繼2014年首度舉辦，「ART SOLO 藝之獨秀藝術博覽會」將於4月15日至17日正式回歸，攜手41家畫廊、66位參展藝術家，以個展X策展的獨特展會模式，登陸台北花博爭艷館！

藝術創作像是一本小說，一件藝術品可能只是整本小說當中簡短的一句話、一個章節；看完整本故事之後，藝術創作的脈絡才會顯現在眼前，感受會變得更廣，體會將變得更深，欣賞藝術品的樂趣，也會變得更好玩。2014年畫廊協會以「讓藝術回歸藝術家」的理念，舉辦ART SOLO 藝之獨秀藝術博覽會，藉由「個展」的形式，讓藝術博覽會呈現藝術家的創作脈絡。2022年，在快速變化、資訊爆量、踏入Web3.0之前的時代，面對NFT、Metaverse與各種新興的社群媒體，「ART SOLO 藝之獨秀藝術博覽會」以41家畫廊、66位參展藝術家的名單，重磅回歸！

個展X策展——藝術家與畫廊的緊密合作

承襲「以個展形式完整表現藝術家的創作脈絡」的理念，在自媒體時代浪潮下，畫廊協會希望以 ART SOLO 2022 做為深度的展覽平台，讓畫廊也能在博覽會呈現自己的策展手法，以個展的方式展出一般博覽會不容易呈現的視覺效果，提昇藝術的想像。ART SOLO 另一個重要的特色，是希望能透過個展的方式，在資訊過多的時代，給予收藏家、藝術愛好者一個與作品、與藝術家、與畫廊更深度的交流、合作、對話的平台。畫廊舉辦藝術家的個展是精煉的展出手法，需要將藝術家的歷程專注展出，對收藏家而言，純煉的資訊更有助於解讀作品、創作初衷，沉浸在藝術欣賞的世界裡。

梳理藝術家與畫廊的合作歷程

年輕收藏群體的興起是近幾年藝術產業的重要事件，在每一場展覽、藝術博覽會之中默默發酵。如何讓千禧世代與更加年輕的藏家群體能夠系統性的從藝術家的創作脈絡開始，再到縱觀畫廊與藝術家之間千絲萬縷的關係，從而深入理解畫廊經營藝術家的「經營脈絡」，也是ART SOLO試圖推廣的重要面向，藉由藝術家、畫廊、收藏家三者的深入接觸，從而促使畫廊紀錄其經營藝術家的每一次展覽、博覽會、交易的價格，為台灣藝術史提供重要史料。

ART TAIPEI的前導，藝術市場的試金石

畫廊協會基於建立合理市場秩序的初衷，積極開辦不同型態的藝術博覽會，希望滿足多元市場與產業發展的需求，以平衡區域發展為主軸的台中藝術博覽會與台南藝術博覽會都是為了健全台灣藝術市場而舉辦。ART SOLO藝之獨秀藝術博覽會則試圖做為ART TAIPEI台北國際藝術博覽會的前導，未來將以面向海外展商為主，引入藝術家個展測試台灣收藏家的口味，也給予藏家更多機會認識海外展商與國外藝術家，促進國際藝術交流。

ART SOLO 2022 將於4月15日至17日在台北花博爭艷館展出，庇鄰2024年將完成的北美館藝術園區擴建計畫，持續舉辦的ART SOLO將結合臺北美術館當代藝術新館、近現代藝術本館、臺北故事館、王大閎建築劇場，以及戶外兒童遊憩裝置，成為連動台北美術館參觀者的重要藝術盛會。畫廊協會以身為視覺藝術產業領頭羊的姿態，希望透過ART SOLO做為一個基礎國際平台，打造藝術展演與藝術教育的創新推廣基地，共同為行銷宣傳台灣的藝文形象努力！

ART SOLO 2022

展覽日期：2022 / 4 / 15（五）- 17（日）

貴賓預展：2022 / 4 / 14（四）12:00-21:00

展覽時間：11:00 - 19:00（4 / 17 至16:00）

展覽地點：台北花博爭艷館（台北市中山區玉門街一號）

購票請點此

資料提供｜中華民國畫廊協會

由沿岸制作於2023年發起的品牌「p.n.g.」，帶來的首檔企劃展覽《招牌：》（SIGN: Promotional Narrative Guidance），透過重新定義「招牌」於社會中的角色，以不同面向角度深入探究，逐一拆解招牌在社會長期累積的文化意涵。本展於3月22日至3月30日於 PPP 時尚藝文空間展出。

p.n.g. 為沿岸制作發起之品牌，希冀作為反射生活價值概念的萬花筒，以社會學研究為本的設計品牌，透過對於生態、社會文化、歷史、政治、科技與哲學議題的關注，加以解構與設計轉譯，挑戰人們認知當今社會的想像。而《招牌：》作為p.n.g.的首檔展覽，期盼從自身關注的議題開始，研究梳理而後簡化成大眾可以消化的內容，也期待在未來能夠與更多專業的研究單位合作，一起使關注的議題被看見。

什麼是招牌？

《招牌：》從議題的根本「什麼是招牌？」展開，透過展覽的四個子題切向——「Promotional」、「Narrative」、「Guidance」、「Aesthetic Iteration」，揭示著「招牌作為一種審美價值觀的映照」。而在此次的議題研究中，得以發現招牌的形式與概念逐漸萌芽，建構在「商業活動」的形塑之下，p.n.g.試圖回溯著人類歷史上的「第一個招牌」，透過勾勒出招牌的「前世今生」，描繪招牌在社會中的文化表現，其符號如何建立出共通語言，表述招牌背後的目的並與大眾產生連結。

Promotional／招牌象徵不斷傳達我是誰

展覽第一區「Promotional」，陳述著招牌被視為一種外顯的店家名片，既可以等於品牌本身，更可以透過招牌形體的表現設定，形成一種對外的溝通語言，與社會普遍價值觀進行連結。當招牌在回應「我是誰」的同時，它所指涉的形象本身，也試圖透過各種大聲喧嘩的方式，在社會群體中強調個性、突顯自我。同時，展區藉由三部不同敘事角度的影片：〈台灣招牌的現況〉、〈為什麼會有這樣的招牌？〉、〈我們怎麼認知現在的招牌？〉」詮釋大眾、招牌廣告店家、以及普遍現況的視角論述，提供觀眾不同觀點論述的可能，試圖回應「臺灣招牌從何而來？」。

Narrative ／招牌進行式

展覽第二區「Narrative」，展示著「手繪招牌」、「霓虹燈」、「發光招牌」、「動態招牌」各別呈現的形體，與當下所形構出來的「字體」與「顏色」不同，代表著每個時代反映的價值觀論述，而這些梳理過後的審美結果，完整地融合成我們現今看見的城市街景。《招牌聚落》藝術裝置，乘載我們對於「招牌即為一城市聚落」的想法。聚落（settlement），象徵著人們聚集所形成的所在地，而招牌則是人類社會活動所演進與推動的，我們現今所見的街景，充斥著各種不同的招牌個體，聚集所形成的城市是一個龐大、歷史悠久的聚落，附載著數百年來的人類活動、思考的痕跡。

招牌聚集所形成的城市街景，也正恰好回應著社會、群體與個人之間的交互關係。p.n.g.透過招牌的轉變歷程與系統性的歸類、勘查，釐清不同招牌樣式所產生的緣由與時代背景長遠的影響，於此「臺灣招牌年表」則作為計畫中舉足重要的內容之一，透過相互對照的臺灣／國際歷史與招牌時代演變，成為了每個時間段的連續關係，同時也有著不同程度的斷層存在，臺灣招牌年表作為探究臺灣招牌的一種途徑，提供一個更宏觀、全面的視角使我們建構起招牌與臺灣審美價值觀的年代地層。

Guidance／這是招牌嗎？

展覽第三區「Guidance」，以招牌其中一項意義——指引（Guidance），作為城市中的指引標示，作為店家被大眾認知的載體。然而梳理招牌的歷史脈絡中發現，招牌作為一種城市中的符號象徵，它原始所代表的符徵與形式，在歷經時代變革後逐漸弱化，取而代之的是，當面對社會狀態與科學技術的更替後，延伸變化出的全新樣貌——包括：招牌呈現形式、使用語彙、被認知的意涵，這類型的招牌超越傳統招牌的純指引性功能，轉以另一種意涵的指引為訴求，成ㄊ城市空間或個人經驗的一部分。〈聲音招牌〉則代表著這樣的轉變，以聲音作為招牌符號，透過聲音的震動與傳播，將聲音招牌具象化，那些習以為常的聲音招牌存在於我們的之間，建構起我們對於這些商家的想像與認知。

Aesthetic Iteration／招牌是隨處可見的時代縮影

展覽第四區「Aesthetic Iteration」，透過提問「觀看招牌時所形成的評斷，其背後建構起來複雜、多元、難以分辨的『價值觀體系』是什麼？」展開，以社會學、哲學的論點切入，為一個龐大的疑問提出不同觀點，釐清我們如今所形塑的審美架構與認知從何而來。

城市街景更代表著不同時代的緊密交錯，透過招牌的內容，恰如其分地表達當下時代的脈絡與城市語言，仿佛招牌即是一龐大的岩石地層，以時間序列的方式，縝密地將美學價值觀逐一疊加，成為一種濃縮的美學價值觀。〈街道地層〉全新藝術裝置，即是源於此概念下產生，透過將「地層柱」的概念延伸為審美價值觀的迭代，將「招牌」視為表達當下社會現況的媒介，以各種招牌材質為地層的視覺語彙，剖析招牌地層柱的過程，如同揭示著臺灣招牌歷史的演進，以及社會價值觀、審美觀的累積。

在資本主義與商業模式橫行的社會下，人們其實在無形之中透過選擇購買的商品，來逐漸塑造自己成為某種形象。而這些選擇累積起來，形成個人在社會中的定位與認同。「我們穿上別人以成為自己」，這句話闡述著一種弔詭的矛盾現象——在追求獨特性的過程中，是透過選擇與組合既有的社會符號來建構自我。因此，p.n.g.也特別邀請藝術家陳青琳，透過繪畫的方式，進一步轉譯「我們穿上別人以成為自己」的概念，將街道上的招牌融入「自己」，呈現著所謂的成為自己；而在陳青琳充滿奔放、自由的創作中，我們看見招牌符號融匯社會之中的意象，也在觀看招牌的同時，望見自己。

《招牌：》SIGN: Promotional Narrative Guidance
展覽日期：2025年03月21日（六）～2025年03月30日（日）
展覽時間：週一至週日 10:00-19:00
展覽地點：PPP時尚藝文空間（台北市中山區中山北路二段26巷2號1樓）
參觀資訊：免費參觀

_{資料提供｜p.n.g.、文字整理｜Adela Cheng}

臺北市立美術館兒童藝術教育中心（北美館兒藝中心）於3月22日起，推出全新教育計畫「靜 • 物」。本次計畫以「靜物」為主軸，由館內策展人王瑋婷策劃，展出王亮尹、吳思嶔、走路草農／藝團、邱承宏、張義雄、莫伊塞斯‧巴瑞歐斯、郭柏川、劉啟祥、賴九岑9組藝術家作品，涵蓋繪畫、雕塑、錄像與空間裝置等多元藝術形式，其中更包含多件北美館典藏作品。邀請大小朋友透過藝術重新審視日常物件，開啟對「物」的多重想像與體驗。

「靜物畫」（Still Life）在17世紀荷蘭黃金時代，發展為獨立繪畫類型。當時，隨著經濟繁榮，美食佳餚、異國絲綢、精緻瓷器等成為畫家筆下的熱門題材。然而，靜物畫的歷史可遠溯至古希臘，並在不同時期與地域背景下衍生出多樣的象徵意涵。本展透過「物與物的關係」、「時光定格」與「物的再創造」三個子題，拆解靜物畫的多重面向，引導觀眾探索藝術家如何運用構圖平衡、凝結時間與情感，並轉化日常經驗，讓尋常的靜物在嶄新視角中，展現更多未曾想像的可能。

「物與物的關係」

藝術家透過靜物擺設之間「物與物的關係」，巧妙營造畫面的比例與構圖，不僅成為召喚記憶、激發想像的媒介，也是本展的起始點。前輩藝術家郭柏川的《蘋果與花布》色彩飽滿鮮明，融合後印象派、野獸派的用色及精神，不僅展現對家鄉臺南燦爛陽光的回應，西方油彩顏料與中式宣紙的結合，成為思索東西融合的代表作品；張義雄1950年代的作品《吉他》以強烈的黑色線條勾勒畫面，將吉他、樂譜、花瓶等桌上物件呈現出如剪紙般的拼貼效果，作品反映藝術家當時所承受的生活壓力與內心鬱悶，也展現他對畫面構圖的精心佈局與用色技巧。《香蕉恐龍》來自瓜地馬拉的藝術家莫伊塞斯‧巴瑞歐斯，描繪恐龍在巨大的香蕉上爭吵，隱喻中南美洲長期依賴香蕉為主要經濟出口作物的情況下，未曾止息的權力鬥爭。

「時光定格」

光線在靜物作品中扮演關鍵性的角色，「時光定格」探討其中隱含的時間概念。《最後的願望》是藝術家王亮尹以著名的流動筆觸與滴流色塊，描繪生日蛋糕的外包裝及櫻桃，透過這些物件喚起觀眾對回憶與願望的聯想，營造情感與自我對話的空間。同樣取材自日常經驗，劉啟祥《桌下有貓的靜物》描繪一隻花貓趴伏在桌下層板，桌上擺放著柚子、柿子與佛手瓜等蔬果，光線自畫面右上方灑落。透過藝術家的視角，觀眾彷彿與藝術家一同凝視日常一隅，感受光影流動間的寧靜與詩意。

「物的再創造」

在「物的再創造」子題中，將自身經驗轉化為獨特觀點的藝術形式，探索物件在不同情境中的全新意義，進而激發觀者的多元聯想與情感共鳴。吳思嶔的單頻道錄像作品《I have a good doggy》靈感來自於他在工作室附近撿拾到狗的頭骨，以影像紀錄使用樹脂土逐步還原狗的肌肉與皮膚，最終塑造成迪士尼卡通中的布魯托，作品在自然物與人造物之間展開辯證，突顯生命中荒謬與幽默的本質。賴九岑《零大於壹Ⅲ》組件以微觀視角呈現拆解後的玩具，讓圖像遊走於具象與抽象之間，營造出似曾相識卻又陌生的視覺驚喜。本次展覽更首度將藝術家筆下的玩具零件與作品並置展出，深化對物件與記憶的探索。

現地製作的《採光》隧道由邱承宏精心打造，以混凝土石刻版畫形式呈現，細膩刻畫植物及光影紋理，觀眾可戴上頭燈觀看隧道裡的微觀、日常，思考現代化進程中，人與風景、景觀的關係轉變；另一件作品《水泥動物園》重現1970、1980年代常見於臺灣校園、公共遊樂空間的水泥動物塑像，樸拙的造型及表情曾經是許多觀眾的集體記憶。走路草農／藝團《靜物劇場》以充氣裝置呈現靜物畫常見的描繪對象，將芒果、釋迦和蓮霧等水果主題裝飾瓶身，探索被譽為「水果王國」的臺灣與受青花瓷影響而發展出「台夫特藍」的荷蘭之間的關聯。作品透過視覺轉譯歷史、訊息與符號，激發對「臺灣製造」的認同與新記憶。

推出工作坊與互動演出

另外，本次教育計畫，特別自作品延伸規劃4個互動裝置區域，將小工作坊轉化為「靜物畫，從擺設開始」空間體驗室，讓觀眾能實際動手參與，探索物件與人的關係。展期間除了舉辦多場定時導覽、團體導覽，亦與囝仔人、末路小花劇團、影像創作者陳含瑜合作推出「想像驚奇箱」、「顛倒物件玩玩看」、「多重感覺探索」、「行動代號：現在正好」及「Photogram 物件投影」等5個適合不同年齡層的工作坊與互動演出，相關資訊與報名辦法請關注北美館兒藝中心官網或北美館臉書粉絲專頁。

靜 • 物 Still Life
展期：2025.03.22－2025.08.31
地點：臺北市立美術館 兒童藝術教育中心

_{資料提供｜北美館、文字整理｜Adela Cheng}