專訪／以陽明山、日月潭美景為靈感！阿根廷織品藝術家Alexandra Kehayoglou用羊毛織物詮釋台灣綠色森林

保護自然有千百種方式，來自阿根廷的藝術家 Alexandra Kehayoglou，用柔軟且溫暖的羊毛線，織就一件件大型的藝術作品，試圖將童年回憶和保護自然的想望揉捻至織品中，以此記錄地景並讓人反思自然保護的重要性。

來台灣短短幾天的阿根廷藝術家 Alexandra Kehayoglou，即使行程緊湊，在受訪前仍抽了個空直奔北投。她指著手機螢幕上的地熱谷白煙，以及林道間的綠景，直說台灣的環境令她印象深刻，正如同她的創作靈感皆來自大自然，探看各地的自然環境，似乎成了她認識一地的重要方式。

羊毛線裡的家鄉回憶

來自阿根廷首都布宜諾斯艾利斯的 Alexandra，生長在祖父母成立的工業羊毛地毯公司 El Espartano。從小看著父親將柔軟的羊毛線製成織品、掛毯等產品，深深影響著後來以織品作為媒材的藝術創作。然而成為藝術家前，她並沒有將家族事業視為職業選項，直到就讀藝術學校，為了尋找畢業作品的創作材料，於是才又接觸羊毛線。「那時才發現，其實我與羊毛一直有很深的情感連結，只是我沒有想到怎麼利用它。」Alexandra 笑著說。

Alexandra 的織品創作以家族工廠剩餘的羊毛線製作，主要呈現童年回憶裡的阿根廷自然風景，或者即將被破壞殆盡的河域生態，而森林、草原、苔蘚、冰川和石頭等元素，都成了作品中時常出現的景觀。對她而言，織品是一個非常有能量的媒材，「從小看到家族工廠做地毯時，往往會在產品上呈現這些織品的產地、文化等故事，於是我的創作也深受影響，希望能用織品傳達訊息。」在創作過程中，Alexandra 通常會將布面垂直懸掛，接著用手工方式進行編織。到了需要將毛線裁切或修剪時，便會使用氣動修剪工具、剪刀進行塑形。即使工業化後的地毯產業，已有許多先進的編織或裁切工具，「但在藝術創作中，我最喜歡使用的工具還是剪刀，因為透過手部動作直接帶動剪刀的開合，最能呈現想像中的造型。」

巨幅地景織品創作 最溫柔的提醒

在 Alexandra 的作品裡，可以發現她大多創作大型的地毯、掛毯，但實在很難想像眼前身材纖細的她，會特別喜歡創作巨幅的織品。「我認為這些大面積作品比較能吸引人們的注意，特別是想呈現自然地景時，較能勾勒出寬闊的景觀風貌，雖然一個作品需要花費將近 6 個月的時間完成，但是隨著作品到處展出，也能讓大眾透過羊毛線織品感受家鄉的自然景色。」

而以一簇簇羊毛形成的地景風貌，也在柔軟的觸感中，傳達了庇護與童趣的意象。例如作品「Refuge For A Memor」，便是由地毯和掛毯組成，透過羊毛織成的苔癬地景和森林，傳達了即便沒有銅牆鐵壁，柔軟的力量也能帶來安全自在且充滿童趣的感受。

除了讓大眾看見自然的美好，Alexandra 也以織品創作為媒介，提醒人們，在快速的社會發展中，自然景觀已遭受破壞，甚至即將消失殆盡。例如 2014 年為比利時服裝設計師 Dries Van Noten 打造的巴黎伸展台作品「Before and After」，靈感便來自阿根廷彭巴（Pampa）草原，此地因為農業過度開發，迫使原先生氣盎然的自然景觀漸漸消逝，為了讓人們思考人為發展對自然帶來的傷害，Alexandra 試圖以 50 公尺長的作品重現草原的生機，這不僅是她目前最大型的作品，也是與時尚界的首度合作。

而其它如 2016 年在邁阿密設計週展出的「No Longer Creek」、2017 年於墨爾本維多利亞國家美術館展出的「Santa Cruz River」，靈感都是來自將被開發的阿根廷河流，Alexandra 看到當地居民為此與開發者抗爭、引起衝突，於是試圖用羊毛線呈現河流的原生樣貌，以此記錄它們對當地的貢獻，並傳達大自然在充滿敵意的環境下如何掙扎求生，以及讓人們思索如何能為這裡帶來更好的未來。

跨界合作的自然景觀

為忠泰集團忠泰講廳（Jut Hall）所打造的「Panorama」，是 Alexandra 第一個跨足空間的創作案。可容納 176人 的蛋型演講廳，從地面、牆面到天花板皆包覆著手工打造的織品藝術。Alexandra 與 MVRDV 的建築師 Winy Maas 合作打造此空間時，一開始由 Winy 提供空間相關影像作參考，然後 Alexandra 再以台灣山景延伸出自己的想法進行創作，這也是她首次以 3D 影像圖輔助創作。

作品分為平面地毯，以及從牆面延伸到天花板的立體掛毯兩部分。「地毯的製作與一般工業地毯不同，在面積上會有許多不規則的紋路，以符合演講廳的弧形設計。」而從牆面到天花板部分，則以一簇簇高低層次不同的羊毛線，呈現山谷裡茂密森林的景象。「這部分靈感來自陽明山及日月潭山巒疊翠的風景，並且花了一年的時間進行手工編織。」Alexandra 更在作品中加入紅白色小花的元素，展現台灣森林豐富的面貌。能將織品創作與空間結合，「我認為這是一個非常成功的跨界嘗試，讓織品能跳脫平面、懸掛的呈現。未來我也希望能有更多相關的創作，讓織品藝術有更多的展現方式。」Alexandra 說。

用藝術創作做為對人們溫柔的提醒，Alexandra 在展場裡甚至看到了人們因為觸摸到織品而產生特別的反應，「嚴肅的人觸摸到地毯後，表情變得柔和，而小朋友躺在上面會安靜下來，又或者像在遊樂場一樣玩了起來。」織品就像擁有神奇魔力，透過觸感讓人獲得平靜溫暖，「我將我的作品視為生命的資料庫。」在她手裡，織品也成為了說故事的媒介，用最柔和的方式傳達保護自然的反思。

文／陳岱華

圖片提供／Alexandra Kehayoglou Studio、忠泰集團

攝影／Francisco Nocito

【更多精彩內容請見 2018《La Vie》雜誌 1 月號】

現正於台北展出的「波特羅特展」，為拉丁美洲藝術家費爾南多・波特羅（Fernando Botero）首度在台舉辦的大型展覽。而本次展覽由波特羅基金會代表，同時也是波特羅的女兒Lina Botero策劃，她也親自與我們分享波特羅的藝術生涯故事，以及那些關於父親的回憶。

對「體積」充滿迷戀

1932年出生於哥倫比亞麥德林的波特羅，直到2023年離世前4天，仍持續在創作，一生對藝術充滿了熱愛。而貫穿波特羅作品核心的，是他對「體積（volume）」的迷戀，但他總說，自己對體積的著迷是與生俱來，且他從未真正理解這份執著究竟從何而來。

1952年，是波特羅人生中的重要轉折，當時他憑藉著獎金來到歐洲，進入皇家聖費爾南多美術學院學習繪畫。然而波特羅很快意識到，與其坐在教室裡，不如把時間花在臨摹大師的作品上。此後，他幾乎每天都前往普拉多美術館（Museo del Prado）臨摹Velázquez、Tintoretto、Titian等大師的畫作，這段經歷也對他的藝術養成至關重要。

某天，波特羅偶然看到書上有著Piero della Francesca的壁畫作品，那一刻，他深深意識到，藝術遠比自己想像的更加崇高。而這也促使波特羅前往佛羅倫斯，深入研究義大利文藝復興時期的作品。

藝術必先深植於本土

在歐洲待了兩三年，由於旅費耗盡，23歲的波特羅回到哥倫比亞，與妻子結婚後，兩人隨即前往墨西哥生活。Lina提到，當時的墨西哥是拉丁美洲藝術發展的重鎮，也是許多年輕藝術家心中的「朝聖之地」。彼時，多數拉丁美洲藝術家仍描繪與歐洲印象派畫家相似的風景，但墨西哥藝術家率先將目光轉向自己的文化根源，開始描繪這片土地的事物。這也讓年僅24歲的波特羅重新思考創作方向，並奠定了他一生遵循的信念——「藝術若要真正具有普世性，首先必須根植於在地（For art to be truly universal, it must first be local.）」。

在那之後，波特羅的創作核心便建立在自己童年與青少年時期的回憶之上。Lina說明，「在本次展覽中的『拉丁美洲』展區，可以看到那些存在於我父親記憶中的人物，後來都成了他作品中的主角；街道景象與日常生活的場景，也被他以個人風格轉化為屬於自己的世界。」

形塑獨特的「波特羅風格」

Lina補充，每一位藝術家在創作初期，都會受到許多不同事物的影響，也會不斷嘗試各種可能、直到找到真正屬於自己的藝術語言。而在墨西哥時期，也發生了一件對波特羅極為重要的事。某天深夜，他獨自在工作室畫一把曼陀林（mandolin），他先是畫出非常飽滿的外輪廓，接著畫了一個非常小的音孔。在那瞬間，他發覺曼陀林彷彿被放大許多，同時意識到，自己似乎發現了某種對未來創作極為重要的方向。而這是過去的藝術養分與創作經驗累積下來的結果，並逐漸形塑出我們今日所認識的波特羅風格。

「風格」是藝術家信念的總和

對波特羅而言，「風格」是一位藝術家能夠為自己所處時代做出的最大貢獻，因為「風格」正是藝術家信念的總和。Lina說明，真正的風格應該在最簡單的題材中也能夠被辨認出來，比如畢卡索和塞尚或波特羅畫的橘子，是完全不一樣的。因此在這次的「靜物」展區中，更能讓人一眼辨識出波特羅的風格。事實上，很多人都會問：「波特羅為什麼總是畫胖子？」但他總回答這輩子沒畫過任何胖子。因為他的創作，其實是將感官上的感受傳遞到形式上，是對飽滿、圓潤形體所展開的探索，且不只是人物，不論是物件、水果或動物，他都以相同的手法賦予它們雕塑般的分量感。

忠於自己的核心價值

Lina分享，1960年代波特羅在紐約時，當時的主流是抽象畫與普普藝術，他卻與趨勢背道而馳，結果沒有人注意他的作品，藝評也對他也非常嚴厲。然而，波特羅始終忠於自己的藝術信念、不盲從追求當時的潮流。直到MoMA的一位策展人看到他畫的《12歲的蒙娜麗莎》，決定讓這幅畫在MoMA展出後，才開始有人與他接觸，也讓波特羅迎來了職業生涯的轉捩點。

藝術應該是屬於每一個人

身為策展人的Lina表示，「這是我們第一次來台灣，我希望可以選擇最為顯著、最可以代表我父親70年創作歷程的主題，因此作為他的根源的『拉丁美洲』展區格外重要。」而像是「靜物」、「鬥牛」等主題，也都是構成波特羅創作的不同面向。她也提到，先前在韓國展出時，突破了近25萬的觀展人數紀錄，這也證明了不同的畫作能直接與觀者對話，同時呼應波特羅的想法「藝術應該是屬於每個人，不是只有少數菁英份子可以欣賞的。」

延伸閱讀：《圓潤的魔法 波特羅特展》登台！集結「圓滾滾藝術家」油畫、素描、水彩與立體雕塑作品，一探獨特膨脹美學

幽默是走進藝術的一扇門

Lina補充，父親是個非常幽默的人。「他認為，幽默就像是一扇為觀者打開的門，讓人們得以走進藝術作品之中。他同時也把幽默當成一種工具，因為在1930到40年代的拉丁美洲有非常多獨裁者，而他會利用藝術去批判這些獨裁者、政治家或諷刺教會。」對Lina而言，看見這麼多人喜愛父親的作品，令她感到十分欣慰，也讓她更加確信，將這些作品帶給下一代是他們肩負的重大責任。「我也曾和畢卡索的後裔討論到這點，我們都認為，持續與新世代展開對話非常重要。」

不只是藝術創作，談起父親，Lina分享了許多回憶。她說，「我從小和兩個兄弟一起長大，但父親從來沒有把我當作『只是個女孩子而已』，他對我們所有人都是一視同仁的，他讓我覺得自己是個強大的女性。」

為父親策劃80歲回顧展

Lina過去曾在電視廣播界工作，之後投入室內設計領域。2012年，她受邀於墨西哥為波特羅策劃80歲生日回顧展。「和我父親共事是一件非常美妙的事，因為我們有非常緊密的關係，同時也互相信任。他相信我能把他作品所要展現出來的樣子，以及著重的重點表現出來。」

波特羅非常喜歡獨自作畫，Lina成為少數被允許進去他工作室的人。「在我父親生命的最後一年，我每天都陪他去工作室。看他作畫是一件非常神奇的事，只要待在工作室，他就像突然變回了年輕人，甚至不再需要拐杖。」

用想像力灌溉童年回憶

最後，Lina笑著說，對父親印象最深刻的，還是那些童年回憶。「我們成長過程中有著許多關於父親的美好記憶，因為當時我父親完全沒有錢，但他會用他的想像力來彌補資源上的匱乏。」她回憶，當時父母離婚後，每到星期五都會和父親共進晚餐，父親總會買最普通的罐頭番茄湯，但會特地去買玻璃眼球放進湯裡，並告訴孩子：「今天喝的是眼球湯。」年幼的他們當然深信不疑，「小時候，你會相信你父親對你說的每一件事。那真的是一段非常不可思議的時光。我的父親有說不完的精彩故事，而我最珍貴的童年回憶，也正是來自他為我們編織的那些奇妙故事。我父親留給我最好的禮物就是這些回憶。」

《圓潤的魔法 波特羅特展》
日期：2026.6.19-10.11
地點：國立中正紀念堂1展廳

曾任Marimekko專屬織品設計師，並長年與SOU・SOU合作的脇阪克二，以鮮明而溫柔的圖案風格，成為日本最具代表性的圖案設計師之一。而脇阪克二最初只帶著5幅畫、滿腔熱情，獨自踏上前往芬蘭的列車。他相信，只要能踏進Marimekko，就有機會證明自己的設計。這趟冒險旅程，最終讓他成為Marimekko第一位日本籍專屬織品設計師。

Marimekko在一九五一年創立於芬蘭，以獨創的織品設計與繽紛的色彩風格而聞名。至六〇年代初期，Marimekko已吸引了全球設計師的目光，如今創立超過七十五年，更是躍升為廣受各世代喜愛的經典生活風格品牌。

脇阪克二與Marimekko的邂逅始於高三那年。當時的Marimekko雖然在設計界頗有名氣，但尚未進軍日本，因此只有內行人才知道這個品牌。某天，脇阪克二拜訪了一位設計師朋友的工作室，對方向他分享了在芬蘭買到的Marimekko商品。那是一件由織品設計師安妮卡．里瑪拉（Annika Rimala）打造的印花洋裝，洋裝造型極為簡約，只用一絲線條劃分雙色來營造對比，俐落無比的設計令脇阪克二震撼得說不出話來。

儘管造型非常簡單，色彩與設計卻大膽得令人驚豔。如此美麗而新穎的織品設計，在日本前所未見。相較之下，日本市面上那些圖案繁複、令人眼花撩亂的織品，簡直就像騙錢的玩意兒……！

從此，「Marimekko」的品牌名稱就如同一道咒語，在脇阪克二的腦海中縈繞不去。他開始遍覽織品雜誌，依靠零星資訊得知創辦人是一位叫做阿爾米．拉蒂亞（Armi Ratia）的女士，且公司裡擁有多位專業設計師。他的興趣因此愈來愈濃厚。

他下定決心──如果要出國磨練，我只去Marimekko。

在心中立誓後，脇阪克二再也按捺不住了。他迅速收拾行李，將自己繪製的五幅畫裝進旅行箱，隻身搭乘西伯利亞鐵路前往芬蘭。這是他第一次出國，不僅沒錢、語言不通，在當地也沒有任何親友，僅憑著滿腔「自我挑戰」的熱情，便登門早訪了於赫爾辛基的Marimekko總公司。

然而，面對這位突如其來的亞洲青年，總公司的工作人員實在難掩困惑。儘管脇阪克二努力透過肢體語言與生澀的英語表達自己的想法，仍然吃了一頓閉門羹。但他此次造訪原本就是抱著姑且一試的心態，假設行不通，也打算先找個地方洗碗打工再思索下一步。就在脇阪克二做好心裡準備時，隔天阿爾米．拉蒂亞居然通知他進公司，還說了令他意想不到的話。原來，她看過了他呈交的畫作。

「你的畫很有趣。我想試用你一個月，你可以隨心所欲地創作。」

於是，脇阪克二展開了為期一個月的試用期。儘管他對芬蘭語一竅不通，試用期也沒有薪水可領，但他心中卻洋溢著能在夢寐以求的Marimekko從事設計的喜悅與希望。

我要放手一搏，徹底發揮畢生所學。

對創作根深蒂固的渴望，以及在日本被長期壓抑的強烈表現欲一口氣爆發，令脇阪克二在短短一個月內創作出多達二十種設計。那些自由奔放、充滿生命力的織品，讓阿爾米．拉蒂亞讚不絕口。她決定將其中幾款納入Marimekko的產線，並且正式聘請脇阪克二為Marimekko的專屬設計師。那一年，脇阪克二二十四歲，日本第一位Marimekko專屬織品設計師就此誕生。

脇阪克二在試用期創作的織品皆以日文命名，例如「YUME」（夢境）、「HANA」（花朵）、「OKA」（山丘）。儘管距今已過五十年，它們仍是廣受大眾喜愛的Marimekko代表作。

本文內容節錄自La Vie出版書籍《創作就是做自己：脇阪克二從Marimekko到SOU・SOU的設計思考》

出版日期｜2026/07/02

作者｜脇阪克二

曾在Marimekko擔任設計師，長年與 SOU・SOU 合作，脇阪克二以鮮明且溫柔的圖案風格，成為日本最具代表性的圖案設計師之一。

對脇阪克二而言，圖案不只是設計，更是與生活對話的方式。從京都的街景、四季變化，到旅行途中遇見的風景與人們，他將那些日常裡微小卻深刻的感受，轉化成一塊布、一個紋樣、一種陪伴生活的設計。

本書收錄其多年創作與代表作品，並完整分享他的創作思考、圖案哲學，以及對「設計與生活」的理解。

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