臺中綠美圖《角落任務》計畫啟動:5組互動式教具散布空間,模組化設計隨展期更新、供全齡觀眾動手玩藝術

臺中綠美圖《角落任務》計畫啟動:5組互動式教具散布空間,模組化設計隨展期更新、供全齡觀眾動手玩藝術

作為城市新文化地標,臺中綠美圖開館以來從建築到展覽皆受矚目。全新推出的《角落任務》計畫旨在打造更具深度和互動性的觀展體驗,以或常設、或配合館內展覽檔期更換的5組模組化教具迎接大小朋友,偕手展開對藝術作品及空間的另類探索,啟動至今屢獲好評。接下來預計朝聖SANAA在台首個建築力作,並參觀開館首展的朋友,不妨一併拿下這項趣味任務!

匯聚全台目光,2025年底正式對外揭幕的臺中綠美圖,為落實美感扎根及建築本身結合美術館、圖書館的跨域設計理念,現正發起全新教育推廣計畫《角落任務(Play Space Plug-in)》邀親子乃至全齡觀眾共學同樂,引導各方訪客透過互動式教具探索空間、館藏,和即日起至2026年4月12日如火如荼進行中的開館首展《萬物的邀約》。

日本建築事務所SANAA妹島和世、西澤立衛操刀的臺中綠美圖已於2025年12月正式開館。(圖片提供:臺中市立美術館/攝影:Iwan Baan)
日本建築事務所SANAA妹島和世、西澤立衛操刀的臺中綠美圖已於2025年12月正式開館。(圖片提供:臺中市立美術館/攝影:Iwan Baan)
首展《萬物的邀約》將持續至2026年4月12日。(圖片提供:臺中市立美術館/攝影:ANPIS FOTO王世邦)
首展《萬物的邀約》將持續至2026年4月12日。(圖片提供:臺中市立美術館/攝影:ANPIS FOTO王世邦)

《角落任務》5組教具進駐,讓創意隨處發生

融匯「遊戲空間(Play Space)」「外掛(Plug-in)」架構,計畫除將3組常設型、2組特展型教具散布於臺中市立美術館(簡稱中美館)展覽室和公共區域,亦拓展至臺中市立圖書館(簡稱中市圖)空間角落,讓兒童教育走出教室、展場等固定場域,藉由更輕巧的形式挖掘藝術體驗的多元可能。

目前共3組常設型和2組特展型教具,圖為常設型教具〈框框〉。(圖片提供:臺中市立美術館)
目前共3組常設型和2組特展型教具,圖為常設型教具〈框框〉。(圖片提供:臺中市立美術館)
各教具內容開放親子乃至全齡觀眾共學同樂。(圖片提供:臺中市立美術館)
各教具內容開放親子乃至全齡觀眾共學同樂。(圖片提供:臺中市立美術館)

整體而言尚處發展階段的《角落任務》,概念上聚焦設計思考(Design Thinking)跨齡共融兩大核心,與藝術家、藝術教育專家一同著手教具設計,針對各年齡層使用者包括兒童、青少年和成人的實際測試結果進行調整修正,逐步構思出更適合全齡觀眾參與的教材。硬體上則連貫綠美圖外觀特色,採金屬材質製成模組化家具,進而順應每檔教材內容、使用者身體尺度,以及所在空間大小等需求自由組裝;不僅視覺上無違和融入館內既有陳設,更兼具可移動、可重複使用的低碳精神,同步實踐永續方案。

參與常設型教具〈角角〉,可用雙手創造自然風景。(圖片提供:臺中市立美術館)
參與常設型教具〈角角〉,可用雙手創造自然風景。(圖片提供:臺中市立美術館)
金屬材質製成的教具,恰呼應綠美圖外觀。(圖片提供:臺中市立美術館/攝影:Iwan Baan)
金屬材質製成的教具,恰呼應綠美圖外觀。(圖片提供:臺中市立美術館/攝影:Iwan Baan)

▍常設型教具

3組常設型教具以不同主題回應綠美圖建築內部光影色彩、外部金屬擴張網,打造中美館館藏的延伸體驗。其中一件選於中市圖兒童閱覽區內設置,讓孩子們在吸收知識的同時,唾手就能親近藝術。

常設型教具〈亮亮〉設於中市圖兒童閱覽區內,方便孩子們體驗。(圖片提供:臺中市立美術館)
常設型教具〈亮亮〉設於中市圖兒童閱覽區內,方便孩子們體驗。(圖片提供:臺中市立美術館)

▍特展型教具

2組特展型教具搭配中美館開館首展《萬物的邀約》,從人間國寶王清霜漆藝作品〈佇聆孔雀〉、現代藝術家陳幸婉複合媒材作品〈大地之歌No.1〉中,分別發展出多種漆藝技法的材質板和可供觸摸的複合媒材布料,打破展覽的靜態觀看界限,帶領觀眾善用觸覺認識藝術家所選用的創作材料各有其美。現場另規劃創作體驗區,構築所有訪客得以盡情揮灑創意,與作品產生對話並豐富經歷的平台。

特展型教具〈跟跟〉呈現漆藝大師王清霜作品材質。(圖片提供:臺中市立美術館)
特展型教具〈跟跟〉呈現漆藝大師王清霜作品材質。(圖片提供:臺中市立美術館)
現代藝術家陳幸婉作品所選用的複合媒材布料,在特展型教具〈變變〉中供觀眾觸摸。(圖片提供:臺中市立美術館)
現代藝術家陳幸婉作品所選用的複合媒材布料,在特展型教具〈變變〉中供觀眾觸摸。(圖片提供:臺中市立美術館)
搭配當期展覽《萬物的邀約》,為本計畫打頭陣的兩組特展型教具展期至2026年4月12日止。(圖片提供:臺中市立美術館)
搭配當期展覽《萬物的邀約》,為本計畫打頭陣的兩組特展型教具展期至2026年4月12日止。(圖片提供:臺中市立美術館)

臺中綠美圖《角落任務》

  • 展期:

常設|〈框框〉、〈角角〉、〈亮亮〉

限時|〈跟跟〉、〈變變〉即日起至2026年4月12日,同步開館首展《萬物的邀約》

>> 欲參與訪客可至綠美圖1樓服務台索取摺頁,並依摺頁指引於館內進行專屬體驗。

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大師真跡台南集合!agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭不羈能量如何闖進當代藝術殿堂
agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂

以塗鴉與街頭藝術為主角,agnès b.於臺南市美術館呈獻《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》。展覽由品牌創辦人Agnès女士親自策劃,集結她40多年來持續關注、收藏的街頭藝術作品,亦穿插一系列與塗鴉創作者合作的時裝,展現塗鴉不羈線條與濃烈色彩中湧動的街頭能量。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

Agnès女士與街頭藝術的不解之緣

在你眼裡,塗鴉是蠻橫闖進城景的入侵者,還是豐富街道樣貌的藝術創作?關於此,我們這一代最具代表性的時尚品牌經營者之一Agnès Troublé這麼說:「我所珍視並不斷重申的是,塗鴉不是污染。相反,它是一門豐富的藝術,它美化了生活,也美化了城市。」

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

Agnès女士身兼agnès b.創辦人和服裝設計師,穿梭於時尚與藝術領域,收藏、贊助也創作藝術。1975年,她在巴黎中央市場選中一間肉鋪,將其改造為agnès b.旗下第一間服裝店,那時,她便將品牌空間打造為時尚、音樂與塗鴉自由交會的創意場域。

1980年代初期,街頭藝術正於法國街頭萌芽,她看見塗鴉文化蘊藏的創作能量及時代精神,40多年來不僅持續關注、亦收藏和贊助不少街頭藝術家的作品,透過實際行動支持創作者。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

匯集塗鴉大師真跡

此次Agnès女士親自策劃《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》,她從自己從1984年起累積的5,000多件藝術藏品中,精選33件街頭藝術真跡,其中包含23組當代代表性藝術家之作,如Futura 2000、Katre、JonOne、Jim Joe等。

展品共同述說著20世紀末的城市文化發展軌跡,也映照出街頭藝術突破既有界線,從街頭走向當代藝術及時尚領域,成為當代重要藝文表現形式的過程。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

展覽以多元媒材呈現塗鴉藝術的豐富樣貌。其中,來自巴黎Molitor游泳池的3扇舊門扉,原為Agnès女士於游泳池拆除前特別保存的歷史物件,後邀請Philippe Baudelocque、Futura 2000、Katre於其上創作,讓藝術、歷史與時尚交織共存。

另一重點作品為Futura 2000的大型自畫像《Self-Portrait》(1985),這件Agnès女士私心最喜愛的收藏之一,展現了這位傳奇塗鴉大師精準的塗鴉噴漆技巧,及充滿流動感的抽象表現風格。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

當思想躍於紙上:藝術期刊《反諷點報》特別展出

展場同步展出agnès b.專屬藝術期刊《反諷點報(Point d’Ironie)》,其名稱源自19世紀象徵諷刺與獨立思辨的標點符號。這份刊物由Agnès女士與藝術家Christian Boltanski及Hans Ulrich Obrist共同發起,以紙本作為藝術表現媒介,每期皆邀請不同藝術家自由創作,讓刊物本身成為一件獨一無二的藝術作品。其中一期由Agnès女士蒐集來自羅馬、威尼斯、倫敦、香港及東京等城市的塗鴉影像,並親自進行排版設計,為此次展品之一。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

街頭藝術融入時裝設計語彙

身兼服裝設計師、藝術藏家身份,Agnès女士亦藉由與塗鴉藝術家合作,將街頭創作與攝影影像轉化為服裝語彙。本展帶來agnès b.與街頭藝術家合作的37件時裝作品,含括15件經典Photoprints服裝和22件藝術家T-shirt。藉此,觀眾將能看見藝術不只存在於畫框內、展牆上,也能是穿梭城市中的「行走藝術品」。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)
agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

展場限定!塗鴉藝術家KRINK創作T-shirt

agnès b.也特別攜手街頭藝術家Craig Costello(KRINK,KR)推出展場限定T-shirt。以噴濺與潑灑筆觸聞名的KR,創作橫跨雕塑、攝影、設計和繪畫,並以獨家研發的KRINK墨水聞名於街頭藝術界;他鮮明的視覺語彙和實驗精神,為塗鴉創作帶來獨樹一幟的美學表現。

此次展覽限定Tee正面呈現藝術家代表作,背面則集結本次展覽的亞洲巡迴站點——東京PARCO MUSEUM、臺南市美術館——的標誌,將街頭藝術精神延伸至日常穿搭。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

台灣藝術家現場創作展演同步展開

延續Agnès女士「藝術共享」的理念,臺南市美術館同步策劃「跨時空對話:從巴黎街頭到府城巷弄」現場創作展演計畫,邀請台灣塗鴉與街頭藝術家CREEPY MOUSE、黑雞先生Mr.OGAY、陳云、蔡濰任等人進駐創作,串連1980年代巴黎塗鴉文化與台灣當代在地視角,開啟一場跨越時空與地域的藝術對話。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)
agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》

展期|2026.06.25-09.20

地點|臺南市美術館1館 J展覽室

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當芙烈達不只是藝術家!倫敦Tate Modern《芙烈達卡蘿:偶像的誕生》展覽,從130件作品回望一位全球文化符號的誕生
《戴荊棘項鍊與蜂鳥的自畫像》以荊棘、黑貓、猴子與蜂鳥等元素,將疼痛、死亡與重生的意象交織。人物平靜凝視觀者的神情,更讓畫面產生了深層的渲染力與張力。

6月起在倫敦 Tate Modern(泰特現代美術館)展出的《Frida: The Making of an Icon》(芙烈達卡蘿:偶像的誕生),從逾百件她與後輩藝術家的作品,回顧芙烈達的創作歷程,梳理其如何成為至今仍深刻影響全球文化的時代 Icon。

提起芙烈達・卡蘿(Frida Kahlo),人們或許還未聽過她的故事,卻能一眼認得她筆下那些濃密連眉,身穿墨西哥傳統服飾與鮮艷花冠,唯妙唯肖的自畫像。即使未曾走進美術館,也可能在咖啡館牆面、帆布袋、文創設計,甚至城市街頭的塗鴉壁畫中與她相遇。如今,芙烈達早已超越藝術家的身份,成為全球流行文化中最具辨識度的女性形象之一。

(圖片來源:Tate Modern)
(圖片來源:Tate Modern)

從生命創傷,到創作語言

1907 年出生於墨西哥的芙烈達,18 歲時因一場嚴重車禍改變了人生。長達數月的臥床休養,讓她開始在病床上作畫,也開啟往後以自身經驗為核心的創作道路。她曾說:「我畫自畫像,是因為我經常獨自一人;我是最了解自己的人。(“I paint myself because I am so often alone and because I am the subject I know best.” ——Frida Kahlo)

《記憶,心》描繪芙烈達在她的丈夫和妹妹發生婚外情期間和之後所經歷的痛苦。(圖片來源:Julien Levy, Frida Kahlo)
《記憶,心》描繪芙烈達在她的丈夫和妹妹發生婚外情期間和之後所經歷的痛苦。(圖片來源:Julien Levy, Frida Kahlo)

身體的疼痛,流產的傷痛,與壁畫家迪亞哥・里維拉(Diego Rivera)複雜的婚姻,以及對墨西哥民族文化與政治信念的認同,都成為她作品中反覆出現的主題。

《我的裙子掛在那裡》(1933)。(圖片來源:Tate Modern)
《我的裙子掛在那裡》(1933)。(圖片來源:Tate Modern)

《兩個芙烈達》呈現兩個並肩而坐的自己,一位穿著歐洲白色洋裝,一位身披墨西哥傳統服飾,兩顆心臟以血管相連,映照她在文化認同與情感之間的拉扯;《破碎的圓柱》則將自己的身體化作龜裂的大地,一根殘破石柱支撐著軀幹,毫不掩飾長年病痛帶來的折磨。芙烈達並未美化苦難,而是將生命經驗轉化為強烈而坦率的視覺語言。

《兩個芙烈達》(1939);《破碎的圓柱》(1944)。(圖片來源:Frida Kahlo, Galerie Mont-Blanc)
《兩個芙烈達》(1939);《破碎的圓柱》(1944)。(圖片來源:Frida Kahlo, Galerie Mont-Blanc)

Tate Modern:觀看藝術家,也觀看「Icon」的誕生

Frida: The Making of an Icon》展覽由 Tate Modern 與休士頓美術館(Museum of Fine Arts, Houston)共同策劃,展出超過30件作品和其珍視的服飾、珠寶、照片和紀念物品,從芙烈達如何透過繪畫和建構自我形象,呈現她對於墨西哥文化認同、女性意識、酷兒身份與殘障經驗的回應。

《身穿天鵝絨連身裙的自畫像》(1926);《鬆散頭髮的自畫像》(1938)。(圖片來源:Tate Modern)
《身穿天鵝絨連身裙的自畫像》(1926);《鬆散頭髮的自畫像》(1938)。(圖片來源:Tate Modern)

展出作品包括《身穿天鵝絨連身裙的自畫像》(1926)、《鬆散頭髮的自畫像》(1938)等代表作,同時,展覽也透過迪亞哥・里維拉(Diego Rivera)、瑪麗亞・伊斯奎耶多(María Izquierdo)等「墨西哥文藝復興」藝術家的作品,闡明塑造其創作脈絡的藝術與思想交流。

(圖片來源:María Izquierdo)
(圖片來源:María Izquierdo)

展覽也將芙烈達與琪琪・史密斯(Kiki Smith)、朱迪・芝加哥(Judy Smith)、森村泰昌(Yasumasa Morimura)等藝術家的作品並置,旨在致敬芙烈達對於墨西哥、美洲及歐洲各地女性藝術家的深遠影響,以及呈現當代藝術家如何借用她的形象,探討種族、性別、性取向、殘障等議題。

(圖片來源:Diego Rivera, Yasumasa Morimura)
(圖片來源:Diego Rivera, Yasumasa Morimura)

當一位藝術家成為商品

隨著愈來愈多涵蓋了芙烈達的藝術創作個人特質的商業化物品出現,「芙烈達熱」(Fridamania)成為近年藝術界持續討論的現象。展覽也以此為壓軸,匯集了逾200件出自同時代藝術家及受其啟發的後輩藝術家之手的作品和商品,探究「粉絲文化」這一引人入勝的現象,以此致敬並頌揚她所產生的深遠影響。

各地藝術家受芙烈達的創作和形象影響啟發。(圖片來源:Mary McCartney、Las Yeguas del Apocalipsis)
各地藝術家受芙烈達的創作和形象影響啟發。(圖片來源:Mary McCartney、Las Yeguas del Apocalipsis)

展物包括T恤、芭比娃娃、龍舌蘭酒、香水等各式商品;1983 年出版、後來被譯為25種以上語言的傳記《芙烈達:芙烈達・卡蘿傳》(Frida: A Biography of Frida Kahlo),也進一步推動她走入大眾文化。

(圖片來源:Tate Modern)
(圖片來源:Tate Modern)

芙烈達曾批判資本主義,但今日,她的形象卻成為全球授權商品的重要 IP。此展覽也邀請觀眾重新思考:當一位藝術家成為全球文化符號,她的生命故事是否也可能在一次次複製與再生中,被重新理解,甚至逐漸被簡化?

從美術館延伸至倫敦街頭

芙烈達的作品被重新詮釋後出現在街頭。(圖片來源:Tate Modern, Kevin)
芙烈達的作品被重新詮釋後出現在街頭。(圖片來源:Tate Modern, Kevin)
(圖片來源:Tate Modern)
(圖片來源:Tate Modern)

走出 Tate Modern,芙烈達的身影並未消失。六幅由新銳藝術家創作的大型公共壁畫近期在班克賽德(Bankside)一帶亮相。作品形式多樣,重新詮釋了她堅毅而自由的精神,而她所象徵的女性力量、身體自主、文化認同與反叛精神,至今也持續啟發世界各地的藝術家。

 

Frida: The Making of an Icon

時間:即日起至202713

地點:Tate Modern, Bankside, London, Greater London, SE1 9TG 

網站資訊請點此

資料來源|Tate Modern

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