北美館「超現實主義：對話中的世界」開展！從達利到大衛林區等藝術家作品，走入夢境與潛意識交錯的想像風景

延續2023年的「未來身體：超自然雕塑」的前衛藝術思潮，臺北市立美術館（北美館）再度與德國圖賓根文化交流協會（Institut für Kulturaustausch, Tübingen, Germany）攜手合作，推出「超現實主義：對話中的世界」大型國際展覽。展覽集結近60位國際重要藝術家與影像創作者、逾120件代表性作品，橫跨繪畫、雕塑、攝影、電影等豐富而多樣的媒材表現，完整呈顯該運動對於現實的再想像與演繹。

距今百餘年前的1924年10月15日，作家安德烈．布勒東（André Breton）在巴黎發表了《超現實主義宣言》（Manifeste du surréalisme）。以此文本為基石，一場全新的文化革命運動順勢而生，其思想與美學實踐隨之全球蔓延，時至今日仍持續引發迴響。超現實主義的藝術家經歷第一次世界大戰所帶來的創傷經驗，因而開始質疑既有的社會秩序以及傳統的理性思維模式。他們從佛洛伊德的精神分析理論與各方思潮之中汲取養分，亦從不同視角思索性別、科技、心理及身分認同等核心議題。

本次策展透過對話式的呈現，將1920年代的超現實主義原初運動時期的作品，與其後各世代藝術家的創作並置，凸顯該運動並非是一個已終結於過去的歷史現象，而是一股與時代共振的動能。展覽共可分為「集體夢境」、「幻化無際」、「慾望之體」、「荒誕玩趣」4個子題單元，演示跨世代乃至當代的超現實主義實踐，如何成為挑戰傳統理性和現實觀念，與對未來進行批判性思考的觀看思維。

從集體夢境到幻化無際

夢，是人們加工與重組經驗的場域，而醫生暨心理學家西格蒙德．佛洛伊德（Sigmund Freud）所建立的夢的解析與精神分析學派，認為人類行為在很大程度上受潛意識與被壓抑的慾望影響，也為超現實主義提供重要的參考基礎。譬如，雷內．馬格利特（René Magritte）的作品注入非理性、夢境般的元素，透過與物理現實相悖的視覺安排，陌異化了熟悉的場景；伊夫．唐吉（Yves Tanguy）藉由神祕莫測的元素、形體構圖與畫筆下的荒蕪之境，將觀者帶入了藝術家主觀的超現實風景之中。在當代創作中，亦可見到這類「集體夢境」的意象，例如蘿倫．莫法特（Lauren Moffatt）的沉浸式擴增實境作品；她向來自不同國家的九位女性提問道：「每個人心中都潛藏著一個世界。你的世界是什麼模樣？」，運用遊戲引擎將她們的回答具象化，打造出一個由集體創作生成的全新想像世界。

在受超現實主義影響的藝術創作中，「幻化無際」也是藝術家探索不綴的母題，意指從一種狀態轉移至另一種狀態的演變歷程。雅各布．吉爾多（Jacob Gildor）以直觀的方式運用「蛻變」，將夢境般的潛意識轉換瞬間化為視覺意象，使作品呈現出可多重解讀的歧義性。在那些試圖改變傳統觀看方式的超現實主義作品中，「蛻變」同時也與前衛超現實主義者對自我的探索，以及對身分認同的思考緊密相關。其中最具代表性的是女同志攝影師克勞德．卡恩（Claude Cahun），在其經典的自拍像作品中，她以雌雄同體、性別流動的形象呈現自我，為辛蒂．雪曼（Cindy Sherman）及歐蘭（ORLAN）等後世藝術家的開闢了新路徑——透過蛻變，熟悉之物被注入陌生感，既有的刻板印象也隨之鬆動。

慾望之體以及荒誕玩趣

受佛洛伊德對「本能」探究的啟發，「慾望之體」成為前衛超現實主義藝術家的另一個聚焦的題材，創作者們試圖與受基督教傳統所影響的理性中產階級抗衡。曼．雷（Man Ray）被視為達達主義與超現實主義最重要的代表人物之一。他的創作譜系極其多元，身兼電影創作者、攝影師與畫家，開發出「中途曝光」及「實物投影」等創新技法，拓展了攝影的表現方式。他常將模特兒安排成帶有情慾暗示的裝飾性物件，並透過將身體部位從真實空間中抽離，營造出一種隱晦不明的感受；其《安格爾的小提琴》將女性背部化為帶有小提琴f孔圖樣的攝影作品，即是最廣為人知的超現實主義經典。

儘管以當代的觀點來審視，這種關注多以「男性凝視」的視角，反映異性戀男性對女性身體的觀看方式與偏好，但針對官能性的關注也為後世藝術家的創作實踐提供省思。如梅雷特．奧本海姆（Meret Oppenheim）與莎拉．盧卡斯（Sarah Lucas）等藝術家挪用超現實主義的圖像語彙，將傳統上被動的女性「客體」轉化為強大且主動的「主體」。前者的《史前維納斯》藉由變形顛覆女體應流露誘人媚態、比例勻稱的既定觀感。後者《女孩》則運用多種日常材料拼裝雕塑，但卻刻意拉長四肢與使其頭部缺席、讓身體與物件之間的微妙張力悄然浮現，過往的「慾望之體」反倒成為拒絕供人投射慾望的載體。

此外，超現實主義者亦著力於以非常規的創作程序，直接在作品本體上展開實驗。這一「荒誕玩趣」的傾向體現在拓印法、刮擦法、轉印法、煙燻法等繪畫技法中，並以此作為圖像後續演化的起點。沃爾夫岡．帕倫（Wolfgang Paalen）用蠟燭火焰在紙面上留下隨機形成的煙痕；有些痕跡的形貌被原封不動地保留，有些則透過繪畫與素描技法，進一步發展成充滿想像力的構圖。

超現實主義者也常運用「精緻屍體」（法語：cadavre exquis）這類的文字接龍遊戲，其名稱源於成員在紙上隨機寫下單詞後拼湊出的句子：「精緻的屍體將喝下新釀的酒」（Le cadavre exquis boira le vin nouveau），荒誕卻富饒詩意。這種創作方式之後從字句延伸到繪畫：每位參與者輪流在一張紙上繪畫，然後摺起紙張隱藏完整的圖樣，再將其傳遞給下一位玩家進行創作。歐文．沃姆（Erwin Wurm）的《一分鐘雕塑》系列便呼應對於「偶然性」的類似運用，參與者可與擺放日常物件的展臺互動，將有些突兀的行動轉換成具表演性質的身體展演。本次展覽也特別規劃有「精緻屍體」的繪畫體驗區，觀眾可一同感受不受傳統束縛的超現實創作手法，建構意想不到的連結。

超現實主義電影

電影對超現實主義之所以具有重大意義，除了極具前衛主義的視覺造型之外，也透過剪接、疊印、拼貼及各種實驗手法得以顛覆現實。展覽中特別精選三部在今日仍被視為最具代表性的超現實主義電影片段：潔嫚．杜拉克（Germaine Dulac）的《貝殼與牧師》（1928）、路易斯．布紐爾（Luis Buñuel）與薩爾瓦多．達利（Salvador Dalí）合作的《安達魯之犬》（1929），以及布紐爾的《黃金時代》（1930）。大衛．林區（David Lynch）與葛雷摩．戴．托羅（Guillermo del Toro）等導演也在電影中採用多種超現實意象，並將其與肉體恐怖或是奇幻詭譎的元素結合，凸顯潛意識優先於線性邏輯的敘事特質。

另外，展覽預計將於展期內辦理2場「展覽漫遊」活動，邀請專家學者帶領觀眾於展場中一起漫談賞析，從藝術史，及電影/影像媒體發展的角度切入，剖析超現實主義的淵源、流變及其影響。同時也針對7-12歲孩童，預計每月舉辦1場環繞夢境為題的「超現實繪畫工作坊」，帶領小朋友透過自由聯想，以及超現實主義畫家們擅長使用的繪畫技法，把做過的夢、對未來的夢想揮灑於畫紙上。詳細活動辦法及時間資訊請關注北美館官方網頁或追蹤北美館Facebook及Instagram專頁。

超現實主義：對話中的世界
展期：2026.04.25-2026.08.30
地點：臺北市立美術館 地下樓D、E、F展覽室
更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜北美館、文字整理｜Adela Cheng}

臺北市立美術館（北美館）自2026年5月9日至9月20日於一樓推出「共感：存在的節奏」，由館內策展人余思穎策劃，展出 11位/組臺灣與國際藝術家作品。展覽從當代博物學的概念出發，在自然、技術與行動實踐的層面上，探討人類應如何理解自身與物種、環境與世界的關係。

數位網路與人工智慧快速發展的時代，訊息流通的方式經歷多次轉變，自我、他者與環境的關係，逐漸轉為更有機的感知網絡。本展以「共感」為題，意指一種理解自己與他者彼此牽動、共同生成的能力。策展人余思穎表示，法國哲學家布魯諾．拉圖（Bruno Latour）曾以地質學的臨界區（Critical Zone）的概念，探究關於自然、技術與人類行動相互作用的地表環境，藉此重新思考人類與萬物共存的關係。

「臨界區」原指自樹冠至地下水層之間的地表薄層，在此空間中，空氣、水、土壤、岩石與各種生命持續相互作用，形成地球維持生命的條件。策展人進一步援引美國物理學家暨理論學者凱倫．巴拉德（Karen Barad）回應量子物理中的「量子糾纏」（entanglement）概念，指出萬物並非彼此獨立存在，而是在持續互動與相互作用中生成關係，提示「存在」或許更接近一種關係性的整體。人與微生物、多物種，甚至與土地、技術感知、生物與環境等，並非單向支配，而更像是共同構成彼此、相互依存的網絡。

本展從「人與非人共同演繹世界」（自然）、「擴增人類五感與時空觀」（技術）與成為「互利共生的行動者」（行動實踐）三個面向出發，引領觀者感知原本難以觸及的其他物種世界，並重新思考生命倫理與共生關係。展場則透過不同作品的感知經驗與觀看狀態，開啟對共享、互助與共存價值的想像。

生命演化所呈現的繁茂形態與生態關係，映現人與非人共同演繹世界的多重面向。盧明德《生態圖鑑》透過多樣物種圖像符號，包括具生命初始寓意的蛋、隱含演化意象的貝殼、象徵死亡與遺骸的動物頭骨，以及動物肢體、皮毛等局部身體意象的複合與並置，以虛實交錯的擬態哲學觀，探討數位時代中自然真實與虛假之間的關係。瑟琳．克拉內《接地雜訊》系列，藝術家並置黑白膠捲拍攝的森林地貌、電子顯微鏡下的微觀圖像，藉由不同尺度的影像轉換，拓展肉眼觀看的視角，開啟對既有森林地景的新感知。

蔡咅璟《山麻雀之歌》連結傳說與當代的保育行動，透過燒製曾文溪水庫淤泥為人工鳥巢，尋找人與動物共生的契機，影像紀錄文化記憶與當代行動，呈現環境變遷下人類與動物的互助關係。桑佳．鮑梅爾將創作視為身體、生物與環境共同演進的過程，以《活體藝術品》等三件作品，透過培養菌落、知識研究與行動創作等方式，使不可見的微生物被人所感知與想像，探索人體內外由多物種共構的生態關係，開啟界定人類主體性的重新理解。

科技、演算法與網際網路所生成的影像，正在重塑人們對世界的理解，並進一步影響其思考方式。吳其育+陳普《零點溫室》以跨洋運輸植物的「沃德箱」為靈感。這種可承載微型生態系統的容器，曾促成19世紀的蕨類與蘭花熱潮，也讓中國茶樹得以移植至印度。作品進一步延伸思考由生成式人工智慧資料庫主導的未來，如同人類過往藉由移植物種對自然進行收藏，以另一種形式延續人類對自然的想像。

陽春麵研究舍《潛像描繪儀》探討人工智慧如何透過雜訊、隨機性與資料運算生成影像，作品模擬18世紀側面描繪儀裝置的運作，對照影像從手工描繪、機械標準化到演算法生成的歷史轉變，呈現人工智慧如何以真實世界為基礎，持續產生難以預測的視覺結果，探問人類對創造力與影像真實性的認知邊界。

NOIZ Architects《待機休眠中》（Lazy House）為布料、張拉結構與感測系統構成的建築軟雕塑，作品透過電腦演算與參數設定，感應觀眾的注視，並產生相應的形變與回饋，邀請觀者於雕塑物件與空間的律動中感受人與環境的互動關係。

透過行動實踐，我們得以理解過往與當下的連結，並意識到事物關係在時空中並非恆定，而是在流動中形構其節奏。山城知佳子《土之民》三頻道錄像，以沖繩與濟州島的歷史為背景，敘述在地之民因候鳥落下的「詩句種子」自泥沼中甦醒，並在墜入時空洞底後目睹過往的戰爭殘影，作品透過影像、低語與環境聲響推動敘事，使觀者思考人與土地，如何共同承載那些尚未消散的歷史記憶。

希朵．史戴爾《使命完成: Belanciege》結合錄影與資料分析的講述表演錄像，從品牌如何挪用特定社會處境下的文化符碼與街頭文化，轉化為時尚美學的過程，揭示品味與身份如何被品牌私有化，並進一步指出當代消費文化、社群媒體與演算法機制，如何共同介入人們對階級、認同與政治現實的想像。

彭弘智《面對面》曾於多國雙年展與三年展展出，並為北美館典藏作品。藝術家以犬的第一視角記錄動物日常活動，並將影像螢幕嵌入動物雕塑頭部之中，觀者需貼近並模仿其姿態，方能進入觀看位置，作品透過身體姿態與觀看方式的轉換，引導觀者想像動物的感知經驗，進而思考人與動物相互依存的關係。

周東彥/狠劇場《變動的連結》是一場需與他人共同完成的集體延展實境（XR），觀者從非敘事的空間中展開探索，隨著虛擬線條在角色之間生成，無形的關係變得清晰可見，個體經驗轉化為群體感知的流動，最終呈現由眾人共構、以線條交織而生的「我們」之形態。

共感：存在的節奏
展期：2026.05.09-2026.09.20
地點：臺北市立美術館 1A、1B展覽室 

參展藝術家（依英文姓氏排列）：桑佳．鮑梅爾（奧地利）、周東彥/狠劇場、瑟琳．克拉內（法國）、盧明德、NOIZ  Architects（日本）、彭弘智、陽春麵研究舍、希朵‧史戴爾（德國）、蔡咅璟、吳其育+陳普、山城知佳子（日本）

2026北美館X-site計畫由「做白工作室」作品《鏡・亭・山：相看兩不厭》獲得首獎，即日起至7月26日展出。本作結合鏡面、涼亭、山形3大元素，以「掀起地表」為核心意象，利用鋼板和懸索結構，在北美館廣場創造出一片完全穿透、不靠柱和牆支撐的自由場域，邀訪客在此停留、感知和參與，讓藝術之旅在入館前就啟程。

把「經過」轉化成一種參與行動

「廣場」如城市裡的留白，為人們提供歇息之處，也在訪客抵達目的地之前，有片過渡地帶得以轉換情緒——但除了「經過」，我們還可以從廣場中獲得什麼樣的感知體驗？臺北市立美術館（北美館）邁入第13屆的「X-site計畫」，正是從這道提問出發，以館前廣場為基地，每年透過公開徵件，邀不同創意團隊透過建築、藝術、設計等方式介入，為人們開啟體驗北美館廣場的新路徑。

在北美館廣場掀起一座鏡面小山

2026 X-site計畫首獎得主——做白工作室，是以「創造有意義的空白」為核心概念的跨領域設計團隊，這次他們透過對基地脈絡的細膩閱讀與材料語彙的深入研究，將《鏡・亭・山》視為一種介入環境、重構人與廣場關係的行動實踐。

做白工作室以鋼板和懸索結構為主要材料，在廣場創造一片不靠樑柱和牆支撐的穿透場域，且作品未錨定於既有地坪，巧妙形成地表被「掀起」的視覺效果。像這樣透明而公開的結構，不僅讓訪客得以一覽作品結構組件之間的相互關係，也為人們在廣場上的停留時光注入更多遊逛、探索的趣味。

「鏡・亭・山」各有何涵義？

《鏡・亭・山》具有3種不同層面的解讀意涵，各個層面都讓「經過」成為一種參與：「鏡」反射空間下的動態互動，更在特定角度中映照出周遭自然、北美館建築等環境現況；「亭」意指傳統上遮蔽或供人停留的空間，也代表「從地表拉起的結構」所形成的新空間；「山」則可連結至雙向掀起的屋頂與地板共同構成的休憩空間，訪客可在此歇息，也能自由穿梭其中。

聲音裝置、蛇紋磚片藏彩蛋

本作更有由環境發想延伸的「可觸碰發聲互動裝置」與「蛇紋磚板片」。團隊將抵抗風浮力的鋼纜，進一步結合為互動裝置，其猶如樂器中被繃緊的琴弦，當「弦」被觸碰時，便會發出自基地蒐集而來的日常聲響，包含展間中的低聲交談、觀者行走於建築內的腳步聲，揭露潛藏在美術館之中、平時不易被察覺的細微聲音。

而對於蛇紋磚板片，團隊表示：「塞尚晚年反覆描繪聖維克多山，不只是繪畫練習，更是一種追索真理的實踐。此次作品屋頂上的蛇紋磚板片，便是以此為靈感，並將自第1屆X-site舉辦以來的廣場衛星空拍圖作為像素，重新組構成蛇紋石地磚圖案。」北美館廣場的蛇紋石地磚，不僅是場域的重要視覺特徵，也承載著觀眾造訪美術館的共同記憶。

《鏡・亭・山》展出期間，亦規劃團隊座談及多項公眾活動，涵蓋現場演出、參與行動、聲音、文學與工作坊等，邀請觀眾在人與環境、內與外之間，與環境共同感受那片「有意義的空白」。

2026 X-site《鏡・亭・山：相看兩不厭》

展期｜2026.05.16－07.26

地點｜臺北市立美術館 戶外廣場