香港M+博物館2026展覽6選！坂本龍一展、日本人氣「設計啊！」展、Herzog & de Meuron建築事務所個展等亮點一次看

香港M+博物館2026年將推出一系列精彩展覽活動，包含：「坂本龍一 | 觀音．聽時」、「李昢：一九九八年至今的創作」、「設計啊！感受日常設計之奇妙」、「Herzog & de Meuron：聚焦」等內容，為觀者帶來多元體驗。本文也將精選M+博物館2026年的其中6檔展覽，帶你一次看亮點！

坂本龍一 | 觀音・聽時

展期：2026年2月14日至7月5日
地點：M+展演空間、大台階、M+戲院

「觀音．聽時」為向音樂家暨藝術家坂本龍一致敬的展覽，本展將以他與藝術家高谷史郎共同創作的大型作品《async-immersion》（2023）為核心。該作靈感源自於坂本龍一於2017年發表的專輯《async》，將透過大型LED螢幕呈現坂本龍一使用的樂器與錄音室物件組成的視覺構圖，帶領人們進入沉浸式聲音體驗。

展覽還會在大台階展出由藝術家卡斯滕．尼古拉（Carsten Nicolai）在2024年創作的兩部流動影像作品《ENDO EXO》和《PHOSPHENES》，並將配上坂本龍一最後的專輯《12》（2023）的音樂。另外，展期間，M+戲院也將放映一系列與坂本龍一相關的電影節目。

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李昢：一九九八年至今的創作

展期：2026年3月14日至8月9日
地點：M+西展廳

2025年9月在首爾三星美術館Leeum開幕的「李昢：一九九八年至今的創作（이불: 1998년 이후）」廣受好評，2026年3月將移師M+，其後再巡迴至其他歐洲及北美的場地。本展為南韓藝術家李昢創作生涯的全面回顧展，匯集其工作室及來自亞洲各地收藏的代表性作品。

過去數十年於亞洲崛起、倍受矚目的當代藝術家李昢，長期探索科技、烏托邦現代性，以及人類在追求進步過程中的理想與挫敗，此展覽將聚焦於她的這些作品。M+的展覽也將由3個部分組成，帶領觀者一探李昢的藝術生涯。

設計啊！感受日常設計之奇妙

展期：2026年6月27日至2027年1月10日
地點：M+地下大堂展廳

「設計啊！」人氣展覽源自日本 NHK 的兒童教育節目《Design Ah！neo》（デザインあ展neo），本次則是該展首次於日本海外登場。這個適合闔家觀賞的展覽，探索當代設計及其如何塑造我們的日常行為，比如走路、進食、坐姿、握持物品的方式等。

總策劃佐藤卓、影像總監中村勇吾與音樂總監蓮沼執太邀請多位設計師和藝術家回應展覽的理念，構思出各式活動，比如親身參與的遊戲、互動裝置和沉浸式視聽室，引領觀眾在展覽中不禁發出「啊！」的一聲的驚嘆時刻。

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珍妮特．卡迪夫：四十聲部經文歌

展期：2026年8月15日至2027年3月
地點：M+展演空間

加拿大藝術家珍妮特・卡迪夫（Janet Cardiff）的《四十聲部經文歌（對托馬斯．塔利斯 1556 年作品〈Spem in Alium〉的改編）》（2001）是 21 世紀備受讚譽的聲音裝置作品。藝術家重新詮釋作曲家托馬斯．塔利斯創作於16世紀的經文歌，讓40個擺放成橢圓形的揚聲器，各自播放索爾茲伯里大教堂唱詩班40位成員分別錄製的獨唱歌聲。

卡迪夫希望讓觀眾以「歌者的角度」走入音樂，她說：「每位表演者耳中的這首樂曲，都是獨一無二的混音。」作品以雕塑般的方式形塑聲音與空間，使觀眾能在真實與虛擬交融的場域中選擇自己的聆聽路徑。在這件裝置作品中，聲音在各個揚聲器之間流動，最終匯聚成完整的合唱，創造出獨特而深刻的空間音樂體驗。

Herzog & de Meuron：聚焦

展期：2026年9月12日至2027年1月
地點：M+焦點空間

由 Herzog & de Meuron 操刀設計的 M+ 博物館，在迎來5週年之際推出「Herzog & de Meuron：聚焦」展覽，將展出事務所多項已建成與未建成的建築案例，包括 M+（2013–2020）、香港大館（2006–2018）、北京國家體育場（2002–2008）等，呈現其多元而持續演進的建築實踐。

Herzog & de Meuron 在瑞士巴塞爾總部打造了一座名為「KABINETT」的永久典藏空間，用以保存建築相關的知識資料，作為研究與學習用。本次展覽也以KABINETT為靈感，仿製其木造展示櫃，將展品置於其中呈現。這種近似典藏庫的開放式展示形式，也讓觀者得以近距離一窺作品，進一步理解其背後的創作脈絡與思考方式。

童話：高橋龍太郎及 M+藏品選粹 （暫稱）

展期：2026年12月5日至2027年4月
地點：M+包陪麗、渡伸一郎展廳

本展覽展出高橋龍太郎醫生收藏的精選作品與M+的館藏，探討日本泡沫經濟爆破後的社會與個人心理議題。身為精神科醫師的高橋龍太郎，於1960年代曾參與學生運動，其職業背景與生命經驗也影響其收藏取向，作品主題往探討社會與個人心理議題，包含性和暴力的二元性，以及經濟繁榮背後的代價。

展覽將展出會田誠、池田學、鴻池朋子、村上隆、奈良美智及柳美和等藝術家的作品，其中許多作品是首次在香港展出。這些作品共同呈現日本當代藝術中富有想像力和內省性的面向。

PLUS！藝術家Refik Anadol作品躍上M+幕牆

面向維多利亞港的M+幕牆，高65米、寬110米，是全球最大型的媒體幕牆之一。透過每晚呈現富展演性的影像及參與式的作品，為觀眾在城市夜色中帶來兼具趣味與詩意、得以靜心思考的藝術時刻。

而2026年秋季，將展出土耳其藝術家Refik Anadol創作的《Winds of Hong Kong》（暫名）。這個由AI驅動的「數據雕塑」，會將在香港各地追縱到的風向模式以視覺方式實時呈現，反映香港自然與都市景觀的能量，揭示AI如何能顯露大自然的隱藏規律。

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藝術家賴純純全新藝術創作實驗個展《光成為海｜作品作為場》，於臺東美術館登場，她將整個展廳化為作品，讓觀眾也成為作品的一部分，歡迎人們走入現場，一同感受藝術與光影交融的生命能量。

展出巨型雕塑《希望之花》

藝術家賴純純創作橫跨繪畫、雕塑、空間裝置、觀念行動與公共藝術等領域，落腳臺東近20年的她，將對東海岸光線、海洋與土地律動的深刻體會，化為藝術的集大成呈現在這次展覽中。值得一提的是，賴純純在2025大阪世博展出的巨型雕塑〈希望之花〉也首度在臺東美術館的中庭展出，藉由光影折射，讓象徵生命力與希望的花朵，在臺東純淨的藍天下綻放，呈現夢幻般的繽紛色彩。

走入充滿生命能量的光影旅程

展覽共分為8個展區，從室內的深邃海色到戶外的陽光體驗，帶領觀眾進入一場充滿生命能量的光影旅程。展覽巧妙利用臺東美術館雙展廳的獨特結構，構築出完整的感知路徑。在山歌展廳以實驗性大型裝置作品〈光為山〉為核心，運用鋼材廢料構築主體，在挑高空間中，光影投射隨著時序持續轉化。

海舞廳則由〈光為海／黑潮〉的澎湃能量拉開序幕，作品利用鏡面底板的反射特性，觀者在不同角度凝視時，光影也將隨之流轉，彷彿海面上閃爍的粼粼波光，以極具張力的抽象視覺與材質特性，展現海洋深處洶湧搏動的生命力。

將不定期前往展場「加入新元素」

賴純純說，「這次於臺東美術館的展出意義非凡。臺東的光、海、空氣、時間節奏，以及山海相鄰的地理狀態，使『生成』不再只是抽象觀念，而是可以被感知、被經驗的存在著。」她更透漏，於展期間，會依循靈感不定期前往展場「加入新元素」，隨時調整與增添作品內容，讓多次造訪的觀眾一同感受藝術在時間流動中持續變化、生長，充分展現她推動的「自由生成美學」理念。

《光成為海｜作品作為場》賴純純個展 "Light Becoming Sea | The Work as Field"
展覽時間｜115年4月30日－6月14日  
展出時間｜週二至週日 09:00-12:00；13:30-17:00（週一休館）
展覽地點｜臺東美術館（臺東市浙江路350號）

_{資料提供｜臺東美術館、文字整理｜Adela Cheng}

臺北市立美術館「物質世界」自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。本展由館內助理研究員馮馨策劃，以典藏作品為主軸，匯集29位不同世代藝術家的創作，展出炭筆、油畫、壓克力、攝影、錄像、現成物、複合媒材與立體裝置等共87件/組作品，最早自何德來1936年的油畫至今，創作年代跨越90年，其中包含3件全新委託製作，以及多件入藏後首次展出的典藏作品。

從1970年代布希亞（Jean Baudrillard）提出消費社會中的符號價值，到1990年代提姆．登特（Tim Dant）與貝爾納．斯蒂格勒（Bernard Stiegler）對物質實踐的進一步探討，物質早已不僅是被消費的對象或承載意義的符號，更在日常的操作、使用與感知過程中，衍生出各種技術形式，進而形塑人們的行動模式與社會樣態。以「物質世界」為題，本展試圖回望自農業社會轉向工商社會以來，物質的生產與流通如何深刻改變我們所處的生活環境與世界樣貌。

展覽空間依循由外而內、再回返感知的敘事路徑展開。首展區從物質消費與其機制出發，延伸至物件所構築的居所與城市的現代化進程，李明學的《溢出的記憶》將不同品牌的同款商品分別陳列於兩座不鏽鋼層架，如不同牌子、瓶子顏色同樣為藍綠色的洗衣精，使觀眾在觀看過程誤以為相同商品重複出現，進而探討視覺消費符號遺留的慣習，觀者依賴過往的視覺經驗來辨識物品，反而被相似的視覺暗示所欺騙；黃冠均的《黃》中，壓克力顏料脫離畫布，成為塑膠雨衣的材質本身，既回應熟悉的日常經驗，也凸顯創作媒材的物質性。

《流逝的歲月》與《巴黎閣樓-照見系列》分別為何德來與黃銘昌以自身居住於東京目黑區與巴黎的空間為創作主題，透過畫面色調與室內陳設物件，映照不同年代的情感、記憶與生活樣貌。白景瑞的《台北之晨（林強全新配樂版）》以錄像形式記錄1960年代臺北市井小民的生活景況，此次展出版本為2019年，由與創作年份同齡的音樂人林強重新配樂，以電子樂與實驗聲響，將現代精神融入昔日臺北景觀，展開一場跨越媒介與時代的對話。

第二展區則轉向由物而開展的奇想，透過物的變形與再解構，打開現實與潛意識之間的縫隙，使日常之物成為感知轉譯的媒介。黃文浩的《上帝與我》以機械式節拍器驅動取自經典作品《創世紀》中亞當與上帝之手，形成無法觸及彼此的循環，隱喻徒勞往復的焦慮與荒謬；賴九岑《這不是瑪格利特的天堂》則透過作品與命名的辯證關係，回應超現實主義藝術家馬格利特（Rene Magritte），進一步探討符號與對應物之間的張力。

第三展區進一步聚焦人與物之間的辯證關係，從由物而體現的自我、聚集之物與其乘載到系統中的人與空間，觀察物如何滲入身體經驗、身份認同與當代社會結構。首次於1998年台北雙年展展出並被典藏的《超越認同》來自日本藝術家日下淳一，以30套懸吊的改造服裝構成，其中如帶有監獄式粗直條紋的西裝外套，指向衣物不僅決定外在形象，更影響個體的思考與人格認同；張照堂於1960年代創作的《存在與虛無》系列，實驗銀鹽相紙的媒材特性呈現詭譎而超現實的畫面構圖，回應其對生命、存在與虛無命題的思索。

何采柔的《More》與湯雅雯的委託新作《揚起》，分別採集乾衣機中的棉絮與家中灰塵，轉化為毛衣與藝術裝置，將那些難以被察覺的微小變化，緩慢堆積成時間的痕跡。周育正《工作史－盧皆得》為2012年台北美術獎首獎並被收藏，內容圍繞在臨時工盧皆得，他的生命故事被印製成冊，而作品整體視覺的展陳結合他常穿的藍色格紋衫，反思創作勞動與工作勞動之間的異同。

最終，第四展區回到感知與物件的堆疊，李傑的全新委託製作作品《People hate you for a reason》透過在空間中迴盪的流行音樂與自製聲響，以及投映於不織布地毯、不鏽鋼板與佈滿膠帶上的筆觸式影像，隨著觀眾在展場中的移動，生成多重媒介交錯堆疊下的觀看經驗，進一步思考感知如何被物質延展與重塑。

另外，不同於中文展名對「物質世界」的直指，英文展名「Material Extensions」則試圖討論當代物質如何作為一種媒介，持續延展並擴張我們的日常知覺，並使展覽敘事形成一條由物質通往感知、再由感知重新理解物質世界的循環路徑。作為北美館典藏研究與展示脈絡的重要策劃之一，「物質世界」透過大量且珍貴的館藏作品，重新梳理不同世代藝術家如何回應物質、媒介與生活經驗的轉變，也凸顯典藏作品作為時代感知與社會樣貌見證的重要性。

物質世界 Material Extensions
2026.05.01－2026.08.16
地點：臺北市立美術館 2A、2B展覽室