日本最大規模坂本龍一展覽登場!走進東京都現代美術館,探索大師的創作軌跡

日本最大規模坂本龍一展覽登場!走進東京都現代美術館,探索大師的創作軌跡

東京都現代美術館舉辦的「坂本龍一|音を視る 時を聴く(seeing sound, hearing time)」展覽,為日本最大規模的音樂家暨藝術家坂本龍一個展,將全面呈現其大型裝置藝術作品。展期至2025年3月30日。

在坂本龍一(1952–2023)超過50年的創作生涯中,他始終以多元的表現形式,引領時代的潮流。1990年代起,坂本龍一展開結合多媒體的現場演出,並自2000年代以來,透過與不同藝術家的跨界合作,探索如何將聲音立體地融入展覽空間之中。

而此次展覽,以坂本龍一生前為東京都現代美術館構思的計畫為主軸,聚焦於其創作中長期關注的「聲音」與「時間」主題,並將展出逾10件未公開的新作與代表作。這些沉浸式聲音裝置作品,將巧妙地展示於館內外空間,引領觀者探索坂本龍一前衛、具實驗性的創作軌跡,也深入認識這位藝術家的嶄新面貌。

「坂本龍一|音を視る 時を聴く」展覽為日本最大規模的音樂家坂本龍一展覽。(圖片提供:東京都現代美術館)
「坂本龍一|音を視る 時を聴く」展覽為日本最大規模的音樂家坂本龍一展覽。(圖片提供:東京都現代美術館)

以下將介紹此次展出的作品:

坂本龍一+高谷史郎

在這次的展覽中,將呈現坂本龍一與高谷史郎合作的5件作品,包含:2011年東日本大地震時,坂本龍一遇見一架遭海嘯摧毀的鋼琴,並將其視為「由大自然調音的鋼琴」,進而轉化創作出《IS YOUR TIME》(2017/2024)這件作品。

Installation view of the exhibition
「坂本龍一|音を視る 時を聴く」東京都現代美術館、2024年坂本龍一 with 高谷史郎《IS YOUR TIME》2017/2024 ©2024 KAB Inc. 攝影:福永一夫

而在坂本龍一與高谷史郎的裝置藝術作品中,「水」與「霧」為重要的元素,比如2007年發表的代表作《LIFE–fluid, invisible, inaudible...》(2007) ,是以坂本龍一的歌劇《LIFE》(1999)為基礎,打造出9個懸浮於空中、發出忽明忽滅光芒的水槽作品,人們將像是在庭園中漫步,感受有別於一般線性敘事的時空流動感。另外,此次也將展出《water state 1》(2013),以及特別為本展創作的《async–immersion tokyo》《TIME TIME》,均為2024年的作品。

Ryuichi Sakamoto + Shiro Takatani, LIFE–fluid, invisible, inaudible..., 2007 ©2024 KAB Inc.  Photo: Takeshi Asano
「坂本龍一|音を視る 時を聴く」東京都現代美術館、2024年坂本龍一+高谷史郎《LIFE–fluid, invisible, inaudible...》2007 年 ©2024 KAB Inc. 攝影:浅野豪
「坂本龍一|音を視る 時を聴く」東京都現代美術館、2024 年 坂本龍一+高谷史郎《LIFE–fluid, invisible, inaudible...》2007 ©2024 KAB Inc. 撮影:丸尾隆一
「坂本龍一|音を視る 時を聴く」東京都現代美術館、2024年 坂本龍一+高谷史郎《LIFE–fluid, invisible, inaudible...》2007 ©2024 KAB Inc. 攝影:丸尾隆一
Installation view of the exhibition
「坂本龍一|音を視る 時を聴く」東京都現代美術館、2024年 坂本龍一+高谷史郎《async–immersion tokyo》2024 年 ©2024 KAB Inc. 攝影:浅野豪
Installation view of the exhibition
「坂本龍一|音を視る 時を聴く」東京都現代美術館、2024年 坂本龍一+高谷史郎《TIME TIME》2024 年 ©2024 KAB Inc. 攝影:福永一夫

「async」系列作品

坂本龍一在2017年推出《async》後,開始致力於「立體化」這張專輯的聆聽體驗,並與Zakkubalan、泰國導演Apichatpong Weerasethakul、高谷史郎等藝術家共同創作了一系列裝置藝術作品。其中,與akkubalan合作的《async–volume》(2017) ,是件結合視覺與聲音的裝置藝術,其將坂本龍一製作專輯時,在紐約錄音室、庭院等地拍攝的影像片段,與這些場景的環境音與專輯中的音樂素材相融合;排列於牆面的24台iPhone與iPad,也讓人們透過這些如「發光小窗戶」般的螢幕,一探坂本龍一的內心世界。

Ryuichi Sakamoto + Zakkubalan, async–volume, 2017, installation view of “Ryuichi Sakamoto | SOUND AND TIME” at M WOODS (People’s park), Chengdu, 2023 Image courtesy of M WOODS
坂本龍一+Zakkubalan《async–volume》2017年「Ryuichi Sakamoto | SOUND AND TIME」展示風景、成都木木美術館(人民公園館)、2023年 影像提供:成都木木美術館

而在與泰國導演Apichatpong Weerasethakul合作的《async–first light》(2017) 中,坂本龍一將名為「DIGITAL HARINEZUMI」的小型相機交給親密的朋友們,請他們記錄下日常生活片段,這些影像雖然解析度低、畫質粗糙,但也呈現出一種獨特的溫暖色調,生動地捕捉了各自的日常;而該影像的配樂,則是由坂本龍一將〈Disintegration〉、〈Life, Life〉這兩首曲目重新編曲而成。

Ryuichi Sakamoto + Apichatpong Weerasethakul, async–first light, 2017, installation view of “Ryuichi Sakamoto | SOUND AND TIME” at M WOODS (People’s park), Chengdu, 2023 Image courtesy of M WOODS
坂本龍一+アピチャッポン・ウィーラセタクン ≪async–first light≫ 2017年「Ryuichi Sakamoto | SOUND AND TIME」展示風景、成都木木美術館(人民公園館)、2023年 影像提供:成都木木美術館

坂本龍一與高谷史郎以專輯《async》的樂曲為基礎,並根據「將音樂立體化設置於空間」的概念,打造了多件裝置藝術作品。而《async–immersion tokyo》(2024) 是在坂本逝世後,基於先前的「async」系列進一步深化的創作,其最初於AMBIENT KYOTO 2023亮相,此次則特別針對東京都現代美術館的展示空間,重新建構成一件全新的大型裝置藝術作品。

Ryuichi Sakamoto + Toshio Iwai, Music Plays Images X Images Play Music, 1996–1997/2024  ©2024 KAB Inc.  Photo: Ryuichi Maruo
「坂本龍一|音を視る 時を聴く」東京都現代美術館、2024年坂本龍一×岩井俊雄《Music Plays Images X Images Play Music》1996–1997/2024 ©2024 KAB Inc. 攝影:丸尾隆一

坂本龍一+真鍋大度

而坂本龍一與真鍋大度合作的《センシング・ストリームズ 2024–不可視、不可聴 (MOT version)》,將手機、WiFi、無線電等電磁波,視為一種人類感官無法感知的「流動」生態系統。而此次展覽特別設置了一個長達16公尺的戶外LED顯示螢幕,以影像與音樂的形式,呈現出東京這座不斷變化的大都市中,那些無形的基礎設施。

Ryuichi Sakamoto + Daito Manabe, Sensing Streams 2021–invisible, inaudible, 2021, installation view of “seeing sound, hearing time” at M WOODS HUTONG, Beijing, 2021.      Photo by M WOODS photography
坂本龍一+真鍋大度《Sensing Streams 2021–invisible, inaudible》2021年「seeing sound, hearing time」展示風景、木木美術館(銭糧胡同館)、北京、2021年 影像提供:M WOODS photography team

坂本龍一+高谷史郎+中谷芙二子特別合作

本次展覽更有坂本龍一、高谷史郎、以「霧雕塑」聞名的藝術家中谷芙二子聯手打造的《LIFE–WELL TOKYO》霧の彫刻 #47662,利用東京都現代美術館的戶外花園,將霧、光與音融為一體,交織出如夢似幻的交響樂,也喚起人們對自然的敬畏與崇敬之情。

田中泯 場踊り at 坂本龍一+中谷芙二子+高谷史郎《LIFE−WELL TOKYO》霧の彫刻 #47662 Photo:平間至
田中泯 場踊り at 坂本龍一+中谷芙二子+高谷史郎《LIFE−WELL TOKYO》霧の彫刻 #47662 Photo:平間至
コラボレーション:田中泯(ダンス)、高谷史郎(照明)、坂本龍一(音楽) 攝影:越田乃梨子
中谷芙二子《ロンドンフォグ》霧パフォーマンス #03779、2017年 「BMW Tate Live Exhibition: Ten Days Six Nights」展示風景、テート・モダン、ロンドン、英国コラボレーション:田中泯(ダンス)、高谷史郎(照明)、坂本龍一(音楽) 攝影:越田乃梨子

坂本龍一 | 音を視る 時を聴く
展期:2024 年 12 月 21 日– 2025 年 3 月 30 日
開館時間 10:00-18:00
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回望20世紀至今,哪些經典設計改變了世界?今年於紐約現代藝術博物館(MoMA)舉辦的展覽《Pirouette: Turning Points in Design》,網羅20世紀至今的全球經典設計,以超過100件家具、電子產品、符號圖標等作品,向觀眾展現設計作為推動社會變遷的重要力量。

20世紀至今的全球作品集

《Pirouette》由MoMA館內策展人Paola Antonelli與Maya Ellerkmann策劃。針對這場展覽,Paola Antonelli表示:「每一件物品都有自己的故事,而有些物品甚至改寫了歷史。設計能幫助我們意識到並修正負面行為,設計還能發明新的行為模式,承載嶄新的意義,如永續性與公平正義。這些都將於展覽中呈現。」

重溫改變世界的經典設計:紐約現代藝術博物館《Pirouette》細數麥金塔、便利貼等20世紀之作
《Pirouette: Turning Points in Design》展覽現場(圖片來源:MoMA)

正如策展人所說,許多設計作品改變了人們的行為模式,它們打破既有分類與刻板印象,在材料、形式與功能上展現創新精神。有些設計對傳統問題提出非常規的解決方案,有些設計則提出了值得深化研究的建設性問題。《Pirouette》像是一本大型的全人類作品集,透過這些物件告訴觀眾,設計是如何不斷地推動社會進步與文化演變。

重溫改變世界的經典設計:紐約現代藝術博物館《Pirouette》細數麥金塔、便利貼等20世紀之作
《Pirouette: Turning Points in Design》展覽現場(圖片來源:MoMA)

這些經典設計,改變了我們的生活

在《Pirouette》登場的作品,有些是全球廣為人知的經典,也有些僅受到領域專家關注,卻仍帶來深遠影響。你一定看過的像是Milton Glaser設計的《I ♥ NY》標誌(1976年)、Art Fry與Spencer Silver發明的Post-it便利貼(1977年)、Sony隨身聽(1979年)、Apple麥金塔128K機型(1983年)等,其中許多設計從革命性的實驗精神出發,如今大大改變了我們的生活。

重溫改變世界的經典設計:紐約現代藝術博物館《Pirouette》細數麥金塔、便利貼等20世紀之作
I ♥ NY concept layout(圖片來源:MoMA)
重溫改變世界的經典設計:紐約現代藝術博物館《Pirouette》細數麥金塔、便利貼等20世紀之作
Macintosh 128K Home Computer(圖片來源:MoMA)

除此之外,本展也包含一些從未進入商業化階段的概念性作品,如Tejo Remy的《You Can't Lay Down Your Memory》(1991年)、Don Pettit為太空人設計的咖啡杯(2008年)、以及Sabine Marcelis的《Candy Cube》(2014年)。它們展現了設計師如何運用想像力、嚴謹的研究參雜著遊戲精神,進而重新定義人類的行為與體驗。

重溫改變世界的經典設計:紐約現代藝術博物館《Pirouette》細數麥金塔、便利貼等20世紀之作
You Can't Lay Down Your Memory(圖片來源:MoMA)

展場中還能看到一些十分近期的作品,是策展團隊認為未來有望對社會產生同等影響力的潛力之作,例如氣候學家Ed Hawkins創作的全球氣溫螺旋圖(2016年),將複雜資料可視化,並以動態展示數十年來全球月平均溫度異常的上升趨勢;以及Gabriel Fontana的《Multiform》運動服(2019年),透過設計推廣包容與嶄新的團隊精神等。

重溫改變世界的經典設計:紐約現代藝術博物館《Pirouette》細數麥金塔、便利貼等20世紀之作
Global Temperature Spiral(圖片來源:MoMA)
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Multiform(圖片來源:MoMA)

《Pirouette: Turning Points in Design》展期至2025年10月18日。

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紐約「弗里克收藏館」多年整修後重啟!黃金時代豪宅化身當代藝文地標,維梅爾特展即將登場

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歷經多年整修,位於曼哈頓第五大道的弗里克收藏館(The Frick Collection)於2025年4月17日重新亮相。翻新後的館舍不僅擁有更寬敞的展間,更首度對外開放過往弗里克家族的私人生活空間。

弗里克收藏館前身為紐約市最後一批黃金時代豪宅,自1935年起改為對外開放的美術館,展出弗里克家族的私人藝術收藏,包含眾多歐洲繪畫、雕塑,與裝飾品。與此同時,弗里克藝術研究圖書館也在此成立,多年來已成為全球重要的藝術史研究中心。

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弗里克收藏館(圖片來源:The Frick Collection)
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入口大廳(圖片來源:The Frick Collection)

The Frick Collection重新開幕亮點

➊ 新與舊的融合

這是自弗里克於1935年創館以來最全面的一次整修工程,由建築事務所Selldorf Architects與Beyer Blinder Belle共同負責,除了重新配置既有空間、小規模擴建場館外,這次也規劃了完善的無障礙設施,更精心修復了外牆的雕刻與五金細節等。Selldorf Architects創辦人Annabelle Selldorf表示:「這項工程的目標,是在歷史建築語彙中融入當代細節,讓觀眾感到更自在地走入這裡。」面向中央公園一側的花園,也在本次整修中還原成1977年英國景觀設計師Russell Page打造的模樣。此外,還翻新了圖書館與閱覽空間,在本次開幕中一同亮相。

紐約「弗里克收藏館」多年整修後重啟!黃金時代豪宅化身當代藝文地標,維梅爾特展即將登場
(圖片來源:The Frick Collection)
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閱覽室(圖片來源:The Frick Collection)

弗里克收藏館的一系列開幕展覽,由副館長暨首席策展人Xavier F. Salomon領導策劃,並與策展人Aimee Ng、Giulio Dalvit及Marie-Laure Buku Pongo協力製作,展場設計則由Stephen Saitas負責。

➋ 二樓首度對外開放

本次整修令人最期待的,就是首度開放的弗里克收藏館二樓。該層樓原為弗里克家族的私人起居空間,在1935年開館後改為辦公區域,如今則成為展廳,保留原始壁畫、大理石壁爐與木雕裝飾,空間用於展出較小型的藝術品與新進館藏,讓觀眾有更多機會近距離欣賞作品。

紐約「弗里克收藏館」多年整修後重啟!黃金時代豪宅化身當代藝文地標,維梅爾特展即將登場
(圖片來源:The Frick Collection)
紐約「弗里克收藏館」多年整修後重啟!黃金時代豪宅化身當代藝文地標,維梅爾特展即將登場
(圖片來源:The Frick Collection)

其中,二樓有許多展品體現了弗里克家族成員的個人品味,例如創辦人Henry Clay Frick臥房裡展出其喜愛的肖像畫、女兒Helen Clay Frick的房間則多為文藝復興時期畫作等。至於新進館藏部分,則包含了法國陶器、維也納Du Paquier瓷器、古董鐘錶收藏等。

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(圖片來源:The Frick Collection)
紐約「弗里克收藏館」多年整修後重啟!黃金時代豪宅化身當代藝文地標,維梅爾特展即將登場
(圖片來源:The Frick Collection)

➌ 一樓新展間啟用

另外,弗里克收藏館一樓也迎接了一座全新的小型展間,展出館藏中罕見的紙上作品,像是竇加、哥雅、安格爾、魯本斯、惠斯勒等人的素描與手稿都在其中。

紐約「弗里克收藏館」多年整修後重啟!黃金時代豪宅化身當代藝文地標,維梅爾特展即將登場
West Gallery(圖片來源:The Frick Collection)
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Fragonard Room(圖片來源:The Frick Collection)

➍ 令人期待的特展登場

隨著空間重新開幕,弗里克收藏館也計畫帶來一系列精彩的展覽,像是首先登場的雕塑家Vladimir Kanevsky特展,以其擅長創作的陶瓷花卉為靈感,重現1935年弗里克剛開館時的花藝陳設;而將於6月中揭幕的維梅爾特展,將集結《女主人與女僕》、《情書》、《寫信的女人與女傭》等作品,讓觀眾一睹這位荷蘭畫家的精彩之作。

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