倫敦V&A East Storehouse正式開放！穿梭4層樓開放式空間，免費預約近距離欣賞館藏

by Adela Cheng 2025-06-03

倫敦 V&A
倫敦V&A East Storehouse正式開放！穿梭4層樓開放式空間，免費預約近距離欣賞館藏

倫敦「V&A East Storehouse（V&A東館典藏庫）」於今（2025）年5月31日正式開放，其由建築事務所Diller Scofidio + Renfro設計，打造一處橫跨4層樓、總面積達16,000平方公尺（約30多個籃球場大）的開放式博物館空間。另外，V&A East Storehouse也推出免費預約閱覽館藏品的服務，讓你近距離欣賞珍貴典藏。

坐落倫敦全新文化區「East Bank」的V&A East Storehouse，前身為2012年倫敦奧運的媒體中心「Here East」，而歷經10年籌備，終於在今年向大眾開放。這座嶄新的文化據點，可說是所有人的靈感泉源，內含超過25萬件文物、35萬本書籍與1千份檔案，從時尚、戲劇、街頭服飾、雕塑、經典設計、流行音樂文化等藏品都有，並提供無需導覽的自由參觀體驗，帶領人們以前所未有的方式親近國家級藏品。

V&A East Storehouse前身為2012年倫敦奧運的媒體中心「Here East」。（圖片提供：V&A 、攝影： Hufton + Crow）
V&A East Storehouse前身為2012年倫敦奧運的媒體中心「Here East」。 （圖片來源：V&A 、攝影： Hufton + Crow）
（圖片提供：V&A、攝影：David Parry, PA Media Assignments）
由建築事務所 Diller Scofidio + Renfro 設計的V&A East Storehouse正式開放。（圖片來源：V&A、攝影：David Parry, PA Media Assignments）

像是通往V&A後台的通行證

V&A博物館副館長兼營運長Tim Reeve，同時也是V&A East Storehouse概念的發想者說道，「V&A East Storehouse是一種全新的文化體驗，也像是一張通往V&A後台的通行證，讓人能夠以過往無法想像的方式與規模，近距離接觸我們的收藏。從修復工作、我們如何保存館藏與全球文化遺產，到修復師的精湛工藝與嶄新研究成果，這裡處處充滿值得發掘的精彩內容，我希望來訪的觀眾能夠從中獲得創作靈感，盡情沉浸於這座充滿戲劇性與驚奇的博物館世界。」

V&A博物館副館長兼營運長Tim Reeve（圖片提供：V&A、攝影：David Parry, PA Media Assignments）
V&A博物館副館長兼營運長Tim Reeve（圖片來源：V&A、攝影：David Parry, PA Media Assignments）
（圖片提供：V&A、攝影：David Parry, PA Media Assignments）
（圖片來源：V&A、攝影：David Parry, PA Media Assignments）
（圖片提供：V&A、攝影：Kemka Ajoku）
（圖片來源：V&A、攝影：Kemka Ajoku）

打造無邊界的開闊感

而V&A East Storehouse由國際知名建築事務所Diller Scofidio + Renfro主導，英國在地建築事務所Austin-Smith:Lord共同參與設計。為了展現V&A館藏跨越不同媒材、尺度與歷史時期的多樣性，Diller Scofidio + Renfro打造了一個讓人沉浸於其中、彷彿進入巨大好奇心櫥櫃（Cabinet of Curiosities）的空間，甚至透過玻璃地板，營造出無邊界的開闊感。

（圖片來源：V&A、攝影：Kemka Ajoku）
（圖片來源：V&A、攝影：Kemka Ajoku）
（圖片來源：V&A、攝影：David Parry, PA Media Assignments）
（圖片來源：V&A、攝影：David Parry, PA Media Assignments）

自由探索V&A跨時代館藏

走進中央的「Weston Collection Hall」典藏大廳，人們即會被各式V&A的跨時代館藏環繞，包含古代佛教雕像、英國歌手PJ Harvey的吉他、《亂世佳人》中飾演女主角的Vivien Leigh穿過的戲服、藝術家Frank Bowling與Hew Locke的作品、Glastonbury Festival音樂節藏品、Thomas Heatherwick為2012年倫敦奧運設計的聖火台⋯⋯。人們可依照自身節奏，自由穿梭於「嵌入」儲藏架側邊與末端的100多個小型展陳區中，展開一場探索之旅。

V&A East Storehouse提供無需導覽的自由參觀體驗，讓大眾以前所未有的方式親近珍貴藏品。（圖片提供：V&A、攝影：Kemka Ajoku）
V&A East Storehouse提供無需導覽的自由參觀體驗，讓大眾以前所未有的方式親近珍貴藏品。（圖片來源：V&A、攝影：Kemka Ajoku）
（圖片提供：V&A、攝影：Kemka Ajoku）
（圖片來源：V&A、攝影：Kemka Ajoku）
（圖片提供：V&A、攝影：Kemka Ajoku）
（圖片來源：V&A、攝影：Kemka Ajoku）

打開更多接觸與交流的可能

而為回應V&A策展與修復團隊的需求，Diller Scofidio + Renfro將最內層規劃為對外開放的藏品展示區；中間層為半開放式的檔案區；最外層則是館方專屬空間，進行修復、研究與深度保存，避免藏品受強光、灰塵與人為接觸等風險的干擾。空間中也有零星區塊，作為後勤用途或公共活動使用。

Diller Scofidio + Renfro 創辦人Elizabeth Diller提到，「我們很榮幸能與V&A的策展人與修復團隊合作，共同打造這座全新形態的機構，它既非典藏庫，也不是傳統的博物館，而是一個由館方人員與公眾共享的混合空間，能夠開啟更多接觸與交流的可能。」

（圖片來源：V&A、攝影：David Parry, PA Media Assignments）
（圖片來源：V&A、攝影：David Parry, PA Media Assignments）
（圖片提供：V&A、攝影：Kemka Ajoku）
（圖片來源：V&A、攝影：Kemka Ajoku）
（圖片提供：V&A、攝影：Kemka Ajoku）
（圖片來源：V&A、攝影：Kemka Ajoku）

免費預約欣賞特定館藏

值得一提的是，V&A East Storehouse更推出「Order an Object」預約服務，任何人皆可免費預約親自欣賞特定館藏，現場也有專業人員協助進行觀察與研究。不論是中世紀家具、古埃及鞋履、羅馬壁畫、14世紀初畫家Simone Martini的繪畫、復古樂團T恤與表演海報，或是Balenciaga、Schiaparelli、Comme des Garçons、Issey Miyake與Vivienne Westwood 等品牌的前衛時裝與高級訂製服，超過50萬件橫跨各領域的藏品任你近距離探索。

V&A East Storehouse推出「Order an Object」預約服務，任何人皆可免費預約親自欣賞特定館藏。Object pictured – Tea Ceremony Utensil Box, ca. 1700-1850, Japan（圖片提供：V&A、攝影：Bet Bettencourt）
V&A East Storehouse推出「Order an Object」預約服務，任何人皆可免費預約親自欣賞特定館藏。Object pictured – Tea Ceremony Utensil Box, ca. 1700-1850, Japan（圖片來源：V&A、攝影：Bet Bettencourt）
現場也有專業人員協助進行觀察與研究。Object pictured - A pair of qabqab, made 1800-1880, Egypt（圖片提供：V&A、攝影：Bet Bettencourt）
現場也有專業人員協助進行觀察與研究。Object pictured - A pair of qabqab, made 1800-1880, Egypt（圖片來源：V&A、攝影：Bet Bettencourt）

展出全球最大幅的畢卡索作品

另外不能錯過的，還有V&A East Storehouse的重量級藏品——全球最大幅的畢卡索作品，其為芭蕾舞團創作的舞台布幕。這件巨幅作品高達10公尺、寬11公尺，並由畢卡索親自簽名，自1924年首演以來極少公開展出。

Pablo Picasso, Le Train Bleu front stage cloth, 1924 © The estate of Pablo Picasso（圖片來源：V&A、攝影：David Parry/PA Media Assignments.）
Pablo Picasso, Le Train Bleu front stage cloth, 1924 © The estate of Pablo Picasso（圖片來源：V&A、攝影：David Parry/PA Media Assignments.）

V&A East Storehouse
地址：Parkes Street, Queen Elizabeth Olympic Park, Hackney Wick, London, E20 3AX
開放時間：每日10:00～18:00，週四、週六延長開放至22:00。免費參觀，部分展覽與活動需另行收費
更多資訊可至官網查詢 

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整個展廳化為作品！藝術家賴純純個展《光成為海》臺東美術館登場，感受藝術與光影交融的生命能量

by La Vie 2026-05-02

2026展覽 台東展覽 賴純純
整個展廳化為作品！藝術家賴純純個展《光成為海》臺東美術館登場，感受藝術與光影交融的生命能量

藝術家賴純純全新藝術創作實驗個展《光成為海｜作品作為場》，於臺東美術館登場，她將整個展廳化為作品，讓觀眾也成為作品的一部分，歡迎人們走入現場，一同感受藝術與光影交融的生命能量。

展出巨型雕塑《希望之花》

藝術家賴純純創作橫跨繪畫、雕塑、空間裝置、觀念行動與公共藝術等領域，落腳臺東近20年的她，將對東海岸光線、海洋與土地律動的深刻體會，化為藝術的集大成呈現在這次展覽中。值得一提的是，賴純純在2025大阪世博展出的巨型雕塑〈希望之花〉也首度在臺東美術館的中庭展出，藉由光影折射，讓象徵生命力與希望的花朵，在臺東純淨的藍天下綻放，呈現夢幻般的繽紛色彩。

賴純純〈希望之花〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈希望之花〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
藝術家賴純純（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
藝術家賴純純（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈島嶼新生〉，2017（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈島嶼新生〉，2017（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

走入充滿生命能量的光影旅程

展覽共分為8個展區，從室內的深邃海色到戶外的陽光體驗，帶領觀眾進入一場充滿生命能量的光影旅程。展覽巧妙利用臺東美術館雙展廳的獨特結構，構築出完整的感知路徑。在山歌展廳以實驗性大型裝置作品〈光為山〉為核心，運用鋼材廢料構築主體，在挑高空間中，光影投射隨著時序持續轉化。

賴純純〈光為山〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為山〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為山〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為山〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

海舞廳則由〈光為海／黑潮〉的澎湃能量拉開序幕，作品利用鏡面底板的反射特性，觀者在不同角度凝視時，光影也將隨之流轉，彷彿海面上閃爍的粼粼波光，以極具張力的抽象視覺與材質特性，展現海洋深處洶湧搏動的生命力。

賴純純〈光為海〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為海〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純《光成為海｜作品作為場》海舞廳。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純《光成為海｜作品作為場》海舞廳。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無眼界〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無眼界〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

將不定期前往展場「加入新元素」

賴純純說，「這次於臺東美術館的展出意義非凡。臺東的光、海、空氣、時間節奏，以及山海相鄰的地理狀態，使『生成』不再只是抽象觀念，而是可以被感知、被經驗的存在著。」她更透漏，於展期間，會依循靈感不定期前往展場「加入新元素」，隨時調整與增添作品內容，讓多次造訪的觀眾一同感受藝術在時間流動中持續變化、生長，充分展現她推動的「自由生成美學」理念。

賴純純〈黑潮〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈黑潮〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無罣礙〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無罣礙〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

《光成為海｜作品作為場》賴純純個展 "Light Becoming Sea | The Work as Field"
展覽時間｜115年4月30日－6月14日  
展出時間｜週二至週日 09:00-12:00；13:30-17:00（週一休館）
展覽地點｜臺東美術館（臺東市浙江路350號）

資料提供｜臺東美術館、文字整理｜Adela Cheng

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北美館典藏研究展「物質世界」登場：跨越90年館藏，回應由物質所塑造的生活感知與想像

by La Vie 2026-04-30

2026展覽 台北展覽 北美館
北美館典藏研究展「物質世界」登場：跨越90年館藏，回應由物質所塑造的生活感知與想像

臺北市立美術館「物質世界」自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。本展由館內助理研究員馮馨策劃，以典藏作品為主軸，匯集29位不同世代藝術家的創作，展出炭筆、油畫、壓克力、攝影、錄像、現成物、複合媒材與立體裝置等共87件/組作品，最早自何德來1936年的油畫至今，創作年代跨越90年，其中包含3件全新委託製作，以及多件入藏後首次展出的典藏作品。

從1970年代布希亞（Jean Baudrillard）提出消費社會中的符號價值，到1990年代提姆．登特（Tim Dant）與貝爾納．斯蒂格勒（Bernard Stiegler）對物質實踐的進一步探討，物質早已不僅是被消費的對象或承載意義的符號，更在日常的操作、使用與感知過程中，衍生出各種技術形式，進而形塑人們的行動模式與社會樣態。以「物質世界」為題，本展試圖回望自農業社會轉向工商社會以來，物質的生產與流通如何深刻改變我們所處的生活環境與世界樣貌。

臺北市立美術館推出「物質世界」，自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。（圖片提供：北美館）
臺北市立美術館推出「物質世界」，自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。（圖片提供：北美館）

展覽空間依循由外而內、再回返感知的敘事路徑展開。首展區從物質消費與其機制出發，延伸至物件所構築的居所與城市的現代化進程，李明學的《溢出的記憶》將不同品牌的同款商品分別陳列於兩座不鏽鋼層架，如不同牌子、瓶子顏色同樣為藍綠色的洗衣精，使觀眾在觀看過程誤以為相同商品重複出現，進而探討視覺消費符號遺留的慣習，觀者依賴過往的視覺經驗來辨識物品，反而被相似的視覺暗示所欺騙；黃冠均的《黃》中，壓克力顏料脫離畫布，成為塑膠雨衣的材質本身，既回應熟悉的日常經驗，也凸顯創作媒材的物質性。

李明學，《溢出的記憶》，2019，超市與超商物件，尺寸依場地而定。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
李明學，《溢出的記憶》，2019，超市與超商物件，尺寸依場地而定。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
黃冠鈞，《黃》，2017，壓克力顏料、壓克力媒介劑，160 × 100 公分。私人收藏。（圖片提供：北美館）
黃冠鈞，《黃》，2017，壓克力顏料、壓克力媒介劑，160 × 100 公分。私人收藏。（圖片提供：北美館）

《流逝的歲月》與《巴黎閣樓-照見系列》分別為何德來與黃銘昌以自身居住於東京目黑區與巴黎的空間為創作主題，透過畫面色調與室內陳設物件，映照不同年代的情感、記憶與生活樣貌。白景瑞的《台北之晨（林強全新配樂版）》以錄像形式記錄1960年代臺北市井小民的生活景況，此次展出版本為2019年，由與創作年份同齡的音樂人林強重新配樂，以電子樂與實驗聲響，將現代精神融入昔日臺北景觀，展開一場跨越媒介與時代的對話。

何德來，《流逝的歲月》，1936，油彩、木板，33 × 24 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
何德來，《流逝的歲月》，1936，油彩、木板，33 × 24 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
黃銘昌，《巴黎閣樓—照見系列》，1978-1983，油彩、畫布、紙本。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
黃銘昌，《巴黎閣樓—照見系列》，1978-1983，油彩、畫布、紙本。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
白景瑞，《台北之晨（林強全新配樂版）》，1964，DCP，20分鐘。國家電影及視聽文化中心典藏。（圖片提供：國家電影及視聽文化中心與北美館）
白景瑞，《台北之晨（林強全新配樂版）》，1964，DCP，20分鐘。國家電影及視聽文化中心典藏。（圖片提供：國家電影及視聽文化中心與北美館）

第二展區則轉向由物而開展的奇想，透過物的變形與再解構，打開現實與潛意識之間的縫隙，使日常之物成為感知轉譯的媒介。黃文浩的《上帝與我》以機械式節拍器驅動取自經典作品《創世紀》中亞當與上帝之手，形成無法觸及彼此的循環，隱喻徒勞往復的焦慮與荒謬；賴九岑《這不是瑪格利特的天堂》則透過作品與命名的辯證關係，回應超現實主義藝術家馬格利特（Rene Magritte），進一步探討符號與對應物之間的張力。

黃文浩，《上帝與我》，1996，節拍器、雜誌紙，57 × 12 × 14.5公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
黃文浩，《上帝與我》，1996，節拍器、雜誌紙，57 × 12 × 14.5公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
賴九岑，《這不是瑪格利特的天堂》，2018，壓克力顏料、畫布，140 × 180 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
賴九岑，《這不是瑪格利特的天堂》，2018，壓克力顏料、畫布，140 × 180 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）

第三展區進一步聚焦人與物之間的辯證關係，從由物而體現的自我、聚集之物與其乘載到系統中的人與空間，觀察物如何滲入身體經驗、身份認同與當代社會結構。首次於1998年台北雙年展展出並被典藏的《超越認同》來自日本藝術家日下淳一，以30套懸吊的改造服裝構成，其中如帶有監獄式粗直條紋的西裝外套，指向衣物不僅決定外在形象，更影響個體的思考與人格認同；張照堂於1960年代創作的《存在與虛無》系列，實驗銀鹽相紙的媒材特性呈現詭譎而超現實的畫面構圖，回應其對生命、存在與虛無命題的思索。

日下淳一，《超越認同》，1994-1998，衣服、線，30套衣服。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
日下淳一，《超越認同》，1994-1998，衣服、線，30套衣服。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
張照堂，《存在與虛無I》，1962，銀鹽相紙，56 × 38 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
張照堂，《存在與虛無I》，1962，銀鹽相紙，56 × 38 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）

何采柔的《More》與湯雅雯的委託新作《揚起》，分別採集乾衣機中的棉絮與家中灰塵，轉化為毛衣與藝術裝置，將那些難以被察覺的微小變化，緩慢堆積成時間的痕跡。周育正《工作史－盧皆得》為2012年台北美術獎首獎並被收藏，內容圍繞在臨時工盧皆得，他的生命故事被印製成冊，而作品整體視覺的展陳結合他常穿的藍色格紋衫，反思創作勞動與工作勞動之間的異同。

何采柔，《More》，2016，乾衣機毛屑、木盒、木邊桌、烤漆，42 × 42 × 78 公分。私人收藏（圖片提供：北美館）
何采柔，《More》，2016，乾衣機毛屑、木盒、木邊桌、烤漆，42 × 42 × 78 公分。私人收藏（圖片提供：北美館）
湯雅雯，《揚起》，2023-2026，循環扇、格柵出風口、蛇形簾、灰塵、再生棉、地毯、白報紙、毛線，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）
湯雅雯，《揚起》，2023-2026，循環扇、格柵出風口、蛇形簾、灰塵、再生棉、地毯、白報紙、毛線，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）
周育正，《工作史—盧皆得》，2012-2013，壓克力彩、畫布、木板、印刷書。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
周育正，《工作史—盧皆得》，2012-2013，壓克力彩、畫布、木板、印刷書。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）

最終，第四展區回到感知與物件的堆疊，李傑的全新委託製作作品《People hate you for a reason》透過在空間中迴盪的流行音樂與自製聲響，以及投映於不織布地毯、不鏽鋼板與佈滿膠帶上的筆觸式影像，隨著觀眾在展場中的移動，生成多重媒介交錯堆疊下的觀看經驗，進一步思考感知如何被物質延展與重塑。

李傑，《People hate you for a reason》，2026，繪畫 (噴漆、粉彩、不鏽鋼板)、投影、不織布地毯、膠帶、壓克力、聲音及現成物，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）
李傑，《People hate you for a reason》，2026，繪畫 (噴漆、粉彩、不鏽鋼板)、投影、不織布地毯、膠帶、壓克力、聲音及現成物，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）

另外，不同於中文展名對「物質世界」的直指，英文展名「Material Extensions」則試圖討論當代物質如何作為一種媒介，持續延展並擴張我們的日常知覺，並使展覽敘事形成一條由物質通往感知、再由感知重新理解物質世界的循環路徑。作為北美館典藏研究與展示脈絡的重要策劃之一，「物質世界」透過大量且珍貴的館藏作品，重新梳理不同世代藝術家如何回應物質、媒介與生活經驗的轉變，也凸顯典藏作品作為時代感知與社會樣貌見證的重要性。

物質世界 Material Extensions
2026.05.01－2026.08.16
地點：臺北市立美術館 2A、2B展覽室

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