藝術家Olafur Eliasson大型個展北美館登場:再現17件經典之作,回顧其30年的創作生涯

藝術家Olafur Eliasson大型個展北美館登場:再現17件經典之作,回顧其30年的創作生涯

臺北市立美術館(北美館)將迎來國際重量級巡迴展覽──「奧拉弗・埃利亞松:你的好奇旅程」。展覽為冰島-丹麥藝術家奧拉弗・埃利亞松在臺首次大型個展,將於2025年6月21日至9月21日舉辦,由北美館與奧拉弗.埃利亞松工作室(Studio Olafur Eliasson)共同策劃,回顧其30年的藝術生涯,再現17件經典作品,涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影等創作,將埃利亞松的藝術實踐帶入亞太地區。

自小受到自然環境的啟發

奧拉弗・埃利亞松(Olafur Eliasson),生於1967年,在冰島與丹麥成長,並於1989年至1995年間就讀於丹麥皇家美術學院。其父親曾在漁船上擔任廚師,同時也是一位藝術家;母親則是一位裁縫師。埃利亞松自小受到自然環境的啟發,1980年代中期對霹靂舞的興趣也形塑了他對空間與感知的思考。

奧拉弗.埃利亞松肖像照,攝影:Louise Yeowart,2024
奧拉弗.埃利亞松肖像照,攝影:Louise Yeowart,2024。

創立工作室,集結各領域人才

1995年畢業後,他搬到柏林並創立了「奧拉弗・埃利亞松工作室(Studio Olafur Eliasson,SOE)」,集結來自各領域的專業人才,由藝術家與工藝師、建築師、檔案管理員、研究人員、行政人員、廚師、藝術史學者及技術專家組成的大型團隊共同運作。自1997年起,埃利亞松的個展陸續於世界各大美術館和公共場域展出,創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影。現工作及居住於柏林。

奧拉弗.埃利亞松工作室。攝影:Zan Wimberley,2019 © 2019奧拉弗・埃利亞松
奧拉弗.埃利亞松工作室。攝影:Zan Wimberley,2019 © 2019奧拉弗・埃利亞松

作品挑戰感知、強調環境共創

埃利亞松以挑戰感知、強調環境共創的作品享譽國際。2003年曾代表丹麥參加第50屆威尼斯雙年展,同年於倫敦泰特現代美術館展出《天氣計畫》,透過黃色燈光及鏡面創造出如同太陽般的沉浸氛圍,運用藝術探索氣候變遷的議題。廣為人知的代表作包括2008年《紐約瀑布》(The New York City Waterfalls),他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布,試圖喚起我們對城市與自然環境之間關係的重新思考;2014至2018年將格陵蘭冰川的碎冰分別帶至哥本哈根市中心、巴黎和倫敦的《觀冰》(Ice Watch),見證冰川融化消逝的脆弱過程。

奧拉弗・埃利亞松,第50屆威尼斯雙年展丹麥館《單色房間》(Room for one colour),1997。攝影:Giorgio Boato。圖像由藝術家;neugerriemschneider, Berlin; Tanya Bonakdar Gallery, New York / Los Angeles提供。© 1997 奧拉弗・埃利亞松
奧拉弗・埃利亞松,第50屆威尼斯雙年展丹麥館《單色房間》(Room for one colour),1997。攝影:Giorgio Boato。圖像由藝術家;neugerriemschneider, Berlin; Tanya Bonakdar Gallery, New York / Los Angeles提供。© 1997 奧拉弗・埃利亞松
奧拉弗・埃利亞松,《紐約瀑布(布魯克林碼頭)》The New York City Waterfalls (Brooklyn Piers),2008。攝影: Julienne Schaer / 圖片由 Public Art Fund提供。© 2008 奧拉弗・埃利亞松(此作品並未於本展展出)
奧拉弗・埃利亞松,《紐約瀑布(布魯克林碼頭)》The New York City Waterfalls (Brooklyn Piers),2008。攝影: Julienne Schaer / 圖片由 Public Art Fund提供。© 2008 奧拉弗・埃利亞松(此作品並未於本展展出)

促進全球對環境議題的關注

2012-2024年,埃利亞松創立社會企業「小太陽」(Little Sun),開發以太陽造型為靈感的隨身太陽能燈,改善非洲無電地區的生活光源。2014年,他與塞巴斯蒂安.貝曼(Sebastian Behmann)共同成立「其他空間工作室」(Studio Other Spaces),一間專注於藝術與建築的創作機構。自2019年被任命為聯合國開發計劃署(UNDP)氣候行動親善大使,持續倡議氣候行動的迫切性;2023年獲頒日本高松宮殿下世界文化獎,表彰他致力透過藝術實踐,促進全球對環境議題的關注與對話。

奧拉弗・埃利亞松,倫敦泰特現代美術館《天氣計畫》(The weather project),2003。攝影: Olafur Eliasson。圖像由藝術家;neugerriemschneider, Berlin; Tanya Bonakdar Gallery, New York / Los Angeles提供。© 2003奧拉弗・埃利亞松(此作品並未於本展展出)
奧拉弗・埃利亞松,倫敦泰特現代美術館《天氣計畫》(The weather project),2003。攝影: Olafur Eliasson。圖像由藝術家;neugerriemschneider, Berlin; Tanya Bonakdar Gallery, New York / Los Angeles提供。© 2003奧拉弗・埃利亞松(此作品並未於本展展出)

「你的好奇旅程」展覽3年間巡迴5座城市

而在「奧拉弗・埃利亞松:你的好奇旅程」展覽中,「旅程」的概念不僅意味著觀者與作品的移動,也象徵思想與探索的過程。埃利亞松運用自然元素、光線、色彩與運動,提高我們對自身周遭環境的感知。他的作品並非靜態的物件,而是需要透過觀眾的參與才得以啟動的動態實體──鼓勵我們重新思考慣常的觀看方式,並在空間中創造共享的經驗,邀請觀眾留意日常生活中未曾察覺的面向。

「奧拉弗.埃利亞松:你的好奇旅程」主視覺(圖片提供:北美館)
「奧拉弗.埃利亞松:你的好奇旅程」主視覺(圖片提供:北美館)

「你的好奇旅程」自2024年起,規劃於三年間巡迴五座城市,與不同地區的觀眾相遇。從新加坡美術館(Singapore Art Museum)、紐西蘭奧克蘭美術館(Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki in New Zealand)到第三站臺北市立美術館,接續前往雅加達努桑塔拉現當代藝術館(Museum MACAN in Jakarta)及馬尼拉當代藝術與設計美術館(MCAD Manila - Museum of Contemporary Art and Design)展出。

攝影:奧拉弗.埃利亞工作室,2025。
攝影:奧拉弗.埃利亞工作室,2025。

搶先看兩件亮點作品

「奧拉弗・埃利亞松:你的好奇旅程」展覽,從1993年運用水與光交錯的彩虹《美》(Beauty),到2024年反思氣候變遷的近作《冰河的最後七天》(The last seven days of glacial ice),呈現埃利亞松一貫對於環境的關注,並持續透過光線、色彩、自然現象與動態元素,引導觀眾重新思考感知、空間與環境的關係,重新觀看世界,思索我們與環境之間的連結。

1993年《美》,是埃利亞松早期體現觀者是共創者的代表作之一,透過光線和水霧的折射和反射,創造七彩光譜的自然現象。當觀者移動或靠近閃爍的水霧時,隨著行動、靜止、視角與移動的變化,彩虹會隨著他們的位置而變化,因此每位觀者所見的彩虹都是獨特的。觀者的行為共同形塑了這段經驗,藉此喚起人們對感知的覺察,傳遞視覺現象始終因人而異,充分象徵美的本質。

奧拉弗・埃利亞松,《美》,1993,聚光燈、水、噴嘴、木材、水管、泵浦,尺寸依場地而定。作品於新加坡美術館拍攝。攝影:Joseph Nair, Memphis West Pictures。圖像由藝術家;neugerriemschneider, Berlin; Tanya Bonakdar Gallery, New York / Los Angeles提供。© 1993奧拉弗・埃利亞松
奧拉弗・埃利亞松,《美》,1993,聚光燈、水、噴嘴、木材、水管、泵浦,尺寸依場地而定。作品於新加坡美術館拍攝。攝影:Joseph Nair, Memphis West Pictures。圖像由藝術家;neugerriemschneider, Berlin; Tanya Bonakdar Gallery, New York / Los Angeles提供。© 1993奧拉弗・埃利亞松

2024年《冰河的最後七天》,透過青銅雕塑呈現冰川融化的不同階段,這些造型取自埃利亞松與團隊在冰島鑽石沙灘上發現的冰塊碎片。為了保留冰塊消融前的形狀,團隊將冰塊進行數位掃描,並在七個青銅冰塊旁各配一顆透明玻璃球,象徵融化後的水量,提醒我們氣候變遷與全球升溫正加速冰川的消退。 

奧拉弗・埃利亞松,《冰河的最後七天》(The last seven days of glacial ice),2024,青銅、玻璃球、不鏽鋼、鋁,152.5 × 300 × 70公分。作品於新加坡美術館拍攝。攝影:Joseph Nair, Memphis West Pictures。圖像由藝術家;neugerriemschneider, Berlin; Tanya Bonakdar Gallery
奧拉弗・埃利亞松,《冰河的最後七天》(The last seven days of glacial ice),2024,青銅、玻璃球、不鏽鋼、鋁,152.5 × 300 × 70公分。作品於新加坡美術館拍攝。攝影:Joseph Nair, Memphis West Pictures。圖像由藝術家;neugerriemschneider, Berlin; Tanya Bonakdar Gallery, New York / Los Angeles提供。© 2024奧拉弗・埃利亞松

奧拉弗・埃利亞松:你的好奇旅程
展期:2025.06.21-2025.09.21
地點:臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室
更多資訊可至官網查詢

資料提供|北美館、文字整理|Adela Cheng

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「百合」不只關於女女戀愛和慾望——新竹市美術館《百合》特展藉藝術、文學和電影,梳理當代女性的情感經驗
新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗

在當代社會中,「百合」被用來指稱女性之間的情感慾望,乘載愛戀與迷離。新竹市美術館《百合》以此為名,從歷史、文學、藝術、臺灣原住民文化、電影中找尋線索,擴延並探索「百合」一詞的意義——在這場展覽裡,「百合」不再只是談論女女戀愛或慾望,而是透過9組當代藝術家的演繹,開展出一種開放且未被完全定義、屬於女性主體的文化經驗與情感空間。這些經驗和空間的終點和界線在哪?或許正如展覽副標所題——「直到觸及我們的情感象限」。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
(圖片提供:新竹市美術館)

「百合」意義如何隨時代演變?

「百合(Yuri)」一詞源於1970年代的日本次文化語境,最初用來指涉以女性之間情感為主題的漫畫創作。隨著文化的發展,關於「百合」的敘事逐漸滲入更廣泛的大眾文化媒介,包括文學、影視與網路創作等。那些游移於友情與愛戀之間的親密情誼,也透過大眾文化觸及女性對性別與自我認同的情感經驗。

臺灣作家楊双子就曾於《少女之愛》一書中,擴延「百合」的意義。他認為,「百合」並非單一方向的愛戀或分類標籤,而更像是一種自由流動的情感座標,一種觀察、想像與投射關係的方式。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
林安琪Ciwas Tahos《Pswagi Temahahoi》。(圖片提供:新竹市美術館)

另一方面,若我們就時間軸往回追溯,「女性慾望另一個女性」的情感其實也不是在「百合」一詞出現後,才被觀察到。綜觀東亞歷史,會發現從臺灣泰雅族的「Temahahoi 女人社」傳說、台灣全女班歌仔戲,到風靡女性觀眾的寶塚歌劇團、韓國女性國劇等以「純女」為核心的表演傳統,都曾以不同形式描繪女性彼此之間的情感、凝視與慾望投射。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
鄭恩瑛《由閃光、殘影、速度與噪音所構築的表演》。(圖片提供:新竹市美術館)

因此在《百合》展覽中,策展人王咏琳、林映穎並不限定「百合」只是一種明確的關係,而認為這更接近一種對情感與性別的延伸想像。「百合」不再只是談論女女戀愛或慾望,而是一種得以鬆動分類、重新想像親密關係的觀看方式。在這個意義之下,展覽試圖探問:「百合」如何在當代開展出一種開放且未被完全定義、屬於女性主體的文化經驗與情感空間。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
(圖片提供:新竹市美術館)

集結9組藝術家,梳理當代女性的生命與情感經驗

《百合》匯集9組國內藝術家共同演繹,包含2019威尼斯雙年展韓國館代表藝術家鄭恩瑛(siren eun young jung)、艾美獎得主加拿大藝術家佩特拉・托頓(Petra Totten)、剛於倫敦海沃德美術館舉辦個展的李奧森、曾參展瀨戶內國際藝術祭的日本藝術家西山美奈子(Minako Nishiyama)、入圍2026金曲獎的女子雙人樂團凹與山、擅長詼諧觀點切入的藝術家黃海欣,曾於多處國內外重要機構展覽的林安琪 (Ciwas Tahos)、王亮尹與劉文瑄,以及新竹女中沂風漫研社等,一同梳理戰後與當代的女性生命與情感經驗。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
(圖片提供:新竹市美術館)

從藝術作品、楊双子座談到派對,《百合》展覽亮點一次看!

展覽特別委託日本藝術家西山美奈子現地製作其備受好評的《灰姑娘俗麗誌S+》,本作援引少女文化,混合了「莉卡娃娃屋」和日本純女劇團寶塚舞台的背板,去年於國立新美術館《時代的稜鏡——1989-2010在日本誕生的藝術》展出時吸引不少觀眾注意,這次藝術家也為台灣觀眾帶來特別裝置版本。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
西山美奈子《灰姑娘俗麗誌S+》。(圖片提供:新竹市美術館)

以藝術實踐持續重新檢視「女性主義酷兒(feminist-queer)」方法論的韓國藝術家鄭恩瑛,從2008年開始展開對「女性國劇」之研究、調查與分析,以藝術書寫這個一度風行卻又消失的全女性韓國傳統劇場民族誌。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
鄭恩瑛《由閃光、殘影、速度與噪音所構築的表演》。(圖片提供:新竹市美術館)

曾獲得艾美獎的加拿大藝術家Petra Totten,邀請觀眾跟隨作品中的跨性別女性Carrie踏上旅程,感受遮蔽其身分複雜性和「跨性別空間」的地方經驗。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
Petra Totten《我的身體是一處所在,就像其他任何所在一樣》。(圖片提供:新竹市美術館)

甫完成倫敦海沃德美術館個展的李奧森,其新作《因為會是一下子全消失的滅亡》,受委託者託付,將陌生死者的遺物,帶到遙遠的湖邊與雪地埋葬,透過此一裝置作品,重現社會對於女同志的限制與死後的荒涼。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
李奧森《因為會是一下子全消失的滅亡》。(圖片提供:新竹市美術館)

擅長以詼諧觀點切入創作的藝術家黃海欣,一系列作品圖像《鋼管do re mi》、《網美登山》、《In the Gym》和《台北女子三溫暖》等繪稿,展出藝術家十年裡對於女性當代生活的觀察。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
黃海欣《台北女子三溫暖》。(圖片提供:新竹市美術館)

電氣民謠雙人組「凹與山」從自身專輯《Hidden Album》出發,該專輯取用「現代人手機中的隱藏相簿/專輯隱藏曲目」之雙關意涵,談論社會邊緣的情感記憶,並與新竹女中沂風漫研社聯手合作,創作13部百合短篇漫畫。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
凹與山 x 沂風漫研社《Hidden Album》。(圖片提供:新竹市美術館)

除以新竹市美術館為主展場,《百合》也同布串聯新竹絕版影像館、新竹市影像博物館,舉辦多場放映會,片單包含對於本展概念形塑至關重要的李美彌《女子學校》。該片在1982年上映時, 以女校之中曖昧難明的同窗情誼作為核心敘事,這樣具有顛覆性的題材在當時引發社會關注;片尾主角們的無奈妥協,也間接映照出當時社會對同性戀仍普遍抱持負面觀感的時代壓力。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
《女子學校》電影劇照。(圖片來源:國家電影及視聽文化中心)

展覽另有多元的講座、派對活動,如2026國際布克獎得主楊双子將現身座談,浪漫銀河大舞廳則將共同呈獻「女子學校」展覽聯名派對等。

《百合》從電影、漫畫、音樂、表演與當代藝術創作出發,觀看「百合」如何在不同文化脈絡中被書寫、理解與再創造。展覽結合跨地域與世代的歷史文化切片、大眾文化與情感經驗,描繪女性如何成長、共存與相互回應,鋪展出帶有百合敘事性的感性經驗,並將「百合」的討論延伸至當代社會與政治現實之中,思考女性如何在既有結構之內,持續創造屬於自己的空間、關係與情感語言。

新竹市美術館《百合》集結9組藝術家,梳理當代女性的情感經驗
(圖片提供:新竹市美術館)

百合——直到觸及我們的情感象限》

展期|2026.05.2608.02

展場| 新竹市美術館(主展場)、 新竹絕版影像館 (講座+作品放映)、新竹市影像博物館 (講座+作品放映)

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由社團法人中華民國畫廊協會(TAGA)主辦的第14屆台中藝博,將於2026年6月5日至7日正式移師「臺中國際會展中心 TICEC」,並以全新名稱「ART TAICHUNG 2026 台中國際藝術博覽會」重新出發,宣告中台灣藝術市場邁向全新階段。

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從飯店型藝博到國際展會規格

本屆主題「立體城市」回應當代城市的狀態,參展作品選件也呈現鮮明的當代美感,讓展會在專業升級之上,也貼近這座城市特有的生活美學與律動感。挑高3.6公尺的標準展位,解放了大型作品的展示尺度,讓藝術作品與空間之間的關係被重新定義;在虛擬與現實交錯的時代裡,畫廊協會試圖透過實體觀看經驗,重新召回人們對真實質地與感官層次的敏銳度,也呼應台中這座城市年輕、流動且帶有都會節奏的文化氣質。

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