藝術界神隱少女、時尚潮嬤!那些在生活中施展彩色魔法的藝術家

浪漫的年底時節,聖誕氛圍濃厚,不僅街面上燈飾熱鬧非凡,聖誕樹、聖誕老人及雪花紛飛的形象也讓寒冬有了溫馨團聚的幸福感,誰說冬季與死氣沉沉畫上等號?對比強烈的聖誕元素色彩紅、綠、白可說是年末的代表色彩,不過,12月可是帶給來年新期許與希望的月份,豈可僅讓上述聖誕3色專美於前?精彩的未來正等著你去創造!

 

本月La Vie Top 10以「色彩」為題,蒐羅生活中的繽紛,介紹包含以用色繽紛為著稱的4位人物代表,以及在建築、城市旅遊、時尚、空間、設計、文創等6大風格生活領域中,汲取具啟發性的物件或案例,於2017年的終點,藉由彩虹般燦爛的世界,為大家開啟2018年的新起點,祝福每個人在未來皆能創造閃亮的日子!

 

日本藝術家小松美羽-走進繽紛的神獸世界

對於無法見到的另個世界,你的腦海中有著怎樣的想像?對出生日本長野縣的藝術家小松美羽來說,無疑是充滿各式色彩的吧!她就像是動畫中有著天然命定的公主一樣,能夠感應到天地自然的神奇世界,小時候因就近目睹動物與親人離世的經驗,使小松美羽對於生死、靈魂特別敏銳。透過繪畫各種形體的神獸,建構出她獨特的靈魂宇宙。

 

小松美羽的畫風奔放、畫筆用色充滿力道,像是令她聲名大噪的經典銅版畫作品《四十九日》,這幅為了紀念她敬愛已逝祖父所繪製的作品,儘管為黑白風格,然其精雕細琢的畫功,加上富奇想的畫面,衝擊觀賞者的目光卻又有著一股安定之情。曾被日本報章雜誌以「恐怖的世界」來形容作畫風格的小松美羽,近年創作一改早期黑白色系風格,轉為濃郁艷麗色彩,對於顏色風格上有著如次大的轉變,她表示:「我很喜歡線條的呈現,所以學生時代我主要是做銅版畫。當時覺得神獸的世界用黑白色來呈現非常適合,然後有了到台灣和其他國家的旅行經驗後,反而覺得顏色很重要,可以表現出人的情感以及很多事情,因此開始使用多種顏色下去創作。」。

 

這位正發光發熱的新生代藝術家,今年也受白石畫廊之邀,於台灣舉辦《繪獸繪靈—小松美羽台灣首個展》,要讓觀眾親眼目睹她作品裡頭那細膩強大的美感能量。

 

 

▶點此看小松美羽完整專訪內容 

 

彩色建築師Emmanuelle Moureaux-東京表參道之丘打造「100色的聖誕森林」

當問及最喜歡一年之中哪個月份?相信有不少人的答案是12月,就像是為紛擾的一年暫時畫下一個句點,在準備迎接嶄新一年之際,其充滿喜悅祝福的氛圍,即便這一年來可能過得沒那麼順遂,卻彷彿能藉由這滿載璀璨的華麗氣息,暫且得到一些些安慰!初冬的東京亦是如此,對十分講究包裝與過節氣氛的日本人來說,在這個送走楓紅杏黃的時刻,取而代之的是街道巷弄間那一盞盞如繁星點綴,宛若希望之光的閃閃燈芒。從綻著橘紅光芒的東京鐵道、銀座街道、汐留歲末點燈大秀、澀谷「青の洞窟」等,到樹木林立的表參道,冬日裡的東京洋溢著繽紛萬千色彩。

 

不過該如何從一片光海中突出重圍?定居日本,有如「彩色魔法師」般的設計師Emmanuelle Moureaux則發揮她的創意巧思,在建築大師安藤忠雄所打造的表參道Hills空間中,建立起一座名為「100色的聖誕森林」(100色のクリスマスツリーの森)公共藝術。有別於普羅大眾印象中的綠色聖誕樹,這座充滿建築人風格的七彩聖誕森林,約有1500個、用100種彩色製作的三角錐小樹,如燈籠般的小聖誕樹於室內懸掛著,溫暖柔和的燈光從內向外照耀著多彩小聖誕樹,讓置身於此的人就像是被賦予了一股神奇能量,能夠切實感受到喜悅之情。

 

 

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100色的聖誕森林靈感源自於表參道濃密的林蔭大道,Emmanuelle將此意象轉換成室內裝置設計,搭配著安藤忠雄所設計的迴旋狀廊道,讓漫步在此的人得以從不同角度看見聖誕樹林,而隱藏在小聖誕樹中的聖誕老人和馴鹿圖騰更為這趟聖誕森林尋禮增添不少樂趣。

 

 

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時尚潮嬤Iris Apfel-越老越繽紛

在那個沒有手機網路,根本不存在網紅網美的年代,要想一鳴驚人,除了得身懷絕技外,還必須要有令人記憶深刻的「個人特質」!年近百歲的「時尚潮嬤」Iris Apfel正是最好的例子,這位帶著圓框眼鏡,身上總不缺乏各式色彩的時尚指標,用一種從容又自信的光采,大方向眾人揭示即便年華老去,美好容貌不再,但你依舊可以活得比年輕人更加精采繽紛!

 

 

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在以她為名的紀錄片《時尚天后的繽紛人生》(Iris)中,我們能見到這位時時有著最鮮明裝扮的時尚女王,戴著那招牌超大圓框眼鏡和混搭珠寶服飾,對著鏡頭緩緩闡述對時尚的獨到見解,她透露曾有人向她表示:「妳不是美女,也永遠不可能變漂亮,不過不要緊,在妳身上有更好的特質,妳有自己獨特的風格。」,這席話因此奠定了她不盲目追隨流行趨勢,專注於自我的獨特風格。

 

 

靠著繽紛穿搭魅力席捲時尚圈的Iris,儘管今年已屆96歲高齡,然而其活力似乎隨著歲數成正比,對她來說「More is more and less is a bore」,人生所能遇到的驚奇喜悅永遠不嫌多,而過去和已逝丈夫從事古董織物事業的Iris,今年冬天則攜手家具品牌Cloth & Company推出時尚聯名家居系列,搶眼的湖水綠家飾桌椅,經典黑白條紋床頭套,或是靈感來自於馬戲團的印花圖紋屏風,處處都滿載著Iris不羈奔放的時尚色彩韻味!

 

 

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食品藝術家Linda Miller Nicholson-不讓孩子挑食化身美食界Lady Gaga

天下父母心!為了寶貝孩子能夠在細心呵護下成長茁壯,爸爸媽媽們可說是發揮了百分之兩百的精力,在各方照顧上可是馬虎不得,不過在小孩真的登大人之前,難免會遇見一些棘手的問題,例如挑食!現代化學食品當道,色彩鮮艷如童話故事般的糖果、令人吃到欲罷不能的鹹食餅乾,還是香噴噴的酥脆炸雞,這些對身體有害的「加工亮眼」食物,反而讓孩子對那些長相不佳卻擁有十足營養的蔬果青菜興趣缺缺,甚至打從心裡厭惡。

 

為了讓孩子不再挑食,美國食物藝術家,同時也是為人母的Linda Miller Nicholson,則選用天然食材製作出好看又好吃的「繽紛義大利麵」。她說:「為了我挑食的孩子們,我得想辦法讓他們對食物產生興趣,而一開始我的做法是將蔬菜混合進麵裡,這樣他們就沒辦法挑出來了!」,而這個創新實驗顯然相當成功,不僅讓孩子吃得健康,更添加了吃飯時的樂趣。

 

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Linda所做的彩色義大利麵,先以綠葉蔬菜做麵糰,再從藍莓、螺旋藻,甜菜根等食物中萃取出天然色彩,過程中完全不使用人工色素。當然,她的義大利麵除充滿各式形狀與顏色外,她更將義大利麵糰是為藝術畫布,緞帶、圓點、星星等各種圖案應有盡有,不僅美味也超級時尚美觀!

 

 

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Text / Ian Liu

專訪插畫家陳姝里:玩泥弄土,捏出一顆自由的心

(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

「對我而言,創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口,陳姝里如此輕描淡寫,卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年,她穿梭在插畫與平面設計之間,也因此在插畫界中闖出一番成績。只是,日復一日,面對形形色色的客戶需求,她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶,就像是一種自然轉換的過程,因為當時的我,很需要自己的空間,不僅是實體的空間,心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內,落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西,偶然被陳姝里收了起來,並衍生出她的創作系列:《拾獲物》(found object)。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料,本來應該要被丟進垃圾桶的,但我覺得這些造型不一的圖形,其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材,拼貼出《組合》這系列作品。」

陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

偶然出現的碎紙片,意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作,容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前,心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作,我叫它們『小雕塑』。某一天,我突然有個想法,如果把這些平面的紙片,變成立體的作品,可以怎麼呈現?」

可以說是記憶使然,陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法:陶作。原來,陳姝里的舅舅是陶藝家,小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課,所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

捏陶,也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適,但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來,大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩,時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時,但自從女兒出生,人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來,不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地,她感覺快被外界的人事物塞滿,內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作,但成為媽媽之後,時間變得很破碎,加上疫情嚴重的那年,我24小時育兒,一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作,我需要創作。我內心知道,若再不撥一點時間給自己,我會失控。」

在這個掙扎的時刻,陳姝里接觸到陶藝,摸到陶土的那一刻,她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了,但觸覺帶我回到小時候,在家門口玩泥巴,把泥土捏成球。手中握著泥球,我好滿足。而捏陶的時候,我又感受到那種純粹的快樂。」

開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

放下執念,享受不可控

對陳姝里而言,不論是紙片創作、插畫,或是後來的雕塑、捏陶,本質都相通。她喜歡組合與拼貼,就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型;陶土也是如此,需要一塊一塊地塑造、連結,再進窯燒製。

然而,創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化,或是不如預期。但她並不懊惱,反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說,一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來,但隨即就倒下去:「這是一個立不起來的作品,我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果,本來想把陶土實心的部分挖除,讓作品平衡站起,沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念,接受它最後的狀態。」

陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

她笑笑地繼續說:「所以這是一個失敗的作品嗎?我不這麼認為。或許對有些人來說,這是失敗品。但我卻因此看到,它有其他呈現方式。不只《水平》,我也有其他作品燒完後乍看不喜歡,但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時,會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道:「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢!」

陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

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一次收集奧拉弗.埃利亞松Olafur Eliasson私藏歌單、書單10+

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Olafur Eliasson熱愛音樂。他認為音樂如同鏡子一樣映照出他的心情,承接並映照出他日常中忽視、未被滿足的情緒與需求。他也持續進修、閱讀,避免自己陷入知識的盲區——他永遠好奇還有什麼自己不知道的事物。在這裡,Olafur親身分享他私藏的歌單與書單。

➤ 延伸閱讀:深度專訪藝術家奧拉弗.埃利亞松Olafur Eliasson:世界沒有理所當然,唯有展開你的好奇心

Olafur歌單4+1:承接你的心緒

 

❶ 《In Waves》

Jamie xx|2024

睽違9年,相較前張個人專輯的繽紛,這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜,卻眼望舞池的純真快樂。

 

❷ 《Lahai》

Sampha|2023

生於西非獅子山裔移民家庭,英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名,揉合電子與靈魂樂,探索自己成為父親後的內省與溫暖。

 

❸ 《Enjoy the Silence》

Naima Joris|2025

這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手,回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

 

❹《Go》

Jónsi|2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險,夢幻假音飄盪, 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

 

同場加映:《I Hear You》

Peggie Gou|2024

因藝術收藏而相識,Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面,她穿戴的作品便是Psychoacoustic empathy amp〉(2023);Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV,並將場景設定在他的柏林工作室,親自獻上一舞

 

Olafur書單×6:餵養你的靈感

 

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane|2025

土地是否能擁有人格權?Olafur觀察到台灣也正處理這議題,賦予河流或山脈人格權,自然界便也有了自我保護的法理基礎。

《Is a River Alive?》,Robert Macfarlane,W. W. Norton & Company,2025。(圖片來源:W. W. Norton & Company)
《Is a River Alive?》,Robert Macfarlane,W. W. Norton & Company,2025。(圖片來源:W. W. Norton & Company)

 

❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman|2016

資深酷兒運動者直面當代痛點:我們太快將不適貼上受害標籤?這部挑釁之作解構二元對立思維,呼籲重新思考責任與修復。

《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)
《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)

 

❸《山之生》

Nan Shepherd|1977(中譯版-新經典文化|2019)

手稿沉睡30年後,這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原,成為自然書寫的經典。

《山之生》中譯版,Nan Shepherd,新經典文化,2019。(圖片來源:新經典文化)
《山之生》中譯版,Nan Shepherd,新經典文化,2019。(圖片來源:新經典文化)

 

❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny|1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道,天生行事緩慢卻屢建奇功,挑戰效率至上的現代迷思。

《The Discovery of Slowness》,Sten Nadolny,Penguin Publishing Group,1997。(圖片來源:Penguin Publishing Group)
《The Discovery of Slowness》,Sten Nadolny,Penguin Publishing Group,1997。(圖片來源:Penguin Publishing Group)

 

❺ 《心靈的傷,身體會記住》

Bessel van der Kolk|2014(中譯版-大家出版|2017 )

這本書顛覆創傷研究的既有認知, 認為痛苦不只存在腦海,更銘刻在 身體之上,重新思考療癒的定義。

《心靈的傷,身體會記住》中譯版,Bessel van der Kolk,大家出版,2017。(圖片來源:大家出版 )
《心靈的傷,身體會記住》中譯版,Bessel van der Kolk,大家出版,2017。(圖片來源:大家出版 )

 

❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben|1989

在氣候變遷尚未被關注之時,McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在,我們需要重新審視與環境的關係。

《The End of Nature》,Bill McKibben,Random House Trade Paperbacks,2006。(圖片來源:Random House Trade Paperbacks)
《The End of Nature》,Bill McKibben,Random House Trade Paperbacks,2006。(圖片來源:Random House Trade Paperbacks)

 

 

Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)
Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)

奧拉弗.埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島-丹麥藝術家,1967生於丹麥哥本哈根,工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起,他的個展陸續於世界各大美術館展出,創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影,以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置,在國際藝壇享有盛譽。2003年,他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》,以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年,他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布,呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題,例如2014年,他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心,隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫,讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片,見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年,創立社會企業「小太陽」(Little Sun),並持續參與其發展至2024年。2014年,他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces,這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

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