北美館「超現實主義：對話中的世界」開展！從達利到大衛林區等藝術家作品，走入夢境與潛意識交錯的想像風景

延續2023年的「未來身體：超自然雕塑」的前衛藝術思潮，臺北市立美術館（北美館）再度與德國圖賓根文化交流協會（Institut für Kulturaustausch, Tübingen, Germany）攜手合作，推出「超現實主義：對話中的世界」大型國際展覽。展覽集結近60位國際重要藝術家與影像創作者、逾120件代表性作品，橫跨繪畫、雕塑、攝影、電影等豐富而多樣的媒材表現，完整呈顯該運動對於現實的再想像與演繹。

距今百餘年前的1924年10月15日，作家安德烈．布勒東（André Breton）在巴黎發表了《超現實主義宣言》（Manifeste du surréalisme）。以此文本為基石，一場全新的文化革命運動順勢而生，其思想與美學實踐隨之全球蔓延，時至今日仍持續引發迴響。超現實主義的藝術家經歷第一次世界大戰所帶來的創傷經驗，因而開始質疑既有的社會秩序以及傳統的理性思維模式。他們從佛洛伊德的精神分析理論與各方思潮之中汲取養分，亦從不同視角思索性別、科技、心理及身分認同等核心議題。

本次策展透過對話式的呈現，將1920年代的超現實主義原初運動時期的作品，與其後各世代藝術家的創作並置，凸顯該運動並非是一個已終結於過去的歷史現象，而是一股與時代共振的動能。展覽共可分為「集體夢境」、「幻化無際」、「慾望之體」、「荒誕玩趣」4個子題單元，演示跨世代乃至當代的超現實主義實踐，如何成為挑戰傳統理性和現實觀念，與對未來進行批判性思考的觀看思維。

從集體夢境到幻化無際

夢，是人們加工與重組經驗的場域，而醫生暨心理學家西格蒙德．佛洛伊德（Sigmund Freud）所建立的夢的解析與精神分析學派，認為人類行為在很大程度上受潛意識與被壓抑的慾望影響，也為超現實主義提供重要的參考基礎。譬如，雷內．馬格利特（René Magritte）的作品注入非理性、夢境般的元素，透過與物理現實相悖的視覺安排，陌異化了熟悉的場景；伊夫．唐吉（Yves Tanguy）藉由神祕莫測的元素、形體構圖與畫筆下的荒蕪之境，將觀者帶入了藝術家主觀的超現實風景之中。在當代創作中，亦可見到這類「集體夢境」的意象，例如蘿倫．莫法特（Lauren Moffatt）的沉浸式擴增實境作品；她向來自不同國家的九位女性提問道：「每個人心中都潛藏著一個世界。你的世界是什麼模樣？」，運用遊戲引擎將她們的回答具象化，打造出一個由集體創作生成的全新想像世界。

在受超現實主義影響的藝術創作中，「幻化無際」也是藝術家探索不綴的母題，意指從一種狀態轉移至另一種狀態的演變歷程。雅各布．吉爾多（Jacob Gildor）以直觀的方式運用「蛻變」，將夢境般的潛意識轉換瞬間化為視覺意象，使作品呈現出可多重解讀的歧義性。在那些試圖改變傳統觀看方式的超現實主義作品中，「蛻變」同時也與前衛超現實主義者對自我的探索，以及對身分認同的思考緊密相關。其中最具代表性的是女同志攝影師克勞德．卡恩（Claude Cahun），在其經典的自拍像作品中，她以雌雄同體、性別流動的形象呈現自我，為辛蒂．雪曼（Cindy Sherman）及歐蘭（ORLAN）等後世藝術家的開闢了新路徑——透過蛻變，熟悉之物被注入陌生感，既有的刻板印象也隨之鬆動。

慾望之體以及荒誕玩趣

受佛洛伊德對「本能」探究的啟發，「慾望之體」成為前衛超現實主義藝術家的另一個聚焦的題材，創作者們試圖與受基督教傳統所影響的理性中產階級抗衡。曼．雷（Man Ray）被視為達達主義與超現實主義最重要的代表人物之一。他的創作譜系極其多元，身兼電影創作者、攝影師與畫家，開發出「中途曝光」及「實物投影」等創新技法，拓展了攝影的表現方式。他常將模特兒安排成帶有情慾暗示的裝飾性物件，並透過將身體部位從真實空間中抽離，營造出一種隱晦不明的感受；其《安格爾的小提琴》將女性背部化為帶有小提琴f孔圖樣的攝影作品，即是最廣為人知的超現實主義經典。

儘管以當代的觀點來審視，這種關注多以「男性凝視」的視角，反映異性戀男性對女性身體的觀看方式與偏好，但針對官能性的關注也為後世藝術家的創作實踐提供省思。如梅雷特．奧本海姆（Meret Oppenheim）與莎拉．盧卡斯（Sarah Lucas）等藝術家挪用超現實主義的圖像語彙，將傳統上被動的女性「客體」轉化為強大且主動的「主體」。前者的《史前維納斯》藉由變形顛覆女體應流露誘人媚態、比例勻稱的既定觀感。後者《女孩》則運用多種日常材料拼裝雕塑，但卻刻意拉長四肢與使其頭部缺席、讓身體與物件之間的微妙張力悄然浮現，過往的「慾望之體」反倒成為拒絕供人投射慾望的載體。

此外，超現實主義者亦著力於以非常規的創作程序，直接在作品本體上展開實驗。這一「荒誕玩趣」的傾向體現在拓印法、刮擦法、轉印法、煙燻法等繪畫技法中，並以此作為圖像後續演化的起點。沃爾夫岡．帕倫（Wolfgang Paalen）用蠟燭火焰在紙面上留下隨機形成的煙痕；有些痕跡的形貌被原封不動地保留，有些則透過繪畫與素描技法，進一步發展成充滿想像力的構圖。

超現實主義者也常運用「精緻屍體」（法語：cadavre exquis）這類的文字接龍遊戲，其名稱源於成員在紙上隨機寫下單詞後拼湊出的句子：「精緻的屍體將喝下新釀的酒」（Le cadavre exquis boira le vin nouveau），荒誕卻富饒詩意。這種創作方式之後從字句延伸到繪畫：每位參與者輪流在一張紙上繪畫，然後摺起紙張隱藏完整的圖樣，再將其傳遞給下一位玩家進行創作。歐文．沃姆（Erwin Wurm）的《一分鐘雕塑》系列便呼應對於「偶然性」的類似運用，參與者可與擺放日常物件的展臺互動，將有些突兀的行動轉換成具表演性質的身體展演。本次展覽也特別規劃有「精緻屍體」的繪畫體驗區，觀眾可一同感受不受傳統束縛的超現實創作手法，建構意想不到的連結。

超現實主義電影

電影對超現實主義之所以具有重大意義，除了極具前衛主義的視覺造型之外，也透過剪接、疊印、拼貼及各種實驗手法得以顛覆現實。展覽中特別精選三部在今日仍被視為最具代表性的超現實主義電影片段：潔嫚．杜拉克（Germaine Dulac）的《貝殼與牧師》（1928）、路易斯．布紐爾（Luis Buñuel）與薩爾瓦多．達利（Salvador Dalí）合作的《安達魯之犬》（1929），以及布紐爾的《黃金時代》（1930）。大衛．林區（David Lynch）與葛雷摩．戴．托羅（Guillermo del Toro）等導演也在電影中採用多種超現實意象，並將其與肉體恐怖或是奇幻詭譎的元素結合，凸顯潛意識優先於線性邏輯的敘事特質。

另外，展覽預計將於展期內辦理2場「展覽漫遊」活動，邀請專家學者帶領觀眾於展場中一起漫談賞析，從藝術史，及電影/影像媒體發展的角度切入，剖析超現實主義的淵源、流變及其影響。同時也針對7-12歲孩童，預計每月舉辦1場環繞夢境為題的「超現實繪畫工作坊」，帶領小朋友透過自由聯想，以及超現實主義畫家們擅長使用的繪畫技法，把做過的夢、對未來的夢想揮灑於畫紙上。詳細活動辦法及時間資訊請關注北美館官方網頁或追蹤北美館Facebook及Instagram專頁。

超現實主義：對話中的世界
展期：2026.04.25-2026.08.30
地點：臺北市立美術館 地下樓D、E、F展覽室
更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜北美館、文字整理｜Adela Cheng}

廚房那瓶清透的橄欖油，或墜入鍋裡與義大利麵交融、或淋在沙拉和麵包上注入一抹清香，理所當然地陪伴著我們的餐食日常。那你是否曾好奇，這我們習慣從超市貨架取下的食品，在抵達日常之前，經歷過怎樣的土地淬鍊與生產系統的運轉？

藝術家黃麗音走進西班牙第一線生產現場，蹲點尋找答案，並將收穫集結為個展《丘之粼粼》，其現正於台北藝廊TKG+展出。踏入展場，枝葉婆娑的採收聲響與落果影像鋪展開來，將分散於自然、勞動與資本之間的片段，重新組構成身體化的觀看經驗。在看似平靜的場景中，一場關於制度和價值的反思，正靜靜展開。

圍繞著「食物」展開的藝術實踐

從裝置、攝影到多媒材雕塑，黃麗音的作品多圍繞著生活中不可或缺的「食物」展開，她關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費，從市場、貿易、產業、生產勞動，延伸至消費、包裝與剩餘物，探索著跨文化、也跨時代的物質流通系統。2025年，黃麗音曾在北美館打造一間「小吃店」，那是她的個展《Lili Deli 麗麗食品》——展場內堆砌出日常飲食消費的微景觀，反思現代人追求廉價和效率，方便與實用至上的生活方式。

2026年來到TKG+呈現個展《丘之粼粼》，她將視線推向食品生產鏈的上游，進一步回到食品生產的源頭，從橄欖園到工業流水線，追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中，成為我們熟悉的形式。

到西班牙橄欖園實地踏查

黃麗音走進西班牙南部的橄欖園，追溯橄欖成為日常食物之前，所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實，諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構，讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場，使觀者得以從橄欖油出發，看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品，橄欖並未發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

變的不是橄欖，而是⋯⋯？

橄欖在大地中歷經熟成與採收，進入以效率、速度、產量與標準化為核心的生產系統；來到TKG+台北生產階段中，也被賦予了不同的價值與意義。然而，有趣的是，從果實到成品，橄欖其實沒有發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

走進橄欖油的一生

走入《丘之粼粼》展場，先能隱約聽見橄欖採收時枝葉間接觸的婆娑聲響，像是從土地深處滲出。雙眼所見是黃麗音在田野調查時所拍攝的影像，被轉化為覆蓋展牆的壁紙。此外，掉落在地上的橄欖、散落的枝葉……這些作物生長的尋常痕跡，經歷從植物、攝影對象到空間表面的身分轉換，在展場中成為了身體化的觀看空間，重新連結了生產現場與展覽。那些原本不會出現在商品最終樣貌中的滿地橄欖與枝葉，經由藝術家的選擇，成為展覽中的視覺主體，使被生產過程排除在外的痕跡，重新進入觀看。

對現實的「重新組構」

自20世紀初「現成物」進入藝術實踐以來，物件的藝術身份便不再僅由其自身決定，展示場域、藝術制度與觀看關係也逐漸成為作品意義的一部分。黃麗音延續並轉化這項實踐，將屬於日常的橄欖油及其生產過程中帶入作品，讓它脫離原有的使用脈絡，同時保留材質、功能、價格，以及生產、消費與丟棄等社會痕跡，成為承載勞動與資本關係的具體物件。

對黃麗音而言，現成物的創作並非單純的拼湊，也不是對既存現實的再現，而是一種「組構」：藝術家透過選擇與配置，將分散於不同社會位置的生產、消費與勞動關係帶入同一觀看空間，使隱藏於日常物件背後的社會關係得以浮現。

《丘之粼粼》呈現了對「習以為常」發出的遲疑，當物件從原有的使用脈絡中被抽離，生產現場的聲音、影像與痕跡也隨之進入展場，使那些我們熟悉的日常物產生陌生感。在離開展場後，貨架上的瓶罐或許仍維持原來的模樣，但我們觀看它們的方式，已經有所不同。

《丘之粼粼》黃麗音個展

展期｜2026.09.19－11.14

地點｜TKG+ （台北市內湖區瑞光路548巷15號B1）

在台北，秋季是屬於藝術的季節。「2026台北藝術週」將於10月24日至11月2日登場，這段期間，各家美術館、畫廊等藝文機構將祭出特展響應，從北到南、由東至西，在城市間編織出一張得以映射內心、療癒精神的藝術之網。本篇編輯精選10場展覽，不妨趁此親訪觀展。

《露水幻夢》Benjamin Spiers X 曾建穎雙人展

📍TAO ART

《露水幻夢》由來自英國的Benjamin Spiers（班傑明．斯皮爾斯）與台灣藝術家曾建穎，攜手策展人陳若盈一同呈獻。兩位藝術家的創作根植於截然不同的繪畫傳統，卻同樣著迷於身體作為「蛻變」場域的可能性。展覽由此出發，探索「可見之物」和「內在感受」之間持續流變的感知狀態，讓不安的美與張揚的怪誕彼此交織，形成一場矛盾又超現實的視覺對話。

Benjamin Spiers的作品充滿原始生命力，亦可見幻想交疊的幻象。他擅長運用油彩，以驚人的寫實感刻畫出奇幻的形體，細膩的肌膚質感彷彿觸手可及，令人難以抗拒。

曾建穎則以墨、膠彩與礦物顏料於細緻的紙材上創作，從宗教圖像中汲取靈感，將繪畫視為精神性的容器，創造出新的人體圖式，並與既有文化脈絡對話。比如在桃形屏風〈仙果〉作品中，他在屏風正面描繪一顆熟桃，切開的缺口微微露出桃的內部，下方的舌狀葉片則暗示感官慾望和生命無常；另一面則是近距離重疊的後腦勺與臉龐，既可能是鏡子前的自我凝視，也可能是兩個人物之間的親密舉動——自我與他者之間的界線因而模糊。

《喜悅與棲所：捷克當代攝影聯展》

📍圓山別邸 MAISON ACME

一百年前的巴黎，曾是捷克前衛藝術家追尋自由與實驗精神的中心。如今，策展人Štěpánka Stein集結14位捷克當代攝影師，回應前人追尋藝術的精神，展開一場跨世紀的對話。展覽中，攝影師們透過鏡頭，在動盪而撕裂的數位世代，藉影像追問著喜悅從何來？哪裡才是讓我們安心的棲所？影像作品擺盪在虛與實、紀錄和擺拍之間，邀請觀者在其中找尋自己的答案。

《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展》

📍NOKE忠泰樂生活

由香港平面設計師毛灼然、日本編輯暨設計師後藤哲也共同策展。展覽源自後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》一書，其中「C」代表「Chinese」，從漢字文化圈出發觀察當代華語平面設計；進入策展環節後，則進一步聚焦於使用繁體中文的城市「台北」，並選擇1980至1990年代出生的設計世代作為主要觀察對象。

展覽除了呈現海報、出版物、品牌識別與影像等作品，也試圖理解設計師如何學習、生活、受到什麼影響，以及這些創作如何與城市文化及社會脈絡相互交織。

《小日夢》寺倉京古個展

📍白石畫廊

以陶土為材，日本新銳藝術家寺倉京古常以「孩童」為創作主題，用陶捏塑出圓潤形體，重現孩子樸稚姿態，藉此捕捉日常生活中微小卻珍貴的希望，以及近乎被遺忘的純真。《小日夢》集結各式姿態的孩童雕塑，他們或靜靜沈睡、或乘著雲朵眺望，乘載著存於人們心中的細膩情感，也象徵著每個人「曾經擁有的自己」。

《銀河脈輪》

📍Bluerider ART 台北・微風廣場

在百貨公司也能看展！Bluerider ART位於微風廣場的據點，推出《銀河脈輪》藝術家群展，集結美國藝術家Carol Prusa、德國藝術家Eberhard Ross、捷克藝術家Jan Kaláb等多位國際藝術家之作，共同叩問一個古老而雋永的命題——宇宙秩序如何映照於身體與心靈之中。

展覽以卷軸雙面畫《奇異吸引子》為亮點，9米長的巨大尺度令人路過櫥窗很難不多看一眼。卷軸一面描繪人體脈輪、能量向外流動的軌跡，另一面則以詩句與物理方程式，描述宇宙均勻與空間擴展，使「內在」的脈輪能量線與「外在」的宇宙演化在兩面對望。

《丘之粼粼》黃麗音個展

📍TKG+

2025年曾於北美館推出個展《Lili Deli 麗麗食品》的黃麗音，長期關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費，創作從市場、貿易、產業到生產勞動，延伸至消費、包裝與剩餘物的重新組構。這次她在TKG+呈現的《丘之粼粼》，將視線推向食品生產鏈的上游，進一步回到食品生產的源頭，從橄欖園到工業流水線，追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中，成為我們熟悉的形式。

她走進西班牙南部的橄欖園，追溯橄欖成為日常食物之前，所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實，諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構，讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場，使觀者得以從橄欖油出發，看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品，橄欖並未發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

《無筆之繪》Dirk Salz個展

📍Bluerider ART台北・敦南

拋開傳統形式，不以畫布和畫筆作畫，德國藝術家Dirk Salz（迪爾克．薩爾茲）用油漆滾筒創作，並借助樹脂潑灑時的重力流動，讓作品跳脫傳統極簡主義的框架，持續展現並探索透明度、色彩張力，以及光線與空間之間的關係。

展名《無筆之繪》指向Salz不使用畫筆的創作方式。他將顏料調入樹脂，以油漆滾筒鋪展色層，再順應重力讓樹脂自然流淌、趨於平整；每一層須待固化後，方能覆上下一層，作品在反覆堆疊與等待中逐步成形。薄如玻璃的色層彼此交疊，光線在其間穿透、折射、反射，色彩不再停留於表面，而是從深處緩緩浮現。沒有筆觸，也沒有手繪痕跡，畫面由材料、重力與時間共同完成，模糊了真實與虛幻的邊界，正如他所言：「我想要創造的，是一個不能被詮釋的情境，一個觀者與作品之間無法言說的感受，姑且稱之為『魔法』的地方。」

《夜的日光》

📍Taipei Lumitree 敦南之森

「光」是藝術家謝鎮璘DAMONXART的靈感泉源。在敦南林蔭大道下的藝術光廊Taipei Lumitree，他結合錯視、光柵材質及風力驅動裝置，將你我熟悉的日月意象轉化為持續變動的視覺經驗，讓觀者在夜色中看見日光，閱讀太陽與月亮之間的對話，深刻感受光是如何改變雙眼所見的景象。

多年來，謝鎮璘持續從旅行與日常觀察中提取色彩，將天空、海洋與地平線的印象轉化為創作語言。在《夜的日光》中，他將這份觀察聚焦於日與月的關係——光如何從一個地方抵達另一個地方，又如何在反射、材質與觀看位置的變化之中，被感知為不同的形態。

《溫柔災變》女性藝術家聯展

📍T Space

作為首場公開展覽，T Space邀請亞紀畫廊負責人黃亞紀策展此檔女性抽象藝術家群展，《溫柔災變》集13位女性藝術家，她們各來自不同時代、地域和文化背景，作品在此展相遇交會，共同呈現女性力量如何探問持續變動的世界，以及藝術能為我們帶來什麼療癒與啟示。

展名所提的「溫柔」，並非脆弱或被動承受，而是藝術家讓感知和直覺保持開放，持續面對無法完全掌控的變化，容許自己進入流動、矛盾與未知，並反覆思辨的狀態。展覽在女性的敘事下，呈現出生命經驗的不同面貌——當女性經驗不再只由疼痛、承受與犧牲所定義，人們能否看見女性作為獨立的認知主體，如何理解自然、身體以及自己所處的世界？

《代理之窗》張書瑋個展

📍洪建全基金會

洪建全基金會自2015年起舉辦的「問問題計畫」，每年都會提出一道問題，探討社會、文化與生命內涵，並妥託藝術家透過創作對答。今年度計畫探討的是什麼？在科技以親切形象滲透日常的今天，人與機器早已互為義肢。只要算力足夠，AI就能化身成為密友、戀人、心靈導師，甚至是神明——這種「不需要對等，不需要協商，也不會有拒絕」的新關係，正在悄悄改變我們對情感的認知。

展覽由此切入，由藝術家張書瑋擔綱答題者，藉影像裝置、互動雕塑和錄像，探討AI與人類之間的「親密關係」。

展覽將「你＋我＋AI」共同建構的世界封裝成一個情感景觀，一段「親密關係」的模擬現場，一場由裝置、介面、系統、使用者自身的投射共同鋪設而成的遊戲。動線如同一道逐步深入的程序，映照出人與機器緊密互動之間，所產生的肉體或情感上的關係變化。看展過程中，親近與不適的感受並存，觀眾將能感覺到身體與意識逐漸被切片、解構，隨後迷失於遊戲之中。