下半年日本「文化旅遊路線」怎麼走？包含展覽、工藝盛會和跨領域交流活動，本篇精選5處藝術迷們不能錯過的目的地，若你正好規劃到東京以外地區看看，不妨收藏起來做個參考。

2023年3月27日，日本文化廳正式從東京搬至京都，完成了明治時代以來中央省廳向地方遷移首例；象徵著這座千年古都未來將以「文化首都」之姿，全面振興關西地區的藝術文化景觀，並持續向世界展示其豐厚底蘊。圍繞京都展開的新文化政策兩年來陸續啟動，現更與如火如荼進行中的2025大阪世博有所呼應。以下行程亦將離開東京，自離都最近的箱根，續往北陸、關西地區移動，帶大家走進分散日本各地的精彩文化場域。

除了安藤忠雄設計、甫於5月開館的直島新美術館實屬今年熱點外，箱根Pola Museum of Art推出的英國藝術家Ryan Gander個展也相當值得一看；接著，辦在日本工藝重鎮金澤的「GO FOR KOGEI」藝術盛會、京都市京瓷美術館展特展《民藝百年：京都的生活美學傳承》兩項同樣著眼工藝的活動都在9月份登場；秋季同時還有首次免費開放、由法國藝術家Philippe Parreno出任總監的岡山藝術交流，以及一年一度京都當代藝術博覽會「Art Collaboration Kyoto」的舉行。

1. ポーラ美術館（Pola Museum of Art）

《Ryan Gander: YOU COMPLETE ME》

• 地點：神奈川縣箱根町
• 展期：即日起至2025年11月30日

位於東京近郊箱根森林中的Pola Museum of Art於2002年開館，以融入自然景觀為設計理念，館體多數隱於地下，地面建築僅高8米。

本次展覽《YOU COMPLETE ME》涵蓋英國藝術家Ryan Gander自2023年疫情後至近期作品；其創作橫跨繪畫、雕塑、影像、文字、建築、出版、表演、字型設計、虛擬實境等多元領域，持續探索藝術定義與觀看結構。個展名稱「YOU COMPLETE ME」取自一段青蛙的寓言，鼓勵觀者重新思考理解與衡量的尺度：「你只是為我不具備的東西而哀悼。你看到我，卻沒真正看見我。你總是以你能做到而我不能的事來定義我，卻忽略了我所能創造的可能。⋯⋯我存在於這世上的幸福與影響，並不侷限於你設定的衡量標準。你錯過了更大的整體。」展中穿插孩童的提問——這些看似荒謬的問題，是否真的無意義？阻礙我們想像力的是眼前巨大的氣球，還是我們自身？

2. 第六屆「GO FOR KOGEI」

• 地點：石川縣金澤市
• 展期：2025年9月13日至10月19日

「Kogei（工藝）」一詞用以指稱融合藝術與實用性的創作，始於19世紀日本西化過程，此前日本文化並無「純藝術」與「工藝」的嚴格分界。

而「GO FOR KOGEI」從北陸地區出發，沿承該地作為工藝重鎮的發展脈絡，擴大探索作品本身之外、在整個創作過程中所產生的社會互動。本屆主題「工藝的屬性：我們如何重新定義工藝？」取自民藝運動發起人柳宗悅約百年前提出的思想（對此感興趣的讀者可下滑關注京都市京瓷美術館的民藝特展），聚焦藝術家與工藝師如何經由材料與技術的對話建構出多樣化生活方式，以及同一種材料的不同應用——有時支撐生活，有時塑造生活，也有時豐富生活——透過更廣義的工藝觀，重新思考「工藝」之於當代乃至未來世代的角色與意義。活動地點包含歷史悠久的神社與寺廟，亦舉辦論壇以推動當代工藝的討論；其中《顛覆中塑造新傳統：當代藝術家的突破之路》論壇，便將作為展前預告於7月率先亮相倫敦V&A博物館。

3. 岡山藝術交流2025（Okayama Art Summit）

• 地點：岡山市
• 展期：2025年9月26日至11月24日

2016年起三年一度舉行的觀念藝術展覽「岡山藝術交流」，歷屆皆由國際知名藝術家擔任總監，前三屆邀請英國藝術家Liam Gillick、法國藝術家Pierre Huyghe及泰國藝術家Rirkrit Tiravanija，本屆則由法國視覺藝術家Philippe Parreno出任。

「岡山不僅僅是背景，更是這場實驗的參與者本身。每一件作品與表演都為岡山的城市空間增添了故事的層次，而平行的現實則展現出這座城市的另一個面貌。在故事交匯的節點，參訪者可以選擇自己的路徑，於城市中開啟旅程。整座城市如同一本可閱讀、詮釋與重新書寫的文本。」——Philippe Parreno

今年策展主題啟發自村上春樹小說《1Q84》的神祕角色青豆，以「青豆的公園（The Parks of Aomame）」為構想，將岡山的城市空間改造為一個現實與想像自然交融的開放式場域。其核心不僅僅在於展覽，更在於形成「公會」；參展團隊匯聚30組來自12國的藝術家、音樂家、建築師、設計師、科學家、作家及思想家，以獨特的表達形式創造出全新的藝術展演形態。且今年所有展區包含原本需付費的室內場館，首次全面開放免費入場。

4. Art Collaboration Kyoto

• 地點：京都市
• 展期：2025年11月14日至16日

自2021年興辦以來，Art Collaboration Kyoto（ACK）以「協作」為核心精神，致力促成國內外、政府與民間、藝術與其他領域之間的多元合作，一則為職涯尚在發展階段的新銳藝術家提供創作環境與實質支持，建立藝術與經濟共生共好的循環；二則透過「活化京都」讓藝術真正扎根於地方，增進當代藝術流通，並開創藝術博覽會的全新可能。

主會場設於國立京都國際會館（ICC Kyoto），分為「畫廊協作（Gallery Collaborations）」與「京都會議（Kyoto Meetings）」兩部分。前者將日本與海外畫廊配對並共同策展，在會期內展示和販售藝術作品；後者則聚焦與京都文化有深度連結的展覽內容。另還有面向公眾的「ACK Curates」同步舉辦包括講座、兒童計畫等教育活動，以及於京都府內配合展出的多項特展。

＊參展名單預計六月底公布，詳見ACK官方網站。

5. 京都市京瓷美術館

• 地點：京都市

作為日本最古老的公共美術館，原「大禮紀念京都美術館」歷經2年多翻修，於2020年重新開館、並冠以日本跨國企業「京瓷（京セラ）」之名。工程中保留了歷史悠久的主體建築，同時增加了用於支持現代藝術的新建築「東山立方」，其內設有供給新銳藝術家的展覽空間、紀念品店及咖啡館等布局。

今年下半年直至2026年，該館將持續祭出交匯傳統與創新的精彩展覽，體現京都文化的獨特風貌。包括本館特展《民藝百年：京都的生活美學傳承》聚焦柳宗悅、河井寬次郎等人所推動的民藝運動，以及《洋畫的黎明：黑田重太郎的足跡》、《凝視童年》、《雛人形與四季圖繪：走過歲月的日本娃娃》等典藏室主題展接連登場。

【各展展期】

• 本館特展《民藝百年：京都的生活美學傳承》｜2025年9月13日至12月7日
• 典藏室主題展《洋畫的黎明：黑田重太郎的足跡》｜2025年6月20日至8月31日
• 典藏室主題展《凝視童年》｜2025年10月24日至12月14日
• 典藏室主題展《雛人形與四季圖繪：走過歲月的日本娃娃》｜2025年12月19日至2026年3月15日

同場加映：直島新美術館（Naoshima New Museum of Art）

• 地點：香川縣香川町

最後仍不能不提這座備受關注的全新場館（裡面裝的是藝術，建物本體也是藝術）。已於2025年5月31日正式開幕的直島新美術館，為日本知名建築師安藤忠雄為「倍樂生直島藝術計畫（Benesse Art Site Naoshima）」打造的第10項作品；首次冠上「直島」之名，象徵計畫自1980年代末期推動35年來的重要里程碑。

館內主要展出並收藏日本及亞洲地區藝術家的創作，並透過不定期展覽傳遞多元觀點與時代訊息，打造一處促進交流共學的場域，歡迎在地居民和各地訪客反覆造訪、互動對話。首檔展覽《從起點到未來（From the Origin to the Future）》集結包括蔡國強、村上隆、Heri Dono、徐道獲、N.S. Harsha、Marta Atienza等12組藝術家新作及代表作。

>> 直島新美術館完整介紹請點此。

臺中市立美術館（以下簡稱中美館）開館首展「萬物的邀約」將於2025年12月13日開幕。展覽由中美館策展團隊，攜手臺灣策展人周伶芝、美國策展人艾蕾娜．克萊爾．費爾德曼（Alaina Claire Feldman），以及羅馬尼亞旅居南韓策展人安卡．繆雷．金（Anca Mihuleţ-Kim）共同策劃，呈現來自全球20國超過70組藝術家的作品，涵蓋錄像、繪畫、雕塑、裝置、檔案、藝術家書籍等多樣媒材形式，其中更包含24件委託創作與現地製作。展覽期間將搭配系列演出、工作坊與座談，在跨世代及跨文化間，開啟一場關於人與環境關係的探索。

【編輯帶逛】臺中綠美圖試營運！7大亮點看SANAA在臺建築首作：與中央公園綠意共融，開放而流動的文化森林

在城市治理中回應萬物共生的可能

此次策展團隊表示，開館展「萬物的邀約」考究區域地理與歷史脈絡，策展概念回應中央公園地景與水湳機場的轉型歷程，在城市治理與地方記憶之間，藉由藝術實踐，開啟對人與萬物、自然與都市關係的深層省思。

展覽圍繞著五個相互交織的子題：「畫一道海岸線 How to Draw a Coastline？」從自然出發，藝術家以多元媒介描繪自然，呈現地理、感知與存在的練習，同時探問自然的變動與治理意義；「幻生的寓言 Recalling Fables」 透過寓言與神話的創作，藝術家解構人／非人關係，反思殖民史與自然書寫的跨時空辯證；「摺疊的風景Folds and Flows」以「摺疊」的哲學概念討論空間、時間與身份的非線性結構，揭示歷史、記憶與經驗的多重交織；「擾動的記憶The Troubling of Natural Histories」檢視自然史與個人、集體經驗的交錯，重新思考人與自然的關係；「萬物初聲When the World Begins to Speak」藉由個人與集體敘事，藝術家編織面向未來的對話空間，探討共存與修復的可能。

展覽內容涵納動植物史、寓言神話、移動遷徙、語言敘事等，回應自然如何在歷史與權力結構中被形塑，又如何在調控與馴化中持續展現野性與能動性。依循策展脈絡，藝術家們進行田調調查、研究，以風景、神話、聲音與身體為線索，重新勾勒出人與萬物共生的想像圖譜。除了展場，作品也將延伸至綠美圖公共空間，探觸公共與親密、治理與創造之間的邊界，讓藝術思考融入生活肌理，開啟城市與自然關係的討論契機。

跨越文化、超越時空的藝術視野

「萬物的邀約」展覽亦展開現代與當代藝術的跨世代、跨國的對話，從膠彩畫奠基者林之助、漆藝大師王清霜、中部重要女性膠彩畫家林星華，以及抽象藝術代表趙無極、現代繪畫先驅李仲生、版畫暨雕塑家陳庭詩等前輩藝術家，到當代臺灣藝術家如吳其育、楊季涓、廖文豪等，作品交織自然風景與人文歷史的感知。來自臺灣原住民族群的藝術家亦扮演關鍵角色。Rngrang Hungul余欣蘭的作品以女性獵人的身體經驗出發，探索人與自然的和諧共存；瓦旦．塢瑪則透過系列行為表演，召喚人與自然、藝術互相交錯的關係與力量。

共構自然、歷史與感知的跨文化對話

國際參展藝術家則從各自的文化視角出發，共構一場關於自然、歷史與感知的跨文化對話。古巴裔美國藝術家安娜．曼迪耶塔（Ana Mendieta）以其標誌性的「地景身體」行為影像，探索生態與女性主義交織的感知實踐；法國導演克里斯．馬克（Chris Marker）以實驗影像探索動物與人類間的觀看與凝視；巴西藝術家瑪麗亞．特蕾莎．阿爾維斯（Maria Thereza Alves）從植物與土地出發，回應殖民歷史。展覽另一亮點為海倫．凱勒（Helen Keller）相關珍貴文獻首度於臺灣的美術館展出。作為19世紀末身障權利運動的重要推手，海倫．凱勒的思想與行動象徵對多重感知與平權發聲的肯認，也呼應「萬物的邀約」所倡導的共生精神與包容視野，為展覽注入深厚的社會與歷史意義。

此外，展覽也將對話延伸至藝術行動與教育合作。印尼「紙月亮偶劇團」（Papermoon Puppet Theatre）將與全臺第一座原住民族實驗小學臺中博屋瑪國小合作，舉辦藝術工作坊與遊行展演，推動跨文化生態敘事與社群參與。

見本生物操刀設計主視覺

而開館展主視覺由「見本生物」操刀設計，以「來自萬物的邀請函」為核心概念，融合「時間捲曲」、「痕跡」等關鍵意象。視覺透過拆解與轉譯自然與文化的符號，具備鮮明的記憶點，也象徵連結、對話與傳播，開展出多重詮釋的可能性，並延伸至各展區專屬的色彩，讓每間展場都具備獨特的精神與語彙。動態主視覺以層層堆疊的節奏，體現「萬物的邀約」的共生精神及多元價值。

《萬物的邀約》（A Call of All Beings : See you tomorrow, same time, same place）
展期：2025年12月13日至2026年4月12日
地點：臺中市立美術館（臺中市西屯區中科路2201號）
時間：週二至週日9:00-17:00、週六9:00-20:00，國定假日照常開放。
更多資訊可至中美館官方網站查詢

_{資料提供｜臺中市立美術館、文字整理｜Adela Cheng}

北美館年度壓軸鉅獻！2025台北雙年展《地平線上的低吟》匯集來自全球37座城市、橫跨一整個世紀、共72位藝術家的作品，探究「思慕」的多重意義，表述這股心緒「介於現實與期望之間」的張力。循展覽路徑，你將感受來自世界各地的思慕之情，在他人的失落和渴望之間，探索思慕之於自身的意義，從而回頭看見自己的失落與渴望。

本屆台北雙年展由Sam Bardaouil與Till Fellrath（柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長）共同策展，集結約150件展品，由北美館館藏及參展藝術家作品交織，其中包含34件全新創作及現地製作作品，涵蓋影像、表演、繪畫、雕塑和沉浸式場景。

什麼是「思慕」？ 驅動我們追求難以觸及之物的內在力量

看展之前，得先釐清究竟何謂「思慕」？它是持續推動人類的一股內在力量，一股面對難以觸及和掌握的事物、卻仍不願退讓的動能；它可能是對連結的渴望，或對未知前景的嚮往；可能是個人的私密情感，也或許是集體的迫切訴求；它具備跨越國界和文化、引起共鳴的能力，既體現深植人性的慾望，也提供了解當下處境的視角。思慕一詞聽來陌生，卻是早已存於你我腦海與心中的念想。

思慕並不張揚，常是柔弱卻倔強的。《地平線的低吟》圍繞著思慕展開，不大聲宣示，而是試圖以低聲而堅定的語調談論未來。展名中的「低吟」意指那些在靜寂中仍持續的聲音、即使被抹除卻仍頑強存續的故事；「地平線」則象徵追求的標的，是已知與盼望之間的交會。兩者疊加，《地平線的低吟》暗示著最微弱的呢喃也能重新定義距離，最細微的舉動亦能改寫我們想像世界的方式。

這3件物品貫穿全展！象徵3種不同對「思慕」的詮釋

展覽從台灣錯綜複雜的歷史出發，因這片土地深知思慕的意義。策展概念源於3件出自台灣電影及文學作品的物件：侯孝賢電影《戲夢人生》（1993）中出現的「尪仔」，象徵布袋戲大師李天祿獻身於技藝的一生，體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌；陳映真短篇小說〈我的弟弟康雄〉（1960）中的「日記」，傳達一位自盡的年輕人，在信仰與絕望之間掙扎的聲音，反映一個世代身處信念與幻滅之間的困境；吳明益小說《單車失竊記》（2015）中的「單車」，象徵兒子尋找失蹤父親的旅程，喚起失落、傳承和歸屬感等主題。

3種截然不同對「思慕」的詮釋，在展場中交織迴響：「尪仔」代表延續性，「日記」代表內在世界，「單車」隱喻追尋。

從寓言到儀式，感受「思慕」是切身體驗

散落於北美館三層樓空間的展品，或如影像詩篇、或如恐怖寓言、或如神秘儀式、或如歷史重構，每件作品都提醒著我們思慕並非抽象無形，而是切身體驗。

以下看向幾件亮點作品：《偽飛行場》 重建一座殖民時期的誘敵機場，揭示歷史的「虛構」本質，同時探討台灣的身份認同；《我的雙眼仍在流淚》是一束宏偉、看似完美卻無香的人工花卉，反映巴勒斯坦作為生機之地，卻逐漸化為凋零的記憶；錄像裝置《愛在死亡之後》透過一段模擬恐怖片的影像，將回憶和神話融合成幽靈般的儀式，訴說悲痛將灰燼煉成黃金的故事；《小室》將脆弱的紅色玻璃球圍束在鋼籠之中，隱喻歸屬感中「保護」與「禁錮」的雙重性；《加重停頓》則利用厚重的環狀繩索構成冥想場域，邀請觀者在節奏飛快的世界裡，以「緩慢」作為抵抗的形式。

策展彩蛋：台灣20世紀老照片穿針引線

值得留意的是，來自1930至1980年代的台灣攝影作品，是貫穿展覽概念的線索，各呼應「尪仔」、「日記」與「腳踏車」所指的隱喻。像是鄧南光攝於1942年的《台北，太平町 （一） 》，紀錄了殖民時代現代化進程中的城市變遷，呼應「尪仔」所探討台灣於殖民統治下展現的韌性；徐清波在1956年拍攝的《密談》，則捕捉兩名男子傾身交談的畫面，身旁的單車猶如一道安靜的鉸鏈，既分隔、又連結，映照出「腳踏車」暗示的追尋與失落主題。

這些典藏作品的現身，不只是歷史影像的再現，更讓曾經塑造台灣文化的藝術家，得以與當下回應時代現狀的創作者產生跨世代的對話。

「我們希望傾聽那些形塑台北今日樣貌的歷史、語言和矛盾。與北美館藏品的對話，並非懷舊之舉，而是一種紮根：當深入參與在地故事時，在地便能成為關照世界的透鏡。在《地平線上的低吟》中，思慕就是那座橋樑——它始於記憶的親密之處，並延伸至地方性與普世性共享的地平線。」——策展人Sam Bardaouil及Till Fellrath

思慕是鮮活且當代共享的體驗

在現實可能隨時被抹去、或被遺忘的今日，思慕折射出新的渴求和迫切性，兩位策展人如此解讀：「無論我們望向何處，皆充滿渴望：在面臨假訊息時尋求真相，在破碎的社群中尋找歸屬，以及在分歧的時代渴求連結。雙年展中的創作並不會化解這些張力，反而是使它具象化。」走進《地平線上的低吟》展場，你將認知到思慕不再是抽象或歷史的產物，而是鮮活、迫切且當代共享的體驗。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》

展期｜2025.11.01－2026.03.29

地點｜臺北市立美術館