來趟時尚版「愛麗絲夢遊仙境」之旅！自2015年環遊全世界展出的愛馬仕Hermès《奇境漫遊WANDERLAND》展覽，遍歷倫敦、巴黎、首爾和上海後，終於巡迴至台北並將成為展覽最終站。

本次《奇境漫遊》展覽以19世紀正值夢幻重生的巴黎為背景，透過匠心巧思構建11個獨立而又融會貫通的空間，展出甄選自Émile Hermès珍藏系列、愛馬仕檔案館系列以及當代系列作品，盼望用純粹法式精神帶領觀覽者近距離感受時間的價值與藝術品背後的不凡故事。現在趕緊跟著La Vie來看看這次展區「非看不可」重點！

拿著圓鏡手杖閒情漫步

在這個時尚迷不容錯過的藝術大展中，將獲得一根有著特殊圓形鏡面的手杖，並在展覽中扮演不可或卻的重要角色，讓你得以窺見愛馬仕是如何完美將時尚、藝術與當代數位科技巧妙地做出結合，當踏進作為展覽起點的「閒情漫步」房間時，時間魔法彷彿悄悄地施展啟動，在著個點點光芒閃爍搖擺的展間，以18段拍攝於19世紀末至現代的電影短片為主，跨越時光的美麗濃縮了今昔巴黎最為迷人的風情。

純白手杖房

追隨召喚，好奇心驅使著步伐穿越由幻想構築的願望叢林，旋即邂逅漫步的最佳伴侶——手杖。在此展區，由藝術家Ugo Gattoni所繪製選料考究、功能各異的手杖們，紀錄了自19世紀以來行者的選擇與漫步的變遷。而伴隨著每根別具特色的手杖，旁邊更有巴黎歌劇院首席舞者以舞蹈演繹當代漫步者的生動短片，展示法式優雅幽默。

衣櫥

穿過手杖區，隨之進入的是巴黎福寶大道24號愛馬仕專賣店的特別訂製櫥窗。一系列以漫步為靈感的傑作、愛馬仕當代男女服飾系列與配件，以及來自以再造生命為理念的Petit h 工坊所創作的摺紙藝術兔子雕塑作品皆陳列其中。

左右兩方各自代表著男、女衣櫥，他是懂得打扮的愛好者，而她則是癡迷於包包的時尚控。場區更將隨著燈光變換為白天與黑夜，而牆上的馬兒裝置更有別具巧思的小舉動！

十字路口、顛倒燈柱廣場

環顧四周，可以到看富有幽默感的交通標示，牆上出自愛馬仕絲巾的圖案牆揭示了漫步巴黎過程中可能會邂逅的各種景色。穿過十字路口，來到「廣場」即可發現五顏六色的手提包隨興地擺放在一根柱子裡，這是巴黎街頭常見用來張貼廣告的莫里斯廣告柱。

房間的另一特色則是藝術家Emmanuel Pierr所繪製十分天馬行空的音樂會海報和插畫，讓昔日似水年華與今日巴黎的新面貌躍然於插畫上。另外，你會發現空間像是被倒置一般，顛倒的街燈中的燈泡被手錶取而代之，相當趣味。

雨後

巴黎多變天氣是漫步過程中時常遇到的小插曲，「雨後」咖啡館地板的小水窪是藝術家Nicolas Tourte名為水窪的數位藝術裝置。水窪後擺放著一輛名為「漫步者」的愛馬仕自行車。
 

忘物咖啡館

你遺失了什麼？在「忘物咖啡館」中，舊物安靜地沐浴在斜射的光線中，靜心細觀這些物品，欣賞讓巴蒂斯特瑪律科隱秘的數字動畫和藝術家Nicolas Tourte的影片，全心沉浸在咖啡館的獨特氛圍中。
 

走廊

瓷器店裡居然有一隻大象？肆無忌憚的寵物店、愛馬仕骨董店......各種舊時代與新時代的有趣物品店鋪，全都在帶頂棚的拱形「走廊」中！此處物品的有趣之處在於它們來自不同時代。如：古董店櫥窗中的陳列品大多來自19世紀出自Émile Hermès的珍藏而；擺於寵物店櫥窗中的現代物品則出自2006至2015年。

街頭藝術家 x 羅浮宮車站

為了更貼切地闡釋漫步的真諦，純粹地展示一段能夠引起台灣漫步者共鳴的旅程，本次展覽還特別邀請了台灣街頭藝術家－紀人豪，為展覽精心創作塗鴉壁畫《再生者》。藝術家來到了巴黎的街頭，走進一個能穿梭時空的「羅浮宮」車站，鴿子、大象、人類、樹木，急急忙忙地呼嘯而過，就像源源不絕的靈感前仆後繼衝向自己。創作的生命能量，透過心臟的幫浦，自然地流動在這座神奇的車站內，像是墜入夢幻的時空，走進藝術家的內心世界。

間諜之眼

從街頭風的羅浮宮站下車後，緊接著映入眼簾的這幢敞開窗戶的歐風小屋，無不讓人想打開「間諜之眼」往裡頭一探究竟。藝術家Peter Keene和Piet.s0所打造的這間有「生命力」的房間，是一間俄羅斯流亡公主的客廳。旅行箱裡裝有公主收集來的那些充滿魔力的物品，妝點在她的私人空間內。
 

家

走過了一段「奇境漫步」，最終將以「家」為旅程畫上句點。房間內的每一條路都將引領著回家之路。眼前是一座裝飾華美、具有巴黎風格的視覺動畫效果大門，藝術家Ugo Gattoni的黑白繪畫在Sigmasix新媒體設計公司的傾力打造下美輪美奐地呈現！

想在台北遇見最純粹的法式優雅風情，甚至感受漫步在巴黎的氛圍，不妨親自走訪愛馬仕《奇境漫遊》展覽，用最時尚與藝術性的方式貼近這個擁有悠久百年歷史的品牌與巴黎文化，至於展覽還有哪些等待你挖掘的美妙事物，只待你親身前往體驗享受囉！

Info | 愛馬仕「奇境漫遊」展覽

展覽期間｜2017/09/23 (六) ~ 2017/10/15 (日)

展覽時間｜每日11:00~20:00

入場資訊｜免費入場

展覽地點｜松山文創園區2號、3號倉庫 

Via / Hermes

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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