保護自然有千百種方式，來自阿根廷的藝術家 Alexandra Kehayoglou，用柔軟且溫暖的羊毛線，織就一件件大型的藝術作品，試圖將童年回憶和保護自然的想望揉捻至織品中，以此記錄地景並讓人反思自然保護的重要性。

來台灣短短幾天的阿根廷藝術家 Alexandra Kehayoglou，即使行程緊湊，在受訪前仍抽了個空直奔北投。她指著手機螢幕上的地熱谷白煙，以及林道間的綠景，直說台灣的環境令她印象深刻，正如同她的創作靈感皆來自大自然，探看各地的自然環境，似乎成了她認識一地的重要方式。

羊毛線裡的家鄉回憶

來自阿根廷首都布宜諾斯艾利斯的 Alexandra，生長在祖父母成立的工業羊毛地毯公司 El Espartano。從小看著父親將柔軟的羊毛線製成織品、掛毯等產品，深深影響著後來以織品作為媒材的藝術創作。然而成為藝術家前，她並沒有將家族事業視為職業選項，直到就讀藝術學校，為了尋找畢業作品的創作材料，於是才又接觸羊毛線。「那時才發現，其實我與羊毛一直有很深的情感連結，只是我沒有想到怎麼利用它。」Alexandra 笑著說。

Alexandra 的織品創作以家族工廠剩餘的羊毛線製作，主要呈現童年回憶裡的阿根廷自然風景，或者即將被破壞殆盡的河域生態，而森林、草原、苔蘚、冰川和石頭等元素，都成了作品中時常出現的景觀。對她而言，織品是一個非常有能量的媒材，「從小看到家族工廠做地毯時，往往會在產品上呈現這些織品的產地、文化等故事，於是我的創作也深受影響，希望能用織品傳達訊息。」在創作過程中，Alexandra 通常會將布面垂直懸掛，接著用手工方式進行編織。到了需要將毛線裁切或修剪時，便會使用氣動修剪工具、剪刀進行塑形。即使工業化後的地毯產業，已有許多先進的編織或裁切工具，「但在藝術創作中，我最喜歡使用的工具還是剪刀，因為透過手部動作直接帶動剪刀的開合，最能呈現想像中的造型。」

巨幅地景織品創作 最溫柔的提醒

在 Alexandra 的作品裡，可以發現她大多創作大型的地毯、掛毯，但實在很難想像眼前身材纖細的她，會特別喜歡創作巨幅的織品。「我認為這些大面積作品比較能吸引人們的注意，特別是想呈現自然地景時，較能勾勒出寬闊的景觀風貌，雖然一個作品需要花費將近 6 個月的時間完成，但是隨著作品到處展出，也能讓大眾透過羊毛線織品感受家鄉的自然景色。」

而以一簇簇羊毛形成的地景風貌，也在柔軟的觸感中，傳達了庇護與童趣的意象。例如作品「Refuge For A Memor」，便是由地毯和掛毯組成，透過羊毛織成的苔癬地景和森林，傳達了即便沒有銅牆鐵壁，柔軟的力量也能帶來安全自在且充滿童趣的感受。

除了讓大眾看見自然的美好，Alexandra 也以織品創作為媒介，提醒人們，在快速的社會發展中，自然景觀已遭受破壞，甚至即將消失殆盡。例如 2014 年為比利時服裝設計師 Dries Van Noten 打造的巴黎伸展台作品「Before and After」，靈感便來自阿根廷彭巴（Pampa）草原，此地因為農業過度開發，迫使原先生氣盎然的自然景觀漸漸消逝，為了讓人們思考人為發展對自然帶來的傷害，Alexandra 試圖以 50 公尺長的作品重現草原的生機，這不僅是她目前最大型的作品，也是與時尚界的首度合作。

而其它如 2016 年在邁阿密設計週展出的「No Longer Creek」、2017 年於墨爾本維多利亞國家美術館展出的「Santa Cruz River」，靈感都是來自將被開發的阿根廷河流，Alexandra 看到當地居民為此與開發者抗爭、引起衝突，於是試圖用羊毛線呈現河流的原生樣貌，以此記錄它們對當地的貢獻，並傳達大自然在充滿敵意的環境下如何掙扎求生，以及讓人們思索如何能為這裡帶來更好的未來。

跨界合作的自然景觀

為忠泰集團忠泰講廳（Jut Hall）所打造的「Panorama」，是 Alexandra 第一個跨足空間的創作案。可容納 176人 的蛋型演講廳，從地面、牆面到天花板皆包覆著手工打造的織品藝術。Alexandra 與 MVRDV 的建築師 Winy Maas 合作打造此空間時，一開始由 Winy 提供空間相關影像作參考，然後 Alexandra 再以台灣山景延伸出自己的想法進行創作，這也是她首次以 3D 影像圖輔助創作。

作品分為平面地毯，以及從牆面延伸到天花板的立體掛毯兩部分。「地毯的製作與一般工業地毯不同，在面積上會有許多不規則的紋路，以符合演講廳的弧形設計。」而從牆面到天花板部分，則以一簇簇高低層次不同的羊毛線，呈現山谷裡茂密森林的景象。「這部分靈感來自陽明山及日月潭山巒疊翠的風景，並且花了一年的時間進行手工編織。」Alexandra 更在作品中加入紅白色小花的元素，展現台灣森林豐富的面貌。能將織品創作與空間結合，「我認為這是一個非常成功的跨界嘗試，讓織品能跳脫平面、懸掛的呈現。未來我也希望能有更多相關的創作，讓織品藝術有更多的展現方式。」Alexandra 說。

用藝術創作做為對人們溫柔的提醒，Alexandra 在展場裡甚至看到了人們因為觸摸到織品而產生特別的反應，「嚴肅的人觸摸到地毯後，表情變得柔和，而小朋友躺在上面會安靜下來，又或者像在遊樂場一樣玩了起來。」織品就像擁有神奇魔力，透過觸感讓人獲得平靜溫暖，「我將我的作品視為生命的資料庫。」在她手裡，織品也成為了說故事的媒介，用最柔和的方式傳達保護自然的反思。

文／陳岱華

圖片提供／Alexandra Kehayoglou Studio、忠泰集團

攝影／Francisco Nocito

【更多精彩內容請見 2018《La Vie》雜誌 1 月號】

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會（Fondation Louis Vuitton），匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品，從加州時期以泳池為題的一系列作品，到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫，展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置，並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作，也同時回顧David Hockney早期的代表性作品，帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示：「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽，連我現在正在創作的畫作也會展出，我想這一定會非常精彩。」

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來，David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年，他的創作生涯豐富且多產，無論媒材或技法皆持續創新，從未停下腳步。

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言，並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕，像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯，以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像（泳池與兩個人像）》等作品，以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

1980至1990年代，David Hockney轉而描繪自然景觀，並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分，則聚焦David Hockney近25年回到英國，於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期，他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主，像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》，以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等，都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間，他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色，透過科技筆觸描繪生活的希望，持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時，他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像，並以傳統畫框裝裱數位畫作，產生時空交錯的視覺效果。

來到展覽的尾聲，則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品，其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發，畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外，David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像，為這場規模空前的回顧之旅收尾。

David Hockney 25

展覽日期｜2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點｜Fondation Louis Vuitton

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊（Galerie Marguo）攜手合作，推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡（Ana Karkar）在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識，幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中，她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世，情緒張力飽滿，洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力，帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境，穿越現實與幻想的邊界。

狂想般的視覺語言，包裹對「自我」的見解

東西方神話、實驗電影、克林姆等維也納分離派畫家……滋養著卡卡的創作養分，引領她發展出近似「狂想」的視覺語言。她用極具流動性的筆觸描繪女體、勾勒女性意識，像是種反叛，挑戰人們對情色與親密的既定想像；也是份宣言——自我沒有固定的形式、沒有清晰的邊界，而是如花般層層綻放，在關係中不斷展開、變形與再生。

在卡卡的藝術宇宙裡，身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器，神聖又脆弱，蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚，引領觀者在幻象與現實之間，重新凝視身體與存在的關係，想像蛻變的可能。

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品，持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence〉畫中濃綠與青藍色調，喚起水與生命誕生的意象，與火的元素形成對比，象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象，神秘而無法被定義；她內心彷彿燃燒著渴望，只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

另一邊，〈Scales〉畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞，形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇，白與紫的色彩對比空靈而神秘，營造近乎神話般的場景。

藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響，也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中，糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象，強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒（Egon Schiele）；激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙，則呼應了克林姆（Gustav Klimt）的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演，從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪（Brian De Palma）到達利歐·阿基多（Dario Argento），以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂，都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」，延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格，根植於卡卡的生活背景，她出生並成長於舊金山，從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後，曾進入Louis Vuitton總部工作，於影像製作和數位媒體部門任職7年，現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷，皆深深影響她的創作。

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為，「卡卡畫的不是單純的身體，而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變，還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角，創造了一個心理空間，在那裡，身體不再是固定的，而是不斷變化、彼此交織，充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream》

展期｜2025.05.07－07.12

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）