香港M+博物館2026展覽6選！坂本龍一展、日本人氣「設計啊！」展、Herzog & de Meuron建築事務所個展等亮點一次看

香港M+博物館2026年將推出一系列精彩展覽活動，包含：「坂本龍一 | 觀音．聽時」、「李昢：一九九八年至今的創作」、「設計啊！感受日常設計之奇妙」、「Herzog & de Meuron：聚焦」等內容，為觀者帶來多元體驗。本文也將精選M+博物館2026年的其中6檔展覽，帶你一次看亮點！

坂本龍一 | 觀音・聽時

展期：2026年2月14日至7月5日
地點：M+展演空間、大台階、M+戲院

「觀音．聽時」為向音樂家暨藝術家坂本龍一致敬的展覽，本展將以他與藝術家高谷史郎共同創作的大型作品《async-immersion》（2023）為核心。該作靈感源自於坂本龍一於2017年發表的專輯《async》，將透過大型LED螢幕呈現坂本龍一使用的樂器與錄音室物件組成的視覺構圖，帶領人們進入沉浸式聲音體驗。

展覽還會在大台階展出由藝術家卡斯滕．尼古拉（Carsten Nicolai）在2024年創作的兩部流動影像作品《ENDO EXO》和《PHOSPHENES》，並將配上坂本龍一最後的專輯《12》（2023）的音樂。另外，展期間，M+戲院也將放映一系列與坂本龍一相關的電影節目。

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李昢：一九九八年至今的創作

展期：2026年3月14日至8月9日
地點：M+西展廳

2025年9月在首爾三星美術館Leeum開幕的「李昢：一九九八年至今的創作（이불: 1998년 이후）」廣受好評，2026年3月將移師M+，其後再巡迴至其他歐洲及北美的場地。本展為南韓藝術家李昢創作生涯的全面回顧展，匯集其工作室及來自亞洲各地收藏的代表性作品。

過去數十年於亞洲崛起、倍受矚目的當代藝術家李昢，長期探索科技、烏托邦現代性，以及人類在追求進步過程中的理想與挫敗，此展覽將聚焦於她的這些作品。M+的展覽也將由3個部分組成，帶領觀者一探李昢的藝術生涯。

設計啊！感受日常設計之奇妙

展期：2026年6月27日至2027年1月10日
地點：M+地下大堂展廳

「設計啊！」人氣展覽源自日本 NHK 的兒童教育節目《Design Ah！neo》（デザインあ展neo），本次則是該展首次於日本海外登場。這個適合闔家觀賞的展覽，探索當代設計及其如何塑造我們的日常行為，比如走路、進食、坐姿、握持物品的方式等。

總策劃佐藤卓、影像總監中村勇吾與音樂總監蓮沼執太邀請多位設計師和藝術家回應展覽的理念，構思出各式活動，比如親身參與的遊戲、互動裝置和沉浸式視聽室，引領觀眾在展覽中不禁發出「啊！」的一聲的驚嘆時刻。

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珍妮特．卡迪夫：四十聲部經文歌

展期：2026年8月15日至2027年3月
地點：M+展演空間

加拿大藝術家珍妮特・卡迪夫（Janet Cardiff）的《四十聲部經文歌（對托馬斯．塔利斯 1556 年作品〈Spem in Alium〉的改編）》（2001）是 21 世紀備受讚譽的聲音裝置作品。藝術家重新詮釋作曲家托馬斯．塔利斯創作於16世紀的經文歌，讓40個擺放成橢圓形的揚聲器，各自播放索爾茲伯里大教堂唱詩班40位成員分別錄製的獨唱歌聲。

卡迪夫希望讓觀眾以「歌者的角度」走入音樂，她說：「每位表演者耳中的這首樂曲，都是獨一無二的混音。」作品以雕塑般的方式形塑聲音與空間，使觀眾能在真實與虛擬交融的場域中選擇自己的聆聽路徑。在這件裝置作品中，聲音在各個揚聲器之間流動，最終匯聚成完整的合唱，創造出獨特而深刻的空間音樂體驗。

Herzog & de Meuron：聚焦

展期：2026年9月12日至2027年1月
地點：M+焦點空間

由 Herzog & de Meuron 操刀設計的 M+ 博物館，在迎來5週年之際推出「Herzog & de Meuron：聚焦」展覽，將展出事務所多項已建成與未建成的建築案例，包括 M+（2013–2020）、香港大館（2006–2018）、北京國家體育場（2002–2008）等，呈現其多元而持續演進的建築實踐。

Herzog & de Meuron 在瑞士巴塞爾總部打造了一座名為「KABINETT」的永久典藏空間，用以保存建築相關的知識資料，作為研究與學習用。本次展覽也以KABINETT為靈感，仿製其木造展示櫃，將展品置於其中呈現。這種近似典藏庫的開放式展示形式，也讓觀者得以近距離一窺作品，進一步理解其背後的創作脈絡與思考方式。

童話：高橋龍太郎及 M+藏品選粹 （暫稱）

展期：2026年12月5日至2027年4月
地點：M+包陪麗、渡伸一郎展廳

本展覽展出高橋龍太郎醫生收藏的精選作品與M+的館藏，探討日本泡沫經濟爆破後的社會與個人心理議題。身為精神科醫師的高橋龍太郎，於1960年代曾參與學生運動，其職業背景與生命經驗也影響其收藏取向，作品主題往探討社會與個人心理議題，包含性和暴力的二元性，以及經濟繁榮背後的代價。

展覽將展出會田誠、池田學、鴻池朋子、村上隆、奈良美智及柳美和等藝術家的作品，其中許多作品是首次在香港展出。這些作品共同呈現日本當代藝術中富有想像力和內省性的面向。

PLUS！藝術家Refik Anadol作品躍上M+幕牆

面向維多利亞港的M+幕牆，高65米、寬110米，是全球最大型的媒體幕牆之一。透過每晚呈現富展演性的影像及參與式的作品，為觀眾在城市夜色中帶來兼具趣味與詩意、得以靜心思考的藝術時刻。

而2026年秋季，將展出土耳其藝術家Refik Anadol創作的《Winds of Hong Kong》（暫名）。這個由AI驅動的「數據雕塑」，會將在香港各地追縱到的風向模式以視覺方式實時呈現，反映香港自然與都市景觀的能量，揭示AI如何能顯露大自然的隱藏規律。

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今年迎來25週年的台北當代藝術館（當代館），將於2027年展開為期3年的閉館整修。而在這個重要節點，當代館推出年度壓軸主題策劃展「美術館之後」，展期自9月18日至12月31日，由館內展覽組林映穎和劉怡均共同策展，邀集14組國內外藝術家，將視線從大眾熟悉的展場移向幕後，重新檢視共同支撐美術館運作的藝術勞動、館舍空間與制度，以及人們的美術館經驗。

從「美術館之前」走進「美術館之後」

展覽入口以兩張影像揭開序幕，一張記錄藝術家瑪麗亞．艾其霍恩2016年於倫敦奇森黑爾畫廊的展覽「5週，25天，175小時」，藝術家要求畫廊員工於展覽期間停止工作，工作人員的缺席，反而讓平時隱於展覽背後的勞動成為觀看核心。另一張是當代館無人辦公室的影像，當工作者暫時離開，日常勞動的痕跡仍留存其中，兩張影像的並置，也成為進入「美術館之後」的第一道切點。

一檔展覽背後，有多少工作正在發生？

李奧森的四頻道錄像《美術館警衛》聚焦長時間駐守於美術館的警衛工作，從觀察、巡視到隨時應對未知狀況，呈現這種持續在場、平靜而重複的勞動形式，作品更直接於當代館警衛室展出，限定開放時段內，觀眾可以從窗外觀看錄像，同時望見真實的警衛工作空間與值勤日常。

何睦芸《處理中，請稍候》透過與當代館館員協作的工作坊，以及館內蒐集的現成物件與日常痕跡，採集並轉譯第一線工作者在展覽背後的勞動樣態。王詠翔《展間側寫》從自身兼具藝術家與佈展工作者的經驗出發，將原本隱於幕後的佈展過程轉化為幕前作品。

陳亮融《英國無限期居留資格申請費用》揭露藝術家創作之外的現實生存狀態，記錄為籌措英國永久居留申請費而從事零工期間的工時、收入與生活。

當美術館建築成為一個生命體

林盈潔《皮克托先生》讓逃生指示燈上的「小綠人」走出原本的符號功能，穿梭於館內不同角落。張欣語《擴散》如同為當代館建築進行聽診，蒐集空氣流動、機械運轉、水流與結構震動所發出的細微聲響，當觀者打開容器，隱藏於建築內部的生命跡象逐漸顯現。

黃韶瑩《休憩室》取材當代館辦公室的日常物件，轉化為柔軟的雕塑，想像一座即將暫停運作的美術館建築，卸下既有功能，進入休憩狀態。徐笠慈的繪畫作品從自身的空間感知出發，解構、重組當代館的展牆、樓梯、拱形走廊與鄰近街道，將熟悉的建築轉化為介於記憶與超現實之間的景觀。

我們如何經驗美術館？

菲利普．卡利亞《奇物館檔案》源自藝術家近十年走訪印度各地博物館與美術館的紀錄，系統性蒐集觀眾與展品互動、展場指引標示、顧展人員等容易被忽略的日常景象，揭示這些細微安排如何默默形塑人們的參觀經驗。

道恩．帕森尼奇《無聊的人》以「無聊」作為創作切入點，透過實驗觀察人們進入無聊狀態的過程，並將這份感受帶入美術館情境，探問理解之外，還存在哪些與藝術相遇的感受及可能。黎寧駿《Arts in Scroll》進一步將展覽的觀看機制轉化為社群平台的垂直滑動介面，作品不再依固定順序呈現，而是隨觀眾的觀看數據持續改變排序，藉此回應演算法如何介入觀看、影響作品被看見的方式。

美術館可以如何存在？

當作品不再受限於實體展間，美術館也可能在街區、網路與人們的生活之間，以不同形式持續運作。林南宏的互動裝置《太空漫步》將原屬戶外公共空間的健身遊具搬進展場，邀請觀眾實際使用，重新思考美術館的邊界與公共性。

陳亮璇《呼吸》記錄不同角色暫時脫離既有身分框架，在地下練習空間等場域尋找喘息與自我療癒的精神支撐，也將這份經驗延伸至美術館，想像它作為城市中一處得以停留、喘息與尋求精神支撐的所在。

來自日本的藝術團體SIDE CORE本次展出兩件作品，《KAIROS》記錄橫濱美術館近三年閉館整修的歷程，在時間推移中捕捉館舍內外、城市與人的生活變化，並以塗鴉、滑板、種植等行動，呈現美術館跳脫既有運作的多種可能；另一件裝置《Golden City》則將金色陶瓷老鼠設置於館內及周邊街區，讓觀眾在日常行走中偶然發現作品，開啟觀看城市的不同方式。

美術館之後
展覽時間：2026/09/19～12/31
展覽地點：台北當代藝術館

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}

洪建全基金會自2015年起舉辦的「問問題計畫」，每年都會提出一個單純的問題，探討社會、文化與生命內涵，並妥託藝術家透過新創作回應問題。2026年由藝術家張書瑋透過個展《代理之窗》，藉4組影像裝置、互動雕塑和錄像作品，探討人工智慧（AI）與人類之間的「親密關係」。

你曾與AI建立「情感關係」嗎？

在科技以親切形象滲透日常的今天，人與機器早已互為義肢，「陪伴」甚至已演變為一種低廉的產品，一種「沒有人」的新關係正被大量生產。只要算力足夠，AI就能化身成為密友、戀人、心靈導師，或者是神明，突破螢幕提供我們最佳的心靈解方。但這種「不需要對等，不需要協商，也不會有拒絕」的新關係，正在悄悄改變我們對情感的認知。

張書瑋以「I or AI?」為題，探討人類與科技的義肢關係

張書瑋長期關注科技產物與人類貼身浸染、相互侵蝕的創作脈絡，以使用者介面、人體工學和可愛為方法探索當代科技環境，透過3D列印、動態影像、複合媒材繪畫與裝置，探索數位裝置作為非人類卻具有智能生命形式，以及它們和人類相互寄生的義肢關係。

透過此次於洪建全基金會呈獻的《代理之窗》，張書瑋提出「I or AI?」的核心思考：「我們看似出於自身意願、實則毫無選擇地將意識交付予大型人工智慧系統。又或者，我們早已成為『不分彼此』的存在，在無限延展的通道中，排練著全新的生存姿態？」

展場如一段親密關係的模擬現場

展覽將「你＋我＋人工智慧」共同建構的世界封裝成一個情感景觀，一段「親密關係」的模擬現場，一場由裝置、介面、系統、使用者自身的投射共同鋪設而成的遊戲；動線如同一道逐步深入的程序，映照出人與機器緊密互動之間，所產生的肉體或情感上的關係變化。看展過程中，親近與不適的感受並存，觀眾將能感覺到身體與意識逐漸被切片、解構，隨後迷失於遊戲之中。

遊戲開始！先建構身份，再感受暖意和酷寒

步入《代理之窗》展場，觀眾得先將自己轉換為數位系統更能夠理解的模樣，這段體驗就如玩遊戲前的角色建構。現場，由影像裝置〈變身×交換〉傳授特定「咒語（prompt）」，教導觀眾如何將自己的意識，轉譯為AI可理解的語言；互動雕塑〈New Conversation〉則透過臉部識別感應技術，為觀眾即時捏塑出「數位新臉孔」，這張對數位系統來說更親切的面容，正是人類登入非人類代理世界的鑰匙。

接續而來的是遊戲核心。位在展場中心的互動雕塑〈A.L.I.Z.E.〉，結合嵌入式視覺小說（Embedded Visual Novel）形式呈現。作品以1966年初代聊天機器人「ELIZA」為原型，藝術家賦予其「理想二次元伴侶」的特質，並混雜網路情感對話、藝術家文本和實驗性字句，將記憶、扮演和真實攪拌在一起。觀眾需以身體緊貼雕塑延伸出的發熱觸手，同時透過螢幕視窗選擇對話角色，與作品展開互動，在過程中感受「即時滿足的欲望」如何一步步推向虛無。

作為壓軸的錄像作品〈代理之窗〉，讓觀眾在體驗過機器模擬的溫度和全然肯定後，隨影像步入一片冷酷異境，一窺平時看不見、藏於系統背後的權力編碼。

對比60年前第一代聊天機器人拙劣的模仿，如今非人類情感代理的技術已大幅降低了那扇「窗」令人不適的反光。讓我們試問，當視窗彼端的真實性不再重要，互動中悄然湧現的情感本身，是否已足以宣示一種全新、陌生主體的誕生？ 

當機器決定我們認識世界的方式，之後呢？

談及本展，洪建全基金會執行長張淑征表示：「書瑋的觀點很有趣。網路對他這一代人來說是血液裡的自然狀態，他同時又對九〇年代的東西感興趣，這正是我觀察到現在Z世代正在經驗的事，把上一個時代的老東西抓回來，重新體驗一次。我期待他的創作能把年輕世代和當代藝術術接起來，帶我們一起思索：當我們習慣於透過機器消化對世界的認識，下一個版本的自我會是什麼樣子？」

2026問問題計畫：張書瑋個展《代理之窗 Agent’s Window》

展期｜2026.09.12－11.22

開放時間｜週二至週日 11:00－18:00

展場｜洪建全基金會（台北市中正區羅斯福路二段9號12樓）

資聊提供｜洪建全基金會    文字整理｜Izzie Pang