快時尚、高端設計、街頭潮牌的大亂鬥!你一定要懂得的經典聯名

快時尚、高端設計、街頭潮牌的大亂鬥 你一定要懂得的經典聯名

時尚跨界聯名的歷史,從2001年巴黎女裝秀上,山本耀司和Adidas合作的「Y-3」系列開始,歷經多年變革,來到這幾年達到顛峰的平價時尚聯名潮;而UNIQLO正是近年為這股趨勢加添柴火的主角。其以品牌DNA「LifeWear」為概念,將設計師聯名系列從限量改為常態化,讓時尚跨界聯名在漫長的隧道找到出口,看到了光芒和新意。

 

過去面對快時尚品牌競爭白熱化的局面時,UNIQLO曾選擇透過漲價提高品牌位階,同時以副牌GU搶佔年輕低單價市場。然而2016年UNIQLO社長柳井正卻坦言:「漲價的商品並未讓消費者認同。」因此決定恢復漲價前的價格,並依賴以多取勝的設計師聯名項目來迎戰。

 

在全球市場經營的戰略上,UNIQLO自知不如H&M和Zara擁有傲人的設計團隊、快狠準的行銷策略、以及歐美市場的豐富經驗。為了彌補太多基本款和設計時尚感不足的品牌印象,UNIQLO快馬加鞭,自2008年和Alexander Wang合作推出「Alexander Wang for UNIQLO」系列起,聯名合作就不曾間斷。這股衝勁在2016年達到高峰,每個月幾乎都有聯名商品上架。

 

但真要說起快時尚聯名,不論銷售額或話題的火爆性,還是H&M最成功。2004年起H&M每年一次和設計師聯名的膠囊系列起跑,合作名單從STELLA MCCARTNEY、VIKTOR&ROLF、法國針織老牌SONIA RYKIEL、JIMMY CHOO、川久保玲等大咖一字排開,每次都讓粉絲大排長龍等著朝聖。主因是它懂得「飢餓行銷」,以店面配額制銷售,消費者必須排隊搶購才能獲得,這也造就了每聯名必熱銷的市場保證。然而,UNIQLO卻反其道而行,讓跨界提升至另一高度,打著時尚民主的名號,擴大生產量,使設計師聯名變為常態化,並強調合作需在概念上和品牌的DNA「Lifewear」相符。UNIQLO研發與設計負責人勝田幸宏就表示:「UNIQLO有認識很多頂尖設計師的機會,是否能進一步合作則視兩方是否有同樣的理念。我們以高品質和合理的價格,提供每日都能穿著的舒適服裝。」

 

此舉乍看讓UNIQLO出現聯名系列未能一上市就賣光,甚至需要折扣促銷的情況,實際上,卻是一種對歐美市場的行銷測試。再者,針對各階層顧客提出不同的設計風格,以常態販售取代限量發行,也能培養顧客對聯名系列的忠誠度。今年就證明這項策略讓業績再度成長,大獲成功的U系列和UT系列,也成為UNIQLO繼續挑戰美國、歐洲市場擴張計畫中的重要環節。

 

亂聯就是潮:VETEMENTS

時尚界的目光近來都只盯著一個牌子—VETEMENTS。這個由Balenciaga創意總監Demna Gvasalia和弟弟Guram所創的品牌,在2017年春夏時裝秀上,一口氣推出和18個品牌的聯名系列!看來混亂的大跨界,讓人模糊了品牌位階,卻證明VETEMENTS可以和世上萬物聯名,沒有什麼不可能。無極限的聯名,造就了一場時尚革命,試圖把高端時尚從神聖的祭壇上抓下來。這股勇氣獲得許多重量級媒體的高度讚賞。《BoF》就指出:「這是場名叫VETEMENTS的革命!」它玩聯名幾乎到了惡趣味的地步,只是把合作品牌的商品稍微改造,不是尺寸超大就是超小,附上加長袖管之類的「創新」,就可賣到比原商品貴好幾倍的價錢。18個系列中,最受推崇的就是和美國運動品牌Champion的合作,後者的商標被惡搞,像仿冒的商標放在帽T的袖管上,但這種惡趣味卻讓Champion變身時尚潮牌。另外像和REEBOK「InstaPump Fury」聯名的球鞋,也只是在鞋上隨意塗鴉「I want more」、「I´m bored」的字樣,一推出卻潮爆IG的時尚論壇。這種盛況讓很有商業腦袋的TOMMY HILFIGER宣布和VETEMENTS合作,幾乎如出一徹地複製VETEMENTS的設計,一款聯名帽T叫價1,200美金,潮迷們照樣買單。

 

LV向街頭時尚叩首

今年奢侈品龍頭LV和美國潮牌Supreme推出LOUIS VUITTON X Supreme系列,開賣時著實造成全球各大城市搶購的熱潮。除了東京快閃店賣到缺貨,美國快閃店也怕應付不了人潮而喊停。Supreme這次完全讓LV男裝藝術總監全權負責設計,LV經典Monogram配上了代表Supreme的紅白色,幫LV另闢了一條支線。合作產品從手袋、手機殼、帽子到開瓶器都有。這項創舉外界的評價兩極,有人認為Supreme破壞了品牌街頭文化的特質,但另一方面,也因這次的聯名,讓奢侈品牌向街頭文化取經,高端和街頭越來越接近,消弭時尚階級的界線。時尚聯名了20多年,終於找到另一種新意――真正的時尚來自街頭。

 

越過顛峰,隨之而來的是下滑?

然而,這股多年的聯名熱潮最近卻逐漸退燒。《BoF》指出,隨著和這些超級品牌的合作,H&M自身的品牌好像不重要了。例如今年邀請Erdem Moralioglu跨刀,或許是Erdem的知名度還是不及前面幾位來的高,在兩大社交媒體Twitter和Instagram的關注度,明顯較前幾位設計師減少一半。但除此之外,跨界商品不斷推陳出新,導致消費速度加快,也造成消費者對時裝產業的不滿,和對聯名系列的倦怠感。雖是如此,聯名卻永不停止。例如今年秋冬,巴黎至尊選品店Colette熄燈在即,H&M首次破例和零售商合作,究竟會撞出什麼樣的火花,還是可以讓我們期待一番。

 

4個最具話題的UNIQLO聯名!

+J系列
翻開UNIQLO的聯名記錄,你一定會訝異不同領域的設計師和時尚繆思都在內。包括德國極簡大師Jil Sander、Alexander Wang、Lulu Guinness、法國版穿著Prada的惡魔Carine Roitfeld、謬思女神伊內絲‧法桑琪(Ines de la Fressange)、以及JW Anderson。2009年和Jil Sander合作的+J系列,讓UNIQLO從生產價格便宜的基本款,轉為製作更高質量的服裝,而非Zara和H&M之類的快時尚,這是品牌策略的大轉向,並在歐美市場成功打響名號。論質料、作工和價格,+J系列堪稱平價和設計師品牌合作的經典案例,尤其強調實穿性和極簡的設計感,已然超越Jil Sander自身品牌。

 

Christophe Lemaire系列

繼+J系列之後,近年UNIQLO和HERMÈS設計總監合作的Christophe Lemaire系列,替前者再創聯名高峰。UNIQLO和Lemaire早在15年就先推出「UNIQLO AND LEMAIRE」系列,能以平價買到HERMÈS的質感設計,即大受市場歡迎。2016年更打破窠臼,宣布Christophe Lemaire為「U系列」巴黎研發部的創意總監。巴黎研發團隊和位在東京、上海、紐約和洛杉磯的研發團隊一樣,不僅設計研發,還負責收集該地流行趨勢、生活方式和創意面料的最新資訊,改進品牌時尚力的不足。Christophe Lemaire就任創意總監後,不但代表U系列不再隸屬設計師聯名的框架,而成為品牌的主線之一,甚至領軍該系列進軍巴黎高級高訂秀,雖然沒有高訂秀常見的超高技巧刺繡和千變萬化的剪裁,卻使一眾時尚編輯瘋狂。Christophe Lemaire一直想說的是「物質雖好,但態度至上」的時尚要義,這個理念與UNIQLO一拍即合。U系列以實穿的針織、羽絨、及休閒衣褲為主,色調則選擇奶油白,靛藍和酒紅,並以創新布料、頂尖技術與獨特設計美學,在細節上斟酌功能性和搭配性來重塑基本款。Lemaire就曾經說過:「U系列從日常生活角度去思考每個設計的細節,例如:設計團隊提出新袖筒的概念,為了穿著者可以自在地行動,雖然外觀很難看出這項設計,但穿著者絕對感覺得到。」

 

賺進話題和鈔票的UT KAWS系列

UT系列是UNIQLO集結現代文化、街頭潮流,讓各地的文化藉由T恤傳達給世界的系列。其中多和藝術家合作,向大師致敬的意味濃厚。2016年,UNIQLO和美國當代塗鴉大師KAWS的重磅聯名,以KAWS最知名的創作COMPANION為核心,包含T恤、托特包與居家拖鞋商品共17款花色,在日本一上市就破了銷售紀錄,讓UT穩居品牌銷售最好的系列之一,也是顧客必購的潮物。

 

JW ANDERSON系列

UNIQLO今年提出和JW ANDERSON的聯名系列,媒體都好奇這個倫敦最創新和前瞻性的品牌,如何融入前者的DNA?年僅32歲、擁有用不完創意的Jonathan Anderson,2008年帶著他的品牌首次挑戰倫敦時裝週,提出雌雄難辨的作品,亦讓男裝女裝化,因而聲名大噪,也獲得LVMH集團的賞識,執掌LOEWE。如果說U系列是偏向透過生活風格和態度來感受時尚,這次UNIQLO x JW ANDERSON的系列,則要人完全體驗更本質的服裝美好。Jonathan Anderson打出學生牌,帶有鮮豔色彩的圓領針織、經典蘇格蘭格紋襯衫、和蘇格蘭格紋Parka絕對是最熱門的單品。勝田幸宏表示:「每天日常生活穿的服飾多出自制服和工作服,而英國就是這類服飾的發起地,英國時尚也站在業界的最前線,能和最創新前衛的品牌JW ANDERSON合作,我們也可在設計和質量上追求精進。」

 

Text / 葉岫芝Summer Yeh

Photo / UNIQLO、LOUIS VUITTON

【更多精彩內容請見 2017《La Vie》雜誌9月號】

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當時尚跨越性別:《時尚單品全圖鑑》揭開領結、無尾禮服與華麗搖滾的文化革命

左圖:佛萊迪.墨裘瑞,國家展覽中心,伯明罕,1984。右圖:安迪.沃荷,Time Life 雜誌。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)

追溯這些我們早已習以為常或無限憧憬的單品起源,就是在追溯一段由男男女女、流行文化、浮華與深沉交織而出的時尚史。這麼做也是在這個時尚變得如此輕佻的時代裡,重塑衣著的價值。藉由讚頌時尚單品與美麗外表,我們最終禮讚的是每個獨特的靈魂。

衣物間的必備單品:蝴蝶領結

蝴蝶領結的歷史和領帶息息相關,兩者都源於男士以絲巾裝飾頸部的喜好。17、18世紀,貴族們喜愛以蕾絲領或領帶點綴服飾,有些人認為蝴蝶領結就是19世紀結合這兩者而誕生的。

極致黑領結

領結的流行與19世紀的丹迪(Dandy)風密不可分。工業革命時期的新貴與權貴們都把領結視為優雅和品味的象徵。隨著無尾禮服(菸裝smoking)的流行,領結更成為男士晚宴著裝必備的配件。據說現代的無尾禮服搭配蝴蝶領結的設計是Pierre Lorillard為James Potter參加紐約州的Tuxedo俱樂部舞會特別打造的。James Potter的驚豔亮相開啟了「black tie」的時尚傳奇。

不分晝夜

依舊是在紐約,1924年,領帶製造商Jesse Langsdorf推出一款全新設計的領帶,與當時普遍流行的領結完全不同。當時,領結既是晚宴上優雅的配件,也是辦公室職員的日常裝束,隨處可見。

既幽默又性感

銀幕上的領帶也能展現滑稽感,成為卓別林、勞萊與哈台等喜劇大師的服飾配件。另一方面,女星瑪琳.黛德麗和凱薩琳.赫本也帶上領結,挑戰性別界線。而在男性身上,領結又展現不同的魅力,隨著佛瑞.亞斯坦的舞姿律動,隨鼠黨(Rat Pack)的輕佻傲然,或隨詹姆斯.龐德的從容優雅,演繹出誘惑與高貴等不同氣質的雙重戲碼。

衰退與復興

1960年代,領結變得過於傳統、保守且陽剛,光芒逐漸黯淡。這時的它更多時候出現在喜劇角色和宅宅的怪咖技客(geeks)身上,被世人嘲弄、邊緣化。然而,到了2000年代,設計師Tom Ford將復古的氣概帶回時尚舞台,重拾領結的榮耀。

左圖 :一對男女,紐約大都會歌劇院,1943年。右圖: 經典緞布蝴蝶領結,Tom Ford。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)
左圖 :一對男女,紐約大都會歌劇院,1943年。右圖: 經典緞布蝴蝶領結,Tom Ford。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)

經典設計:無尾禮服

早在1962年的首個高級定製系列中,Yves Saint Laurent就把原本屬於男性服飾的長褲穿到女性身上。雖然他並不是第一位讓女性穿上長褲的設計師,但他的貢獻在於讓長褲變成女性衣櫥中再平凡不過的選擇。

走出吸菸室

1966年,Yves Saint Laurent選擇將男性的無尾禮服(又稱菸裝,Smoking)帶入女性時尚。他在當年的秋冬系列中為女性提供了前所未見的大膽選項:穿上這件男性衣櫥中最具格調的服裝。無尾禮服原本是在吸菸室中穿的服飾,象徵男性的陽剛與權力結構,同時也是女性的禁區。

權力遊戲

Yves Saint Laurent打破傳統規範,在1960年代這個正在重塑社會規則的時代,他主張女性有權選擇穿上無尾禮服!他認為女性穿著無尾禮服不是一種抗爭,而是自然而然的權利。在他手裡,原本充滿爭議的長褲成為新的誘惑密碼。他反對將無尾禮服視為女性模仿男性的工具,積極賦予它優雅與自信。透過他設計的風格,女性和男性擁有平等的姿態。這不是一場性別的對立,而是時尚與權力的對話。

開啟副本

馮絲華.哈蒂是第一位訂購Yves Saint Laurent無尾禮服的女性,然而,當時的女性尚未準備好自在地接受褲裝,因此其他高級定製時裝的顧客並沒有立即跟進。直到1966年,Yves Saint Laurent推出成衣副牌Saint Laurent Rive Gauche後,無尾禮服才找到它的市場。雖然是同一年發生的事,但因為品牌改變客群,轉向更年輕、更獨立的女性,提供價格相對親民的無尾禮服,時尚潮流就改變了。

新女性時尚

Yves Saint Laurent的女裝無尾禮服經過改良,以更貼合女性體態的修身剪裁展現魅力。它顛覆了傳統時尚的定義,讓女性的中性氣質自然流露卻又不失性感。女性真的需要模仿男性穿著才能感受到力量嗎?答案是否定的,但她們可以把男性的時尚領域變成自己的遊戲場。

夏綠蒂.蘭普琳(Charlotte Rampling ),1974年。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)
夏綠蒂.蘭普琳(Charlotte Rampling ),1974年。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)

風格的誕生:華麗搖滾

雖然華麗搖滾只風靡了短短幾年,1977年後就被龐克風取代,但它的影響力仍不容忽視。這股風潮讓原本隱匿於地下文化的造型與符碼躍上舞台,成為公眾矚目的焦點。跨性別裝扮不再局限於小眾,音樂也成為極致華麗與誇張表現的天地。

重新定義性別

華麗搖滾本質上是一種玩世不恭的音樂風格,與1960年代充滿社會與政治訴求的搖滾不同,它在1970年代前半葉捨棄沉重的議題,轉而全心頌揚明星文化,以閃爍的亮片、華麗的羽毛圍巾和誇張的厚底鞋打造視覺震撼。這股風潮主要由來自英國和美國的男性樂團引領,甚至影響到非洲,在尚比亞衛生出融合放克與搖滾的zamrock(尚式搖滾),搭配誇張的大帽飾增添特色。華麗搖滾用極具戲劇性的方式,重新定義性別表達與舞台魅力。

由Marc Bolan領軍的T. Rex樂團引領了這場風潮,掀起了一場介於丹迪主義與歌舞劇場間的審美革命,宛如華麗炫目的視覺盛宴。男性化了妝,穿上閃耀且貼身的衣物,長髮飄逸。這種風格不在意俗氣與否,只有幽默與浮華的極致展現。華麗搖滾大膽挑戰1970年代英國社會根深蒂固的保守思想,顛覆傳統的男性形象,甚至帶著一絲挑釁意味。例如大衛.鮑伊毫不掩飾地公開自己的雙性戀身份,甚至穿著裙裝亮相。這場美學叛亂席捲而來,嚴苛的道德堡壘只能在它的光芒之中逐漸崩解。

紐約娃娃樂團(New York Dolls ),1970年左右。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)
紐約娃娃樂團(New York Dolls ),1970年左右。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)

本文內容節錄自La Vie出版書籍《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》

出版日期|2025/06/21

作者|海莉.愛德華-杜雅丹 Hayley Edwards-Dujardin

這是一張時尚界的寶藏地圖,帶你認識那些永遠不會退流行的經典單品。本書精選了 78 件經典服飾和60件改寫時尚史的創意設計,一次帶你看懂潮流是怎麼被創造出來的。收錄超過280張精美圖片與資訊圖表,帶你用最直覺的方式了解每個單品的歷史背景、設計亮點,甚至是它們如何影響了當時的社會文化。

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時尚迷必備工具書:《時尚單品全圖鑑》全面剖析,從牛仔外套、泡泡裙、解構主義讀懂衣著背後的故事

左圖:山本耀司1981年秋冬成衣系列。右圖:片場上的瑪麗蓮.夢露(Marilyn Monroe),內華達州(Nevada),美國,1960年。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)

有些服裝打破了時間的藩籬,也有些成了走上伸展台和高級訂製的不朽神話,都講述著設計師們的奇思妙想,以及對夢想和潮流的追求。

衣物間的必備單品:丹寧夾克(或牛仔外套)

「藍色已成為這個世紀後半葉的經典色調,賦予所有人與事一種獨特的色彩。它的流行無可撼動,未來也將繼續如此。」——克里斯蒂安.拉克魯瓦(Christian Lacroix)

述說丹寧夾克的歷史,就是探索靛藍染料的故事。丹寧布(牛仔布)的起源與藍色密不可分,這種顏色結合堅韌的面料,成為全球勞動階層日常生活的一部分。而到了20世紀,這件藍色的服飾更成為時尚界的經典單品。

Trucker Jacket的誕生

Levi’s在20世紀上半葉推出了多款丹寧夾克,但真正定義今日丹寧夾克風格的,是1967年的Type III款式,也就是大家熟知的Trucker Jacket。這款夾克以修身的設計和兩個高位口袋為特色,成為現代丹寧夾克的代表。從1930年代電影中的牛仔,到1950年代的叛逆青年,甚至是瑪麗蓮.夢露都穿過這款夾克。不過要一直到嬉皮運動興起,它才真正風靡街頭。

MAKE LOVE NOT WAR

嬉皮擁抱丹寧夾克,又賦予它全新的意義。這款夾克成為美國文化的旗幟,既象徵著深植於社會的刻板印象,又述說對體制的反抗,更是傳遞標語與信息的載體。

叛逆到底

丹寧夾克曾是反主流文化的代名詞,穿梭於社會、電影與音樂之間。70年代的龐克、法國的搖滾狂熱、80年代的青春偶像,以及後來的嘻哈、油漬搖滾(grunge)和電音,都賦予它新的意義。革命的、多變的與超越邊界的丹寧夾克不靠邊站,反而選擇將各種文化串聯起來,成為反叛精神的時尚象徵。

左圖:塞吉.甘斯柏、珍.柏金與凱特.貝瑞,巴黎,1969年。右圖:經典丹寧夾克,Wrangler。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)
左圖:塞吉.甘斯柏、珍.柏金與凱特.貝瑞,巴黎,1969年。右圖:經典丹寧夾克,Wrangler。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)

經典設計:泡泡裙(舞會皇后)

「我們始終在追尋逝水年華。」——克里斯蒂安.拉克魯瓦(Christian Lacroix)

人們常說,1980年代是巴黎高級訂製時裝的第二個黃金時代。第一個則是在1950年代。1980年代的這十年間,經濟繁榮帶來了財富的積累,富裕階層渴望展現自己的奢華生活方式,時尚風格因此變得浮誇而張揚。

從博物館到時尚

在成為時裝設計師前,Christian Lacroix曾夢想成為博物館館長或戲服設計師。他對戲劇、歷史與藝術的熱愛,深深影響了他的設計風格。他先是為品牌Patou工作,而後在1987年創立了自己的品牌,在那個物質生活豐富、無憂無慮的十年中,他逐漸嶄露頭角。他的風格與1980年代那些出門就像參加華麗舞會的富家女一致。

時光的記憶

Lacroix的設計深受過去華麗風格的影響,他喚回17與18世紀的古典美學,以緊身胸衣搭配蓬鬆、甚至誇張的裙子。他的靈感來源根植於他的故鄉亞爾與普羅旺斯,這片土地與卡馬格的風土賦予他的設計鮮明的色彩、繁複的圖案與靈動的印花。他的模特兒宛如行走的故事敘述者,在伸展台上演繹華麗且如戲劇般的時尚場景,將伸展台變成一場視覺盛宴。

十年風華

Christian Lacroix的設計充滿懷舊風情,但卻從不守舊。他的作品完美詮釋了一個時代的精神,金錢至上,奢華無罪。那是個晚會和雞尾酒會不斷的年代。1970年代遭到摒棄的華麗裝束在這個十年重新綻放。在晚宴禮服與雞尾酒會穿搭之間,Christian Lacroix找到了完美平衡,以短版的小外套搭配蓬蓬裙,那層層疊疊的裙襬令人想到宮廷禮服的招搖。

Lacroix的經典

1980年代是一個極致浮華的年代,誇張的墊肩、纖細的腰身,以及Christian Lacroix經典的泡泡裙都是當時最具代表性的設計。這種裙子優雅又帶點叛逆,正好展現那個時代的輕盈無憂氛圍。它像是社交派對上的焦點,在舞池裡旋轉,魅惑人心又耀眼。Christian Lacroix讓這種沉睡的美重新煥發光彩,燃燒出更為炙熱的生命力。

左圖:費.唐娜薇,紐約,1981年。右圖:迷你裙,Christian Lacroix。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)
左圖:費.唐娜薇,紐約,1981年。右圖:迷你裙,Christian Lacroix。(圖片來源:《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》)

風格的誕生:反時尚「解構主義」

「我覺得完美是醜陋的。我希望在人類創造的事物中看到傷痕、缺陷、混亂與變形。」——山本耀司(Yohji Yamamoto)

哲學家德希達在1960年提出「解構主義」的概念,用以指涉這個時代對既有規範與傳統的推翻與重塑。然而,要等到1989年,時尚評論家Bill Cunningham在一篇文章中首次將「解構」一詞用於描述服裝設計,並特別指向Martin Margiela的作品時,這個詞才真正用在時尚領域。

東方哲學

時尚的解構美學真正誕生於1970年代末,由三宅一生、山本耀司與川久保玲三位日本設計師共同開創。他們深受自身文化影響,從讚頌歲月痕跡與不完美魅力的「侘寂」(wabi-sabi)中汲取靈感,並借鑒將裂痕轉化為美感的金繼(kintsugi)藝術,挑戰傳統服裝結構,改變了西方自文藝復興以來審美概念。

外在實踐

解構主義的支持者以不對稱的剪裁、深邃的色調為服裝基礎,甚至穿著大膽展露破損、破洞與未收邊的衣物,這些都是曾被西方時尚厭棄的「瑕疵」。這種刻意的不完美,吸引了那些將穿衣視為思想實踐的人,他們選擇拋開1980年代的炫目奢華,以黑色為載體,映照對外在符號的抗拒。解構主義引發的,不僅是一場審美的革命,更是一場關於時尚話語權的顛覆,使「反時尚」成為當代時尚語言的一部分。

本文內容節錄自La Vie出版書籍《時尚單品全圖鑑:78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》

出版日期|2025/06/21

作者|海莉.愛德華-杜雅丹 Hayley Edwards-Dujardin

這是一張時尚界的寶藏地圖,帶你認識那些永遠不會退流行的經典單品。本書精選了 78 件經典服飾和60件改寫時尚史的創意設計,一次帶你看懂潮流是怎麼被創造出來的。收錄超過280張精美圖片與資訊圖表,帶你用最直覺的方式了解每個單品的歷史背景、設計亮點,甚至是它們如何影響了當時的社會文化。

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