「十年前，我們走進池上，和農人們變成朋友。在池上的純樸與人文的基礎上，基金會選擇以藝術在池上落戶紮根。」台灣好基金會柯文昌董事長說。台灣好基金會在池上十年，從舉辦活動到成立池上藝術村與池上穀倉藝術館。今年夏天，台灣好基金會誠摯邀請蔡康永、侯文詠聯合舉辦首次的收藏展，為地方帶來更多元的藝術視野。

池上穀倉藝術館由60年老穀倉改建再利用而成，於2017年12月開館。柯文昌說：「池上穀倉藝術館被賦予三項使命：其一是展出駐村藝術家在池上創作的最好櫥窗；其二，藝術館是在地的藝術教育資源；其三，藝術館是池上旅行的文化地標。」之前展出的展覽包括駐村藝術家聯展、雲門風景劉振祥攝影展、蔣勳私藏展…等。

你一定看過蔡康永主持的電視節目，你也讀過侯文詠寫的書，但是，你可能不知道他們都愛藝術，都收藏藝術品？

《心是最大的樂園─蔡康永‧侯文詠收藏展》於5月10日開幕，展期至9月3日。為了讓民眾更了解這個展覽，特別邀請兩位收藏家來到池上舉辦分享講座。5月25日星期六下午，蔡康永親自來到台東的池上穀倉藝術館與大家分享對藝術收藏的心情，活動訊息一公布即爆滿，主辦單位特別保留池上人的座位，不僅很多在地鄉親來到現場，鄉長與台東副縣長也出席。

這次的展覽主題為「心是最大的樂園」，「樂園有各種好玩的東西，樂園不是讓你只是享受快樂，而是經歷，被啟發，然後不會死掉。因此樂園不只是快樂，還有恐怖陰暗或悲傷。」蔡康永說。因此他選了不同類型的畫，這些畫來自世界各地，有新加坡藝術組合Phunk的作品《希望》(Hope)，還有韓裔美國藝術家金‧梅耶森(Jin Meyerson)的《散彈槍》(Blidebruss)，他所畫的世界是扭曲的，即使你在一個平靜的地方，你還是會感到扭曲。這幅450公分大的畫撲面而來。他想要壓迫你，讓你感受到他活在這個世界上的痛苦。一邊痛苦一邊壓抑冷靜地把這幅畫畫好。這是樂園帶給你的另一種感受。

對他而言，人生重要的事情其實不是用意義來界定的，但是「樂趣」卻很重要。「你來了現場，看到這些作品，那是很私人的事情。連畫家本人都沒有資格面對。你所經歷的人生，有些感覺是別人都無法共享的。從現在開始，要接受考驗，先不問什麼意義，要問有什麼樂趣？」。蔡康永所挑的作品都是必須要在現場才可以看到作品的樂趣，像是埃迪‧皮克(Eddie Peake)的《愛的小熊》(Well Loved in the Community)或是日本藝術家渡邊修一用烘焙材料創作的《吶喊》(Scream)，樂趣是自己去摸索出來的。而「這些藝術家費盡千辛萬苦，為了跟你一期一會，如果有什麼啟發，你心中的樂園就誕生了。」

因為台灣好基金的邀請，蔡康永與好友侯文詠一起在池上穀倉藝術館舉辦收藏展。此展覽以「心是最大的樂園」為名，分別展出蔡康永的30件收藏畫作與侯文詠的13件收藏畫作，包括當代日本藝術家奈良美智、渡邊修一、新加坡藝術組合Phunk、中國藝術家王風華、韓裔美籍藝術家Jin Meyerson及塗鴉藝術家Kaws….等作品。蔡康永表示，「當代藝術的畫家們所畫的，就是各自的心中樂園。」

有別於池上穀倉藝術館前幾檔展覽的作品風格，這次觀眾可透過兩位藏家蒐羅作品的獨到品味，以另一種方式去了解蔡康永與侯文詠的內心故事。這些作品擺脫了日常的乏味，帶著些許的幽默、童趣，透過多元的創作形式，呈現了各式各樣的人生風景。

《心是最大的樂園─蔡康永‧侯文詠收藏展》

時間：2019/05/10(五)-09/03(二) 

地點：池上穀倉藝術館(臺東縣池上鄉中西三路6號)

營業時間：10:30-17:30(三、四休館)

via/池上穀倉藝術館

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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