快時尚、高端設計、街頭潮牌的大亂鬥！你一定要懂得的經典聯名

時尚跨界聯名的歷史，從2001年巴黎女裝秀上，山本耀司和Adidas合作的「Y-3」系列開始，歷經多年變革，來到這幾年達到顛峰的平價時尚聯名潮；而UNIQLO正是近年為這股趨勢加添柴火的主角。其以品牌DNA「LifeWear」為概念，將設計師聯名系列從限量改為常態化，讓時尚跨界聯名在漫長的隧道找到出口，看到了光芒和新意。

過去面對快時尚品牌競爭白熱化的局面時，UNIQLO曾選擇透過漲價提高品牌位階，同時以副牌GU搶佔年輕低單價市場。然而2016年UNIQLO社長柳井正卻坦言：「漲價的商品並未讓消費者認同。」因此決定恢復漲價前的價格，並依賴以多取勝的設計師聯名項目來迎戰。

在全球市場經營的戰略上，UNIQLO自知不如H&M和Zara擁有傲人的設計團隊、快狠準的行銷策略、以及歐美市場的豐富經驗。為了彌補太多基本款和設計時尚感不足的品牌印象，UNIQLO快馬加鞭，自2008年和Alexander Wang合作推出「Alexander Wang for UNIQLO」系列起，聯名合作就不曾間斷。這股衝勁在2016年達到高峰，每個月幾乎都有聯名商品上架。

但真要說起快時尚聯名，不論銷售額或話題的火爆性，還是H&M最成功。2004年起H&M每年一次和設計師聯名的膠囊系列起跑，合作名單從STELLA MCCARTNEY、VIKTOR&ROLF、法國針織老牌SONIA RYKIEL、JIMMY CHOO、川久保玲等大咖一字排開，每次都讓粉絲大排長龍等著朝聖。主因是它懂得「飢餓行銷」，以店面配額制銷售，消費者必須排隊搶購才能獲得，這也造就了每聯名必熱銷的市場保證。然而，UNIQLO卻反其道而行，讓跨界提升至另一高度，打著時尚民主的名號，擴大生產量，使設計師聯名變為常態化，並強調合作需在概念上和品牌的DNA「Lifewear」相符。UNIQLO研發與設計負責人勝田幸宏就表示：「UNIQLO有認識很多頂尖設計師的機會，是否能進一步合作則視兩方是否有同樣的理念。我們以高品質和合理的價格，提供每日都能穿著的舒適服裝。」

此舉乍看讓UNIQLO出現聯名系列未能一上市就賣光，甚至需要折扣促銷的情況，實際上，卻是一種對歐美市場的行銷測試。再者，針對各階層顧客提出不同的設計風格，以常態販售取代限量發行，也能培養顧客對聯名系列的忠誠度。今年就證明這項策略讓業績再度成長，大獲成功的U系列和UT系列，也成為UNIQLO繼續挑戰美國、歐洲市場擴張計畫中的重要環節。

亂聯就是潮：VETEMENTS

時尚界的目光近來都只盯著一個牌子—VETEMENTS。這個由Balenciaga創意總監Demna Gvasalia和弟弟Guram所創的品牌，在2017年春夏時裝秀上，一口氣推出和18個品牌的聯名系列！看來混亂的大跨界，讓人模糊了品牌位階，卻證明VETEMENTS可以和世上萬物聯名，沒有什麼不可能。無極限的聯名，造就了一場時尚革命，試圖把高端時尚從神聖的祭壇上抓下來。這股勇氣獲得許多重量級媒體的高度讚賞。《BoF》就指出：「這是場名叫VETEMENTS的革命！」它玩聯名幾乎到了惡趣味的地步，只是把合作品牌的商品稍微改造，不是尺寸超大就是超小，附上加長袖管之類的「創新」，就可賣到比原商品貴好幾倍的價錢。18個系列中，最受推崇的就是和美國運動品牌Champion的合作，後者的商標被惡搞，像仿冒的商標放在帽T的袖管上，但這種惡趣味卻讓Champion變身時尚潮牌。另外像和REEBOK「InstaPump Fury」聯名的球鞋，也只是在鞋上隨意塗鴉「I want more」、「I´m bored」的字樣，一推出卻潮爆IG的時尚論壇。這種盛況讓很有商業腦袋的TOMMY HILFIGER宣布和VETEMENTS合作，幾乎如出一徹地複製VETEMENTS的設計，一款聯名帽T叫價1,200美金，潮迷們照樣買單。

LV向街頭時尚叩首

今年奢侈品龍頭LV和美國潮牌Supreme推出LOUIS VUITTON X Supreme系列，開賣時著實造成全球各大城市搶購的熱潮。除了東京快閃店賣到缺貨，美國快閃店也怕應付不了人潮而喊停。Supreme這次完全讓LV男裝藝術總監全權負責設計，LV經典Monogram配上了代表Supreme的紅白色，幫LV另闢了一條支線。合作產品從手袋、手機殼、帽子到開瓶器都有。這項創舉外界的評價兩極，有人認為Supreme破壞了品牌街頭文化的特質，但另一方面，也因這次的聯名，讓奢侈品牌向街頭文化取經，高端和街頭越來越接近，消弭時尚階級的界線。時尚聯名了20多年，終於找到另一種新意――真正的時尚來自街頭。

越過顛峰，隨之而來的是下滑？

然而，這股多年的聯名熱潮最近卻逐漸退燒。《BoF》指出，隨著和這些超級品牌的合作，H&M自身的品牌好像不重要了。例如今年邀請Erdem Moralioglu跨刀，或許是Erdem的知名度還是不及前面幾位來的高，在兩大社交媒體Twitter和Instagram的關注度，明顯較前幾位設計師減少一半。但除此之外，跨界商品不斷推陳出新，導致消費速度加快，也造成消費者對時裝產業的不滿，和對聯名系列的倦怠感。雖是如此，聯名卻永不停止。例如今年秋冬，巴黎至尊選品店Colette熄燈在即，H&M首次破例和零售商合作，究竟會撞出什麼樣的火花，還是可以讓我們期待一番。

4個最具話題的UNIQLO聯名！

+J系列
翻開UNIQLO的聯名記錄，你一定會訝異不同領域的設計師和時尚繆思都在內。包括德國極簡大師Jil Sander、Alexander Wang、Lulu Guinness、法國版穿著Prada的惡魔Carine Roitfeld、謬思女神伊內絲‧法桑琪（Ines de la Fressange）、以及JW Anderson。2009年和Jil Sander合作的+J系列，讓UNIQLO從生產價格便宜的基本款，轉為製作更高質量的服裝，而非Zara和H&M之類的快時尚，這是品牌策略的大轉向，並在歐美市場成功打響名號。論質料、作工和價格，+J系列堪稱平價和設計師品牌合作的經典案例，尤其強調實穿性和極簡的設計感，已然超越Jil Sander自身品牌。

Christophe Lemaire系列

繼+J系列之後，近年UNIQLO和HERMÈS設計總監合作的Christophe Lemaire系列，替前者再創聯名高峰。UNIQLO和Lemaire早在15年就先推出「UNIQLO AND LEMAIRE」系列，能以平價買到HERMÈS的質感設計，即大受市場歡迎。2016年更打破窠臼，宣布Christophe Lemaire為「U系列」巴黎研發部的創意總監。巴黎研發團隊和位在東京、上海、紐約和洛杉磯的研發團隊一樣，不僅設計研發，還負責收集該地流行趨勢、生活方式和創意面料的最新資訊，改進品牌時尚力的不足。Christophe Lemaire就任創意總監後，不但代表U系列不再隸屬設計師聯名的框架，而成為品牌的主線之一，甚至領軍該系列進軍巴黎高級高訂秀，雖然沒有高訂秀常見的超高技巧刺繡和千變萬化的剪裁，卻使一眾時尚編輯瘋狂。Christophe Lemaire一直想說的是「物質雖好，但態度至上」的時尚要義，這個理念與UNIQLO一拍即合。U系列以實穿的針織、羽絨、及休閒衣褲為主，色調則選擇奶油白，靛藍和酒紅，並以創新布料、頂尖技術與獨特設計美學，在細節上斟酌功能性和搭配性來重塑基本款。Lemaire就曾經說過：「U系列從日常生活角度去思考每個設計的細節，例如：設計團隊提出新袖筒的概念，為了穿著者可以自在地行動，雖然外觀很難看出這項設計，但穿著者絕對感覺得到。」

賺進話題和鈔票的UT KAWS系列

UT系列是UNIQLO集結現代文化、街頭潮流，讓各地的文化藉由T恤傳達給世界的系列。其中多和藝術家合作，向大師致敬的意味濃厚。2016年，UNIQLO和美國當代塗鴉大師KAWS的重磅聯名，以KAWS最知名的創作COMPANION為核心，包含T恤、托特包與居家拖鞋商品共17款花色，在日本一上市就破了銷售紀錄，讓UT穩居品牌銷售最好的系列之一，也是顧客必購的潮物。

JW ANDERSON系列

UNIQLO今年提出和JW ANDERSON的聯名系列，媒體都好奇這個倫敦最創新和前瞻性的品牌，如何融入前者的DNA？年僅32歲、擁有用不完創意的Jonathan Anderson，2008年帶著他的品牌首次挑戰倫敦時裝週，提出雌雄難辨的作品，亦讓男裝女裝化，因而聲名大噪，也獲得LVMH集團的賞識，執掌LOEWE。如果說U系列是偏向透過生活風格和態度來感受時尚，這次UNIQLO x JW ANDERSON的系列，則要人完全體驗更本質的服裝美好。Jonathan Anderson打出學生牌，帶有鮮豔色彩的圓領針織、經典蘇格蘭格紋襯衫、和蘇格蘭格紋Parka絕對是最熱門的單品。勝田幸宏表示：「每天日常生活穿的服飾多出自制服和工作服，而英國就是這類服飾的發起地，英國時尚也站在業界的最前線，能和最創新前衛的品牌JW ANDERSON合作，我們也可在設計和質量上追求精進。」

Text / 葉岫芝Summer Yeh

Photo / UNIQLO、LOUIS VUITTON

【更多精彩內容請見 2017《La Vie》雜誌9月號】

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。