專訪日本SANAA妹島和世、西澤立衛：用12年打造臺中綠美圖，一座可被穿越、立體延展的城市公園

2013年展開，2025年完工，臺中綠美圖的誕生跨越了12年。這座由日本代表性建築事務所SANAA設計的文化場館，不僅是他們在台灣的首件作品，也成為其至今規模最大的文化設施計畫。妹島和世與西澤立衛與La Vie一同回望這段漫長的設計旅程。

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輕盈、透明，甚至近乎消隱——長年以來，人們對SANAA的建築想像，是那往往帶著一種安靜而不張揚的存在感。臺中綠美圖由8個彼此連接、尺度各異、面向不同方向的方形量體組成，方盒中引入弧線元素與參差錯落的動線，初入彷彿在森林中彎繞迷蹤，充滿探索樂趣。

「建築與環境」——創造一種與環境自然共存的建築，是他們20多年來的核心思考。在2025年11月同名講座上，談到對台灣的印象，妹島和世回憶：「我第一次來台灣，應該是好幾十年前。當時幾乎每棟建築的屋頂上，都有鐵皮屋加蓋。雖然如今已少了許多，但今天搭車時，仍能看見不少人將這些半戶外空間納入日常使用。那時我在伊東豊雄事務所工作，我們經常討論『人們會選擇在什麼樣的地方生活』，這種生活場景給了我很大刺激，讓我感受到一種獨特的生活能量。」西澤立衛則觀察到，無論是植被的綠意、陽光或是人，都展現南國強烈的生命力，適合使用半戶外空間的時間更是比日本長得多。

妹島和世分享：「一開始，我們從『如何讓建築盡可能融入環境』的想法出發，努力去思考與實踐。但在此之後，我們也開始思考：在融入環境的同時，能不能再加上屬於我們這時代的一些新元素，讓它能夠連接到未來，形成一種延續？」

融入環境之中的綠美圖

所謂的「環境」，一方面是指周遭既有的自然與城市條件。在計畫之初，他們便決定令場館向公園敞開。台灣的日照比日本更為強烈，綠美圖共同設計者劉培森建築師赴日開會時，也曾向他們強調：台中非常炎熱，遮蔭空間非常重要。隔熱機能勢必要被重視；同時，他們發現周圍植被相當優美，希望能令建築與綠意共構成一道風景。最終，綠美圖被輕羅上大面銀色的鋁擴張網。他們解釋：「擴張網在台灣的綠建築中非常實用，一方面能保持視覺的通透感，同時也具備遮陽的效果。透過擴張網，建築量體原本較為剛硬的邊緣被模糊，在環境中顯得更加柔軟、輕盈。」鋁材柔和地反射光線，半透明地將各個量體包覆起來，人們從室內向外看，只見多重疊影，外部的綠意隱隱透現，形成多層次的視覺景深，設計理念與隔熱機能需求在此取得平衡。

在臨時建築的作品中，往往能看見建築家最具實驗性的一面。SANAA於2009年設計的「蛇形藝廊戶外展亭」（Serpentine Gallery Pavilion）幾乎沒有外牆；瀨戶內海犬島「家Project」中的F邸（2010）不像傳統藝術白盒子遮蔽換展過程，彷彿這就是島上日常；到了近期2025大阪世界博覽會主題展館「Better Co-Being」，沒有了實質外牆與穹頂，建築內外邊界更加曖昧。談及這點，兩人說明：「一般來說建築會有牆與屋頂，但世博會中，我們嘗試打造一個更能與天空、綠意融為一體的空間。」這讓人在藝術、建築與外界環境共在的場域中，體驗到一切彼此交織的關係。他們強調：「建築如何與周圍環境建立關係非常重要。」西澤立衛也補充，在亞洲多數地區，相較於將人們置於封閉房間中，開窗、良好通風並讓陽光照進的開放空間往往更舒適。「與真正的自然相連並達到調和，是形塑舒適空間的基本條件之一。」

讓建築成為行走的一部分

在既有的環境之外，人們在此停留、聚合，過程中也逐漸浮現出一種「人為的自然」。兩人表示，綠美圖的量體相當巨大，又座落於公園之中，如何不干擾原有動線與日常活動是一大課題。「我們希望建築能與周遭環境維持良好的關係，因此在最初的構想中，就決定將整個量體抬高，民眾仍可輕易地從內穿越到公園，或是從城市街區端走向公園時，不會感到被地形或建築阻斷。」對他們而言，建築不只是被放進地景之中，更要融為人的行走與地景的一部分。

這樣的思考，也反覆出現在他們過往的作品之中：貼地延伸的美國Grace Farms文化中心「River Building」（2015），地面如綿延波浪般的瑞士勞力士學習中心（2010），還有日本香川縣立體育館（2025）低沿瀨戶內海岸線的地景輪廓展開。又如澳洲雪梨新南威爾斯美術館擴建案「Sydney Modern Project」（2022），在保留既有樹木、基地受限下，沿著坡原有建物銜接層層新量體，人們仍能在建築與公園之間穿行。

他們的重要作品金澤21世紀美術館（2004）位於城區中心，圓盤狀的建築以美術館為核心，各個彼此獨立的展示室在高度與形狀上 各不相同。建築外圈設置多個入口，讓來自四面八方的民眾都能從「正面」進入，並配置小型圖書館、兒童創作空間與劇場等設施，形成對城市敞開的公共區域。通透的玻璃立面與周邊綠地，使這裡成為市民日常停留、活動的城市客廳。延續這樣的思考，綠美圖也未設置單一主要入口，而是向四方敞開，成為可被穿越的建築。

西澤立衛指出，當建築出現、空間被賦予形態，人們便有了機會在其中相遇、連結。綠美圖最特別的需求之一，是將美術館與圖書館整合於同一棟建築之中，SANAA嘗試令兩個單位各自獨立，又能彼此滲透、串接。「我們喜歡重新組合建築原本的功能，這樣往往能激發出新的空間想像。」他們設計多個介於兩館之間的融合空間，例如共用大入口、位於屋頂的文化之森，以及地下2樓、緊鄰典藏庫房的教育空間play space。這些空間雖然分屬不同單位管理，卻在動線與配置上保留彈性，使用者能依照自己的節奏探索、穿行。妹島和世進一步指出，空間往往是在人的移動之中被感知與理解的；選擇路徑不同，空間經驗也會隨之改變。

「我們希望人們來到綠美圖的經驗不是預先被設定好的，而是在行走與停留之間，不斷被空間本身所激發。」

當美術館＋圖書館成為城市公園

在《Building Culture》訪談集中，妹島和世談到金澤21世紀美術館時曾表達：「博物館建築應該像一座城市。」「建築與環境」講座中，她也回憶起剛啟用時，有人開玩笑地說，「好像突然有一艘UFO降落在城市慶祝一樣。」當時他們也曾思考，建築是否需要更具體地與城市黏合在一起？不過，10年後，城中的藝廊經營者提出了一個有趣的觀點：可以將自己的藝廊想像成「從這座美術館飛出去的一間展覽室。」妹島和世笑說，反而是市民主動發現並提出了新的連結方式——整座城市也能被視為一座美術館。他們補充，「在金澤時，我們所提出的概念，是一座與城市連續、幾乎可被視為城市本身一部分的美術館。臺中綠美圖同樣被期待成為一個能夠與日常生活緊密相連的城市場所，由於基地位於城市公園之中，我們進一步創造出與公園融為一體，並向上、向外立體延展的空間。」於是，綠美圖不再只是「建在公園裡的建築」，他們開始想像「讓建築本身成為公園」。

演講末尾，一位觀眾提到SANAA一貫被形容為「輕盈」的建築語彙，妹島和世則回應：「與其說是『輕盈』，不如說我一直在思考的是：當一個作品完成之後，未來會被不同的人使用，而我希望它能容許每個人，用自己的方式去延續使用。只要想到這點，我感覺既開心又踏實。」我們也進一步詢問他們對未來的期待，他們維持一貫的開放態度：「在每個計畫中，都會出現新的基地條件與使用機能，對我們而言，都是全新的挑戰。」

SANAA

由日本建築師妹島和世與西澤立衛於1995年共同 創立，事務所名稱取自兩人姓氏首字母。SANAA 以輕盈、透明、弱化建築量體存在感的空間語彙 聞名。2010年，妹島和世與西澤立衛共同獲頒普 立茲克建築獎。代表作品包括金澤21世紀美術館 (2004)、紐約新美術館(2007)、羅浮宮朗斯 分館(2012)、瑞士勞力士學習中心(2010)、 澳洲雪梨新南威爾斯美術館擴建(2022)與甫開 幕的臺中綠美圖(2025)等。

_{文｜吳哲夫　攝影｜蔡耀徵、Iwan Baan、Lily Chen、YHLAA李易暹　圖片提供｜臺中綠美圖、SANAA}

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「自然」究竟是什麼？是與人工世界相對的存在，還是一種沒有違和感的狀態？從各自的成長經驗、設計實踐到震災後的土地記憶，藤本壯介、平田晃久與大西麻貴3位建築師分享對自然與建築關係的思考。突破人與自然、內與外之間的邊界，探討建築如何回應自然的複雜性，以及人與環境之間持續變動的關係。

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35度猛暑日的東京午後，藤本壯介、平田晃久與大西麻貴的對談，在大西麻貴和百田有希主理的事務所「o+h」1樓展開。這座舊車庫改建的空間大面向街道開放，模糊了建築與城市的邊界。大西麻貴準備了自製梅子氣泡水招待，藤本壯介一進門便被窗邊整排土鍋吸引，聊著「事務所果然還是要有廚房」的輕鬆話題。自然的互動中，3位建築師多年的交情與默契也隨之展現。

早在2012年，他們便以「自然系建築」為題，在台灣的東海大學展開過對話。多年後再次聚首，3人皆已經歷大型公共建築與不同尺度專案的挑戰，各自對自然的理解也產生變化。從藤本壯介的北海道雜木林記憶、平田晃久對自然生態的探索，到大西麻貴從京都巷弄與町家中感受到的空間流動，他們以自身經驗出發，討論自然如何轉化為建築，並在快速變動的時代裡，重新思考內外邊界，探索建築與自然之間可能建立的新關係。

Q：先談談成長環境如何影響你們，又是在什麼契機下開始意識到「自然與建築的關係」？

藤本壯介　我從小在北海道長大，在雜木林中的山崖和溪谷間遊晃玩耍，體驗一個接一個出現的風景。但當時並沒有認知到那就是「自然」。開始學習建築後，意識到創造人工物的建築如何與背景中的自然共存，是極為重要的課題。大學畢業後的1990年代後期，正好興起「複雜系」的概念，理解到森林中存在著不同於人工秩序的複雜性，直覺這或許會與未來的建築產生連結。小時候那片雜木林，因而成為我的建築原點。

平田晃久　我生長在大阪的郊區，小時候整天都在採集昆蟲，夢想是成為科學家，想了解生物與自然的機制。這隱約地和我的建築產生連結。對我而言，建築設計的過程與其說是「表現」，更接近「探索」或「實驗」，我想找到那些尚未被看見的事物，感覺建築就是在這個過程中產生的結果。同時也一直在思考，是否能以建築來處理自然中蘊藏的不規則性與偶然性。

大西麻貴　我在名古屋長大，常在公園與堤坡上玩耍。當時真心相信自己能與尤加利樹對話，甚至曾經以「與植物對話」作為暑假自由研究的題目。面對樹木、石頭及建築等非人類存在，我都感受到它們是有生命的，也相信自己能與之交流。這份感覺至今依然留存在我發想建築的過程中。

Q：你們如何理解與處理建築內與外的邊界？內外關係的曖昧是否為日本建築的重要特色？

藤本壯介　北海道沒有「緣廊」這類的日本傳統建築元素，所以我一直習慣建築有明確的邊界。直到進大學後，才認識到日本文化中邊界曖昧的特質。透過閱讀與反思，發現小時候玩耍的雜木林雖沒有實體的牆，但可以明確意識到自己走「進」樹林裡，這樣的體驗與日本文化的曖昧性相通。從此「邊界」成為我的核心主題，如「House N」（2008，大分）用3層盒子堆疊讓邊界模糊、「蛇形藝廊夏季展亭」（2013，倫敦）則是創造出輕盈的邊界。

平田晃久　我常使用「纏繞的相容性」這個概念，指的是事物交織的餘裕。就像鳥停在樹枝、蝶穿梭花間，世界並沒有明確的界線。我一直在思考如何把這些由各種縫隙、關係交織而成的魅力轉化成建築。日本建築確實有內外緩緩連結的特質，但不該只是庭園或緣廊那樣平面的推移，應該像茶室那樣在立體中切換空間層次，這也與我的理念相通。另外，從出雲大社祭祀戰敗一方神明的歷史中，我看見了日本文化中那份面對外來事物時，不是殲滅，而是保留、重疊並相容的「内外」關係。

大西麻貴　比起內與外，我更感興趣的是「路徑」。在京都，從大馬路穿過巷弄走進町家通庭，或行經寺院庭園進入茶室的過程中，內外的界線總是模糊，我非常喜歡這種感覺。建築暨都市史學者高橋康夫說過：「町家的深處不只是空間上的，也是時間上的。」我覺得，沿著「路徑」前進所產生的空間體驗，能帶來時間性的深度，這非常有趣。因此幾乎所有的作品中，我都有埋入這類的空間。

Q：3位的建築都呈現出有機感，是如何透過量體堆疊、高低落差或動線設計，用建築營造出仿若自然的感受？

藤本壯介　所謂的「自然感」其實很難用語言說明。建築是人所創造、有秩序的存在，而自然則具有不可預測的複雜性，和包容各種事物的魅力。但並不是只要建築變得複雜就會更接近自然。有一段時期我藉由分散建築的配置以接近森林，但最近自己的建築反而慢慢形成簡潔的圓形。如2025大阪世博會的「大屋根」，以強力的圓形木構秩序，從容地承接著各式各樣的人類活動。我認為建築秩序與自然的包容性是可以並存的。

平田晃久　人類也是動物，因此對高低差和身體高度的變化特別敏感。而小時候用昆蟲的視角鑽進草叢裡的感覺，就是我的原點。現在我用更抽象的方式思考「自然」，不只是創造，而是與那些無法控制的事物互動。如同將藝術作品沉入海中任藤壺附著，我不用由上而下的方式貫徹方法論，而是將建築投入不同脈絡的意見之海中，在被影響、侵蝕的過程中誕生無法預測的樣貌，對我來說這就是「自然」。

大西麻貴　我認為的自然感，是建築能以適合那塊基地的尺度與形態存在，並與周圍環境保持和諧的狀態。同時，我也很重視空氣的透明感，藉由結構、邊界與配置的設計，創造無停滯感、讓光和風流動的空間。

Q：對你們而言，屋頂在建築中扮演什麼角色？是否是連結建築與自然的重要媒介？

藤本壯介　我一直以來都想創造「不是屋頂的屋頂」，讓建築從屋頂這個概念中獲得解放。例如「大屋根」因為位置很高，走上去像是沒有屋頂的廣場，人們不太意識到它是一座屋頂。「太宰府天滿宮臨時殿宇」（2023，福岡），則是將屋頂打造成彷彿是一整片森林。「House N」是透過3層盒子的重疊，讓人在最低的屋頂之外，還能看見另一層屋頂與遠方的天空。

平田晃久　山巒與屋頂都遵循著相同的雨水流動原理，因此自然地形與聚落的屋頂有著相似的特質，我一直對彷彿自然地形一部分的屋頂很感興趣。然而，屋頂強烈的象徵性容易切斷內外空間，甚至封閉立體延伸的可能。因此在大阪世博會的「EXPO National Day Hall “Ray Garden”」中，我設計了向地面延伸並漸漸消失的屋頂，試圖將屋頂重塑為更接近自然的存在。

大西麻貴　我覺得屋頂是讓建築成為一個彷彿有意識、能獨立存在的重要元素。就像森林裡的鹿或貓頭鷹，雖與環境融為一體，卻仍以獨立生命之姿靜靜存在。京都山中的懸造寺院，其屋頂與山體的關係也是如此。我覺得屋頂具有一種能量，可以賦予建築獨立的生命感。

Q：當建築尺度變大，處理人與建築、自然的關係時會有所不同嗎？又如何在多方需求協調下，仍然能實踐心中理想的建築？

藤本壯介　我的想法不會因尺度改變。設計住宅時思考的人際聚散關係，同樣適用於醫療設施與大型公共建築。大尺度的萬人體驗空間很有挑戰性，但小尺度如公共廁所，這種私密卻具有公共性的存在也非常有趣。

平田晃久　我真正接觸大型建築是在東日本大震災之後。那時候開始使用「迴響」這個概念，大型公共建築是在眾人的各種想法中取得共鳴後成形的。但即使是住宅案的個人業主，他自己心中也存在著各種價值觀，因此本質上並無太大差異。而在面對衝突條件時，如何取捨決定了建築品質，這也是設計最有趣的環節。

大西麻貴　我也是在震災之後有所轉變。從原本關注個人內在世界，轉為與大眾共同編織故事。遇到不同需求時，我會先站在對方立場思考最佳方案，有時的確會發現新的可能性；而即使最終我自己無法接受，但因為是真誠思考後的結論，所以在說明時那份誠意也會傳達給對方。

藤本壯介　我認為建築在成長的過程中，越多人參與越好。但建築沒有人格，需要有人協助它在多元意見中確立身分，而不是預設框架，最後只剩下妥協。要傾聽現場、人群、歷史與文化，讓理想的建築樣貌從脈絡中自然浮現。

Q：在311震災後的「Home for All」計畫中，是如何思考真正屬於當地的建築？又如何影響自己的建築觀與設計實踐？

平田晃久　當時是我、藤本先生和乾久美子一起合作。陸前高田「Home for All」（2012）的規劃初期並不順利，因此再次走訪當地。在地方領袖建議下，將基地改到曾作為避難所的中學體育館旁，讓當時在這裡一起避難、後來分散的人們能再次於此地重聚。我當時豁然開朗，原來不是蓋一棟聚會所就好，而是要延續這個脈絡。當地人的想法比建築或都市計畫，更貼近事物最原始的本質。

藤本壯介　真正走進當地是我最大的收穫。整座城鎮幾乎都被沖毀，人們從幾個人的小群體開始重建社會。我深刻體會到，在事務所裡憑空思考，絕不可能超越這份真實，建築應該要貼近並陪伴新社會的誕生。回程搭巴士時，四周因海嘯肆虐都沒有遮蔽物，人們揮手送別的身影直到很遠都還看得見。那一刻，我感受到空間距離中的人際連結，也因此開始思考打造一座有高度、能感受到彼此存在的建築。

平田晃久　當時我們討論了高台方案、海嘯區邊界的設定，並利用枯死杉木與高度設計，一步步累積共識，才形成最終的建築。

大西麻貴　震災也是帶給我許多深刻的經驗。一位撤離原址避難的旅館主人說：「或許有點任性，但想再回到原來那塊土地。因為大海和山都在呼喚我們回來。」這讓我無比感動，覺得是建築師最需理解的情感。震災1年後氣仙沼恢復祭典，人們抬著神轎走入海中，對帶來災難的大海依然懷抱感謝。這份震撼讓我深深體會到，人類與自然長久建立關係的方式。

Q：科技演進下，不同世代對「自然」的感知逐漸改變，建築師未來需要面對哪些新課題？

藤本壯介　我有兩個兒子，都在東京長大。對他們來說，這座充滿人工物的城市本身就是一種「自然」。但城市的多樣性遠不及自然的豐富，而人類的腦袋與身體正是在這種多樣性中受到鍛鍊。因此，未來建築與城市的課題，是如何在人工環境中，找回自然那種壓倒性的多樣性與不可預測性。

平田晃久　就像烏鴉或隼鳥，可能會把高樓大廈看成森林或峽谷一樣，我覺得人工環境與自然環境間沒有那麼明確的界線。但如藤本先生所說的，現在的課題是如何讓過於單調的人工環境擁有複雜性。我想創造的是能相互共鳴的環境。自然界裡，植物會透過釋放各種物質彼此交換資訊。我想未來的人類，或許也會進入一個透過「非語言的資訊」與「共鳴」來思考的時代，那可能會催生出新的自然。

大西麻貴　過去的城市是一棟建築對應單一功能，未來隨著人口減少和社會發展，各種功能將會多層次地交織在一起。正如自然一般，建築也應能承載複雜而多樣的意義，例如同時包含開放公共空間與安靜獨處小屋的綜合體。未來應該要從「場所」去思考社會，設計出能自然回應當地需求與人群聚集的建築。

藤本壯介
1971年出生於日本北海道，幼年在自然環境中成長。畢業於東京大學工學部建築學科，2000年創立藤本壯介建築設計事務所。初期重要作品包括兒童心理治療設施（2006，北海道）、武藏野美術大學美術館．圖書館（2010，東京）、House N（2008，大分），設計理念在於打破建築內外的界線，讓人們得以與環境產生連結而悠遊於自然之間。蛇形藝廊夏季展亭（2013，倫敦）、白樹（2019，蒙彼利埃）陸續打開歐洲知名度。2025年出任大阪世博會會場設計總監。

平田晃久
1971年出生於日本大阪府，畢業於京都大學大學院工學研究科。曾任職於伊東豊雄建築設計事務所，2005年成立平田晃久建築設計事務所，現為京都大學教授。代表作品包括富富話合（2017，台北）、太田市美術館．圖書館（2017，群馬）、HARAKADO（2024，東京）等。2012年與伊東豊雄、乾久美子、藤本壯介共同策劃威尼斯建築雙年展日本館，並獲國家館金獅獎。未來台灣建案包括國立臺灣大學百歲紀念館、新竹市圖書館新總館。

大西麻貴
1983年出生於日本愛知縣，畢業於京都大學工學部建築學科，並完成東京大學大學院博士課程學分。2008年與百田有希共同成立「o+h」建築設計事務所，現為橫濱國立大學大學院Y-GSA教授。代表作品包括二重螺旋之家（2011，東京）、山形市室內兒童遊樂場Copal（2022，山形）、熊本地震震災博物館KIOKU（2023，熊本）。曾獲日本建築學會作品獎、JIA日本建築大獎、村野藤吾獎等重要獎項。於2023年擔任威尼斯建築雙年展日本館策展人。

_{企劃｜張以潔　採訪整理｜高綺韓
攝影｜傅詩翔　圖片提供｜各單位}

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從一人工作室到主導2025大阪世博會、帶領橫跨東京與海外的國際團隊，藤本壯介的建築格局不斷擴大，但核心始終如一：不以強勢的執念主導空間，而是尊重個體等身大的感知，在高度分化的當代，探討多樣性與人際連結共存的可能。在他那座充滿能量的東京事務所裡，聽他現身說法，剖析一路走來的設計軌跡。

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穿過井然有序的集合住宅街區，來到隱身於東京港灣倉庫區中的藤本壯介建築設計事務所。拉開倉庫常見的鋁框霧玻璃門，布滿工作檯、模型、建材與道具的挑高開放空間映入眼簾，尺度寬廣到甚至容納了一棟以方木骨架和PC浪板建構的半透明小屋。去年於森美術館展出的「共鳴都市2025」圓球概念模型，輕巧地懸浮於半空中。入口傳來鐵梯上的腳步聲，原來設計製圖的作業區位於上方樓層，1樓則是模型製作、實體測試與各種想法成形的創作基地。

從8疊單間到1,500平方公尺的建築實驗場

東京事務所在2018年時遷入這棟倉儲建物，如此大規模的空間在日本獨立建築師事務所中實屬罕見。回溯藤本壯介2000年開業時，一個8疊（約12.96平方公尺）的單間裡只有他一個人。隨著團隊人數從個位數擴展至今約80餘人，事務所也一路從他大學時期所居住的中野坂上，搬遷至中野新橋、神樂坂，最後落腳於越中島這棟1,500平方公尺的倉庫。

談到選址於此的原因，藤本壯介表示：「當初偶然接觸到倉儲空間，發現不僅租金只有一般辦公室的約1/3，挑高尺度也可以容納大型模型製作與實體測試。像去年森美術館展覽的展示模擬，就是在這個空間裡完成的。」

為了創造1樓挑高工作區而拆除部分2樓樓板，並配置雷射切割機、3D列印機等設備，打造出一座容許各種可能發生的實驗工坊。1樓同時設有行政和公關人員的辦公區和會議接待空間；主要設計作業區則安排在上方樓層，確保工作隱私。整體空間僅更新了基本的空調與照明設備，沒有刻意進行裝修設計，而是維持簡潔、足以支撐工作的狀態。

進駐至今已近8年，問及對這個空間的滿意度時，藤本壯介笑說：「除了很想增加一個廚房但一直沒有實現，以及冬天1樓實在太冷之外，基本上都很滿意。」

放手團隊創作，卻不放過任何細節

除了東京，藤本壯介也先後在巴黎與深圳設立海外據點，各約有10名成員。東京事務所成員中，日本和海外占比各半，海外成員又有約30%採遠端工作。對一間匯聚不同文化背景、近百人規模的建築事務所而言，在組織持續擴大的同時，如何維持一致的設計品質，是主持建築師的一大挑戰。

為此，事務所劃分為多個設計團隊自主推進專案，團隊領導者除了設計能力，更需具備在業主、團隊與他本人之間順暢溝通的協調力。在人才選用上，比起華麗的作品集，他更看重與團隊的協作契合度，會讓新人實際進組工作1、2個月，由團隊領導者評估是否留用。

藤本壯介強調，放手團隊創作並不等於撒手不管，他堅持親自把關每個專案從概念發想到設計細部的所有環節，連扶手尺寸都會一一確認。「如果沒有自己看過，總是沒辦法放心。我是很拚命在工作的。」他笑著說。行程滿檔的他，平均每月有一半時間人在海外，6月甚至僅在日本5天。他一邊說著採訪當下的7月「在日本時間算多」，又提到才剛從韓國回來，月底還要飛往歐洲。

而在最近，藤本壯介也意識到人才培育的重要。他認為教育不是給予標準答案，而是培養團隊在討論與修正的過程中，建構獨立思考與主動學習的能力。今年在TOTO GALLERY．MA展出個展的建築師山田紗子，就曾任職於藤本事務所。藤本壯介回憶，當時山田紗子經常從書櫃拿書，下班後在電車上閱讀，而這件事他當下並不知情。他說，比起由他指定「去讀這本」，這樣自發性的學習更為根本。

曖昧中尋找建築的方向

在藤本壯介接受採訪的空間一隅，靜立著一組2025大阪世博會「大屋根」等比的貫接合工法實驗模型。後方鷹架上則懸掛著一層層向上翹起的弧形格柵，是預計於2031年完工的「仙台市（暫稱）國際中心車站北區複合設施」的屋頂模型。這座倉庫，是許多劃時代建築構想誕生的第一現場。

藤本壯介認為，建築設計並不是朝著一個明確答案直線前進，而是在曖昧之中逐漸摸索出方向。他透露自己在設計初期，習慣用文字記錄腦中浮現的想法。相較於草圖容易受到形式牽引，文字更能幫助他思考抽象的概念。因為建築最終創造的不只是形體，更包含人的體驗與記憶，而這些內容往往更容易透過文字捕捉。除了個人思考，他也會用模型與團隊討論，在文字、草圖、模型與對話之間反覆論證，逐漸勾勒出建築的方向。

當設計陷入瓶頸時，他有時會從揉皺的紙張、松果、迴紋針等非模型材料中拼湊想像，藉此打破原本過於邏輯化的思考方式，尋找新的發現和提示。他分享：「森林與自然不會依循人類的邏輯，所以總能變化出不同的樣貌。建築雖然需要功能性與合理性，但若完全依循人的邏輯，便可能失去那份令人雀躍的創新。」

精神醫療設施的原初建築觀：多樣與連結

藤本壯介很慶幸大學畢業後曾有段6年的「空白期」，得以深思建築的根本命題，其中「人與人的關係」一直是他貫徹至今的核心。父親經營的精神醫療設施「聖台醫院職能治療大樓」（1996，北海道）整修案，可說是他建築生涯的原點，奠定了對「多樣」與「連結」的思考。

他說，傳統精神醫療院所多半以監獄的形式建造，中央是走廊、兩側是病房，走廊盡頭則有負責監視的工作人員。但這是從管理者的便利出發，並沒有從身為居住者的病患角度切入。因此，他開始思考如何在尊重個體差異的同時，也創造人與人之間建立關係的可能。在他看來，每個人所需的距離感各異，建築應提供多元選擇，讓人們能依自身狀態自由選擇獨處或交流。

於是他一改精神醫療院所「無視線死角」的特徵，創造視線不完全穿透的環境，保留足以安心停留、隱藏自己的角落，同時維持空間彼此連結的可能。例如「兒童心理治療設施」（2006，北海道），便透過不規則配置的獨立個室，並以彎折的廊道銜接，形成大小不同、適合一人或多人使用的多樣空間。

藤本壯介也在去年籌備個展時才終於發現，無論是精神醫療設施、住宅、圖書館，或是「大屋根」等大型公共建築，他始終關注的，都是不同個體如何在保有差異的同時，與彼此建立連結。

從人與現實世界中獲得力量的建築

正在進行中的「仙台市（暫稱）國際中心車站北區複合設施」亦是如此。他認為，每個人對震災的記憶與人生經驗都不同，因此不想將其簡化為單一的紀念意象，而是希望創造一個讓多元價値與記憶保有差異、在空間中緩慢共存的場域。這座建築具有紀念東日本大地震的象徵性意義，也是藤本壯介在日本國內久違勝出的競圖。

他說，事務所每年約會參加10～20件競圖，各國規則各異。日本競圖以公共建設為多，但通常沒有費用；法國各類專案幾乎都得透過競圖，第1階段先提交資料，經官方審核並選取約5家進入競圖評選，並支付費用。他坦言，競圖本來就是輸多贏少，今年截至目前在法國的競圖也都落選了。有時也不乏遇到像是2011年在台中的「台灣塔」，競圖贏了卻沒有實現的案例。

他表示：「這個世界遠比想像中多元，若只是一味執行自己原先的認知，是無法創造幸福的建築的。建築在實現過程中常因現實而調整，那並非妥協，而是回應人或社會後獲得另一種力量的過程。對我而言，建築落成後人們走入其中、展開活動的那一刻最為珍貴神聖，因為人們總能超越建築師原本的想像，創造出預料之外的景象。」

有人的觀點介入，建築的價値就得以延伸。即使競圖方案最終沒有實現，他也不認為那些想法毫無意義。對藤本壯介來說，未完成的建築，其背後的概念仍可能在未來影響他人，或成為新的建築思想泉源。

在變動的世界中，重新思考建築的未來

近年，藤本壯介注意到自己的作品中漸漸出現不少圓形。他表示：「過去思考的社會樣貌，是個體保有差異、各自分散，卻維持鬆散連結的關係。但如今世界的分裂與衝突越發劇烈，加上成為父親之後，我開始更深刻地思考下一個世代。因此越來越希望建築能成為連結人與人、人與社會的存在。可能是這個原因，雖然我並沒有刻意追求圓形，但能包覆並連結一切的圓就這麼自然地出現在我的設計中。」

而在未來，這樣的連結似乎也少不了AI。藤本壯介說，他對新技術一向抱持正面態度，雖然自己尚未使用AI，但事務所已開始嘗試，還曾聊過讓AI一起參與會議也許會很有趣。他認為，人類正逐步接近「晚上想到一個點子，按下按鈕，隔天設計就全部完成」的時代。「到時候建築師就變成一種麻煩的存在了。不過建築師本來就很麻煩。」他打趣說。

很多事的確不會輕易被改變，在好奇AI將如何創造建築的同時，藤本壯介也相信建築不脫人與人之間的信任、交流與理解。對他而言，建築的未來或許不只是新的技術與形式，而是在持續變動的世界中，尋找讓不同的人、不同價値與不同生命經驗，彼此產生連結的方法。

藤本壯介
1971年出生於日本北海道，幼年在自然環境中成長。畢業於東京大學工學部建築學科，2000年創立藤本壯介建築設計事務所。初期重要作品包括兒童心理治療設施（2006，北海道）、武藏野美術大學美術館．圖書館（2010，東京）、House N（2008，大分），設計理念在於打破建築內外的界線，讓人們得以與環境產生連結而悠遊於自然之間。蛇形藝廊夏季展亭（2013，倫敦）、白樹（2019，蒙彼利埃）陸續打開歐洲知名度。2025年出任大阪世博會會場設計總監。

_{企劃｜張以潔　文｜高綺韓
攝影｜KRIS KANG　圖片提供｜各單位}

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