東京都現代美術館舉辦的「坂本龍一｜音を視る 時を聴く（seeing sound, hearing time）」展覽，為日本最大規模的音樂家暨藝術家坂本龍一個展，將全面呈現其大型裝置藝術作品。展期至2025年3月30日。

在坂本龍一（1952–2023）超過50年的創作生涯中，他始終以多元的表現形式，引領時代的潮流。1990年代起，坂本龍一展開結合多媒體的現場演出，並自2000年代以來，透過與不同藝術家的跨界合作，探索如何將聲音立體地融入展覽空間之中。

而此次展覽，以坂本龍一生前為東京都現代美術館構思的計畫為主軸，聚焦於其創作中長期關注的「聲音」與「時間」主題，並將展出逾10件未公開的新作與代表作。這些沉浸式聲音裝置作品，將巧妙地展示於館內外空間，引領觀者探索坂本龍一前衛、具實驗性的創作軌跡，也深入認識這位藝術家的嶄新面貌。

以下將介紹此次展出的作品：

坂本龍一＋高谷史郎

在這次的展覽中，將呈現坂本龍一與高谷史郎合作的5件作品，包含：2011年東日本大地震時，坂本龍一遇見一架遭海嘯摧毀的鋼琴，並將其視為「由大自然調音的鋼琴」，進而轉化創作出《IS YOUR TIME》(2017/2024)這件作品。

而在坂本龍一與高谷史郎的裝置藝術作品中，「水」與「霧」為重要的元素，比如2007年發表的代表作《LIFE–fluid, invisible, inaudible...》(2007) ，是以坂本龍一的歌劇《LIFE》（1999）為基礎，打造出9個懸浮於空中、發出忽明忽滅光芒的水槽作品，人們將像是在庭園中漫步，感受有別於一般線性敘事的時空流動感。另外，此次也將展出《water state 1》(2013)，以及特別為本展創作的《async–immersion tokyo》、《TIME TIME》，均為2024年的作品。

「async」系列作品

坂本龍一在2017年推出《async》後，開始致力於「立體化」這張專輯的聆聽體驗，並與Zakkubalan、泰國導演Apichatpong Weerasethakul、高谷史郎等藝術家共同創作了一系列裝置藝術作品。其中，與akkubalan合作的《async–volume》(2017) ，是件結合視覺與聲音的裝置藝術，其將坂本龍一製作專輯時，在紐約錄音室、庭院等地拍攝的影像片段，與這些場景的環境音與專輯中的音樂素材相融合；排列於牆面的24台iPhone與iPad，也讓人們透過這些如「發光小窗戶」般的螢幕，一探坂本龍一的內心世界。

而在與泰國導演Apichatpong Weerasethakul合作的《async–first light》(2017) 中，坂本龍一將名為「DIGITAL HARINEZUMI」的小型相機交給親密的朋友們，請他們記錄下日常生活片段，這些影像雖然解析度低、畫質粗糙，但也呈現出一種獨特的溫暖色調，生動地捕捉了各自的日常；而該影像的配樂，則是由坂本龍一將〈Disintegration〉、〈Life, Life〉這兩首曲目重新編曲而成。

坂本龍一與高谷史郎以專輯《async》的樂曲為基礎，並根據「將音樂立體化設置於空間」的概念，打造了多件裝置藝術作品。而《async–immersion tokyo》(2024) 是在坂本逝世後，基於先前的「async」系列進一步深化的創作，其最初於AMBIENT KYOTO 2023亮相，此次則特別針對東京都現代美術館的展示空間，重新建構成一件全新的大型裝置藝術作品。

坂本龍一＋真鍋大度

而坂本龍一與真鍋大度合作的《センシング・ストリームズ 2024–不可視、不可聴 (MOT version)》，將手機、WiFi、無線電等電磁波，視為一種人類感官無法感知的「流動」生態系統。而此次展覽特別設置了一個長達16公尺的戶外LED顯示螢幕，以影像與音樂的形式，呈現出東京這座不斷變化的大都市中，那些無形的基礎設施。

坂本龍一＋高谷史郎＋中谷芙二子特別合作

本次展覽更有坂本龍一、高谷史郎、以「霧雕塑」聞名的藝術家中谷芙二子聯手打造的《LIFE–WELL TOKYO》霧の彫刻 #47662，利用東京都現代美術館的戶外花園，將霧、光與音融為一體，交織出如夢似幻的交響樂，也喚起人們對自然的敬畏與崇敬之情。

坂本龍一 | 音を視る 時を聴く
展期：2024 年 12 月 21 日– 2025 年 3 月 30 日
開館時間 10:00－18:00
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激烈滾動的雲層、大街上跳著舞的藍裙姑娘、煙霧升起的荒蕪之境、男人靜靜佇立「森林湖泊」⋯⋯這些畫風和敘事各不相同，或幽靜、或湧動的影像，實則圍繞著同一主題——「風暴」。

2025百達攝影獎（Prix Pictet）決選作品展《風暴》巡迴來台，於台北藝術大學關渡美術館展出：12位參展攝影師以自然、政治、社會、環境為背景，帶來12種紀錄風暴的畫面敘事，共同轉動觀者透過天災、政治動亂、戰爭等事件，關注世界、思辨社會的齒輪。

從「永續」出發的攝影大獎

以「永續」為核心命題，瑞士百達集團（Pictet Group）於2008年創立「百達攝影獎（Prix Pictet）」，每屆皆選定一項與「永續」息息相關的主題，透過影像觸發人們對當代環境、社會問題的關注和思辨。回溯往年主題，2008年首屆以「水（Water）」為題旨，後續則關注「地球（Earth）」、「火（Fire）」、「人類（Human）」等面向，最近的2025年第11屆則聚焦「風暴（Storm）」。

有別於多數攝影獎採徵件報名制，百達攝影獎採「提名制」，由全球超過350位策展人、視覺藝術專家、評論家組成提名網絡，經提名、決選出12位入圍攝影師等階段，最終選出1名該年度大獎得主，授予10萬瑞士法朗獎金鼓勵並支持其創作。

風暴的多面性：醞釀、爆發、毀滅、再生

2025第11屆百達攝影獎以「風暴」為題，其指涉的不僅是氣象觀測中的自然現象，更延伸至一股席捲當代世界、無形卻持續重塑社會的巨大動能——從環境變遷、政局不安、經濟失衡，甚至數位時代下的集體社會焦慮，人類正處於日益動盪的時代，彷彿任何時候都將迎來下一場危機。

參展攝影師或捕捉了社會動盪之張力和影響、或紀錄了氣候災變下的流離失所，作品涵蓋社會、環境、政治等多重面向，可值得省思的是：「狼藉」之中映現的不只是毀滅和破壞，更蘊藏混亂之後轉變、重生、希望再起的可能。

百達攝影展《風暴》巡迴來台，12組作品亮點一次看

▌環境變遷下的風暴

本屆首獎得主阿爾弗雷多．賈爾（Alfredo Jaar），藉《終結》一作揭示美國猶他州大鹽湖的環境危機，這座「美國的死海」因過度開發而乾涸，被科學界警示為一觸即發的「環境核彈」。

湯姆・費希特（Tom Fecht）作品《螢光素⸺犬狼之間》聚焦於因全球暖化而瀕危的夜光生物，捕捉這些浮游生物在洶湧波浪中碰撞氧氣時，所散發出的奇幻螢光，夢幻畫面暗藏殘酷現實。

▌歷史中的風暴

瑪麗娜・卡內韋（Marina Caneve）回溯1966年重創義大利多羅米提山區的洪災，試圖勾勒出「未來災難」的輪廓，其作《是岩石還是雲？》像是一場「災前演習」。

新井卓（Takashi Arai）巡訪核歷史遺址創作《在百個太陽中燃燒》，他在日本、美國、馬紹爾群島拍攝數百張6x6釐米的銀版攝影，凝鍊出核能風暴的「微型紀念碑」。

▌政治社會風暴

貝拉勒・哈立德（Belal Khaled）的創作《手在訴說》始於他在加薩避難醫院外的帳篷生活，他拍攝了一雙雙刻滿傷痕、緊握生命的雙手，透過這些沈默的肢體語彙，講述那些言語無法極盡闡述的生存意志。

萊蒂西亞・范松（Laetitia Vançon）之作《致敖德薩》理念如其名，深深向烏克蘭城市敖德薩（Odesa）致敬。這座港口城市在俄烏戰爭期間，肩負重要的航運和戰略任務，展現了強大的韌性和反抗精神。

巴拉兹・加爾迪（Balazs Gardi）作品《風暴》紀錄了2021年美國國會大廈襲擊事件，當時美國國會正宣布2020美國總統大選結果，卻遭落選方支持者突破警方防線、闖進國會大廈。加爾迪直擊這場動亂，用鏡頭記錄了政治動盪中的風暴核心。

▌自然風暴

羅伯托・瓦爾卡亞（Roberto Huarcaya）與風暴「合作」，利用長達30公尺的感光紙，於亞馬遜河床藉4道閃電的瞬間曝光，捕捉大自然中棕櫚靜臥的壯麗魅影。

漢娜・莫迪（Hannah Modigh）的《颶風季》聚焦於美國路易斯安那州南部的日常，捕捉了那股風暴懸而未發的緊張感，以及潛藏在平靜表象下的不安、恐懼與集體憤怒。

卡米爾・西曼（Camille Seaman）記錄了震撼人心的「超大胞（Supercell）」雷暴，這類風暴能產生葡萄柚大小的冰雹與壯觀龍捲風，厚重雲層足以遮蔽天日，留下令人窒息的詭譎靜寂。

▌風暴後的溫情和希望

帕特里齊亞・澤拉諾（Patrizia Zelano）記錄她在2019年威尼斯大洪水期間，從水災中搶救出的百科全書、科學文獻與經典文學，試圖在洪水中保存人類文明的溫度。

博杜安・穆安達（Baudouin Mouanda）的作品則回溯2020年COVID-19疫情期間，剛果布拉柴維爾（Brazzaville）遭遇的洪災浩劫，並與災難倖存者展開共創計畫。

歷經倫敦V&A博物館、杜拜Ishara藝術基金會、東京東京都寫真美術館、蘇黎世Luma Westbau等地巡迴，百達攝影獎「風暴」主題決選作品正式抵達台北關渡美術館，即日起至6月14日，不妨到現場感受影像作品中風暴之震撼，及這些隨自然週期、人類行為、社會動盪而生的變動，是如何影響世界各地人們的日常生活。

大稻埕集結服裝、植栽、生活選品的複合式空間「裏 Ura.219」，正式啟動藝術計畫「URA.Gallery」，邀人們步入古香瀰漫、日式庭園為襯的寧謐空間，潛心探索工藝和藝術作品蘊藏的生活哲思。首發展覽邀東京品牌「TOUFU TOKYO」演繹，透過其代表作「再生盆栽」一系列由凋零盆栽轉化而成的工藝品，邀訪客在台北的古老街區，感受生命的雋永姿態。

裏 Ura.219：台北老城區裡的日式藝術庭園

「裏 Ura.219」隱身於大稻埕，由台灣服裝品牌「Professor E.」與陽明山古物植栽專門店「裏山」攜手打造，將服裝、植栽與生活家居融於一地，是許多潮流和生活玩家私藏的寶藏店鋪。呼應大稻埕古色，裏 Ura.219園區大量保留歷史建築原貌，藉天井引日光入內，精巧的榻榻米茶室散落古董家具，寧靜氛圍與窗外裏山策劃的日式庭園相映，自成一方幽謐天地，有著台北城難得的靜。

藝廊首展TOUFU TOKYO「再生盆栽」

近日裏 Ura.219再將觸角至藝術領域，啟動「URA.Gallery」藝廊計畫，首檔展覽邀請東京植栽工藝品牌「TOUFU TOKYO」擔綱主角，展出其代表作《RE BONSAI™》。此系列以「再生盆栽」為概念，將凋零盆栽轉化為「永生」的工藝擺件。

TOUFU TOKYO為已枯萎的植物移除土壤、修整枝條，並透過特殊的乾燥與保存技術，重構其比例與造型，讓原先需悉心照料的有機植物，蛻變為一種不需澆水、維護，也不受時間和生命限制的雋永物件。藉此，「再生盆栽」裝載的不是植物本身的生命狀態，而是盆景所象徵的文化精神；當人們看向這些盆栽，心中所想也從「養護」轉向「觀看」。

用工藝讓「消逝與再生」更具象可見

在TOUFU TOKYO創辦人鈴木良夫的觀點中，盆栽不只是園藝形式，而是一種關於時間、比例與空間關係的東方思考方式。對他而言，《RE BONSAI™》既不屬於傳統盆景，也不完全是一般的設計和工藝物件，而是一種對「消逝和再生」的表達和實踐。透過「再生盆栽」，他將盆景拆解、重構並轉譯，讓既有的文化符號，在當代生活中被重新理解和使用。

TOUFU TOKYO《RE BONSAI™》

展期｜2026.03.15－04.19

地點｜裏URA.219（台北市大同區迪化街一段219號）

開放時間｜11:00 – 19:00，每週一、二公休