V&A宣布將於東館倉庫（V&A East Storehouse）創立「大衛・鮑伊中心（The David Bowie Centre for the Study of Performing Arts）」，一舉收藏大衛・鮑伊留下逾8萬件珍貴物件及資料，並透過更開創性的展出方式呈現予世人，中心預計2025年正式對外開放。

英國V&A博物館曾於2013～2018年推出《David Bowie Is…》世界巡迴特展，締造了開館以來最高觀展人次紀錄，而在5年後的今日，V&A宣布將於東館倉庫（V&A East Storehouse）創立「大衛・鮑伊中心（The David Bowie Centre for the Study of Performing Arts）」，一舉收藏大衛・鮑伊留下逾8萬件珍貴物件及資料，並透過更開創性的展出方式呈現予世人，中心預計2025年正式對外開放。

有「搖滾變色龍」之稱的大衛・鮑伊，在音樂及時尚界皆有著開創性的先鋒地位，其強烈且獨特的個人風格，也影響諸多優秀的創作者，成為一代文化傳奇。在其遺產以及各單位的支持之下，促成V&A「大衛・鮑伊中心」的設立，除了能更系統性管理可觀的物品及檔案，更給予人們近距離見證傳奇一生的機會。

V&A東館倉庫有何特別之處？

現正建設中的V&A東館位於倫敦奧林匹克公園（Queen Elizabeth Olympic Park），共分為東館倉庫、東館美術館（East Museum）兩座建築，其中，東館倉庫可容納超過60萬件藏品，且與一般博物館不同的是，其將開放大眾深入幕後，從保存、挑選、研究到展出等各方面近距離接觸V&A館藏，除了展覽空間外，亦設有保存實驗室、畫廊研究及閱覽室、表演空間及創意工作室等學術設施，打造最具開創性的觀展體驗。而「大衛・鮑伊中心」落腳東館倉庫，也正意味著對公眾毫無保留的分享之意。

從幕前到幕後，重新觀看大衛・鮑伊

「大衛・鮑伊中心」將保存超過8萬件藏品，包含歌詞手稿、信件、樂譜、演唱會服飾、時尚、攝影、電影、MV、舞台設計、私人樂器收藏、專輯封面與獲獎紀錄等，除了早已成為一代文化象徵的幕前形象外，更有許多從未曝光的典藏資料，例如未實行的計畫草案、私人書寫稿件，讓我們不僅從舞台上、鏡頭中觀看大衛・鮑伊，更深入其思考、創作的真實歷程，讓本已鮮明的形象，更飽滿而立體，或許這將會是人們有史以來最貼近大衛・鮑伊的一刻。

 亮點展品 

服飾

說到大衛・鮑伊，便不得不提起他變化多端的舞台人設及前衛的服裝設計，例如由Freddie Burretti為Ziggy Stardust設計的絎縫套裝、山本寬齋的黑色扇形連身裝及Alexander McQueen的Union Jack coat等。

歌詞手稿

其他亮點展品尚包含《Fame》、《"Heroes"》、《Ashes to Ashes》等歌曲手稿，以及使用「Cut up method」幫助寫作的歌詞紙片等。

影像

藏品中更不乏大量影像資料，如電影《The Man Who Fell to Earth》系列劇照，以及超過7萬件出自Terry O’Neill、Brian Duffy、Helmut Newton等知名攝影師的照片及印刷品等衍伸製作物。

其他收藏

值得一提的是，典藏中還包括許多大衛・鮑伊私人樂器以及音樂設備，例如音樂製作人Brian Eno錄製《Low》、《"Heroes"》使用的EMS合成器，以及由Marc Bolan贈送、後使用於錄製《Space Oddity》的Stylophone合成器。

資料、圖｜V&A、The David Bowie Archive、DavidBowieAutograph、WARNER MUSIC GROUP INC.

忠泰美術館於3月21日至7月12日推出全新當代藝術展《燼光之城──文明之後的迴響》。本展由獨立策展人高森信男與忠泰美術館團隊共同策劃，邀請來自菲律賓、斯里蘭卡、敘利亞、羅馬尼亞、多哥、韓國及臺灣等11組國內外藝術家，共同探問全球化下城市文明的崩解、挑戰與再生。呈現戰爭、氣候災變、產業轉型與家園變遷等結構性因素帶來的動盪與轉變，帶領觀眾深入全球化時代下不常被看見的「隱藏版」城市風景，重新思考人類集體生存的未來可能。

跳脫歐美大都會想像，看見不常見的城市現場

「城市」承載了全球半數以上的人口，是人類文明發展的象徵；然而在全球化浪潮下，某些城市成為美好生活的投影，另一些卻映照出文明發展背後的矛盾與陰影。策展人高森信男表示：「隨著全球城市人口比例持續攀升，21世紀可以說是『城市的世紀』。然而，我們對城市的想像，往往停留在高樓大廈、物質繁榮與公共建設完善的光鮮表象，但事實上，許多大型城市，至今在醫療、教育等基礎社會建設中，仍面臨不足與不均的問題。」

《燼光之城》將視角從大眾熟悉的歐美大都會，轉向話語權相對有限的非主流城市現場。從敘利亞大馬士革的反烏托邦想像、西非電子垃圾處理場的殘酷現實，到臺南產業轉型下的家園拆遷等，藝術家們透過錄像、影像、混合實境（MR）、大型現地裝置等媒材，帶領觀眾直擊不同政經歷史條件下城市面臨的「危機」、揭開運作背後不易察覺的「隱形系統」，並探問人類對於「城市的想像」。「燼光」便是寓意城市在歷經烈焰般的劇烈動盪後，總能在餘燼中浴火重生，展現出興衰交替不滅的生命力。

城市的想像：在流動與夢想間重塑歸屬

在全球性人口遷徙、移工潮與數位游牧盛行的時代，城市不再只是固定的住所，而是人們追尋理想生活與「世界級城市」夢想的投射載體。然而，抵達理想城市是否真能通往美好生活？我們又該如何在快速變動中，重塑對城市與「家」的想像？

現居澳洲的菲律賓藝術家阿奎禮贊夫婦（Isabel and Alfredo Aquilizan）與The Fruitjuice Factori Studio Collective，帶來全新現地創作的大型裝置《居所：（在某處）另一個國家計畫》，攜手臺灣學生與營建工作者進行工作坊共創，利用紙箱堆疊出關於移動與離散的記憶，傳達超越國界的交流。斯里蘭卡藝術家阿布都．哈里克．阿濟茲（Abdul Halik Azeez）則透過《異鄉異客》等多件影像、家庭照片、口述史料等，探討斯里蘭卡在新自由主義轉型下的移工敘事與戰後都市變遷。

面對城市發展的殘酷面，羅馬尼亞藝術家塞巴斯蒂安．摩爾多萬（Sebastian Moldovan）的影像作品《巴黎計畫》，反思首都布加勒斯特在權力慾望的轉折下，從東歐「小巴黎」淪為廢墟的無常與鄉愁；臺灣藝術家蔡坤霖最新現地創作《誰為始何為終》，以「水文系統」為隱喻，重現昔日農用瑠公圳在都市化進程中從自然水系轉化為人工管路，連結忠泰美術館所在地之地理環境，並呼應團隊整理所在地的「臺北東區故事」，也映照出全球城市開發與自然環境之間持續交錯、相互改寫的關係。

城市的危機：戰火衝突、演算法控制與集體焦慮

戰爭，究竟離我們有多遠？從俄烏戰爭到中東衝突，安居的城市與殘破的廢墟往往僅有一線之隔。在當前全球地緣政治動盪與連年災變的夾擊下，城市看似繁榮發展的表象下，也隱藏著脆弱的真實面貌。

臺灣前衛藝術家梅丁衍於26年前的創作《決戰境外》系列，透過電腦繪圖拼貼虛實，將「決戰境外」的戰略口號，預演為一場虛擬的戰爭奇觀。敘利亞戰火倖存者艾哈姆．賈布爾（Ayham Jabr）的合成影像作品《大馬士托邦》系列，將大馬士革的廢墟拼貼成超現實神話，探討戰爭如何在毀滅後轉化為生存的儀式。韓國藝術家金雅瑛的影像作品《外送舞者星球》，聚焦疫情期間高度加速的零工經濟，呈現被演算法支配下的虛構首爾，反映當代社會對速度與最佳化的迷思。臺灣藝術家黃海欣《粉紅色監獄》、《甜蜜家庭#2》等作品，以一貫幽默卻不安的筆觸，捕捉城市日常中的集體焦慮。

城市的隱形系統：支撐現代化城市背後的運作機制

現代化城市生活的繁榮與便利，往往仰賴一套龐大卻隱蔽的全球化運作系統。這套隱形系統連結了跨國貿易、產業結構、勞動力等資源的分配與利益交換，支撐著我們習以為常的日常運作。

你淘汰的手機與舊車，如何成為他人的生存資源？臺灣藝術家致穎與德國格雷戈爾．卡斯帕（Gregor Kasper）、多哥Elom 20ce藝術家跨國合作《貨幣》計畫，將鏡頭帶往西非的工業廢棄物聚落，記錄現代化城市如何將消費後的物質處理「外包」至世界的另一端。這些廢棄零件經由勞動者的手，轉化為精緻的手工飾品並進入宗教儀式中，以此觀看全球經濟循環中，物質與精神如何被重新賦予價值。

菲律賓藝術家馬克．薩瓦圖斯（Mark Salvatus）的《水痕》透過細膩地抹除明信片上的觀光景點與地標，隱喻海平面上升對海島國家的衝擊，並揭示全球氣候變遷所帶來的連鎖災難。面對都市開發與產業轉型的系統運作，臺灣藝術家林書楷與紐約FuturePerfect Studio創辦人韋恩．艾希莉（Wayne Ashley）透過《幻影之城》MR混合實境技術，將已被拆毀的臺南家園、家族產業與都市記憶，在虛擬世界中重組，探討在冰冷的城市發展體系下，個人與集體的記憶如何透過科技與想像力獲得存續的可能。

燼光之城──文明之後的迴響　Fallenstadt: the Rise and Fall of Cities
展覽官網｜ https://jam.jutfoundation.org.tw/exhibition/5428
展覽日期｜2026.3.21（六）-2026.7.12（日）
展覽地點｜忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號）
開放時間｜週二至週日 10:00-18:00（週一休館）
參觀資訊及購票資訊｜全票150元、優待票100元（學生、65歲以上長者、10人以上團體）；身心障礙者與其陪同者一名、12歲以下兒童免票（優待票及免票須出示相關證件）
週三學生日｜每週三憑學生證可當日單次免費參觀

_{資料提供｜忠泰美術館、文字整理｜Adela Cheng}

新北市美術館於2026年3月21日至9月6日推出阿根廷藝術家托馬斯・薩拉切諾（Tomás Saraceno）在臺灣的首次大型個展「共織宇宙」（Interwoven）。

托馬斯・薩拉切諾是誰？

出生於1973年的托馬斯・薩拉切諾現居柏林，是當代藝術界長期關注生態與科技議題的重要藝術家。他的創作跨越藝術、科學與社會行動領域，並與生物學家、物理學家與環境研究者合作，將蜘蛛網、空氣流動與宇宙結構等研究轉化為可被感知的藝術經驗。透過跨領域合作，持續探索那些平時難以察覺的連結，使觀眾得以重新理解生命與環境之間的關係。

在展覽中穿梭不同尺度的世界

展覽「共織宇宙」以「網絡」作為核心概念。從蜘蛛絲所構成的微觀結構，到科學家提出的宇宙網理論，藝術家透過作品呈現一種關於世界的想像：生命、自然與宇宙並非彼此孤立，而是透過無數看不見的關係彼此交織。觀眾將在展覽中穿梭於不同尺度的世界——從蜘蛛透過絲線震動感知環境的微觀生命，到宇宙中連結星系的巨大網絡，感受那些將萬物連結在一起的無形絲線。

重新想像人類與萬物交織的世界

美術館也透過沉浸式裝置、聲音作品與社群參與計畫，邀請觀眾與空氣、蜘蛛、雲層、孢子、種子、暗物質以及宇宙等不同存在一同感知世界，重新思考人類與自然萬物之間交織共存的關係。展覽亦回應當代文化機構如何面對全球環境與社會變遷的提問，嘗試透過藝術開啟新的感知方式，形塑未來的公共想像。

蜘蛛、宇宙與感知的網絡

本次展出的重要作品之一〈關注之網〉（Webs of At-ten(s)ion）呈現由多種蜘蛛共同編織而成的三維網絡。蜘蛛透過絲線的震動感知世界，蛛網既是建築結構，也是感官系統。在展場中，不同物種的蜘蛛沿著既有的網絡持續編織，形成跨越時間與物種的對話，也象徵即使在看似差異或衝突的群體之間，仍有可能發展出共存與合作的模式。

另一件作品〈如何將宇宙陷入蛛網？〉（How to Entangle the Universe in a Spider/web?）則將蜘蛛網轉化為宇宙圖景。透過光與空間裝置，蜘蛛網的結構被比擬為連結星系的暗物質網絡，讓觀眾思考微觀與宇宙尺度之間的相似結構與共振關係。

在大型裝置〈算法．韻律〉（Algo-r(h)i(y)thms）中，蜘蛛網被轉化為一個可進入的張力空間。觀眾在其中移動與感知震動，身體成為網絡的一部分，體驗不同生命之間的連結與平衡，並透過聲音與振動感受萬物之間的關係。

展覽亦回應當代關於地球與環境危機的重要討論。從「人類世」（Anthropocene）到「資本世」（Capitalocene）的概念，都指出人類活動與資本主義體系對環境造成的深遠影響。薩拉切諾因此提出另一種觀看世界的方式——「大氣世」（Aero(s)cenic），將大氣視為連結所有生命與物質的共同媒介，並重新思考人類與地球之間的關係。

藝術、社群與氣候行動

展覽同時呈現藝術家與阿根廷北部大鹽沼及瓜亞塔約克湖（Laguna de Guayatayoc）原住民社群長期合作的成果。這些社群持續對抗鋰礦開採對土地與水資源造成的威脅。鋰被稱為「21世紀的白金」，是電動車電池與能源儲存系統的重要材料，但每開採一公噸鋰礦可能消耗高達兩百萬公升的地下水，使南美洲「鋰三角」地區成為全球經濟與政治競逐的焦點。

在此背景下，藝術家推動「大氣世」（Aerocene）計畫，想像一種不依賴化石燃料的未來。展覽中首次在臺灣呈現的〈太陽能飛行博物館〉（Museo Aero Solar），由回收塑膠袋製成並僅依靠太陽熱能升空。這件作品既是一件雕塑，也是一項氣候行動，更是一種集體創作與合作的實踐。

此外，觀眾亦被邀請參與〈公平雲朵〉（Fairclouds）計畫，透過描繪雲朵形狀的創作，連結阿根廷社群守護水資源的行動，形成一幅關於水、記憶與未來的集體圖景。本展亦透過教育與社群參與計畫，邀集新北市多所學校與地方社群共同參與。

托馬斯．薩拉切諾：共織宇宙
日期｜2026.03.21–2026.09.06
地點｜新北市美術館6A、6B展間

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜新北市美術館、文字整理｜Adela Cheng}