首屆馬祖國際藝術島將於2022年2月12日至4月10日在馬祖四鄉五島展開，第一屆藝術島主題為「島嶼釀」，在其8大計畫中，將集結39件作品、3個空間策展，並由41組藝術團隊與在地共創而成，一同形塑出馬祖的全新形象。

▶2022馬祖國際藝術島「島嶼釀」主視覺！馮宇攜手攝影師鄭鼎以觀海景框打開馬祖魅力

2022馬祖國際藝術島於馬祖四鄉五島開展

由連江縣政府及中華文化總會共同主辦的馬祖國際藝術島，為台灣第一個以10年為願景的藝術行動，並以雙年展的形式呈現，其由總策劃吳漢中提出整體10年5屆規劃，期盼透過藝術策展、地方創生、設計導入、教育推廣等，翻轉大家對於馬祖的既定印象，同時打造馬祖品牌。而首屆馬祖國際藝術島的8大策展計畫，將結合建築地景、軍事據點、文化信仰、自然景致，帶領你我體驗一場橫跨四鄉五島的藝術饗宴。

宣傳影片「讓時間說」呈現馬祖景色與人文風情

而本屆國際藝術島宣傳影片「讓時間說」，運用150秒的時間，呈現馬祖自然及人文風情，邀請旅客登島品味「塵封已久的島嶼滋味」，同時也有以馬祖在地的閩東語錄製的在地版配音，拉近大家與馬祖列島的距離。另外，2月中的開展期間恰好也是馬祖最重要的傳統慶典「擺暝」時間，屆時來看展，也能深度體驗馬祖。

2022馬祖國際藝術島「島嶼釀」8大策展計畫！

藝術計畫1：地下工事

策展人：林怡華

作品數量：7件

展出地點：南竿、北竿 

地下工事原泛指地面以下修建具防護性能的地道與防空洞為主題，不僅是點出馬祖具有高度密集的軍事坑道部屬的戰地地景，也進而帶出蟄伏於地下的身體勞動以及逝去的文化意象。

藝術計畫2：迴島嶼吧

策展人：黃鼎堯、陳泳翰

作品數量：6件

展出地點：南竿、東西莒

在「迴島嶼吧」的策展精神下，藝術試圖回應島嶼內「信仰文化」、「自然環境」的消失與重生，並從味蕾的儀式感中建立關於「海洋」、「植物」、「傳統」的知識學；進而共創則以島嶼為學校，在「島嶼研習所」行動中建立經驗上的離島關係人口，持續積累藝術島動能。

藝術計畫3：傾聽島嶼的聲音

策展人：陳宣誠 協同策展人：廖億美

作品數量：一件空間展覽（9件作品）、9件現地創作作品

展出地點：南竿

本計畫為重新思考馬祖這塊土地的藝術採集與創造計畫，整體計畫以場域系譜的研究與調查為基礎，以地景作為檔案的觀點，從地景資源的再發現，從我們所見、所聞、所觸的環境感知參照馬祖獨特的歷史脈絡與社會組成，以理解與再現地景的動態過程，從而開啟新的島嶼認識論。

藝術計畫4：島嶼生息

策展人：侯力瑋、黃心瑜

作品數量：4件

展出地點：南竿

本計畫以電力陪伴生活日常為發想，以藝術書寫著島嶼上的風土人情，透過邀請四組不同領域的藝術團隊，以不同的覺知，帶領著民眾體驗馬祖群島的故事。

教育計畫1：風塔 乘風而行的藝術共創旅程

策展人：蔡沛原、林喬安

作品數量：1件

展出地點：東引

「風塔」策展概念起於馬祖先民乘風揚帆的旅程。當漁船選擇了一座島嶼定錨的瞬間，就如同風與土交會產生的震盪，在風化作用下雕出了五張不同的面孔。而本計畫邀請馬祖四鄉五島七所小學的學生與師長共同創作，從採集土壤與植物開始認識自己的島嶼，一同創造出馬祖未來的想像。

建築計畫1：一幅完成中的風景

策展人：劉柏宏

作品數量：1件

展出地點：南竿

本計畫以馬祖後戰地政務時期變遷三十年為軌跡，盤點聚落與建築空間，審視這些空間如何與馬祖生活產生對話，並期許提供島民一個回望馬祖三十年的參考路徑，以不同視角認識圍繞在馬祖人生活的建築與景觀，同時期盼不論是觀光客、創作者、生活者等新馬祖人，一同投入這「一幅完成中的風景」中。

建築計畫2：馬祖當代建築選件

選件人：褚瑞基、劉柏宏

作品數量：3項選件

展出地點：南竿

馬祖有著與台灣本島截然不同的地理與歷史背景，火成岩大陸島及閩東文化的影響鮮明地反映在建築上，先天資源的限制也使建築與環境的關係始終緊密。如何以現代材料詮釋傳統語彙亦不失脈絡紋理，如何回應基地本身議題，從而形成馬祖當代建築的自明性，並與在地營造廠以夥伴關係彼此學習，突破熟悉的技術工法，是如風一般到島上的建築師們的重要課題。因此，選件人自公共建設中挑選出福澳碼頭濱海休憩廊道、馬祖福澳碼頭候船室，以及梅石營區軍官、士兵特約茶室為第一屆馬祖當代建築選件。

建築計畫3：戰地轉身 轉譯再生

策展人：傅朝卿、鄭泰昇、龔柏閔

作品數量：1組空間展覽

展出地點：南竿

本展將帶大家看見，國立成功大學自2020年投入的「戰地轉身 轉譯再生——統籌執行計畫」，其中軍事文化遺產的轉譯再生，為該計畫的關鍵策略之一，成大執行統籌與策略規劃，整合各階段介入的建築設計團隊，輔助團隊設計、再造逐漸頹圮或消失的軍事據點，使其逐步融入馬祖的當代生活，也成為連結國際的展示平台，開發永續經營的潛能。

馬祖國際藝術島「島嶼釀」

時間：2022.02.12-2022.04.10

FB：馬祖國際藝術島 Matsu Biennial

文字整理｜Adela Cheng    

圖片來源｜各計畫與策展團隊、中華文化總會

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}