優雅的排列組合！KOHLER Urbanity廚櫃質感生活新提案

「在這個世界上，我覺得我最喜歡的地方就是廚房。」 ——《廚房》吉本芭娜娜

「廚房」這個空間在每個家中代表什麼意義呢？現今都市的快節奏生活，雙薪家庭、職業婦女反應社會結構變遷，三餐外食的人口比例逐漸攀升，廚房已不再是家庭中心，許多家中的廚房也淪為可有可無的空間。美國百年廚衛品牌KOHLER為了讓忙碌的都市人，重新回歸廚房，每位設計師秉持將藝術創想發揮到極致，以「優雅生活」為設計主軸，提出「Living Art」的概念，使簡約與溫馨、奢華與時尚在廚房中交織碰撞。從材質到線條，每處設計充滿機能美學兼具的KOHLER KITCHENS Urbanity系列，得以匹配都會的快步調，將廚房扭轉為現代都市人們生活中的「調劑品」。

無論北歐風、工業風或是鄉村風，兼具收納機能及時尚美感的中島式廚房成為最新主流，廚房除了鍋碗瓢盆外，餐具、調味料及廚房清潔用品皆是需收納於廚房空間裡，要如何收得巧？收得有美感？KOHLER Urbanity系列廚櫃為此提出最佳提案，質樸純粹的簡約加上隱藏式多元收納的家居空間配置，透過藝術美學與實用幾何的碰撞，為您開啟快樂廚房的伊甸大門。

豎向存儲高櫃 / 豎向存儲抽屜櫃

中式炒鍋、大烤盤、平底鍋等可說是扼殺櫥櫃空間的最大問題，這些無法疊放的鍋具，該怎麼收納呢？Urbanity豎向存儲高櫃的隔板設計，可依造鍋具高度自由調整，將空間利用發揮到最大值，也讓鍋具陳列變得一目瞭然，省去盲目翻找的時間另外，抽屜櫃式的隔板則有貼心的弧度設計，讓您拿取時方便不卡手！

米箱抽屜櫃

以米食為主的台灣，米幾乎為每個家庭必備的食材，木桶、塑膠桶、保鮮盒甚至傳統米缸可讓米保持新鮮及避免沾染空氣中的濕氣，但這些存放容器，放置在廚房一隅總是有股突兀感。貼心的為亞洲市場著想，Urbanity的米香抽屜櫃，將米桶與抽屜結合，消除那股突兀感，附蓋的置放盒內，更貼心地設計一處存放乾燥劑的小夾層，加倍維持容器的乾燥度，而多格段設計也可存放其他米麵乾糧。

木紋HPL餐臺、島臺開放架

在外國影集或電影中，開放式廚房常常成為家人與朋友們聚會的場所，你是否也同樣嚮往這樣的場景呢？Urbanity島臺開放架除了增加更多的儲物空間，也可放置你喜愛的器具、食譜成為一個展示櫃，十足符合「Living Art」的設計精神。由中島櫃組成的餐桌空間更是吸睛之處，石質拼接觸感舒適的木質檯面，象徵與大自然的親密接觸，替簡約風格增添一點溫度及柔軟度。放置兩、三張椅子，再鋪上桌巾立刻成為餐桌與吧台，快點號召朋友們來場廚藝派對吧！

抽拉式煙機吊櫃

Urbanity抽拉式煙機吊櫃，巧妙的設計遮擋油煙機櫃體與管線，採用與門板相同的材料，呈現一致性的整體輪廓。兩旁搭配的「黑色鋁框玻璃門吊櫃」，完美無縫拼接的鋁框，足以展現KOHLER追求完美工藝一絲不苟的態度，門板及層板均採用高質感茶色鋼化玻璃，配合櫃內燈光照射，散發沉穩而柔和的光澤，在自然和諧中點綴象徵都會的摩登感，讓整體設計在自然中帶點不刻意的現代感。

碗碟分隔盤

「吃飯是一種享受，用美麗的餐具，更加幸福。」根據色彩心理學研究指出，顏色既可以促進食慾也可降低食慾，或許你搜集各種顏色的餐盤、也許你因講究擺盤而購買了各種大小的碗碟，Urbanity碗碟分隔盤由底板和分隔板組成，可按照個人習慣，自由組合碗盤陳列的樣子，體貼的個性化設計，融入大膽的創新，吹響來自西方的優雅遐想。

作為全球百年廚衛經典品牌，KOHLER 對產品的藝術化追求就從未停止過，繼2009年KOHLER獲得廚衛品牌權力榜先鋒設計品牌獎後，於2012年開始攜手知名藝術家共同創作，大膽推出「KOHLER 廚櫃藝術系列」產品，其中KOHLER Urbanity系列櫥櫃以溫暖的木紋板材及沉穩的色調，跳脫簡約風格給人冰冷的感覺，呈現大器的氛圍，搭配專業設備與精緻工藝細節，創造出美感與機能的完美結合。KOHLER 創造出的不僅僅是提供烹飪功能的廚房空間，而是創造一個充滿溫度的全新互動空間，每次轉身都是華麗的美妙邂逅，在充滿感官美學的空間中，體會指間碰觸到的 KOHLER 細緻質感。

KOHLER於2017年起開啟KOHLER Experience Center (KOHLER體驗館, KEC) 全球拓點計畫，為展現對台灣市場的重視與信心，KOHLER將亞太區第一間KEC設立在台北，目的是希望拉近與使用者的距離，藉此直接滿足來自建築公司、建築師、設計師與消費者的需求（KOHLER體驗館 台北市中山區松江路148號）。

Text / Eva Hung

Photo / KOHLER

恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」出版《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，以10則刺青師深度專訪，描摹40年台灣刺青生態演變 。操刀裝幀設計的HOUTH，分享如何以設計過程中的各種巧思呼應刺青文化，及其中的次文化與反叛精神。

延續2024年推出的卡帶專輯《調皮》（The Skin Surfing）和刺青認領圖小書《刺花Tshiah-hue》，恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」持續關注刺青藝術社群，推出最新作《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，是台灣第一本梳理刺青生態演變的深度觀察與圖冊。

作者張玉音長年書寫藝文領域，年少時期曾親身見證刺青文化背負的污名，步入不惑之年後，毅然決定讓各色刺青佔據肌膚。她深入田野，透過本書帶領讀者一窺台灣刺青在世代輪轉之下，所發展出的不同技藝與風格，以及諸多產業重要議題，包含師徒制的轉型、國際展會的功能更迭、比賽評選機制的變化、社群媒體對整個生態的重塑，甚至包括盜圖與人才外流等現象。

全書採11冊分冊設計，包含1冊序言，以及10冊跨世代刺青師的專訪與反思，依序記錄其師、富哥、Kubrick、House、York、Ray、Upa、阿弘、柯廷、張先生的創作世界。從中，可見橫越40年來的刺青風格演變，從轉化自令人畏懼的江湖印記的細膩台式工藝，一路到當代 Gen Z 的 Y2K 邪典氣質，以及這一文化在不同時代面臨的挑戰，和刺青師們各自持續創作、開拓的路徑。

閱讀體驗的定調

本書裝幀由何婉君與黃紀滕（Hans）組成的的HOUTH團隊操刀。在月初舉辦的裝幀座談會中，張玉音與 HOUTH 進一步分享設計幕後。

設計初期，團隊曾發展出另一套視覺方向，閱讀體驗偏向「沉靜」。最終擇定的方向，則是希望打破傳統文史書「厚重、精裝、大部頭」的既定印象，留下刺青文化原有的次文化氣質與自由度，同時吸引圈層之外的讀者產生好奇與閱讀興趣。採用11本輕薄短冊的分冊設計，也是呼應每一冊皆代表不同世代的歷史切片與文化精神，讓讀者可以自由抽取閱讀，依照自己的節奏與偏好的順序，進入不同年代與刺青師的故事。

圍繞在身體的「物理性」

刺青的載體是人體皮膚，本書裝幀也以身體的「物理性」作為核心概念。書盒上那隻乾淨、沒有刺青的鮮明手臂，其實正是 Hans 親自拍攝的自身手臂。空白手臂象徵刺青的載體，也像一塊等待被書寫的皮膚，串接台灣能量蓬勃卻曾經缺乏完整脈絡的40年刺青史。

作為對比，書盒內部則印製滿版刺青作品，來自本次最資深的兩位受訪人物——其師與富哥。當讀者將書冊從盒中抽出時，如同刺青逐漸覆上身體，也隱喻台灣刺青文化在40年間，從地下次文化逐步走向自我認同與個人表述的過程。

紙材選擇上，同樣延續「物理性」的概念。封面選用「新浪潮」紙材，保留類似皮膚表面的霧面粗糙質地；外盒則以瓦楞紙搭配半斷工法製作，利用偏街頭、工業感的材質，營造看似精裝、實則平裝的視覺狀態，呈現介於粗糙與精緻之間的氣質，也隱隱呼應「野点」作為內容品牌，長期穿梭於不同文化圈層之間的姿態。

為了呼應刺青文化相對銳利的調性，HOUTH 在內頁選擇帶有亮面質感的「雜誌紙」，影像與文字會微微透出下一頁，產生近似皮膚透度與色料滲透的視覺感受。過程中，張玉音還特地前往舊書攤，找來八〇、九〇年代的《Times》雜誌進行比對，確認印樣既具有足夠遮蔽性、不干擾閱讀，同時也保留與當年雜誌紙張相近的物質感，讓本書內容觸及的時間跨度，也被精準收束在紙頁的選材。

以刺青風格轉化的編排巧思

字型的選用，同樣呼應次文化語境。封面使用由黑體改造的實驗字體「獅尾尖刺黑體」，帶有地下刊物與小誌文化中的野性與銳利感；拉丁字體也選用帶有尖角細節的字型相互呼應。內文則以蘋方繁編排，搭配較大的字級與方正結構，保留長篇閱讀的舒適性。每冊的封面編號與頁碼，則依據受訪刺青師的個人風格重新轉化設計，例如以美式傳統刺青風格聞名的 HOUSE，其數字「4」便加入裝飾風格語彙。

此外，許多裝幀細節也隱含對刺青工藝的轉譯。書盒上的書名與 ISBN 燙印，模擬刺青留在皮膚上的痕跡，並加入微微暈染效果，重現色料隨時間沉入皮膚後的自然擴散。每冊開頭與結尾的紙頁，則模擬刺青工序中的描圖紙；其中特別使用到紅色，是向台灣資深刺青師「其師」的 freehand 技法致敬——他習慣以紅色油墨直接在人體上繪製，再進行刺青。

細看內容，會發現各冊也藏有呼應每位刺青師背景與特色的小巧思。例如在富哥的篇章，刺青工具被編排成形似一支手槍，幽默呼應他早年「八成客源是社會人士」的經歷；而刺青師 Upa 長期以刺針模擬繪畫筆觸，在肌膚上留下如詩般的抽象痕跡與氣泡質感，因此 HOUTH 也在編排中刻意保留更多留白與空氣感，讓圖文之間形成更自由的節奏。

《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》以紮實的訪談書寫，織就一部由刺針、墨水和圖像構成的時代群像錄；也透過裝幀設計，承載台灣刺青文化這40年來層層堆疊、多元而鮮活的歷史。

關於野点nodate｜

恆成紙業旗下內容品牌，將紙的物質性與承載文化抽象意涵，透過議題企劃與活動串聯交織出版、視覺設計、次文化、聲音藝術等多元創作領域，以紙張、媒介作為文化實驗場，並擴充傳統的用紙受眾。於2024年底有正式的出版產品，著力實踐內容生產的主動權，打破傳統出版與媒體界限，並且以紙業背景為紮實基底，對媒體型態、製作方式進行再思考。

資料提供｜野点nodate

文字整理、文｜李尤

JIL SANDER攜手西班牙室內設計雜誌《Apartamento》，於2026米蘭設計週期間共同呈現《Reference Library》展覽。匯聚來自世界各地具獨特視角的作家、設計師、藝術家、建築師、電影人、思想家與創作家等精心挑選的60本書籍，組成一個啟發思考、陪伴人生各個時刻的閱讀書單。

身處於這個「速讀」時代，我們的視線在電子螢幕上游離，閱讀變得碎片化。演算法在我們尚未消化內容前，已為我們決定下一步。為獲得快樂而閱讀的想法大幅減少，書本反而成為一種值得被珍視的媒介，一件需要被握在手中、邀請你放慢節奏、停留片刻的物件，更是讀者與故事之間自由選擇的私人時刻。

書本承載著記憶，甚至帶給你驚喜

而《Reference Library》正是在這樣的背景下誕生，肯定了這些物件與行為的價值，也為「全神貫注於值得關注的事」賦予意義。

書本承載著記憶，將把書交到你手中的那個人、初次翻閱時的場景，以及當下的珍貴片刻一併保存。它在人與人之間悄然流轉，也會在不經意間喚起你對某個人的想念。在適當的時候，它會帶給你意想不到的驚喜，比如促使你與某人聯絡、重新思考某些事情、前往某個地方或重新開始。而生活中鮮有其他事物能做到這一切。

【2026米蘭設計週】7大亮點設計裝置整理！ARKET打造水果蔬菜旋轉木馬、Moncler讓巨大章魚盤踞建築

以鏡面構築的閱讀空間

此次展覽由米蘭建築事務所studioutte設計，在米蘭市中心的JIL SANDER展示廳舉行。其由多個鉻合金展示台一字排開，在閱讀燈的映照下，其倒影被鏡面牆反射，構成一個讓人細細品味、沉浸於閱讀的完美空間；人們能隨心所欲地從一本書移到另一本書，自由遊走於書中世界。

戴起白手套、翻閱現場書籍

展覽每小時限額60名，每位參觀者登記後會獲邀進入圖書館，並獲贈一對白手套，這個小儀式將改變人們對待事物的方式及對事物的呵護程度。參觀者可拿起、翻開及閱讀現場的書籍，結束時白手套將作為禮物贈予讀者，作為一份靜謐、紀念這段美好時光的紀念品。

探索60位創意人士書單

此次精選的60本書單中，涵蓋了多部影響深遠的思想與文學作品，比如法國思想家加斯東·巴舍拉《空間詩學》(The Poetics of Space)、谷崎潤一郎《陰翳禮讚》(In Praise of Shadows)，以及尚·布希亞《物體系統》(The System of Objects) 等，從空間、光影到人與物件之間的關係，延伸出對感知與日常經驗的重新理解。

另外，維吉尼亞·伍爾夫《海浪》(The Waves)與萊納·馬利亞·里爾克《給青年詩人的信》(Letters to a Young Poet)則以細膩的內在書寫，回應閱讀作為一種內在且延續的體驗。這些書籍不僅構成一份閱讀清單，更引導觀者在觀看與閱讀之間，建立更深層的連結。

JIL SANDER 創意總監Simone Bellotti表示：「我為這段即興而短暫、僅存在數日的計畫，特別挑選了一本童年時讀過的書，作為贈予米蘭圖書館的禮物——由Italo Calvino撰寫的《樹上的男爵》。主角 Cosimo 選擇棲身樹上，從高處觀看世界，反而比地面上的人看得更清晰。Calvino在此構建了一種優雅的理論：主角的性格古怪、被孤立、誤解，卻正因其非典型的視角，影響了周遭的一切。這幾乎可被視為創作中狀態最純粹的隱喻。」

Apartamento聯合創辦人Marco Velardi說道：「Apartamento與JIL SANDER的合作是自然契合的成果。我們雙方深知我們身邊的事物從不單只是裝飾，更是個人經歷的延伸，關於對事物的專注、珍視及對一次性消費的反抗。猶如一件精心製作的服裝一樣，書本同樣是一種經過深思熟慮、為流芳百世而存在的創作。」

Reference Library
日期： 2026年4月20日（星期一）至4月24日（星期五）
地址： Via Luca Beltrami 5, Milan
開放時間： 上午11時至下午5時
預約連結請點此
預覽地點：JIL SANDER 專門店（Via Verri 5, Milan）