日本最大規模坂本龍一展覽登場！走進東京都現代美術館，探索大師的創作軌跡

東京都現代美術館舉辦的「坂本龍一｜音を視る 時を聴く（seeing sound, hearing time）」展覽，為日本最大規模的音樂家暨藝術家坂本龍一個展，將全面呈現其大型裝置藝術作品。展期至2025年3月30日。

在坂本龍一（1952–2023）超過50年的創作生涯中，他始終以多元的表現形式，引領時代的潮流。1990年代起，坂本龍一展開結合多媒體的現場演出，並自2000年代以來，透過與不同藝術家的跨界合作，探索如何將聲音立體地融入展覽空間之中。

而此次展覽，以坂本龍一生前為東京都現代美術館構思的計畫為主軸，聚焦於其創作中長期關注的「聲音」與「時間」主題，並將展出逾10件未公開的新作與代表作。這些沉浸式聲音裝置作品，將巧妙地展示於館內外空間，引領觀者探索坂本龍一前衛、具實驗性的創作軌跡，也深入認識這位藝術家的嶄新面貌。

以下將介紹此次展出的作品：

坂本龍一＋高谷史郎

在這次的展覽中，將呈現坂本龍一與高谷史郎合作的5件作品，包含：2011年東日本大地震時，坂本龍一遇見一架遭海嘯摧毀的鋼琴，並將其視為「由大自然調音的鋼琴」，進而轉化創作出《IS YOUR TIME》(2017/2024)這件作品。

而在坂本龍一與高谷史郎的裝置藝術作品中，「水」與「霧」為重要的元素，比如2007年發表的代表作《LIFE–fluid, invisible, inaudible...》(2007) ，是以坂本龍一的歌劇《LIFE》（1999）為基礎，打造出9個懸浮於空中、發出忽明忽滅光芒的水槽作品，人們將像是在庭園中漫步，感受有別於一般線性敘事的時空流動感。另外，此次也將展出《water state 1》(2013)，以及特別為本展創作的《async–immersion tokyo》、《TIME TIME》，均為2024年的作品。

「async」系列作品

坂本龍一在2017年推出《async》後，開始致力於「立體化」這張專輯的聆聽體驗，並與Zakkubalan、泰國導演Apichatpong Weerasethakul、高谷史郎等藝術家共同創作了一系列裝置藝術作品。其中，與akkubalan合作的《async–volume》(2017) ，是件結合視覺與聲音的裝置藝術，其將坂本龍一製作專輯時，在紐約錄音室、庭院等地拍攝的影像片段，與這些場景的環境音與專輯中的音樂素材相融合；排列於牆面的24台iPhone與iPad，也讓人們透過這些如「發光小窗戶」般的螢幕，一探坂本龍一的內心世界。

而在與泰國導演Apichatpong Weerasethakul合作的《async–first light》(2017) 中，坂本龍一將名為「DIGITAL HARINEZUMI」的小型相機交給親密的朋友們，請他們記錄下日常生活片段，這些影像雖然解析度低、畫質粗糙，但也呈現出一種獨特的溫暖色調，生動地捕捉了各自的日常；而該影像的配樂，則是由坂本龍一將〈Disintegration〉、〈Life, Life〉這兩首曲目重新編曲而成。

坂本龍一與高谷史郎以專輯《async》的樂曲為基礎，並根據「將音樂立體化設置於空間」的概念，打造了多件裝置藝術作品。而《async–immersion tokyo》(2024) 是在坂本逝世後，基於先前的「async」系列進一步深化的創作，其最初於AMBIENT KYOTO 2023亮相，此次則特別針對東京都現代美術館的展示空間，重新建構成一件全新的大型裝置藝術作品。

坂本龍一＋真鍋大度

而坂本龍一與真鍋大度合作的《センシング・ストリームズ 2024–不可視、不可聴 (MOT version)》，將手機、WiFi、無線電等電磁波，視為一種人類感官無法感知的「流動」生態系統。而此次展覽特別設置了一個長達16公尺的戶外LED顯示螢幕，以影像與音樂的形式，呈現出東京這座不斷變化的大都市中，那些無形的基礎設施。

坂本龍一＋高谷史郎＋中谷芙二子特別合作

本次展覽更有坂本龍一、高谷史郎、以「霧雕塑」聞名的藝術家中谷芙二子聯手打造的《LIFE–WELL TOKYO》霧の彫刻 #47662，利用東京都現代美術館的戶外花園，將霧、光與音融為一體，交織出如夢似幻的交響樂，也喚起人們對自然的敬畏與崇敬之情。

坂本龍一 | 音を視る 時を聴く
展期：2024 年 12 月 21 日– 2025 年 3 月 30 日
開館時間 10:00－18:00
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勤美術館2026夏季展集結「EVERYDAY ART 藝術計畫」（以下簡稱EDA）入選藝術家40組，以每日必備的藝術為策展概念，發揮跨界平台號召力，攜手FamilyMart全家便利商店打造全台首座「美術館便利商店計畫」。

美術館變身便利商店

勤美璞真文化藝術基金會執行長何承育表示：「今年是基金會第 16 年、勤美術館第 2 年，我們重啟 13 年前的『Boom Art！』，帶著兩個初心和一個創新。初心是回到創作與收藏的本質。藝術是很好的濾鏡，能探索已知與未知，也能表達人性癲狂的那一面；收藏不為追大師或增值，而是人與作品的情感連結。所以我們重啟 EDA 新生代藝術創作平台，用最實質的收藏支持創作者。創新是美術館便利商店。這次和全家合作，除了日常採買，還能買到 60 件新生代創作者的作品、4 件現地創作與 10 組聯名商品。」

展開屬於自己的藝術收藏之旅

主展場勤美術館以便利商店的入口、貨架、收銀台等空間語彙重新設計。藝術家賈茜茹規劃藝術體驗《凌晨五點零四分的便利商店》，引導觀眾一步步展開屬於自己的藝術收藏之旅。觀眾可透過「收藏清單」直覺挑選自己想收藏的日常事物，循著線索走進展場尋找對應作品，並透過「推薦小卡」分享觀看心得；最後更邀請觀眾回應「你想在便利商店裡買到什麼樣的藝術」，動手創作裝滿靈感的「大發布丁」，透過三個驚喜步驟重新拆解習以為常的生活經驗。

當創作者翻轉熟悉的消費場景

走進這家藝術的便利商店，熟悉的秩序因藝術介入而產生細微偏移——展示設計刻意翻轉招牌方向、調整貨架高度，改變人們習以為常的身體尺度與觀看方式。創作者們也從各自的生活經驗出發，展開對日常物件的翻轉與想像：

南島星人工作室《凝固的日常》、《沁涼的夏日》與《今天好好吃顆蛋》，以生活陶將冷凍包、霜淇淋與茶葉蛋等稍縱即逝的消費日常，轉化為能夠被收藏、反覆品味的器物。

楊柏以《期待之後》以超商常見的洋芋片包裝為原型，將原本充滿空氣、鼓脹輕盈的包裝，以沉重的磨石子重新製作，凝固「打開前期待」的重量與落差。

許韋晨《StiLLLife》系列以水果為靈感，透過攝影、樹脂與雕塑轉譯有保存期限的商品，模糊了商品、藝術作品與記憶之間的界線。

2ENTER 貳進《邊緣風景》打開了美術館與便利商店之間的邊界，讓「最藝術的便利商店」與「最便利的美術館」彼此交錯。

馬蒂瑪《Bubbly Treats》以便利商店寵物用品為靈感，運用珠簾編織成色彩鮮豔、充滿透明感的裝置，將隨手可得的商品轉化為流動的夢幻景觀。

楊馥嘉《成分表讀者》將商品包裝反向陳列，讓平時最少人閱讀的成分標示成為視覺主角，凸顯商品標示與美術館作品說明之間微妙而有趣的對照關係。

另外，此次勤美術館也媒合10 位入選藝術家，與 plain-me 及 RHINOSHIELD 犀牛盾推出聯名設計商品，將創作延伸至服飾穿搭與手機配件，讓藝術能夠被買走、隨身帶著走。 

《BOOM ART！美術館便利商店計畫》

時間｜2026.08.15 (六)至2026.10.25 (日)
地點｜勤美術館 CMP INSPIRATION

_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}

《藤本壯介建築展：原初．未來．森》海外巡迴首站落腳台北，本展透過雙展區、6大主題、逾百件建築計畫，梳理其30年來的建築創作。記者會上，藤本壯介也特別帶逛展場，帶我們走進他腦海內的森林。

日本東京森美術館在去（2025）年推出的藤本壯介建築展，創下逾23萬人次參觀紀錄，不僅是建築相關人士，也吸引了許多年輕人、家庭族群前來觀看。藤本壯介提到，當初在與森美術館討論建築展時，他希望不只是回顧他過去30年的創作軌跡，也能夠呈現他思考了什麼、有什麼前瞻性的內容，最後，「森」這個關鍵字便冒了出來。

從北海道森林走向世界

藤本壯介出生於自然資源豐富的北海道，自幼常見的雜樹林景觀，成為其理解空間與自然關係的原點。1994年自東京大學建築系畢業後，他未循一般路徑進入建築師事務所，而是展開長達6年的獨立探索，省思建築的原點，逐步形塑其建築哲學：模糊自然與人造物、室內與戶外、個體與群體的邊界，創造如森林般開放而富有包容力、得以容納多元關係共存的空間。

用建築連結人、自然與未來

藤本壯介補充，他們在「森」這個字裡面做了很多的想像，不只是自然的森林，人與建築物的關係，其實也是一種森林的意象。「森林裡面有很多不同的生物共存，形成豐富的多樣性，未來的建築物是否也能像一座森林，讓不同的人相聚共存，從多樣性中產生意想不到的連結，這也是我們對於未來建築與社會的想像。」

一踏入展場，牆面上所見的60多幅圖像，這些是藤本壯介從以前到近期的作品，人們能從縱觀的角度窺見它們雖然各自不同，卻又存在某些共同點；透過這面牆，大家可以了解藤本壯介這些年走過的路，其中包含一些實驗性的錯誤，但他也從中思考了許多多樣性與不同的可能性，並讓它們同時共存。

想像多元共鳴的未來城市

抬頭可見的懸掛裝置，則是藤本壯介對100或200年後未來都市的想像。他們想像人們住在一個個如泡泡的圓球中，裡頭也有許多綠意與公園，構成了包容各種多樣性且相互交融的生活空間。他說，在他想像的未來世界中，也許人們都有了可以在空中飛翔的裝置，因此住宅也打破了所謂的樓層限制，形成一個具有多樣性且交融在一起的自由空間。

思考多元共存與彼此連結的可能

來到「開放之環」主題展場，映入眼簾的是200分之1的大阪萬博大屋根模型，搭配牆面上藤本壯介的草圖，能更加了解他設計大屋根時的思考軌跡。藤本壯介說，圓環狀的大屋根雖然是建築，卻極具開放性；所謂的建築，既要接納大眾，又要具備保護與包容的功能，而要如何讓兩個同時並存，是他想要傳達的概念，因此在旁邊的牆面，也可見到體現「開放之環」這個理念的建築作品。

走進藤本壯介的「腦內森林」

匯集了藤本壯介30年來建築模型的「思想之森」展間，則將帶領大家走進他腦內的森林。從入口的早期作品到後方的近期、進行中的作品，主要分為3大創作脈絡：探討建築如何兼顧內部的包覆感，又能向外敞開的「展開與包圍」、思考許多局部如何共同組成一個整體的「眾中之眾」，以及打破空間只有單一用途想像的「未分化」，但這3個概念並非壁壘分明，也有很多交融之處，比如貝爾格勒的哈拉水岸中心（beton hala waterfront center）便展現出這3大主軸。另外，牌子上也特別設置了對應這些概念的壓克力小方塊，讓人們能夠透過顏色辨識每件作品所蘊含的設計脈絡。

思想、創造力是自由的

有趣的是，展間中除了專業的建築模型，也展示了藤本壯介收集的物件，像是包水果的保麗龍紙，呈現建築的通透感；捏碎的寶特瓶表達變形後的風貌，引領人們思考建築的外觀也可以有不同面貌；展出洋芋片模型，則是因他認為洋芋片透過某種堆疊、中間產生的縫隙也是所謂的空間，或許有可能被運用在建築上。藤本壯介說明，希望透過這些展示品，讓大家了解所謂的思想、創造力可以是很自由的，並能在這些自由的發想中找到樂趣。

回望30餘年的建築實踐

「軌跡之森」由建築史學家倉方俊輔兼修編纂，透過年表、手繪草圖、建築語錄與獲獎紀錄，串聯藤本壯介不同時期的代表作品。藤本壯介說，「藉由這次展覽，我才有機會重新回頭看過去的手稿，這些都要感謝我母親當年的細心保存。看到這些草稿時，我一方面感嘆當年自己真的很努力，另一方面也會覺得過去的自己還是有點不行啊。不過，看到這些手稿才發現原來我始終在思考同樣的核心命題，並在不斷的實驗與失敗中反覆鑽研。這些手稿不是為了展出而畫，它們就是我建築思考過程最真實的呈現。」

走進1:5大屋根模型

本次展覽一大亮點、位於衛星展區的5分之1的局部大屋根，則邀請大家穿過模型、用身體感受其中的空間感。藤本壯介補充，大屋根模型在森美術館展出時是靠牆的，在這裡則是可以360度的環繞觀賞、動線更加自由。值得一提的是，展場長達15分鐘的大屋根紀錄片，是藤本壯介在大阪萬博閉幕前一星期自費拍攝、去年底完成剪輯，影片中記錄下從早到晚的風景以及現場的聲音，讓人們即便不在現場，也能感受當時的空間與氛圍，尤其是這部影片沒有上傳到公開的平台分享，推薦大家靜下來欣賞影像，再次回味大阪世博的感動。

藤本壯介建築展：原初．未來．森
日期｜2026.8.15（六）-2027.1.3（日）；開放時間｜週二至週日 10:00-18:00（週一休館）
展覽地點｜主展區：忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號）、衛星展區：建國啤酒廠成品倉庫（臺北市中山區松江路25巷40號）
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