台北當代藝術博覽會Taipei Dangdai（簡稱「台北當代Taipei Dangdai」）由前香港巴塞爾任藝術展總監任天晉（Magnus Renfrew）所創辦，於2019年盛大舉辦第一屆展會，也為台灣注入全新國際藝術博覽會的體驗與規格。2022台北當代將在5/20～5/22於台北世貿中心一館舉行。2022台北當代將於台北世貿中心舉行。在疫情之下，也與60間精選國際頂尖畫廊共同思考旅行限制下的展示方法，最後將來自200位藝術家、1,000件世界最傑出的當代藝術作品，帶到台灣觀眾面前。

台北當代聯合創辦人與聯合總監任天晉（Magnus Renfrew）指出：「因應全球局勢的轉變，本屆展會打開許多嶄新面向和思考，亞洲的藝術市場正在重新調整步伐，而台灣正扮演著關鍵的角色。」台北當代聯合總監岳鴻飛（Robin Peckham）則說：「與台灣並肩經歷了過去兩年藝壇變化，今年的台北當代為本地藝術市場與收藏家，按照台灣體質與條件，量身打造這個藝術博覽會，並持續創新，以滿足這座城市對當代藝術永不止歇的好奇心。」

展前論壇4/2陸續登場

展前最大亮點，便是博覽會前接連登場的三場思想串流論壇（Ideas Forum）系列，論壇題名「知識作為逃生出口」，引自媒體理論學者馬歇爾‧麥克魯漢的自傳，曾經警示人們：「面對高速的改變是無法慢慢等待適應，我們必須以知識作為逃生出口。」探討當代生活正如同在不同速度的車道上切換一樣：高速的電子通訊、低檔慢速的區域隔離政策等。

思想串流論壇將以「今日的藝術顧問是？」（4/2）、「活躍於世界的台灣文化與文化散播」（4/16）、「數位藝術的新疆土」（4/30）三大主題，邀請相關專業人士進行線上論壇，凝聚藝術工作者、收藏家、各領域專業人士交互融通知識與方法學，讓各方藝術愛好者可以先行掌握即將到來的展覽重點，並接收當代藝術市場脈動與趨勢。首場論壇「今日的藝術顧問是？」將與La Vie共同舉辦，於4/2晚上9點於台北當代Instagram進行線上直播。

什麼是藝術顧問？他們如何面對瞬息萬變、虛實整合的市場？

在藝術市場中，擔任各方橋樑的藝術顧問必須洞燭哪些市場先機？他們如何協助藏家與私人機構尋得適合的藝術創作？隨著web 3.0的時代到來，走在高速運轉的虛實整合路上，專業藝術顧問該如何順應時代，並在移動受限的疫情下，凸顯自身的重要性？

台北當代邀請本身也是藏家、並協助新興的亞洲千禧世代收藏族群的藝標（Art Bureau）創辦人鄧裕鏗（Ed Tang）、周杰倫蘇富比拍賣專場推手寺瀬由紀（Yuki Terase）、2007年就將中國藝術家介紹到西方機構與私人收藏的藝術顧問艾蜜莉‧馮‧韋德（Amelie von Wedel）三位專業藝術顧問，與台北當代聯合總監岳鴻飛（Robin Peckham）一同對談。

La Vie持續關注藝術發展，近期重要相關專題如雜誌封面故事《我想買一件藝術品》中報導〈藝術收藏要如何練功？〉、〈一次搞懂藝博會的社交魅力！〉與〈NFT新型態收藏是什麼？〉等專題，這次也與台北當代攜手舉辦論壇，一齊揭開藝術顧問的神秘面紗，以及背後有趣的故事與前瞻性觀點。想藉由專業藝術顧問的視野洞見未來藝術市場趨勢，千萬別錯過論壇。

關於講者

Yuki Terase (Art Intelligence Global) 寺瀬由紀（賢藝匯）

Ed Tang (Art Bureau) 鄧裕鏗（藝標）

Amelie von Wedel (Ｗedel Art) 艾蜜莉‧馮‧韋德（韋德藝術）

主持人
Robin Peckham 岳鴻飛 (Taipei Dangdai 台北當代藝術博覽會)

La Vie共同參與Q&A時段

「今日的藝術顧問是？」4/2直播論壇，La Vie 與三位藝術顧問的精彩ＱＡ

La Vie：先前的工作經驗如何幫助你們成為一位獨立型的藝術顧問

鄧裕鏗 : 在成立藝標之前，我曾經在拍賣行工作，與畫廊藝術家合作，也參與過許多藝術機構——這幫助我意識到藝術世界有許多複雜的組成部分。既有商業方面，也有相互重疊和相互受益的學術和創意元素。在藝術界10年的經驗幫助我駕馭了這些領域，並塑造了我們在Art-Bureau的願景——首先是保持中立和以客戶為導向。

艾蜜莉‧馮‧韋德：我大學時修習商業與藝術史，所以很確定我要進入藝術商業市場。在2006年成立Wedel Art之前，我在畫廊跟基金會工作過。這些經驗讓我對藝術市場相當熟悉。我大學時曾經得到忠告：你想在這個行業工作，需要找到4個你相信的人。我很榮幸我與超過4個我相信的人一起組成團隊。

寺瀬由紀：我先是在摩根史丹利管理顧問公司工作了5年，然後離職修讀1年的藝術史，接下來就進入了蘇富比拍賣行，在亞洲當代藝術部門工作10年。雖然兩個環境大為不同，但都是以客戶的核心利益為導向。

La Vie：獨立藝術顧問在經營藏家與藝術家兩方人脈上，是否有特別的經驗可分享？

鄧裕鏗：並非所有顧問都與藝術家合作。但對於像我們這樣與藝術家和收藏家一起工作的人來說，這可能是巨大的回報和挑戰。我認為我們與收藏家和藝術家合作的成功例子較多是委託，像是肖像、壁畫、特定地點的作品等。每個委託都有很大的不同——但皆是關於傾聽、交流、管理並最終交付工作。

艾蜜莉‧馮‧韋德：我們曾經與尚未和畫廊簽約的藝術家合作展覽，也曾將較少曝光的流派在特定區域曝光。

La Vie：過去兩年多的疫情干擾下，身為獨立藝術顧問有哪些優勢與挑戰？

鄧裕鏗: 最大的挑戰是無法像疫情前那樣親眼看到藝術作品或我們的客戶。但我們總是在尋找一線希望——在這種情況下，依靠科技來看待藝術和交流是非常有效的。收藏家將更有信心在看pdf時就做出決定，我認為這種情況只會繼續下去。

艾蜜莉‧馮‧韋德 : 我覺得疫情下，大家依舊對收藏的熱情不減。藝術顧問的優點就是有權利選擇與自己想要的藝術家、客戶工作。

寺瀬由紀：我覺得大家透過科技呈現作品後，所下的購買決定也更有信心。

La Vie：當藝術作品數位化時代來臨（例如NFT）在操作上的邏輯或是思維需要何種調整？

鄧裕鏗: 我們將數位藝術視為另一種媒材。因此，當我們考慮NFT或其他形式的數位作品時，同樣的原則也適用於我們。這是關於研究、理解、提出問題、確定品質、查看價格比較，以便為我們的客戶提供資訊，以及與我們的客戶一起做出明智的決定。

艾蜜莉‧馮‧韋德：我們投入深度研究，畢竟有74%的藏家已經購買了NFT（根據UBS提供的市場報告），所以我們抱持謹慎的態度。

寺瀬由紀：我認為NFT未來一定會繼續留在市場，這是一個有趣的媒材，但是他正在初生階段。我們仍在觀察，這個藝術家的創作跟其他200個藝術家的創作有什麼不同。我們也不會主動鼓吹客戶因為熱門就購買。這裡仍有許多猜測與雜音，而我們的目光總是放在5年10年後。

2022台北當代藝術博覽會

時間｜5/20（五）～5/22（日）

地點｜台北世貿中心一館

分流入場｜依進場時間購票

上午 11:00am-1:30pm

下午 1:30pm-4:00pm

傍晚 4:00pm-6:30pm

文｜台北當代Taipei Dangdai、La Vie

圖｜台北當代Taipei Dangdai

台灣通勤第一品牌 3 位主持人，以詼諧深刻的對話，陪伴無數通勤族穿梭於日常的喧囂與靜謐，這次他們走進臺北市立美術館的《你的好奇旅程》展覽，在最後的〈立方結構的演化計畫〉（The cubic structural evolution project，2004）展區中，觀眾可以任意使用樂高拼砌城市、搭建想像。於是，他們坐進了這座城市現場即興創作，暢談好奇心如何連結生活與藝術。

〈立方結構的演化計畫〉是展覽中最具互動感的作品之一，參與者在一片白色樂高積木的海洋中自由創作，建構屬於自己的城市景觀。對李毅誠（誠誠）、張家倫（家倫）、何勁旻（何 A）而言，這不僅是一場藝術體驗，更是一次對創造力的回溯。誠誠分享，比起一般「組裝說明書式」的樂高，「這裡的樂高多到讓人安心，像是軍備競賽，零件多到你可以無止境地重複、擴張。」他聲稱自己的創作靈感是打造一座「不通風、不透光、如墓碑的人造建築」，刻意強調人為的控制感與封閉結構，彷彿在挑戰自然的界限，「小時候我也喜歡蓋這類型的樂高，像是要保護內心珍貴之物，這裡讓我重新連結那種感覺。」

何 A 的「衛星發射台」概念，來自他玩《坎巴拉太空計畫》（Kerbal Space Program）太空飛行模擬遊戲的記憶，故意讓建築呈現「一碰就壞」的危樓狀態，「我不只想蓋得比台北 101 高，還想讓小孩看到都怕怕的，不敢把我的作品拆掉！」家倫的構想則是一個拱門般的「入口」，象徵某種通往未知的邀請，竟意外地和何 A 的作品無違和合併，成為「衛星發射台的洩水閥」，「我滿期待別人拿我的零件去創造新東西，就像我們的節目，聽眾回饋讓頻道內容更豐富、更有層次。」

台通眼中的 Olafur Eliasson——「看似開放，其實絕對控制」

除了拼組樂高，3 人此行也走進其他展間。誠誠認為，Olafur 的創作兼具高度控制與普世性：「你都看得懂，但絕對做不出來。觀看時都有種『我怎麼沒想到』的驚訝。」他特別提到〈單色房間〉（Room for one colour，1997）單頻率的黃光。何 A 則從另一個角度解讀，認為 Olafur 的作品帶有某種「攻擊性」或「不耐感」：「他的作品像在挑釁，吸引你靠近卻又不讓你觸碰。」而〈循環扇〉（Ventilator，1995）刻意設置在可觸及的高度，彷彿在試探觀眾的慾望，「整個展覽精確地控制觀眾的好奇心，最後用樂高釋放到訪者的創作慾望。」何 A 認為這樣的對比性令人莞爾，他隱約感覺到某種「反人性」的不耐，藝術家似乎有意凸顯人造與自然的差異，挑戰觀眾對物質與環境的認知。

3 人忍不住熱烈議論，Olafur 作品中的自然元素，如：光、影、水、霧等與人類感知的連結，卻似乎有意排除「人」的存在感。何 A 提到〈苔蘚牆〉（Moss wall，1994）與記錄時間流逝的〈風的書寫〉（Wind writings，2023）和〈太陽繪圖〉（Sun drawing，2023），「他好像在說，人類其實沒那麼重要。〈單色房間〉中你無法好好自拍；〈多重影子屋〉（Multiple shadow house，2010）你看不到自己的表情。他要你把注意力轉向外部，凝視那些喚起好奇心的東西。」家倫補充：「他的作品邀請你安靜下來，與自己對話，觀察自己的身體如何與環境互動。」誠誠則指出，這也許是藝術家個人較尖銳的幽默感：「『你們都沒發現吧？』他總在提問，你是否忽略了明明再尋常也不過的彩虹和影子？」

不是講幹話而已！輕鬆詼諧中深刻思辨

這趟觀展過程，彷彿是一次對 3 位創作者自身的映射。長期一起工作，彼此熟知癖好與節奏，卻也因為這種持續對話，累積出了對生活更深的理解力。「好奇心是所有創作的起點，也是燃料。『李毅誠為什麼喝酒都點 2 杯？』有人覺得沒什麼，但好奇心會讓你追問，然後找到故事。」誠誠分享，有次聊天中討論如何收襪子，3 人發現彼此方式截然不同——誠誠摺疊、家倫捲起來、何 A 則將一隻襪子「含住」另一隻。這些細微差異在節目中變成引人入勝的話題，展現好奇心如何將平凡轉化為趣味。

家倫坦言，自己私底下不是對其他人類好奇的人，但在錄製節目時會刻意開啟「追問模式」。他也說何 A 的突兀反而成為節目笑點，「何 A 的問題基本上都是服務自己，而不是服務觀眾，不過這種天外飛來一筆，也會意外挖到有趣的東西，這就是他的怪。」看似無聊的瑣事，因為觀察、發問與執著，被賦予了新的厚度。誠誠指出：「我們最常問：『你為什麼會這樣想？』比起輸出，其實聊天最重要的反而是聽，讓對話持續延展下去。」

如果台通成為策展人？

這讓我們也好奇起，如果有一天，台通受邀進駐美術館展出，他們會選什麼片段？何 A 想像一個在展場中，模擬聽眾在捷運上、打掃家裡、開車等場域收聽節目的環境，集結 3 個主持人的笑聲集錦，讓觀眾感受到陪伴與共鳴，「想跟觀眾說『你不孤單』，像《新世紀福音戰士》的場景，大家的笑聲匯聚成一股力量。」誠誠則想展出節目中被剪掉的祕辛，如私下對特定人事物的犀利評論，認為這能呈現真實的對話樣貌：「節目是同時做給數萬人聽，但展覽是對 1 個人說話。來看展覽才能聽到從未公開的彩蛋。」家倫則幽默提議展示業配片段，笑稱這是節目價值的體現：「被標價是好事，讓你知道自己的價值！」

同理差異　持續好奇

「我們最討厭那種孤芳自賞、設了高門檻，還覺得看不懂就是你不夠聰明的藝術。」在他們眼中，藝術最迷人的地方是「打開一個你從沒想過的角度」，是提醒「你怎麼沒發現呢？」如同台通的核心哲學，既可以輕鬆理解，但要做得自然且深刻，是另一回事。3 人至今依然是可以約去吃漢堡王的朋友，台通「從一個小問題一路往下挖」，使「陪伴」成為聲音最獨特的質地，一場場「用聲音搭建世界」的實驗，對話流動而誠實，彼此接住對方，也拆解彼此。誠誠說：「好奇心讓我們安心，光是『理解』本身，就能減輕人生的痛苦。」

臺灣通勤第一品牌
《台通》自 2020 年疫情期間由李毅誠創立，與張家倫、何勁旻共同主持。起初因疫情影響便當店生意下滑，啟發李毅誠與好友創辦節目，意外席捲 Podcast 圈，節目話題涵蓋生活瑣事、時事、動漫到社會議題，以輕鬆又深入的閒聊風格，累積大量忠實聽眾。開播後多次登上 KKBOX、Apple Podcasts 與 Spotify 最受歡迎節目榜，也在 2022 年獲邀擔任第 13 屆金音創作獎主持，持續以真誠、幽默的對話與魔性笑聲，打造和聽眾的共鳴與連結。

_{文｜張瑋涵　攝影｜好映像工作室_林家賢}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

東京美術館21_21 DESIGN SIGHT「そのとき、どうする？展 –防災のこれからを見渡す–（What If? BOSAI: The Next Disaster）」新展，從「災害到底是什麼」的角度出發，將過去地震、水災等天災的數據視覺化，同時介紹防災相關產品、因災害而誕生的各式專案等內容，帶領人們重新審視自然災害。

自然災害何時何地會發生，沒有人能夠準確預測。有些人平時備有防災包，也有些人可能盡量不去多想。然而，身處在被稱為「災害大國」的日本，其實無法完全與災害無關。因而誕生的「そのとき、どうする？展 –防災のこれからを見渡す–（編輯暫譯：那個時候，該怎麼辦？展 － 展望防災的未來 －）」企劃展，由在東京、仙台、倫敦設有據點的WOW視覺設計工作室策劃，以「提問」為主軸，提供觀者從自己的視角反思防災與災害。

10個提問引領人們思考災害

展場散布著10個提問，像是：所謂「安全的地方」在哪裡？到底需要準備多少才是充分的備災？如果聯絡不上重要的人，該怎麼辦？該如何事先準備？對你而言，度過災後生活必須具備的是什麼？支撐我們生活的，究竟是什麼？⋯⋯。人們能一邊欣賞展品，一邊思考若發生災害，自己會如何面對與準備；觀眾也能透過此次展覽的特設網站，使用手機傳送關於這10個問題的答案，部分回答也將作為影像作品在現場展示。

如果「那個時候」到來⋯⋯

WOW工作室提到，「在這次以『防災』為主題的展覽中，我們不單單只是傳遞災害的知識與防災技術，更將焦點放在人們如何面對天災時的意識與心態。防災從來不是某一個人可以獨自背負的責任，它關乎自己，也關乎家人、朋友、同事，甚至是周遭素未謀面的人。而別人是如何看待『那個時候』並做準備的？我們希望透過這樣的視角，成為人們重新將防災視為自己課題的契機。」

展覽有哪些看點？

▸ 將天災視覺化呈現

透過將數據圖像化、以多樣的視覺描繪災害圖像，帶領人們回顧日本與世界上曾經歷過的各式災害，同時藉由視覺化呈現自然原貌與災害模擬，開啟更多的討論與思考。

展出單位、創作者：越村俊一、にゃんこそば、株式会社ヤマップ、パノラマティクス＋ Eukarya、日本経済新聞社 等

▸ 重新審視防災意識的裝置作品

此次展出的兩件全新體驗型裝置作品，將引領人們重新審視自己對防災與災害的準備與心態。

展出單位、創作者：柴田大平、siro ＋石川将也

▸ 防災的計畫、研究與產品

本區介紹因應天災時斷訊的嶄新研究、能迅速傳遞資訊的機制、災後如何持續照護生活與心靈的各種方式，以及把防災融入日常的概念等，透過不同階段的各式計畫與物件，帶領觀者看見防災的「現在」與「未來」。

展出單位、創作者：ゲヒルン株式会社、KDDI 株式会社、中嶌 健、WOTA 株式会社、坂茂建築設計＋ボランタリー・アーキテクツ・ネットワーク、日本郵便株式会社＋寺田倉庫株式会社、バリューブックス 等

▸ 「那個時候」之後的希望樣貌

有些畫作誕生自災害發生地的風土與人們，有些設計因震災而生、進而傳向世界，也有持續提醒我們「每天都可能有災害」的倡議，藉由這些連結災害與日常的創作，帶領我們看見「那個時候」之後的希望。

展出單位、創作者：トラフ建築設計事務所＋石巻工房、福島民報社、佐竹真紀子 等

▸ 自然與自身的相處之道

從樹木生態系與人類共存的防災方式，到作為保護自身最後一道防線的「衣服」等，引領人們從有別於都市防災機制的角度，重新思考守護我們的各種可能。

展出單位、創作者：津村耕佑、veig

「そのとき、どうする？展 –防災のこれからを見渡す–」"What If? BOSAI: The Next Disaster"
展期：2025年7月4日–11月3日
展場：21_21 DESIGN SIGHT Gallery 1 & 2
休館日：週三（9月23日開館）
開館時間：10:00−19:00（18:30為最後入場時間）

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