲利普.拉瑞特-史密斯(Philip Larratt-Smith),(圖片提供:Philip Larratt-Smith)

從作品並置探索人性多重面貌

策展人將20世紀最具影響力的人物畫家法蘭西斯・培根〈教宗習畫之六〉(Study for a Pope VI)與文藝復興晚期威尼斯畫派最具代表性的藝術家之一丁托列托所繪的〈樞機主教馬坎托尼奧.達.穆拉肖像〉(Portrait of Cardinal Marcantonio da Mula)並置於同一展間。培根以扭曲、變形的人物形象重新詮釋傳統宗教肖像,呈現人物內在的不安、焦慮與精神張力,也使其「教宗系列」成為20世紀藝術史的重要經典。策展人將這組相隔4個世紀的畫作並置於同一展間,凸顯了丁托列托筆下寫實與客觀的教宗權威形象,並與培根作品中所呈現的心理張力形成鮮明對照。

法蘭西斯・培根〈教宗習畫之六〉,1961,152.5 x 116.8 公分,油彩、畫布 © 2026 The Estate of Francis Bacon. All rights reserved. DACS
法蘭西斯・培根〈教宗習畫之六〉,1961,152.5 x 116.8 公分,油彩、畫布 © 2026 The Estate of Francis Bacon. All rights reserved. DACS
丁托列托〈樞機主教馬坎托尼奧.達.穆拉肖像〉,1562-63,185 x 101.5 公分;含框 211 x 127 x 10 公分,油彩、畫布。
丁托列托〈樞機主教馬坎托尼奧.達.穆拉肖像〉,1562-63,185 x 101.5 公分;含框 211 x 127 x 10 公分,油彩、畫布。

常玉〈裸女背像〉與馬克・羅斯科〈第7號〉(No.7,1951)及〈無題〉(Untitled,1955)3件作品並置,展現兩位藝術家在形式上的巧妙對照。常玉以水平分界構成畫面,運用粉紅與橙紅色調,與羅斯科畫中的白色與橙色相互輝映,其細膩而纖柔的筆觸,也與羅斯科作品中色塊邊緣柔和而富有變化的效果相近。兩位藝術家皆以色彩為重要的表現元素,而常玉畫作中流露的靜謐,也與羅斯科試圖透過作品表達的精神境界形成呼應。 

常玉, 〈裸女背像〉, 1929, 油彩、畫布, 45 × 81 cm, 含框 58 × 94 × 5 cm
常玉, 〈裸女背像〉, 1929, 油彩、畫布, 45 × 81 cm, 含框 58 × 94 × 5 cm
馬克.羅斯科, 〈第7號〉, 1951, 油彩、畫布 
, 240 × 139 cm, 含框:246.4 × 144.8 × 7cm 
© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York
馬克.羅斯科, 〈第7號〉, 1951, 油彩、畫布 , 240 × 139 cm, 含框:246.4 × 144.8 × 7cm © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York

另一組作品則從家庭與生命記憶出發,將格哈德・里希特(Gerhard Richter)〈瑪莉安阿姨〉(Aunt Marianne,1965)與路易絲・布爾喬亞(Louise Bourgeois)〈蜘蛛〉(Spider,1994)相互對照。里希特以一張家庭照片為創作基礎,描繪阿姨瑪莉安與仍在襁褓中的自己,看似溫馨的家庭影像背後,卻隱含瑪莉安日後遭納粹「安樂死」計畫殺害的家族創傷。出生於掛毯修復家庭的她,將母親修補織物的工作與蜘蛛織網的意象相連,並延伸成修復、保護與母職的意涵。兩件作品看似迥異,卻皆以隱晦的方式梳理著自我與家庭的連結:里希特的畫作呈現家族歷史與社會、政治創傷的交會,而布爾喬亞的雕塑是母子關係的象徵性再現,同時也是對藝術家所稱「家庭病毒」(the family virus)的隱晦指涉。 

格哈德.里希特, 〈瑪莉安阿姨〉, 1965, 油彩、畫布, 100 × 115 cm, 含框:102 × 117 × 3 cm© Gerhard Richter 2026 (0188)
格哈德.里希特, 〈瑪莉安阿姨〉, 1965, 油彩、畫布, 100 × 115 cm, 含框:102 × 117 × 3 cm© Gerhard Richter 2026 (0188)
路易絲.布爾喬亞, 〈蜘蛛〉, 1994, 青銅、硝酸銀、棕色銅鏽、花崗岩, 274.3 × 457.2 × 378.5 cm© 2026 The Easton Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
路易絲.布爾喬亞, 〈蜘蛛〉, 1994, 青銅、硝酸銀、棕色銅鏽、花崗岩, 274.3 × 457.2 × 378.5 cm© 2026 The Easton Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

霍克尼雙人肖像首度在台亮相

本展另一件點睛之作,則是今年辭世的英國藝術家大衛・霍克尼的雙人肖像〈克里斯多福・伊舍伍德與唐・巴查迪〉(Christopher Isherwood and Don Bachardy)。此作為霍克尼備受推崇的雙人肖像系列代表作之一,亦是首次在臺灣公開展出的重要作品。霍克尼細膩地描繪英國作家克里斯多福・伊舍伍德(Christopher Isherwood)與其伴侶的情感關係,畫面採取古典式構圖,畫中的戀人各自獨立、相隔而坐,卻又彼此相依,巧妙映照出本展理性與本能相互消長的核心命題。

大衛・霍克尼〈克里斯多福・伊舍伍德與唐・巴查迪〉,1968,212.1 x 303.5 公分,壓克力、畫布 © David Hockney. Photo credit: Jonathan Wilkinson.
大衛・霍克尼〈克里斯多福・伊舍伍德與唐・巴查迪〉,1968,212.1 x 303.5 公分,壓克力、畫布 © David Hockney. Photo credit: Jonathan Wilkinson.

世界級名作走進中美館

另外,本次展覽匯集多件橫跨不同時代的藝術名作,呈現藝術家各具特色的創作語彙。巴洛克時期重要女性藝術家阿爾泰米西婭・簡提列斯基(Artemisia Gentileschi)〈沉思中的抹大拉馬利亞〉(Mary Magdalen in Meditation)描繪沉浸於冥想中的抹大拉的馬利亞,十字架、骷髏與《聖經》等物件環繞其側,透過豐富色彩與強烈明暗對比,展現女性角色的自主性與意志。古斯塔夫・克林姆〈扶手椅上的女士 〉(Dame im Fauteuil)創作於1897至1898年間,是其藝術發展的重要作品,見證他逐漸擺脫學院派傳統、轉向更具實驗性的表達,並首度採用日後經常使用的正方形畫幅。畫中女子身著深紅色洋裝與帽子,臉部輪廓清晰,腰間的綠色與畫面左上方的兩張隱約臉孔,更為作品增添視覺層次與神祕感。 

阿爾泰米西婭・簡提列斯基, 〈沉思中的抹大拉馬利亞〉, 1610s-1620s, 油彩、畫布, 156 × 117 cm, 含框 175 × 137 × 6.5 cm
阿爾泰米西婭・簡提列斯基, 〈沉思中的抹大拉馬利亞〉, 1610s-1620s, 油彩、畫布, 156 × 117 cm, 含框 175 × 137 × 6.5 cm
古斯塔夫.克林姆, 〈扶手椅上的女士〉, 1897–98, 油彩、木板, 52 × 52 cm
古斯塔夫.克林姆, 〈扶手椅上的女士〉, 1897–98, 油彩、木板, 52 × 52 cm

進入20世紀現當代藝術,畢卡索(Pablo Picasso)〈男子頭像〉(Tête d'Homme)創作於1971年,以灰色、赭色與淺藍等色彩構成錯落的人物面部,搭配紅白相間的頭帶與張開的嘴,呈現藝術家晚年自由奔放的創作風格。安迪・沃荷(Andy Warhol)〈自畫像(驚悚假髮)〉(Self-Portrait (Fright Wig))以深黑背景襯托面容與極具辨識度的銀色假髮,將個人形象轉化為鮮明的視覺標誌,展現他對公眾形象的經營。傑夫・昆斯(Jeff Koons)〈氣球狗(紅) 〉(Balloon Dog (Red) )將平易近人的氣球造型放大至紀念碑式尺度,以光亮如鏡的表面映照周遭環境與觀者身影,將尋常物件轉化為引人注目的當代藝術作品。 

巴布羅.畢卡索, 〈男子頭像〉, 1971, 油彩、畫布, 81 × 65 公分, 含框 102 × 86 × 10 cm © Succession Picasso 2026
巴布羅.畢卡索, 〈男子頭像〉, 1971, 油彩、畫布, 81 × 65 公分, 含框 102 × 86 × 10 cm © Succession Picasso 2026
安迪.沃荷, 〈自畫像(驚悚假髮)〉, 1986, 壓克力彩、絹印油墨、畫布, 203.2 × 203.2 × 5.08cm, 含框 205.1 × 205.1 × 5.1 cm © 2026 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Licensed by DACS, London.
安迪.沃荷, 〈自畫像(驚悚假髮)〉, 1986, 壓克力彩、絹印油墨、畫布, 203.2 × 203.2 × 5.08cm, 含框 205.1 × 205.1 × 5.1 cm © 2026 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Licensed by DACS, London.
傑夫.昆斯, 〈氣球狗(紅)〉, 1994-2000, 彩色透明塗層、無縫鏡面拋光不銹鋼, 307.3 × 363.2 × 114.3cm © Jeff Koons, Photo: Mike Bruce, Gate Studios; Courtesy the Royal Academy of Arts, London
傑夫.昆斯, 〈氣球狗(紅)〉, 1994-2000, 彩色透明塗層、無縫鏡面拋光不銹鋼, 307.3 × 363.2 × 114.3cm © Jeff Koons, Photo: Mike Bruce, Gate Studios; Courtesy the Royal Academy of Arts, London

早鳥優惠10/15起限時販售

「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」早鳥票將於10月15日上午9時起至11月19日限時販售,每張200元(原價300元)。票券依平日、假日提供不同選擇,平日採非預約票入場,假日及國定假日為維護觀展品質推出「假日預約時段票」,觀眾可選擇「假日預約時段票」或「非預約票」。預約時段票可事先選定觀展時段,並可由「優先通道」排隊優先入場;非預約票則無須預先指定時段,惟假日及國定假日須於「一般通道」待預約時段票入場結束後,依現場安排入場,讓觀眾可依行程規劃參觀時間。票券皆可於綠美圖1樓服務檯售票櫃檯及官方網站購買,非預約票另可透過KKday、Klook、GetYourGuide、Trip.com、易遊網、雄獅、ibon、Famiport、中台灣好玩卡等平臺選購。

⭣完整票價資訊可點擊下方官方IG查詢

蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展
時間:2026年11月20日至2027年4月4日
地點:臺中市立美術館|展覽室D、E
開放時間:每週二至週日9:00-17:00、每週六9:00-20:00,國定假日照常開放
早鳥票定價200元 (10月15日上午9時起至11月19日下午4時30分限時販售)
售票連結請點此

資料提供|中美館、文字整理|Adela Cheng

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《C-GRAPHIC/TAIPEI》源自後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》一書,其中「C」代表「Chinese」,從漢字文化圈出發觀察當代華語平面設計;發展成展覽時,則進一步聚焦於使用繁體中文的城市「台北」,並選擇1980至1990年代出生的設計世代作為主要觀察對象。展覽除了呈現海報、出版物、品牌識別與影像等作品,也試圖理解設計師如何學習、生活、受到什麼影響,以及這些創作如何與城市文化及社會脈絡相互交織。

《C-GRAPHIC_TAIPEI》集結15組台北設計師與團隊,以鮮明色彩與多元媒材呈現當代平面設計跨越視覺藝術、文化與日常生活的創作樣貌。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
《C-GRAPHIC_TAIPEI》集結15組台北設計師與團隊,以鮮明色彩與多元媒材呈現當代平面設計跨越視覺藝術、文化與日常生活的創作樣貌。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
圖左為毛灼然(圖片提供:毛灼然)圖右為後藤哲也(攝影:倉科直弘)
圖左為毛灼然(圖片提供:毛灼然)圖右為後藤哲也(攝影:倉科直弘)

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策展人如何觀看這座城市?

對後藤哲也而言,觀看台灣設計的起點,可以追溯至聶永真、王志弘等較早一代設計師,從設計介入公共議題,到漢字、日文與出版設計之間的重新詮釋,都讓他看見台灣平面設計與社會、文化之間緊密的連結。後藤哲也表示:「台灣的年輕世代設計師,常有機會直接參與政府、公共及大型文化活動的主視覺,展現出個人工作室與公共性高度對話的獨特動能。」而對毛灼然來說,他則認為:「風格極其多元且不受拘束。正如展覽主視覺所呈現的,我們大膽運用了呼應台灣『廟宇、夜市、煙火』等在地生活風景的強烈色彩組合,精準體現了當代台北新生代設計不墨守成規、敢於碰撞與實驗的視覺能量。」

展覽主視覺(圖片來源:後藤哲也、毛灼然)
展覽主視覺(圖片來源:後藤哲也、毛灼然)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

首度跨出日本、落腳台北

 《C-GRAPHIC/TAIPEI》展覽首度跨出日本,首站即選擇台北作為落腳處,並非將原有內容原封不動地移植,而是重新回到這座曾經被「觀看」的城市,讓展覽內容更加多元豐富。台北站除原有10組設計師外,進一步擴充至15組,透過不同世代、文化背景與創作方法的交會,呈現更加豐富多元的設計樣貌。展覽不僅呈現了當代台北平面設計的多元創作光譜,也讓觀眾能從不同視角,理解設計如何回應城市文化、社會議題與日常生活,並深入認識當代創作者在不同媒介與領域之間持續探索的實踐樣貌。

展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

同步展出《gggBooks》世界設計典藏

 除了聚焦台北當代平面設計,本次展覽也將觀看視角從台北延伸至世界,展出近40冊由公益財團法人DNP文化振興財團出版的《gggBooks》(World Graphic Design Series/世界平面設計系列)。《gggBooks》系列迄今已累積發行147輯,被譽為一座「微型畫廊」,精選收錄了日本及海外頂尖平面設計師的代表作,匯集充滿獨特個性的視覺內容。本次展覽是台灣首次有系統、大規模地展出此系列叢書,讓觀眾除了能欣賞台灣平面設計師的作品外,也能透過這些書頁窺見世界的設計脈動。

展覽特別展出近40冊由公益財團法人 DNP 文化振興財團出版的《gggBooks》世界平面設計系列,透過日本與國際設計師的代表作品,帶領觀眾探索世界平面設計的創作脈絡。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展覽特別展出近40冊由公益財團法人 DNP 文化振興財團出版的《gggBooks》世界平面設計系列,透過日本與國際設計師的代表作品,帶領觀眾探索世界平面設計的創作脈絡。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

匯聚多位 AGI 台灣會員

值得一提的是,本次策展及參展陣容中,更匯聚多位國際平面設計聯盟 AGI(Alliance Graphique Internationale)會員。AGI 於1952年成立於巴黎,被視為國際平面設計界極具代表性的專業聯盟,會員須經現任成員推薦、審查及投票通過,70多年來全球僅有約500位設計師獲選。此次策展人毛灼然,以及參展設計師葉忠宜、HOUTH何婉君、洪彰聯皆名列其中;在台灣目前僅10位正式會員的情況下,本展即集結其中3位台灣會員,展現2020年代台北平面設計在國際設計脈絡中的能見度與創作實力。

展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
《C-GRAPHIC/TAIPEI》展覽特別規劃「設計小賣所」,精選參展設計師相關出版品與設計商品,讓觀眾將台北平面設計的創作能量延伸至日常生活。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

C-GRAPHIC/TAIPEI

展期|2026年10月8日-11月9日
時間|週日-週四 11:00–21:30;週五-週六 11:00–22:00
地點|NOKE 忠泰樂生活 3F Uncanny|台北市中山區樂群三路200號 (捷運劍南路站)
票價|NT$100(限 Uncanny 現場購票)

資料提供|NOKE忠泰樂生活、文字整理|Adela Cheng

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