浪漫的年底時節，聖誕氛圍濃厚，不僅街面上燈飾熱鬧非凡，聖誕樹、聖誕老人及雪花紛飛的形象也讓寒冬有了溫馨團聚的幸福感，誰說冬季與死氣沉沉畫上等號？對比強烈的聖誕元素色彩紅、綠、白可說是年末的代表色彩，不過，12月可是帶給來年新期許與希望的月份，豈可僅讓上述聖誕3色專美於前？精彩的未來正等著你去創造！

本月La Vie Top 10以「色彩」為題，蒐羅生活中的繽紛，介紹包含以用色繽紛為著稱的4位人物代表，以及在建築、城市旅遊、時尚、空間、設計、文創等6大風格生活領域中，汲取具啟發性的物件或案例，於2017年的終點，藉由彩虹般燦爛的世界，為大家開啟2018年的新起點，祝福每個人在未來皆能創造閃亮的日子！

日本藝術家小松美羽－走進繽紛的神獸世界

對於無法見到的另個世界，你的腦海中有著怎樣的想像？對出生日本長野縣的藝術家小松美羽來說，無疑是充滿各式色彩的吧！她就像是動畫中有著天然命定的公主一樣，能夠感應到天地自然的神奇世界，小時候因就近目睹動物與親人離世的經驗，使小松美羽對於生死、靈魂特別敏銳。透過繪畫各種形體的神獸，建構出她獨特的靈魂宇宙。

小松美羽的畫風奔放、畫筆用色充滿力道，像是令她聲名大噪的經典銅版畫作品《四十九日》，這幅為了紀念她敬愛已逝祖父所繪製的作品，儘管為黑白風格，然其精雕細琢的畫功，加上富奇想的畫面，衝擊觀賞者的目光卻又有著一股安定之情。曾被日本報章雜誌以「恐怖的世界」來形容作畫風格的小松美羽，近年創作一改早期黑白色系風格，轉為濃郁艷麗色彩，對於顏色風格上有著如次大的轉變，她表示：「我很喜歡線條的呈現，所以學生時代我主要是做銅版畫。當時覺得神獸的世界用黑白色來呈現非常適合，然後有了到台灣和其他國家的旅行經驗後，反而覺得顏色很重要，可以表現出人的情感以及很多事情，因此開始使用多種顏色下去創作。」。

這位正發光發熱的新生代藝術家，今年也受白石畫廊之邀，於台灣舉辦《繪獸繪靈—小松美羽台灣首個展》，要讓觀眾親眼目睹她作品裡頭那細膩強大的美感能量。

▶點此看小松美羽完整專訪內容 

彩色建築師Emmanuelle Moureaux－東京表參道之丘打造「100色的聖誕森林」

當問及最喜歡一年之中哪個月份？相信有不少人的答案是12月，就像是為紛擾的一年暫時畫下一個句點，在準備迎接嶄新一年之際，其充滿喜悅祝福的氛圍，即便這一年來可能過得沒那麼順遂，卻彷彿能藉由這滿載璀璨的華麗氣息，暫且得到一些些安慰！初冬的東京亦是如此，對十分講究包裝與過節氣氛的日本人來說，在這個送走楓紅杏黃的時刻，取而代之的是街道巷弄間那一盞盞如繁星點綴，宛若希望之光的閃閃燈芒。從綻著橘紅光芒的東京鐵道、銀座街道、汐留歲末點燈大秀、澀谷「青の洞窟」等，到樹木林立的表參道，冬日裡的東京洋溢著繽紛萬千色彩。

不過該如何從一片光海中突出重圍？定居日本，有如「彩色魔法師」般的設計師Emmanuelle Moureaux則發揮她的創意巧思，在建築大師安藤忠雄所打造的表參道Hills空間中，建立起一座名為「100色的聖誕森林」（100色のクリスマスツリーの森）公共藝術。有別於普羅大眾印象中的綠色聖誕樹，這座充滿建築人風格的七彩聖誕森林，約有1500個、用100種彩色製作的三角錐小樹，如燈籠般的小聖誕樹於室內懸掛著，溫暖柔和的燈光從內向外照耀著多彩小聖誕樹，讓置身於此的人就像是被賦予了一股神奇能量，能夠切實感受到喜悅之情。

 

emmanuelle moureaux（@emmanuellemoureaux）分享的貼文 於 PDT 2017 年 10月 月 9 日 8:33 下午 張貼

100色的聖誕森林靈感源自於表參道濃密的林蔭大道，Emmanuelle將此意象轉換成室內裝置設計，搭配著安藤忠雄所設計的迴旋狀廊道，讓漫步在此的人得以從不同角度看見聖誕樹林，而隱藏在小聖誕樹中的聖誕老人和馴鹿圖騰更為這趟聖誕森林尋禮增添不少樂趣。

 

emmanuelle moureaux（@emmanuellemoureaux）分享的貼文 於 PST 2017 年 11月 月 10 日 2:34 上午 張貼

時尚潮嬤Iris Apfel－越老越繽紛

在那個沒有手機網路，根本不存在網紅網美的年代，要想一鳴驚人，除了得身懷絕技外，還必須要有令人記憶深刻的「個人特質」！年近百歲的「時尚潮嬤」Iris Apfel正是最好的例子，這位帶著圓框眼鏡，身上總不缺乏各式色彩的時尚指標，用一種從容又自信的光采，大方向眾人揭示即便年華老去，美好容貌不再，但你依舊可以活得比年輕人更加精采繽紛！

 

Iris Apfel #irissupportsart（@iris.apfel）分享的貼文 於 PST 2017 年 12月 月 6 日 12:36 上午 張貼

在以她為名的紀錄片《時尚天后的繽紛人生》（Iris）中，我們能見到這位時時有著最鮮明裝扮的時尚女王，戴著那招牌超大圓框眼鏡和混搭珠寶服飾，對著鏡頭緩緩闡述對時尚的獨到見解，她透露曾有人向她表示：「妳不是美女，也永遠不可能變漂亮，不過不要緊，在妳身上有更好的特質，妳有自己獨特的風格。」，這席話因此奠定了她不盲目追隨流行趨勢，專注於自我的獨特風格。

靠著繽紛穿搭魅力席捲時尚圈的Iris，儘管今年已屆96歲高齡，然而其活力似乎隨著歲數成正比，對她來說「More is more and less is a bore」，人生所能遇到的驚奇喜悅永遠不嫌多，而過去和已逝丈夫從事古董織物事業的Iris，今年冬天則攜手家具品牌Cloth & Company推出時尚聯名家居系列，搶眼的湖水綠家飾桌椅，經典黑白條紋床頭套，或是靈感來自於馬戲團的印花圖紋屏風，處處都滿載著Iris不羈奔放的時尚色彩韻味！

 

Iris Apfel #irissupportsart（@iris.apfel）分享的貼文 於 PDT 2017 年 10月 月 20 日 10:39 上午 張貼

食品藝術家Linda Miller Nicholson－不讓孩子挑食化身美食界Lady Gaga

天下父母心！為了寶貝孩子能夠在細心呵護下成長茁壯，爸爸媽媽們可說是發揮了百分之兩百的精力，在各方照顧上可是馬虎不得，不過在小孩真的登大人之前，難免會遇見一些棘手的問題，例如挑食！現代化學食品當道，色彩鮮艷如童話故事般的糖果、令人吃到欲罷不能的鹹食餅乾，還是香噴噴的酥脆炸雞，這些對身體有害的「加工亮眼」食物，反而讓孩子對那些長相不佳卻擁有十足營養的蔬果青菜興趣缺缺，甚至打從心裡厭惡。

為了讓孩子不再挑食，美國食物藝術家，同時也是為人母的Linda Miller Nicholson，則選用天然食材製作出好看又好吃的「繽紛義大利麵」。她說：「為了我挑食的孩子們，我得想辦法讓他們對食物產生興趣，而一開始我的做法是將蔬菜混合進麵裡，這樣他們就沒辦法挑出來了！」，而這個創新實驗顯然相當成功，不僅讓孩子吃得健康，更添加了吃飯時的樂趣。

 

Linda Miller Nicholson（@saltyseattle）分享的貼文 於 PST 2017 年 12月 月 4 日 8:53 上午 張貼

Linda所做的彩色義大利麵，先以綠葉蔬菜做麵糰，再從藍莓、螺旋藻，甜菜根等食物中萃取出天然色彩，過程中完全不使用人工色素。當然，她的義大利麵除充滿各式形狀與顏色外，她更將義大利麵糰是為藝術畫布，緞帶、圓點、星星等各種圖案應有盡有，不僅美味也超級時尚美觀！

 

Linda Miller Nicholson（@saltyseattle）分享的貼文 於 PST 2017 年 11月 月 24 日 2:51 下午 張貼

Text / Ian Liu

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/10月號《韓國設計特搜》

想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group