鬆軟輕巧的羊毛氈，竟能做出流水、氣泡、火焰等細緻效果。美國動畫藝術家Andrea Love以羊毛氈創作逐格動畫，吸引Hermès、LOEWE、Netflix等品牌合作，目前還正在製作全世界第一款羊毛氈逐格動畫遊戲。這位Instagram坐擁超過249萬追蹤數的藝術家接受La Vie專訪，揭開羊毛氈作為創作媒材的多重可能。

Andrea Love的網站自介是這麼寫的：一輩子的電影愛好者。從小，她就是個喜歡繪畫、充滿創意的孩子，雖然愛看電影和電視，但成長過程中沒有太多時間接觸。所以當她年紀足夠大後，決定到電影出租店打工，盡可能地多看電影。大學在Hampshire College專攻影像製作和電影研究，也正是在這個時期對動畫產生了興趣，「我發現它是我對視覺藝術和電影興趣的完美結合。」

意外的是，Andrea Love的動畫技法完全來自自學。捷克動畫電影導演楊．斯凡克梅耶（Jan Švankmajer）在她心中留下了巨大震撼，還是青少女的她看了他改編自《愛麗絲夢遊仙境》的首部動畫長片《愛麗絲》，「他使用了很多熟悉的媒材，其中有些相當詭異，像是骨骼和生肉。這種怪異感強烈吸引了當時的我，我也想嘗試創作類似的作品。」於是她著手進行了自己最早的一次動畫實驗——用牙膏擠出一條魚骨頭。

她說，自學最大的挑戰莫過於技術，在沒有老師可以求助的狀況下，她利用網路找到答案，「可以透過觀察其他動畫師，留意他們的幕後製作來學習。」在Hampshire College第四年的課程中，她完成了一部8分鐘的動畫紀錄片，內容是關於馬薩諸塞州（Massachusetts）的非法生乳市場。

用羊毛氈挑戰不同質地的表達

不過現今提到動畫，直覺都會想到數位，為何她對手工情有獨鍾？Andrea Love說得坦白，「我對數位動畫從來沒有興趣，對CGI的吸引力也遠不如逐格動畫。」翻閱她的Instagram，一直滑到最早期的作品，會發現媒材還未固定，木頭、手繪等等都有。後來之所以選擇專攻羊毛氈，「因為它可塑性極高，而且當時還沒有太多人使用，仍是逐格動畫裡非常新穎的媒材。」她也坦言，羊毛氈是一種「策略性選擇」，能讓自己的作品在大預算製作的動畫中脫穎而出。

從人物、動物到大自然，細節如溪水潺潺流動、燃燒中的爐火、鉛筆越削越尖等等，都在Andrea Love的巧手下表達得惟妙惟肖。她說明，羊毛氈非常輕且有彈性，卻出奇堅韌，彼此也能融合得很好，可以做出極為逼真的效果。她相當喜歡用羊毛氈挑戰不同質地的表達，像是液體、氣泡、蠟等等，「液體對我來說是最難的效果之一，但我會說，創造一條快速流動的河流，比創造一個幾乎沒有流動且無法遮蔽的池塘容易得多。」

羊毛氈上菜！用料理與觀眾連結

不斷練習與創作，Andrea Love於5年內做出多部動畫短影音、累計時長超過45分鐘，但一直到2019年於社群發布《Cooking with Wool》系列影片， 才漸漸受到矚目。《Cooking with Wool》每部長度約30秒至1分鐘不等，用羊毛氈製作出烤肉架上的縷縷炊煙、吐司上塗抹的綿密果醬、水壺煮沸的水蒸氣等料理情節與效果。

這也是Andrea Love至今數量最多的個人創作系列，且還會持續發表下去。「大家對這件作品的連結度，比其他作品都還要高。」她發現，烹飪這個主題具有普遍性，每個人都可以在某種程度上產生共鳴，例如對料理技法的看法等等，促使他們看完影片後會發表評論、參與互動。

至於Andrea Love私下是否熱愛做菜？她笑說自己其實沒有太多時間做菜，「我更像一個洗碗工，嫁給了一個非常擅長料理的人。我來自一個愛吃美食的家庭，所以我也樂意計劃一個有趣的羊毛氈食譜。」

來自Hermès、LOEWE、Netflix的合作邀約

另一個大眾認識她的管道，來自她和Hermès、LOEWE等精品品牌的合作；她也為墨西哥導演吉勒摩．戴托羅（Guillermo del Toro）的Netflix動畫電影《吉勒摩．戴托羅之皮諾丘》製作宣傳短片，將片中的木偶皮諾丘變成羊毛氈版本；串流平台Hulu也邀請她製作了logo的新形象影片。

「非常幸運的是，我的個人風格可以很輕鬆地融入商業市場，特別是透過社群媒體的短影音貼文。」她解釋，通常品牌會帶著一個模糊的想法找上門，例如Hermès最初即表示「想讓禮品有一些變化」，她便會與助手一起製作分鏡並提案，最終從品牌標誌性的橘色盒子出發，變化出包包、鞋子、兔子等元素。

2023年LOEWE節慶系列，LOEWE與京都陶瓷工作室Suna Fujita聯名，將Suna Fujita設計的曼德拉草、水獺、熊貓等插畫圖像，運用在包款、服飾和配件上。接獲動畫製作邀約時，Andrea Love認為，「這些插畫透過角色的樣貌，早已道盡了背後的故事，所以我只想以盡可能忠實的方式，將它們栩栩如生地呈現出來。」她為LOEWE製作了一系列動畫短片，其中一則男孩不小心將曼德拉草「拔」出土、最後竟成為好友一同喝茶的影片，在Instagram發布後已累積超過93.8萬人按讚。 

與巨大角色偶共創動畫短片

除了以社群網路為作品發布平台，Andrea Love也於2021年推出8分鐘的動畫短片《Tulip》，獲安錫國際動畫影展、西雅圖國際影展入選。創作契機始於2019年，她在朋友介紹下認識了繪本作家Phoebe Wahl，對方有意將自己的插畫擴展至動畫領域，於是兩人開始討論。

Phoebe Wahl建議改編安徒生童話故事《拇指姑娘》，但由於這個故事距今已近兩個世紀，許多情節不符合現代精神，因此她們為其做了「現代女性主義」的改造，讓故事不再涉及童婚。名為Tulip的女主角同樣在花中誕生，旅程保留了原著的冒險與魔法，但結局不再是傳統愛情故事，而是在各處找到了家。

Andrea Love花了一年全職來做《Tulip》，又再利用了6個月的部分時間製作後期。角色外觀發想自Phoebe Wahl的設計草稿，接著由Andrea Love用羊毛氈製作人偶、Phoebe Wahl負責製作服裝。「最挑戰的是在不同比例下製作。」她解釋，片中角色偶的尺寸差異極大，小則非常小，大則比真人還大，例如老婦人和青蛙就屬非常大的偶，光是製作就費時數天，加上動畫處理更是繁複，「與特大的角色偶一起工作，對我來說絕對是一個學習經歷。」

逐格動畫遊戲裡的生態童話

如今，Andrea Love又在嘗試新的領域——用羊毛氈做逐格動畫遊戲。這個嶄新的點子來自一場日常聊天，她和遊戲設計師Andy Katsikapes同為華盛頓州湯森港（Port Townsend）的社區家長，某天突然聊起「製作一款逐格動畫遊戲會很酷。」並發現儘管市面上有幾款逐格動畫遊戲，但還未看過羊毛氈版本，「所以我知道我們可以創造出非常特別的作品。」

採訪當下她已經埋首製作一年多，並坦言遊戲與劇情短片在創作過程上差異很大。短片是要做出一個巨大場景來拍攝動畫，遊戲則得將每一個元素的動畫分開處理，再將它們編程進遊戲中，因此包含了大量電腦合成，而這正是她平時不會做的事。

這款名為《Feltopia》的遊戲，玩家為一名魔法牧羊人，設法突破障礙與謎團，找到失蹤的彩虹羊群。Andrea Love說，在創作初期，兩人首先提出「橫向捲軸遊戲」的簡單想法，初步測試後確認滿意且可行。原本故事想探討機器人革命，將有大量爆炸和機器人元素，「在這個世界觀下製作了一段時間後，我意識到我對羊毛氈的熱愛在於自然世界——景觀、水、煙霧、火等。所以轉向了一個我們稱之為「生態童話」（eco-fairy tale）的故事。遊戲裡有環保的角度，但不希望以一種激進的形式呈現。」她說，每一個創作決定都會用「這個效果或角色用羊毛氈表現出來會如何？」的視角來審視，回到她喜愛羊毛氈的最源頭，創作方向也變得更直觀。

羊毛氈之於Andrea Love，有太多未知與樂趣可以解鎖，不禁好奇是否還想嘗試其他創作媒材？「如果我要學習一種不同的工藝，可能會是玻璃吹製。我喜歡看玻璃藝術家在溫度很高的工坊裡工作，玻璃作為媒材很吸引我，它的流動方式、色彩的融合，整個神祕的過程都讓我著迷，也許有一天我會嘗試用玻璃來製作動畫。」作為觀眾最開心的，莫過於聽見這位總是帶來奇異幻想的創作者，又在想像新的可能了。

Andrea Love 

獨立動畫藝術家、導演，現居於美國華盛頓州。2010年從Hampshire College畢業，專攻影像製作和電影研究。她是位自學成才的動畫師，以羊毛氈為媒材創作逐格動畫，作品曾於翠貝卡電影節、洛杉磯短片電影節播映。合作品牌包括Hermès、LOEWE、Netflix、Hulu等。目前正在製作全世界第一款羊毛氈逐格動畫遊戲。

_{文｜張以潔
圖片提供｜Andrea Love、Hermès、LOEWE、Sarah Wright}

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「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/10月號《韓國設計特搜》

想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group