北美館2025展覽盤點！重量級藝術家Thomas Demand、Olafur Eliasson個展登台

by Izzie Pang 2024-12-28

2025展覽 臺北市立美術館
北美館2025展覽盤點！重量級藝術家Thomas Demand、Olafur Eliasson個展即將登台

臺北市立美術館（以下稱北美館）正式宣布2025年度重點計畫，展覽規劃令人興奮，包含國際重量級藝術家托瑪斯．德曼（Thomas Demand）及奧拉弗．埃利亞松（Olafur Eliasson）個展，及6檔臺灣跨世代藝術家個展，兩年一度的台北雙年展亦將於年底回歸。此外，北美館也以「類影展」形式策劃「開放式結局：TFAM放映計畫」，持續拓展美術館多元展演的可能。

兩檔國際藝術家大型個展

▍托瑪斯．德曼：歷史的結舌

德國藝術家托瑪斯．德曼（Thomas Demand）以其大尺幅攝影作品聞名，攝影原本是他紀錄雕塑作品的工具，1993年起轉變為呈現創作的主要媒材。德曼創作題材多取自知名歷史或社會事件的報導照片與影片，他先以紙材建立真實比例的模型，鉅細靡遺地重建現場，最後透過鏡頭的角度與構圖，忠於原貌地複刻這些歷史場景，之後將模型全數摧毀、只留下模型的攝影，試圖重述所謂的真相。以紙為媒材，他觸及紙如何作為影像與記憶載體，其脆弱的質地如何承載人們的日常生活，或甚至沉重的歷史。

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托瑪斯．德曼，《文件夾》，2017，C-Print／水晶裱，125 × 195 公分。（圖片提供：藝術家、臺北市立美術館 © Thomas Demand, VG Bild-Kunst, Bonn）

本展覽集結約70件作品，匯集藝術家四個重要創作系列，可以完整看到德曼如何處理攝影影像與真實世界之間互為表裡的對位關係，以及他對當代社會中影像文化慣性與認知悖論的提問。

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托瑪斯．德曼，《實驗室》，2000，C-Print／水晶裱，180 × 268 公分。（圖片提供：藝術家、臺北市立美術館 © Thomas Demand, VG Bild-Kunst, Bonn）

展期｜2025.01.18－2025.05.11

▍奧拉弗．埃利亞松：你的好奇旅程

本展是冰島-丹麥藝術家奧拉弗．埃利亞松（Olafur Eliasson）的東南亞巡迴展，將呈現他過去30年的藝術實踐，涵蓋裝置、繪畫、雕塑、攝影、錄像等多種形態的作品，這些作品經歷了各自的創作旅程，來到此地與觀眾相遇。

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奧拉弗．埃利亞松 ，《美》，1993。攝影：Joseph Nair，Memphis West Pictures｜新加坡美術館。（圖片提供：藝術家、neugerriemschneider畫廊、Tanya Bonakdar畫廊）

作品的內涵混合了藝術家的創作意圖、觀眾自由的詮釋與大尺度環境的脈絡，並與展覽現場的特定或隨機條件相互作用。觀眾與作品互動時，將進一步拓展作品的意義，而部分作品的完整表達，更取決於觀者的感知與行動，透過視覺、認知或操作賦予其生命。展覽亦引導觀眾重新審視日常中的無形之物，藉由作品介入展場空間，透過空氣的流動、地球的磁場或燈光顏色的改換等，敏銳地挑動身體和感官的經驗。

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奧拉弗．埃利亞松，《冰河的最後七天》，2024。攝影：Joseph Nair，Memphis West Pictures｜新加坡美術館。（圖片提供：藝術家、neugerriemschneider畫廊、Tanya Bonakdar畫廊）

展期｜2025.06.21－2025.09.21

六檔跨世代臺灣藝術家個展

▍2022臺北美術獎首獎黃麗音個展：Lili Deli 麗麗食品

「麗麗食品」將於春季在美術館地下室開張，商品既不便利也不便宜，不含熟悉的食品添加物和化學調味料，店內充斥易鏽的低碳鋼、易氧化的銅、易（已）碎的玻璃，剩料回收、難保存的二手包裝紙材和要價不菲的藝術品。小吃店負擔著「銅板價」的壓力，體現了結構性的剝削，卻又反映常民追求高性價比的期盼。展覽透過多樣媒材的展現，拆解飲食和消費習慣，探討當代資本主義對於「廉價」和「便利」生活方式的影響。

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黃麗音，《休息中》，2023，低碳鋼鐵罐、印刷鐵片、紙，64 × 192.5 × 17 cm。（圖片提供：藝術家、Public Gallery、臺北市立美術館）

展期｜2025.03.29－2025.06.22

▍黑潮：賴純純回顧展（暫名）

賴純純大學時期受廖繼春啟發，領會色彩即為表現主體的可能；隨後在日本求學，建立日後空間創作的基礎觀念。1980年代，她以複合媒材創作，藉由純粹的色彩、抽象性的排列，探討繪畫形式自由的可能性；1986年成立「SOCA現代藝術工作室」推展前衛藝術；1990年代重新體認東方美學，在材料的運用上顯現自然，訴求回歸內在感性；1998年起，投入公共藝術創作，行遍全台；2007年後，生活與創作重心轉向東部海岸，此時期作品重回色彩獨立表現，反映在東部長住後，對自然更為深層的嚮往。

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賴純純，《向林壽宇致敬》，1984-2013，壓克力顏料、沙、木板，243 × 234 × 184 cm，藝術家自藏；「台灣現當代女性藝術五部曲，1930-1983」展覽現場，2013，臺北市立美術館。（圖片提供：臺北市立美術館）

本展以「黑潮」為名，象徵賴純純創作純然而深邃、多變卻一貫的特質。展覽邀請藝評家張晴文擔任客座策展人，預計透過四個子題梳理賴純純1970年代至今的創作脈絡，展出油畫、壓克力繪畫、複合媒材繪畫、雕塑、裝置、手稿、影片與文獻等近百件作品。

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賴純純，《海葵4》，2023，壓克力顏料、環氧樹脂、畫布，145 × 110 cm。藝術家自藏。（圖片提供：藝術家、臺北市立美術館）

展期｜2025.03.01－2025.05.25

▍倪蔣懷紀念展

倪蔣懷是臺灣第一代水彩畫家與重要藝術贊助者，終生以推動臺灣美術發展為理想。其自幼隨父親學習漢文，奠定豐富文化涵養，就讀總督府國語學校期間，成為石川欽一郎的首位臺籍門生，作品師承石川的英式水彩風格。其後經營煤礦事業之餘仍創作不輟，寫生足跡遍布全臺，有日常工作的礦區風景，亦有旅行的隨筆風貌。

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倪蔣懷，《猴硐礦區》，1928，水彩、紙，49 × 66 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：臺北市立美術館）

1930年代，面對臺灣缺乏基礎美術教育機構的窘境，倪蔣懷規劃了「寶峯美術館」的藍圖，他積極蒐羅作品，向石川等人請益，勾勒臺灣首座美術館的遠景。可惜1943年倪蔣懷因病去世，成立美術館的夢想雖未實現，仍為早期臺灣美術留下了豐富遺產。展覽將以倪蔣懷家族近年捐贈的大量重要作品和文獻資料為基礎，更包含多件未曾公開展出的作品。

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倪蔣懷，《基隆驛頭》，1926，水彩、紙，35 × 52 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：臺北市立美術館）

展期｜2025.06.26－2025.09.28

▍TFAM年度個展

李紫彤個展「力求失真的嗓音」探討藝術家自身在拍攝實驗紀錄片歷程中內心的拉扯。她試圖讓少數群體的創傷故事被聽見，卻在剪輯的過程中，意識到自己往往無法全然如實地表達。藉由本展，她試圖傳遞這種難以接近真實卻又試圖靠近的力量，藉此邀請觀眾共同療癒。

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李紫彤，《#迎靈者》，2022。（圖片提供：藝術家、臺北市立美術館）

柯良志個展「雙鉤廓填」，展名意指以細勁墨線描出字型輪廓後填墨的筆法，為工地鐵皮圍柵資訊文字常採用的描繪方式。藝術家將於仿造工地圍籬的場域，現場臨寫臺灣1970至80年代商業招牌字帖《商用字彙》之字體，表現既人工又機械化的矛盾書寫趣味，同時探索「書寫」的當代意涵。

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柯良志，《今不同璧》，2022。（圖片提供：藝術家、臺北市立美術館）

徐瑞謙個展「翻閱165頁的厚度」探索材料、物件的潛力，呈現各種未被明確定義用途的物料，如具燒熔痕跡的鋁板、經切削的鋁塊與鐵塊、聚集的鐵屑、凹折的紙卷、半透明的草圖和延展的布匹等，在堆疊與散落之際創造出多層次的空間感，邀請觀者以身體丈量並細察自身與物件的關係。

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徐瑞謙，《靜物-1》，2022。（圖片提供：藝術家、臺北市立美術館）

彭弘智個展 「未完成之作——當靈媒作為編劇」，探究臺灣劇場界三位早逝開拓者的影響，藝術家透過靈媒與觀落陰與已故的劇作家進行訪談，結合文獻檔案研究改編成劇本，後邀請相關表演團體合作。展覽將以單屏幕電影錄像和大型機械裝置展出呈現，引領觀眾進入象徵另一個世界的通道空間。

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彭弘智，《開光的吊燈》，2024。（圖片提供：藝術家、臺北市立美術館）

展期｜2025.08.09－2025.11.02

國際策劃展：台北雙年展與當代影像展 

▍2025第14屆台北雙年展

第14屆台北雙年展將由柏林漢堡車站當代美術館（Hamburger Bahnhof – National Gallery of Contemporary Art）雙館長——山姆．巴塔維爾（Sam Bardaouil）和提爾．法爾拉特（Till Fellrath）——擔任策展人，他們具備藝術史、劇場、經濟和政治等多重專業知識和文化背景，擅長以不同視角思考展覽與城市的緊密關係，探索地方歷史與國際對話的潛力，並藉由開創性公眾活動與當地社群建立連結。本展將從臺灣層層交疊的歷史切入，以展覽、表演、現地製作、論壇等各種公眾計畫為基礎，試圖捕捉流淌在個人記憶和集體意識中難以言喻的連結，以感性的思維重新建構我們與世界的關係。

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上圖為2023台北雙年展參展作品：楊季涓，《你的淚痕是我未來的眼淚》，2023。（圖片提供：臺北市立美術館）

展期｜2025.11.01－2026.03.29 

▍時代劇場：當代影像的複數演繹

由館內策展人余思穎策畫，展覽關注科技快速進展下，報導攝影從類比時代技術發展至人手一機的數位影像時代，從紙媒到數位平台以至數位演算的影像生產，反思拍攝者、影像生產與影像內涵所產生的變化。

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杉本博司，《劇院：紐約無線電城音樂廳》，1978，42 × 54 公分。東京寫真美術館收藏。（圖片提供：臺北市立美術館）

進入數位影像的時代，當代攝影家基本上採取一種反報導（anti-reportage）的創作方式，改變或放慢先前報導攝影的拍攝節奏、不那麼重視決定性瞬間與衝突時刻、或使用中／大片幅相機，試圖以一種設想周全、沈思的態度，以風格化的手法呈現其主觀世界。展覽從「持攝相機的拍攝者」、與「使用攝相機的影像紀錄的創作者」兩個面向，以「隱形的主角」、「轉變與重生」、「視覺風景」等子題，展出17位台灣與國際藝術家的當代紀實影像作品，呈現對人類生活與社會實踐、文化行動的關懷與觀點。

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謝三泰，《火燒島：流麻溝15號》，2021。（圖片提供：藝術家、臺北市立美術館）

展期｜2025.03.29－2025.07.13

北美館多元實驗計畫，探索美術館多元展演的可能

▍開放式結局：TFAM放映計畫

「開放式結局」意指一則沒有提供結論的故事，一條未知終點的道路，它可以在文學及戲劇文本中留下懸念，同時將自由詮釋的空間交給觀者，讓故事不僅是傳統觀看經驗裡被強加灌輸的答案藍本，而是他們與創作者間的雙向對話。北美館在地下樓打造獨特的藝術放映空間，透過跨領域策展合作，以「類影展」型態為觀者精選、呈現多部難得一見的單頻道影片作品，其中包括鮮少曝光之錄像藝術作品、短片、紀錄片、藝術電影、實驗電影、動畫短片等。

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為強化放映的臨場感，TFAM放映計畫更特別在臨時性影廳的空間設計中融入復古元素，除了隱約可見的售票口意象，搭配定時的播映、海報的張貼，讓美術館映現為聲響光影融匯的大型沉浸裝置，使觀眾得以遊走於影視音的虛實交雜之中。（圖片提供：臺北市立美術館）

有別於大眾熟知的劇情長片，這類作品往往不具特定情節走向、強烈的情感渲染，更多是對當代議題的留白反思，以及對各種影像實驗性手法之解鎖與探究。本計畫試圖從廣為人知的電影／戲劇概念切入，透過不同主題、片單的組合呈現，期望開放出更多的想像與可能性：除了是對觀者詮釋的自由外，更可以是對影像形式手法的解構，對另類浪潮的致敬，以及對藝術定義的不設限。

北美館2025展覽盤點！重量級藝術家Thomas Demand、Olafur Eliasson個展即將登台
是夢 It’s A Dream｜蔡明亮 Tsai Ming-Liang｜臺灣Taiwan｜2007｜彩色Color｜22 min。（圖片提供：臺北市立美術館）

展期｜2025.01.01－2025.09.28

▍TFAM Net.Open 北美館開放網絡計畫（實體）｜沉沒的聲音（暫名）

「沉沒的聲音」為藝術家許家維的全新製作，延續過去作品與考古學家的合作，這次將創作關注轉向水下考古、考古聲學。本作品以甲午戰爭及二戰時期澎湖周邊海域沉船為主軸，透過實景拍攝水下考古學家於海底沉船工作的過程、表演者潛入水下演奏特殊聲音裝置，呈現聲響創作與沉船對話的場景，展開對海下沉沒聲音的想像。本展將引導觀眾以MR混合實境的方式、同時開放多人進入作品場域中，以數位替身的方式與作品互動，展開一段從南方航向北方的旅程。

北美館2025展覽盤點！重量級藝術家Thomas Demand、Olafur Eliasson個展即將登台
許家維，《沉沒的聲音》（暫名），錄像截圖，六頻道錄像、聲納裝置、混合實境裝置。（圖片提供：藝術家、臺北市立美術館）

展期｜2025.07.26－2025.10.05

日本人氣「人也太好了吧展」最新力作登台！「我看你是沒懂喔」與「我感到高興的小事」雙展說出你的日常心聲

by Adela Cheng 2026-04-04

2026展覽 台北展覽
日本人氣「人也太好了吧展」最新力作登台！「我看你是沒懂喔」與「我感到高興的小事」雙展說出你的日常心聲

還記得去年登台的日本人氣「人也太好了吧展」嗎？這次由日本創意團隊entaku和SaltSweeet聯合呈現的全新雙展「我看你是沒懂喔展」與「我感到高興的小事展」，現於台北微風信義B3展出中，台中場則預計於5月登場。而entaku創意總監明円卓也與我們分享展覽背後的創作思考。

entaku創意總監明円卓分享，他們是以「情感」為主題的展覽創作團隊。而在各種喜怒哀樂之中，這次的「我看你是沒懂喔展（そういうことじゃないんだよ展）」所著眼的，是一種接近「憤怒」的情緒，他們認為那或許是人類最強烈的一種情感，因此抱著挑戰的心情創作了本次展覽。他補充，「與其說是以『憤怒』為主題，不如說是以『我看你是沒懂喔』那種帶點鬱悶、說不上來的情緒為核心。」

日本人氣「人也太好了吧展」最新力作「我看你是沒懂喔展」與「我感到高興的小事展」，現正於台北微風信義B3展出中。（圖片提供：SaltSweeet）
日本人氣「人也太好了吧展」最新力作「我看你是沒懂喔展」與「我感到高興的小事展」，現正於台北微風信義B3展出中。（圖片提供：SaltSweeet）

日本人氣「人也太好了吧展」如何創造共鳴？entaku創意總監明円卓以「情感」為核心，真實捕捉微小日常

呈現人類情感的雙面性

entaku的展覽每次都會有兩種不同的觀點。比如上次的「人也太好了吧展」，就與「我感到有點煩的小事展」相互對照；而「我看你是沒懂喔」這些胸口悶悶的感受，與之相對的情感就是「我感到高興的小事展（ありがたいことです展）」中，那些「微小的喜悅瞬間」。也就是說，不論是負面或正面，entaku都希望將人類情感的雙面性一起呈現在展覽之中。

日本創意團隊entaku策劃的人氣展覽「人也太好了吧展（いい人すぎるよ展）」、「我感到有點煩的小事展（やだなー展）」於去年10月首度登台。（圖片提供：明日製作所，攝影：鏡好映像）
日本創意團隊entaku策劃的人氣展覽「人也太好了吧展（いい人すぎるよ展）」、「我感到有點煩的小事展（やだなー展）」於去年10月首度登台。（圖片提供：明日製作所，攝影：鏡好映像）
（圖片提供：明日製作所，攝影：鏡好映像）
（圖片提供：明日製作所，攝影：鏡好映像）
「我感到高興的小事展」蒐集來自世界各地人們的「開心瞬間」，是一個充滿幸福感的企劃展。（攝影：Adela Cheng）
「我感到高興的小事展」蒐集來自世界各地人們的「開心瞬間」，是一個充滿幸福感的企劃展。（攝影：Adela Cheng）
（攝影：Adela Cheng）
（攝影：Adela Cheng）

在互動中成立的展覽

明円卓也透露，在他們策劃的展覽中，「我看你是沒懂喔展」是在日本最受歡迎的系列。舉例來說，展覽中有個內容是「壓克力立牌不就只是塊板子嗎？」，結果有許多觀眾帶著壓克力立牌來到展場拍照；還有一個梗是「算面積的話，美甲不是很不划算嗎」，大家也紛紛拍下自己的美甲與看板合照。另外還有像是偶像系列、演唱會相關的內容，在日本也非常有人氣。也因此，這是一個在與觀眾的互動關係之中才得以成立的展覽。

（攝影：Adela Cheng）
（攝影：Adela Cheng）
（攝影：Adela Cheng）
（攝影：Adela Cheng）
（圖片來源：我看你是沒懂喔展）
（圖片來源：我看你是沒懂喔展）

「『我看你是沒懂喔展』在日本像是網路迷因般傳開，與日本的社群平台相當契合。我們也很想看看這樣的內容到了亞洲其他國家，會產生什麼樣的反應？是不是也會自主創作、擴散這個主題？這是我們這一次展覽的看點與挑戰。」

（攝影：Adela Cheng）
（攝影：Adela Cheng）

融入台灣在地內容

這次entaku同樣加入了台灣在地的內容，除了邀請台灣朋友一起發想點子，也翻譯成台灣慣用的語言，希望能讓台灣觀眾能夠清楚感受到「這是為台灣而做的展覽」。明円卓笑說，尤其是展覽中出現的「綠色乖乖」讓他印象深刻，如果不懂台灣文化，真的會完全不知道其中的含義。

展場中出現的「綠色乖乖」，絕對讓台灣人會心一笑！（攝影：Adela Cheng）
展場中出現的「綠色乖乖」，絕對讓台灣人會心一笑！（攝影：Adela Cheng）

以「人類的情感」為核心創作

明円卓說明，entaku的展覽並不是以「日本人的情感」為主題，而是以「人類的情感」為核心進行創作。因此，這就像是一場實驗，他們希望這些內容在日本、韓國、台灣，都能夠被理解與產生共鳴。他認為，雖然在社群媒體上很難真實表達情緒，但如果大家來到這個展覽現場，能和家人、朋友或戀人一起討論這種壓抑的心情，應該會是一件很開心的事。

（圖片提供：SaltSweeet）
（圖片提供：SaltSweeet）

「我感到高興的小事展」＆「我看你是沒懂喔展」
日期｜2026.4.2～2026.6.14（台中場預計5月登場）
學生免費日｜4/5（日）出示學生證可免費入場
地點｜微風信義 B3（台北市信義區忠孝東路五段68號B3）

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模糊是失敗還是抵抗？桃園襲園美術館《模糊的風景》6 位新生代藝術家，用繪畫、陶瓷、素描給出各自的答案

by 吳哲夫 2026-04-04

2026展覽 桃園展覽
模糊是失敗還是抵抗？桃園襲園美術館《模糊的風景》6 位新生代藝術家，用繪畫、陶瓷、素描給出各自的答案

在追求高畫質、畫面越來越清晰的時代，模糊是一種失敗，還是一種抵抗？桃園襲園美術館最新展覽《模糊的風景 Blurring the Scenery: A Gesture of Resistance》，由策展人林郁晉策劃，邀請王愛眉、李秉璈、李盈蓁、彭韋、陳寬睿、劉文豪 6 位新生代藝術家，透過繪畫、陶瓷、素描與複合媒材，給出各自的答案。

當地表被衛星切成可以無限放大的圖格，每條街道被轉成隨時可以呼叫的街景資料，個人生活壓縮成可以滑動、分享、被演算的圖像單位，連影片畫質都在往 4K、8K 推進，出現馬賽克的低解析度成了某種羞恥。「看不清楚」幾乎等同於失職，你要說清楚、表態清楚、讓人看清楚你是誰、站在哪裡。

桃園青埔的襲園美術館，卻推出了一個關於「模糊」的展覽。《模糊的風景 Blurring the Scenery: A Gesture of Resistance》由策展人林郁晉策劃，邀請王愛眉、李秉璈、李盈蓁、彭韋、陳寬睿、劉文豪6位新生代藝術家，透過繪畫、陶瓷、素描與複合媒材，各自回應同一個提問：在高解析度影像主導的當代，模糊還有什麼事情可說？

林郁晉給出的答案是：「模糊不只是距離與視覺上的失焦，更關乎記憶與敘事的方式。」在「不可能完整」的敘事條件下，我們無法還原所有細節，只能在遺漏與缺口之間選擇如何講述。關鍵不在於假裝全知，而是在承認有限的前提下，仍對所說之事負責。這種誠實，同時也是對「必須清楚、必須立即說明」的一種微小抵抗。

襲園美術館。（圖片提供：襲園美術館）
襲園美術館。（圖片提供：襲園美術館）

影像、記憶與演算法之間的模糊

幾位藝術家的起點，都和影像有關，但介入的方式各不相同。

王愛眉的問題，從美術館本身開始。她蒐集了 Google 與 Instagram 上所有和襲園相關的影像，透過 AI 重新生成視角，再把這些被機器看見的風景，轉化為畫布上的網格結構。那個網格指向兩件事同時存在的狀態：一邊是繪畫傳統裡測繪風景的技術，另一邊是數位影像的像素邏輯。風景在這裡不再是空間的忠實再現，而更像是記憶沉積之後留下的殘跡，也像是被演算法反覆篩選之後，還剩下什麼。

王愛眉〈清晰的後半部〉。（圖片提供：葛映辰）
王愛眉〈清晰的後半部〉。（圖片提供：葛映辰）
王愛眉〈路邊景箱〉。（圖片提供：王愛眉）
王愛眉〈路邊景箱〉。（圖片提供：王愛眉）

李秉璈的出發點是深夜看影片的日常。那些在演算法裡不斷循環的畫面，他人的旅遊照、碎片化的生活流，最終都被堆進畫布，透過壓克力的反覆打磨，建立出訊息層疊之後的朦朧輪廓。他說，他好像從一種「灰階、不明不白的狀態」開始，去構築一個心靈風景，「作品看似邊界清晰，但在意義上其實進行了混淆與打散。」〈風情畫，彼方〉從一張旅遊照出發，加入繪圖軟體的手指符號，使畫面呈現出在手機螢幕上滑動般的輕盈感。那個手勢本身，就是當代觀看的姿態。

李秉璈〈翻頁單元02 天空〉。（圖片提供：葛映辰）
李秉璈〈翻頁單元02 天空〉。（圖片提供：葛映辰）
李秉璈〈風情畫·彼方〉。（圖片提供：葛映辰）
李秉璈〈風情畫·彼方〉。（圖片提供：葛映辰）

材質與時間裡的模糊

另外幾位，把問題推進到了媒材本身。

李盈蓁做的事，說起來有點像是在等待。她用陶瓷翻譯繪畫，把原本附著於紙張的筆觸轉移到黏土上，送進高溫裡燒。燒製的過程中，紙或布的基底消失了，留下來的只有釉藥與礦物凝固之後的痕跡。《從底部而生的景》系列裡，觀者在畫面中辨認出的東西，往往不是藝術家事先設定好的圖像，而是自己帶進來的記憶與感知。模糊在這裡不是一個選擇，而是材料在時間裡自然發生的事。

李盈蓁〈從底部而生的景〉。（圖片提供：葛映辰）
李盈蓁〈從底部而生的景〉。（圖片提供：葛映辰）
李盈蓁〈從底部而生的景〉局部。（圖片提供：葛映辰）
李盈蓁〈從底部而生的景〉局部。（圖片提供：葛映辰）
李盈蓁〈收容其中〉。（圖片提供：葛映辰）
李盈蓁〈收容其中〉。（圖片提供：葛映辰）

陳寬睿入選 2025 年臺北美術獎，他用鐵鏽工作。過去常見於裝置的鏽蝕與氧化過程，在此次創作中被收束進平面繪畫，停留在相對穩定的狀態。那些鏽的色層在畫面中擴散、滲透、堆疊，像是一段已經發生過的時間被保留下來，成為風景的殘影。《破涘集》借用水墨「破墨法」的精神，以鐵鏽與藥水的生成關係讓形與勢在滲染中自然浮現；《之間》讓痕跡停留在尚未確定的狀態，如同故事結束前的那個瞬間。

陳寬睿〈初澗·06〉、〈太陽留住你〉。（圖片提供：葛映辰）
陳寬睿〈初澗·06〉、〈太陽留住你〉。（圖片提供：葛映辰）
陳寬睿〈破涘集001〉。（圖片提供：葛映辰）
陳寬睿〈破涘集001〉。（圖片提供：葛映辰）
陳寬睿〈落哀〉。（圖片提供：葛映辰）
陳寬睿〈落哀〉。（圖片提供：葛映辰）

身體與框架裡的模糊

彭韋的起點是一次夏至的寫生。那天陽光太烈，他的視線在強光與畫布之間不斷切換，眼前的景色開始像過曝的照片，輪廓難以辨認。這個身體經驗開啟了他對光的好奇。後來移居竹北，他沿著頭前溪騎行、漫步、停留，在不同速度的身體節奏裡感受同一條河流，也在行走之間用素描持續提問：當我們看見風景，看見的究竟是外在景象，還是感知與記憶拼湊出來的影像？

彭韋〈拂風〉。（圖片提供：葛映辰）
彭韋〈拂風〉。（圖片提供：葛映辰）
彭韋〈63公里的風景〉、〈拂風〉。（圖片提供：葛映辰）
彭韋〈63公里的風景〉、〈拂風〉。（圖片提供：葛映辰）

劉文豪的 3 個系列，從不同角度問同一件事：個體如何在框架裡生長？《盆景》以人為控制的盆栽為隱喻；《恐龍》來自考古遊戲的「連連看」，身體細微的顫抖使線條無法筆直，那些錯位的線最終構成對恐龍模糊身形的想像，就像古生物學家依據零散化石重建遠古樣貌；《雲》透過紗窗的網格觀看天空，光斑穿越格線，使雲的形狀在限制之中逐漸模糊。框架沒有消失，但框架之內長出了別的東西。

劉文豪〈65〉、〈61〉、〈千年木〉。（圖片提供：葛映辰）
劉文豪〈65〉、〈61〉、〈千年木〉。（圖片提供：葛映辰）
劉文豪〈雲〉。（圖片提供：葛映辰）
劉文豪〈雲〉。（圖片提供：葛映辰）

模糊，從來都在

這展覽的命題，不禁令人想起德國藝術史學者烏利西（Wolfgang Ullrich）在《模糊的歷史》（Die Geschichte der Unschärfe）開頭引用的那個問題。哲學家維根斯坦（Ludwig Wittgenstein）在《哲學研究》裡寫道：「模糊的圖像常常不就是我們需要的嗎？」

烏利西以此為起點，往回追溯了兩個世紀。他發現，每當「清晰」成為時代的主旋律，模糊就會以不同的姿態作為反命題出現：浪漫主義藝術家用它來對抗工業社會的喧囂，攝影師用它來爭取被視為藝術的資格，20 世紀的前衛運動用它來消解事物固有的輪廓。模糊的形態一直在變，但它始終都在，不是作為技術上的缺陷，而是一種主動的觀看姿態，對「必須看清楚」這個要求的持續抵抗。

《模糊的風景》裡的 6 位藝術家，也許沒有刻意要和這段歷史對話，但他們各自抵達的地方，指向同一件事：當「清楚」已經成為一種社會規訓，選擇模糊，需要的不只是技術，而是一種立場的誠實。

劉文豪〈61〉、〈雲〉與李秉璈〈生活的拓片04〉。（圖片提供：葛映辰）
劉文豪〈61〉、〈雲〉與李秉璈〈生活的拓片04〉。（圖片提供：葛映辰）
陳寬睿〈破涘集001〉、〈之間漸漸消失的模樣〉、〈幕山〉。（圖片提供：葛映辰）
陳寬睿〈破涘集001〉、〈之間漸漸消失的模樣〉、〈幕山〉。（圖片提供：葛映辰）

《模糊的風景 Blurring the Scenery: A Gesture of Resistance》

展期｜2026. 03. 07（六）- 2026. 05. 23（六）
地點｜襲園美術館（桃園市中壢區青埔九街 57 號）
看展預約｜https://reurl.cc/46DyDv

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