What's your #OOTD？拜數位科技所賜，人們只要透過手指輕輕一點，加上卓越的拍照，或者說那鬼斧神工的修圖技巧，好似就能從凡人成為社群軟體上火紅的穿搭潮人。關於時尚，這個人人現今常掛在嘴邊的字眼，你會怎麼形容它，光鮮亮麗、張牙舞爪，抑或是如時尚惡魔Anna Witour所稱，時尚不過是與流行趨勢可比擬的一組「髒字」？

無論是紐約、巴黎、羅馬或東京，這些引領時尚風潮的大都會各有各吸引人的華麗魅力，那麼近年時尚市場蓬勃發展的上海呢？第二次再訪這個急速蛻變的城市，黃浦江外灘的夜晚，百年古蹟與林立高樓所投射出的閃爍燈光映照著兩旁水岸，依舊閃爍地令人醉心，然當我們正為它的「老派」所癡癡著迷時，這個有「魔都」之稱的大城腳步並未停歇，持續朝更宏大的目標邁進。此次藉由上海恒隆廣場（Plaza 66）盛邀，La Vie有幸訪問到穿梭在各大城市，捕捉紀錄過上萬人「時尚一面」的街拍攝影師Tommy Ton，和他暢聊其心中當今的街拍時尚是什麼景象，又有多少人是深陷時尚潮難的災難受害者。

來自加拿大多倫多的Tommy Ton，從2007年開始嶄露頭角以來，十年間已成為現今時尚圈不可或缺的街拍攝影大師。13歲那年通過幫妹妹側錄時尚節目，轉開電視遙控器的那一刻也同樣為自己敞開未曾見過的華麗大門，當然，他也經歷過你我在夢想道路上，都曾有過的跌跌撞撞時期，曾經滿懷希望也曾懷疑失落，幾經調整方向後終在2005年確立了自己要走上「街拍攝影」這條職涯之路，而那年他不過20初歲。

能夠在自己嚮往喜愛的範疇中工作，對許多還在人生道路上找尋方向的朋友來說，相信是既羨慕又忌妒。2005年，他創建Jak & Jil部落格網站，恰巧遇上數位初期興盛發展的時代，在那個網紅還未當道的年代，他確實取得了一絲先機，起初他只是隨性地捕捉路人和拍攝派對上名流影星的穿著打扮，然過於制式的流程既了無新意又拍不出真的「時尚精髓」，於是乎2007年時他買了機票，飛往時尚迷戰場倫敦和巴黎時裝週，透過鏡頭捕捉下一張張貼近又能真實反映出時尚潮人精彩穿搭的攝影作品。

如今十年過去了，那個熱愛時尚因而自學攝影的男孩，早已成為眾時尚品牌爭相合作的攝影師，當我們向這位拍過不下萬人、看過無數奢華耀眼時尚場面的街拍大師問及，請他回首這十年來的工作心路歷程，他大笑說：「筋疲力盡！」，他解釋縱使忙碌，但依舊保有「興奮」之情，「倘若少了那股興奮熱情支撐，我想我不會持續做這份工作。對比其他人，我是幸運的，能夠隨著喜愛的工作造訪世界各地，拜見我欣賞崇敬的每一個人。所以，我很快樂也心生滿滿感激，當然我也渴求於任何機會與不放過每次挑戰。就像現在的我，除了街拍攝影外，我也替品牌做諮詢顧問和展開各項特別的企劃。」。

不過比起十年前，「街拍攝影師」幾乎可以用爆炸性成長來形容，秀場外更成了全新開闢拓野的時裝戰場，有的人穿著奇異特殊，為的不是展示自己多有品味，反倒是刻意譁眾取寵，好爭取那不過短短三秒喀擦閃光燈的時間，一戰成名。早看慣此種「特殊」現象的Tommy Ton自然是見怪不怪，是否會對漸漸失控的局面感到灰心，他表示「有好也有壞」，從好方面來看這代表他所做的事情並非一件無聊事，甚至達到引起他人興趣的地步，讓時尚版圖更為茁壯；至於壞處，則是每個人都想在其領域出頭天，本該是享受樂趣的時候，卻顯得像是一場充滿壓力的競賽。

快時尚造就更多時尚災難者？

從過往一年只發表兩季的時尚大秀，到如今一個品牌每年需發展到四季，中間甚至還得推出Capsule系列，時尚過快的腳步幾乎讓設計師沒有「喘息空間」，同樣地，消費者取得商品的模式，從零售到數位電商，再至即看即買（See-now-buy-now），這一切看在工作與時尚密不可分的Tommy Ton眼中，只能用「瘋狂」來形容，對他來說，時尚紊亂的快速步調加上網路發達，時尚以往令人心之嚮往的神秘感蕩然無存，「令人感到遺憾的是，現在時尚失去了神祕感，更別提近年眾品牌積極拓展的即看即買服務。」，他繼續說道：「它消除了渴求和期待的喜悅之情，我不認為即看即買對設計師來說是件好事，對我來說，還不如回到過往那個可以慢慢等待和收藏的時刻。」。

「當你見著所有人都急於想把新玩意穿戴在身上，除了缺乏興奮之情外，更宛若塑造出一個個『時尚災難者』！」，就他自己的解決之道，他認為可以先買起來存放著，然後過個一、兩年後再拿出來，舊衣新穿反而能與其他單品做出完美混搭。抑或者，那些過往你負擔不起的服飾單品，回過頭去看說不定能給你新的想法，更重要的是「可能還能替你省下90%的花費」。

 

Tommy Ton（@tommyton）分享的貼文 於 2017 年 8月 月 5 1:24上午 PDT 張貼

當街頭潮流遇上高端時尚

除了快時尚外，放眼望去有越來越多的頂級名牌與街頭潮流做聯名，例如今年初造成搶購的Louis Vuitton與Supreme聯名系列，或是將一件印著女權標語、社會口號的素T推上伸展台，是否只是淪為追求表象的時髦，而非講究呈現精湛的設計工藝，Tommy Ton如此見解：「現在街頭穿搭深深影響著高端時尚，我喜愛充滿創造力的作品，因此當看見簡單的圖紋T走上伸展台，確實有讓我感到驚訝。不過當你看見一位穿著Valentino或拎著愛馬仕包包的人，他卻用Supreme素T混搭，我想這是很有趣的現象。」。

當街頭潮服漸漸被視為是奢侈品的一份子，像是一件僅有紅方框Logo的T-Shirt，低廉成本卻要價不斐，是否值得？Tommy Ton回答：「如果能用什麼來形容，雖然我討厭用這詞來描述，但它確實是『時髦』，某部分來說，那讓人感到有些沮喪，當你買義式或法式品牌，你會期待遇見細緻的工藝技法，但現在花600美元大鈔買一件T-shirt，為什麼？我想這在當代時尚是個很有趣的探討，因為當品牌出越來越多類似的款式，消費者反而想要看見更多創新的點子，思考他們所購買的商品是否真的值得投資。」。

街拍大師的自我穿搭風格

有人說Tommy Ton的街拍攝影就像是一本「時尚教科書」，你可以很清楚地從中窺知現下正流行的穿搭趨勢，然而這位總將光芒聚焦於拍攝人物身上的攝影師，不免也讓人好奇他本人自身的穿著風格又是如何，「我想很難去界定我會怎麼穿著，通常大家看見我的時候，會認定我是名攝影師，在當下我不會有太多顧慮，去思考別人會怎麼看待我的穿著。」Tommy Ton說道，不過採訪這天他穿著夏威夷式的花樣圖騰襯衫，潮男味十足，「我想我會永遠愛Prada，有個原因是我發現我不斷地在搜刮2014年問世的花襯衫系列，當然我也愛Issey Miyake、Celine，如果我能穿得下的話(笑)。」。

 

Tommy Ton（@tommyton）分享的貼文 於 2017 年 2月 月 23 11:14下午 PST 張貼

那麼在拍攝時會否透過鏡頭觀察被攝者，「當然會，我常常反覆翻著自己拍攝過的每位被攝者穿搭，然後心想『哇，原來還能夠這樣搭配』」，他也補充週遭好友，像是出生台灣的穿搭達人Eugene Tong也是讓他激發創意靈感的人，「他們總是能完美駕馭衣服，而不是衣服穿他們」。訪談最後，適逢時裝週正如火如荼地進行，街拍多年下來，還想捕捉到怎樣的鏡頭，他說：「以時尚週為例，你永遠不知道下一秒你會遇見什麼，如果能預測，我想那鐵定很無趣，因此出其不意的驚喜是我最期待的。」。

文：Ian Liu

「攝影」，作為工具時，常被用於記錄具體事物；作為藝術媒介時，多引動著觀者的情感記憶。然問及阿部大輔對於「攝影意義」的答案，卻兩者皆非。他並不以它記錄既有真實，而是拿來追求未見之美；他亦明言自己的作品沒有情感，希望觀者也能抽離感知、純做視覺鑑賞。如此獨樹一幟的創作風格，將如何帶領我們探索時間與存在的微妙關係？跟La Vie走進徠卡之家，綜覽《The Present shapes the Past》特展便知一二。

「當下」是一切起點

日本攝影師阿部大輔（Daisuke Abe）與徠卡（Leica）攜手策劃攝影展《The Present shapes the Past》，即日起至2026年3月23日於徠卡台北畫廊帶來《shape》和《vague》兩大系列，邀觀者一同穿梭虛實之間，探索兩英文單詞分別對應的形、光，以及時間與存在的微妙關係。首先推敲阿部大輔核心創作概念「過去不再、未來未至」可得世界觀：想像未來或回憶過去的，歸根究柢只有現在的自己，而過去之所以成為過去，事實上也因我們在此刻賦予它意義。換言之，過去與未來都不存在，僅僅現在是真實的——「此刻」於是成為其作品最重要的主題。

兩大系列取向相通，有何異同？

就拍攝視角而言，比起《shape》的具象構圖，《vague》更抽象化擷取事物一隅；就拍攝目的而言，《shape》將眼睛所見形狀落實到影像裡，《vague》則由影像尋找眼睛看不明白的形狀。總的來說，兩系列表現性具相似之處，根本上亦無太大差異，皆超越既有認知與物件分類，尋求新的影像價值。唯後者意在「生成難以判別被攝體究竟為何的影像」這點尤甚前者。若定義《shape》是解構、切割現實的形狀，那麼《vague》可被當作一種重構、扭曲現實的嘗試。以下詳述各自創作概念。

▍《shape》系列

此系列攝影師試圖藉由一種無法以具體名稱標註「這是什麼」的抽象程度，對真實形體加以捕捉。「它是什麼、在哪裡都不重要，美麗的形態才是我想一睹為快的影像。」阿部大輔並非將攝影視為記錄具體事物的工具，而是從自身觀點出發，利用鏡頭追求從未見過的影像。作品刻意模糊物件的可辨識度，單純呈現那些不易被定義的形態，所攝內容也主要基於是否具備視覺美感進行選擇，而不著重「這是某某人/物件/景致」的記錄性判定。

不賦予脈絡或故事，也不去貼近任何人的心情，只是作為形狀的影像陳列，就那樣存在著。——阿部大輔《shape》創作概念

▼ 精彩作品搶先看

▍《vague》系列

此系列全無明確的拍攝主體，畫面模糊卻充滿能量，冥冥之中喚起觀者對未知的想像。「拍攝前我無法預測影像會長什麼樣子。是按下快門的那一刻，影像才真正誕生。」阿部大輔認為「美」必然存在於任何事物中，更沒有一種觀看方式與另一種相同，故攝影應當去發掘難以透過肉眼取得的視角。

一切事物皆具同等價值，且都擁有各自的美。——阿部大輔《vague》創作概念

▼ 精彩作品搶先看

排除情緒拍攝，也願觀者抽離感知

無論《shape》或《vague》系列，阿部大輔都排除了情緒的介入。「影像確實可以傳達喜悅或悲傷，但我的作品沒有情感。我希望觀者能抽離感知、不受情緒影響，純粹欣賞視覺之美。」他相信人類認知事與物多半來自經驗與記憶，可真正的創作卻該超脫過往理解，直擊前所未見。

在台完成《shape》，深受「光」和「城市呼吸」啟發

光線創造影子，能提高色彩鮮明度並強化被攝主體，在《shape》系列扮演關鍵角色。阿部大輔分享來台拍攝《shape》過程所感，「台灣和日本距離不遠，但城市的建構方式與氣候讓『光』與『色彩』截然不同。」台灣的潮濕高溫使光線在大氣中擴散出獨特的層次效果，「讓我更深刻地思考了『形』的意義，而《shape》系列作品正是這個思考的反向。」對此他特別表示自己非常幸運，「拍攝期間幾乎天天晴朗，若是陰雨天，我應該就無法拍出如此強烈的影像。」更坦言來台完成攝影企劃及舉辦展覽為他開啟嶄新創作方向，「這次與徠卡台灣的合作，促成在台灣進行的拍攝契機與經驗，也給我新系列創作的啟發。」

同場加映：作品背後一剛一柔的SL3、M10

作為攝影師，徠卡之於阿部大輔不僅是一台相機，更是一種觀看世界的方式。「在《shape》的創作中，我特別依賴Leica SL3的高解析度與色彩再現能力。它能精準地表現建築線條與光影層次感，讓畫面更具張力。」同時提及SL系列相機可搭配100-400mm焦段鏡頭的優勢，「許多《shape》作品，都是使用這顆鏡頭所拍攝的。那種遠距離凝視的視角，讓我能捕捉到人眼無法專注的細節。」另一頭，阿部大輔選用M系列相機著手《vague》的創作，「Leica M10的畫面則帶有不完美的溫度，讓我能更自在地探索抽象邊界。」SL系列彰顯卓越畫質和豐富細節、M系列保留底片柔和質感，兩者一剛一柔，體現阿部大輔作品截然不同的思考面向。

阿部大輔攝影特展《The Present shapes the Past》

• 時間：即日起至2026年3月23日11:00-19:00
• 地點：徠卡台北畫廊（徠卡之家｜台北市青田街6巷3號）

>> 更多資訊可至徠卡官方網站、台灣官方臉書、台灣官方IG了解。

Red Velvet、TWICE、BTS、New Jeans（現NJZ）等眾多 K-POP 偶像，都曾出現在 Siyoung Song 的觀景窗中，他也同樣遊走於時尚、影視、品牌與藝術等各領域之間，捕捉一幕幕精準而鮮明的影像。La Vie與他聊聊近期重要作品的拍攝幕後，以及對於攝影的核心思考。

如同許多對鏡頭有嚮往的人，Siyoung Song最初也懷抱著想拍電影的心，遠赴紐約視覺藝術學院學習。但從青少年時期便享受拍照的他，偶然開始在一間商業攝影工作室工作，環節中需與各方團隊緊密協作的過程，以及相較電影製作更加緊湊的節奏尤其吸引了他，也讓他從此投身其中。

翻閱Siyoung Song的Instagram頁面，一幀幀畫面的調性跨度廣泛，從人物肖像、純風景到品牌概念形象，都是他的鏡頭刻畫的對象，且畫面時清透時濃郁、時沉鬱時明亮，難以單一風格概括描述。

他也自認沒有固定的「風格」，「但有些事情是我總會放在心上的，其中之一是創造帶有『電影感』、能喚起懷舊氛圍的場景。」如同他總是被日常的靈感來源——畫作、電影、音樂中的某些微小瞬間打動，他也希望自己的作品多少能帶給觀者這樣的情緒湧動。

為畫面染一層神秘與陌生

在日本寶礦力水得2024年的廣告視覺中，Siyoung Song便成功定格出隔著螢幕也能感受到的、強大且流動的青春能量。

本身已具有相當品牌知名度的寶礦力水得，近年來陸續與瀧本幹也、奧山由之等攝影師合作，透過影像建立起鮮明的視覺辨識度。Siyoung Song回顧當時的目標，是要創造一個既忠實於品牌關鍵字——青春、純粹、夏天，又能融入新鮮視角，意即「韓國風格」的視覺，「這是對畫面平衡感的巨大考驗。」

為了傳遞「潛力就在你的身體之中」這一主要訊息，團隊及2位正值高中年齡的少女主角池端杏慈和椿，移動許多不同地點取景，最後主要選用了在黃昏校園中拍攝的畫面，「我使用了機頂閃光燈，加上演員微妙又帶點神祕的表情，營造出略帶陌生感的氛圍，和品牌以往的調性有些不同。」

今年7月在首爾舉辦的展覽《景福宮的思索》（暫譯，Contemplation of Gyeongbokgung Palace），把這座已矗立630年的朝鮮王朝宮殿，轉化為一段以5條路徑和聲音構成的旅程，帶領參觀者在走動、觀看、聆聽的過程中，真正進入這個傳統場域的內在時空。

呼應這分敘事性，Siyoung Song也不以常規記錄文化遺產的方式按下快門，而是試圖創造能引導人深入觀看的影像。於是，景福宮內的6處景點——永濟橋、勤政殿、慶會樓、香遠亭、交泰殿、生果房在原本的莊嚴之上，也多了一絲他一貫追求的「陌生感」，「希望讓人略微不安，卻又想一探究竟。」

商案 v.s. 自我

至於精準捕捉一個人或品牌特質的關鍵是什麼呢？或許呼應自己曾一度熱衷的「紀實攝影」，Siyoung Song分享，「我努力不去失掉的，是真實感。不論在什麼樣的拍攝中，都會牢牢堅持這一點。」

他固然清楚這往往和商業攝影的本質衝突，「很多時候根本沒有足夠時間和拍攝對象真正建立連結，有時在現場第一次見面，說上幾句話，就要馬上開工。」然而，即便每次拍攝知名人物前他都會事先蒐集資料，但實際見面相處的感覺往往截然不同。「到最後真正重要的，是我帶著什麼態度和視角去看待被攝者。」

此外，他也習慣以單張以上的規模思考敘事節奏，「一張照片或許說不出故事，但當多張照片並置時故事就可能浮現。即便是一張看似沒有意義的影像，放在其他旁邊便可能產生全新的意義。」細膩的層次編排，是讓目光能多停留片刻的關鍵。

長久生活在商業攝影「多方協作」和「快節奏」的間隙中，Siyoung Song並不感迷失，近來甚至有感商案與創作的界線常常模糊。無論面對怎樣的專案，他總會努力編織一些「自我」放入其中，「即便時而可以80%，時而只有 30%，但商案的過程總是一連串的選擇，找到那個平衡，同時仍然讓作品保有自己的聲音，是一個持續的挑戰。

「雖然不容易，但也是我覺得商業攝影之所以有趣之處。」

他透露，在許久沒有從事純創作之後，最近越來越有一股「主動出擊」的衝動，甚至不局限於攝影，而是各種有趣形式的多方共創，目前已在著手籌備一個創作計畫，預計於明年啟動——已經令人期待，如此擅長為他人說故事的他，將用更加無設限的鏡頭打造出怎樣的影像時空。

Siyoung Song

畢業於紐約視覺藝術學院（School of Visual Arts）攝影系，2018年 成立個人同名工作室。主要活動於商業攝影領域，曾拍攝Red Velvet、TWICE、BTS、NCT 127、NCT DREAM、V（金泰亨）等諸多K-POP偶像，並和New Jeans（現NJZ）多次合作。近年合作品牌包括寶礦力水 得、BEAMS、CONVERSE、LINE creative、韓國New Balance Kids等，也擔綱影集《未知的首爾》海報及《Magazine F》、《Magazine B》封面攝影。

_{文｜李尤　圖片提供｜Siyoung Song}

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