倫敦「V&A East Storehouse（V&A東館典藏庫）」於今（2025）年5月31日正式開放，其由建築事務所Diller Scofidio + Renfro設計，打造一處橫跨4層樓、總面積達16,000平方公尺（約30多個籃球場大）的開放式博物館空間。另外，V&A East Storehouse也推出免費預約閱覽館藏品的服務，讓你近距離欣賞珍貴典藏。

坐落倫敦全新文化區「East Bank」的V&A East Storehouse，前身為2012年倫敦奧運的媒體中心「Here East」，而歷經10年籌備，終於在今年向大眾開放。這座嶄新的文化據點，可說是所有人的靈感泉源，內含超過25萬件文物、35萬本書籍與1千份檔案，從時尚、戲劇、街頭服飾、雕塑、經典設計、流行音樂文化等藏品都有，並提供無需導覽的自由參觀體驗，帶領人們以前所未有的方式親近國家級藏品。

像是通往V&A後台的通行證

V&A博物館副館長兼營運長Tim Reeve，同時也是V&A East Storehouse概念的發想者說道，「V&A East Storehouse是一種全新的文化體驗，也像是一張通往V&A後台的通行證，讓人能夠以過往無法想像的方式與規模，近距離接觸我們的收藏。從修復工作、我們如何保存館藏與全球文化遺產，到修復師的精湛工藝與嶄新研究成果，這裡處處充滿值得發掘的精彩內容，我希望來訪的觀眾能夠從中獲得創作靈感，盡情沉浸於這座充滿戲劇性與驚奇的博物館世界。」

打造無邊界的開闊感

而V&A East Storehouse由國際知名建築事務所Diller Scofidio + Renfro主導，英國在地建築事務所Austin-Smith:Lord共同參與設計。為了展現V&A館藏跨越不同媒材、尺度與歷史時期的多樣性，Diller Scofidio + Renfro打造了一個讓人沉浸於其中、彷彿進入巨大好奇心櫥櫃（Cabinet of Curiosities）的空間，甚至透過玻璃地板，營造出無邊界的開闊感。

自由探索V&A跨時代館藏

走進中央的「Weston Collection Hall」典藏大廳，人們即會被各式V&A的跨時代館藏環繞，包含古代佛教雕像、英國歌手PJ Harvey的吉他、《亂世佳人》中飾演女主角的Vivien Leigh穿過的戲服、藝術家Frank Bowling與Hew Locke的作品、Glastonbury Festival音樂節藏品、Thomas Heatherwick為2012年倫敦奧運設計的聖火台⋯⋯。人們可依照自身節奏，自由穿梭於「嵌入」儲藏架側邊與末端的100多個小型展陳區中，展開一場探索之旅。

打開更多接觸與交流的可能

而為回應V&A策展與修復團隊的需求，Diller Scofidio + Renfro將最內層規劃為對外開放的藏品展示區；中間層為半開放式的檔案區；最外層則是館方專屬空間，進行修復、研究與深度保存，避免藏品受強光、灰塵與人為接觸等風險的干擾。空間中也有零星區塊，作為後勤用途或公共活動使用。

Diller Scofidio + Renfro 創辦人Elizabeth Diller提到，「我們很榮幸能與V&A的策展人與修復團隊合作，共同打造這座全新形態的機構，它既非典藏庫，也不是傳統的博物館，而是一個由館方人員與公眾共享的混合空間，能夠開啟更多接觸與交流的可能。」

免費預約欣賞特定館藏

值得一提的是，V&A East Storehouse更推出「Order an Object」預約服務，任何人皆可免費預約親自欣賞特定館藏，現場也有專業人員協助進行觀察與研究。不論是中世紀家具、古埃及鞋履、羅馬壁畫、14世紀初畫家Simone Martini的繪畫、復古樂團T恤與表演海報，或是Balenciaga、Schiaparelli、Comme des Garçons、Issey Miyake與Vivienne Westwood 等品牌的前衛時裝與高級訂製服，超過50萬件橫跨各領域的藏品任你近距離探索。

展出全球最大幅的畢卡索作品

另外不能錯過的，還有V&A East Storehouse的重量級藏品——全球最大幅的畢卡索作品，其為芭蕾舞團創作的舞台布幕。這件巨幅作品高達10公尺、寬11公尺，並由畢卡索親自簽名，自1924年首演以來極少公開展出。

V&A East Storehouse
地址：Parkes Street, Queen Elizabeth Olympic Park, Hackney Wick, London, E20 3AX
開放時間：每日10:00～18:00，週四、週六延長開放至22:00。免費參觀，部分展覽與活動需另行收費
更多資訊可至官網查詢 

「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」由國立故宮博物院與美國大都會藝術博物館（以下簡稱「大都會博物館」）合作，攜手時藝多媒體歷經多年策劃，將於6月14日正式開展。本展集結81幅美國大都會博物館真跡名畫，也將透過5大主題展區，一步步帶領觀眾深入體驗百年間藝術家如何回應現代社會變遷與對美學的追求。

美國大都會博物館名作登台

此次「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」的策展與選件皆由大都會的研究人員負責，精選該館羅伯特・雷曼家族收藏及其他民間捐贈的代表性作品。大都會博物館在規劃展覽時，特別強調雷曼家族收藏的獨特價值。現今大家都非常熟悉印象派，但在20世紀初，它被視為前衛藝術，因此雷曼家族能夠在當時前瞻性地收藏這些作品，代表他們的藝術鑑賞力和遠見。雷曼家族在1969年捐贈多達2,700件的藝術藏品給大都會博物，促使大都會設立「雷曼廳」專門展示這批收藏，可見它在藝術史上的重要性。

大都會特別指出，這批印象派及早期現代主義的繪畫與素描作品，原本都是在雷曼廳展出，一直以來從未以整體形式離開大都會，實際上，其中僅有極少數曾到亞洲展出，這使得本次展覽更顯得彌足珍貴，對台灣觀眾而言更是難得一見的藝術盛事。

一次飽覽38位藝術家經典之作

本展從美國紐約帶來從印象派到早期現代主義共38位藝術家的經典名作，囊括梵谷、馬諦斯、秀拉、畢沙羅與女性藝術家瑪麗・卡薩特、貝絲・莫莉索等人的精彩創作，呈現19至20世紀法國藝術的多元風貌。同時即將於6月14日登場的展覽中，也將透過「身體姿態」、「肖像與人物」、「徜徉自然」、「從城市到鄉村」、「水岸風光」5大主題展區，一步步帶領觀眾深入體驗百年間藝術家如何回應現代社會變遷與對美學的追求。

高更、塞尚、雷諾瓦作品搶先開箱

而在正式開展前，更搶先開箱三幅重點展品，包括保羅・高更「大溪地的出浴女子」、保羅・塞尚「布豐莊園附近的樹木與房舍」，以及皮耶-奧古斯特・雷諾瓦「彈鋼琴的兩位少女」。這三幅作品不僅是西方近代繪畫史的重要代表，也深刻展現出印象派與後印象派在藝術風格與技法上的革新。

作為本展開箱焦點的三件代表作勾勒出「從印象派到現代主義」的藝術發展主軸，雷諾瓦「彈鋼琴的兩位少女」以溫柔細膩的筆觸描繪少女彈奏鋼琴的生活片段，展現印象派對日常美感與光影氛圍的捕捉，是感性與和諧的典型象徵；塞尚的「布豐莊園附近的樹木與房舍」則透過幾何構圖重組自然景物，彰顯其從印象派走向形式建構的現代主義風格，成為後世藝術發展的重要轉捩點；高更的「大溪地的出浴女子」更是運用大膽色彩與異地主題，詮釋對文明社會的反思與想像，同時為象徵主義與野獸派奠定了重要基礎，在現代藝術史中具關鍵地位。

▍美國大都會博物館名作展票價資訊

另外，預售票最後倒數至6月13日止，「The Met限定零錢包套票」499元、「預售單人票」400元限時熱賣中。更多購票與展覽資訊，請詳見時藝多媒體官方網站。

從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展
展覽日期：2025/06/14 (六) - 2025/10/12(日)，週一至週日09:00 - 17:00 (最後入場時間 16:30)
展覽地點：國立故宮博物院北部院區 第二展覽館一樓特展廳（臺北市士林區至善路二段221號）

_{資料提供｜時藝多媒體、文字整理｜Adela Cheng}

挾著超現實的自由感，日本藝術家Yufi Yamamoto個展《I’m There But I’m Not》即日起至6月22日於台北藝廊奇想會Whimsy Works Gallery登場。藝術家本人也在開幕之際親臨現場，不僅談及長年旅外、跨文化成長經驗所形塑的藝術風格，亦分享此次創作核心「加州的天空」之於自身的重要意涵。乘全新油畫媒材，我們將走進她鑿刻記憶之中的沙漠天堂。

日本藝術家Yufi Yamamoto（山本ユフィ），繼2023年榮獲ONE ART Taipei新賞獎並舉辦首次台灣個展後，2024年曾於首爾、東京舉辦個展，更受邀至法國與義大利展出。時隔兩年，她帶著進化的創作語彙與情感層次重返台北，首度完整發表油畫系列之作。

此次展覽名稱「I’m There But I’m Not」，來自Yamamoto對於自我感知與創作狀態的誠實回應。「每次看著自己的畫，我都彷彿成為其中的角色。我可以聞到空氣、感受到風吹、感受畫中人物的情緒。」創作者本人始終藉畫作為情感通道，進入超越日常經驗的維度；同時希望透過本展，邀請觀者走進那個既熟悉又陌生、既輕盈又深刻的內在風景。

加州的天空，自我觀照的出口

擁有日本、韓國與俄羅斯血統的Yamamoto，長年旅居加州，藝術風格深受當地街頭文化與衝浪生活影響，融入中世紀現代主義、包浩斯（Bauhaus）與孟菲斯（Memphis）風格的色彩語彙，並結合對復古物件與褪色表面的喜愛，發展出以大量粉彩色調構成的視覺作品——對她來說，「加州的天空」與其特殊色調早已內化為記憶的一部分，更成重要創作靈感來源。

筆下女性不完美卻真實自由

Yamamoto擅以抽象線條勾勒女性樣貌，畫中角色大都是女性，但卻非刻意設定，而是出於經驗：「我只能畫我熟悉的身分。」這些女性常具備自信、好奇與獨立特質，不完美卻真實自由。跨文化成長經驗所伴隨的孤獨與疏離感，則使其作品多在柔中帶刺的氛圍中流露女性觀點與內在對話。

從壓克力到油畫，擁有了停留與沉澱的可能

Yamamoto長期以壓克力為創作核心，此次媒材轉換為她帶來嶄新的情感經驗與視覺探索。「油畫讓我能花更多時間去描繪層次與細節，也讓我得以回到畫面中繼續加入新的想法。它像是一個打開的世界，讓我可以更自由地在顏色與構圖中遊走。」她坦言，這種節奏的調整也影響了情緒的處理方式，使畫作擁有更多停留與沉澱的可能性。

邀請觀者參與情緒敘事

在抽象與具象之間擺盪，刻意保留模糊與曖昧的空間，也是Yamamoto的特色之一。「我畫畫的方式其實就是我看待世界的方式。這個世界是模糊而流動的，很多事表面看似如此，實則並非。」因此在她的作品裡，人體與風景經常融合，寫意的線條甚與實物交錯而過，構成一種暫停的時間感與漂浮的視覺結構。另針對觀者常對她的畫作產生「從未去過卻有莫名鄉愁」的奇妙感受，Yamamoto分享道，「我覺得我畫的不是物件，而是情緒。」這般創作路徑，反使其作品得以開放地邀請觀者投射自身經驗，參與每一幅畫的情緒敘事。

全新創作台北登場

本次《I’m There But I’m Not》台北個展內容包含多幅全新創作，如《Do You Have a Destination?》中獨立又好奇的女孩搭配復古車，拋出人生提問的同時提醒自己要保持專注，也別忘了享受生活；《The End of One Love is The Beginning of Another》將浪漫投射在即將消逝的電話亭中，捕捉一段關係的淡出；《Heat Waves》以她最愛的加州沙漠城市棕櫚泉（Palm Springs）為場景，運用微褪的綠調筆觸捕捉酷暑與植栽交錯的色彩張力，傳遞沙漠天堂的氣息。

最後，Yamamoto也透露，未來將繼續探索油畫與更大的畫布，並對斷奏式筆法與愈多抽象元素的嘗試產生興趣，期待以新的節奏與主題延伸創作深度。兩年來幾乎不間斷進行展覽的她，表示期待自己每一年都能成為更成熟的創作者，畢竟——「創作對我來說，是觀照記憶與自我的方式。」

Yufi Yamamoto《I’m There But I’m Not》

• 時間：即日起至2025年6月22日13:00-19:00（週二、三公休）
• 地點：奇想會Whimsy Works Gallery（台北市大安區安和路一段21巷7號）
• 票價：低消飲品一杯
• 了解更多：奇想會官方社群、Yufi Yamamoto個人社群