保護自然有千百種方式，來自阿根廷的藝術家 Alexandra Kehayoglou，用柔軟且溫暖的羊毛線，織就一件件大型的藝術作品，試圖將童年回憶和保護自然的想望揉捻至織品中，以此記錄地景並讓人反思自然保護的重要性。

來台灣短短幾天的阿根廷藝術家 Alexandra Kehayoglou，即使行程緊湊，在受訪前仍抽了個空直奔北投。她指著手機螢幕上的地熱谷白煙，以及林道間的綠景，直說台灣的環境令她印象深刻，正如同她的創作靈感皆來自大自然，探看各地的自然環境，似乎成了她認識一地的重要方式。

羊毛線裡的家鄉回憶

來自阿根廷首都布宜諾斯艾利斯的 Alexandra，生長在祖父母成立的工業羊毛地毯公司 El Espartano。從小看著父親將柔軟的羊毛線製成織品、掛毯等產品，深深影響著後來以織品作為媒材的藝術創作。然而成為藝術家前，她並沒有將家族事業視為職業選項，直到就讀藝術學校，為了尋找畢業作品的創作材料，於是才又接觸羊毛線。「那時才發現，其實我與羊毛一直有很深的情感連結，只是我沒有想到怎麼利用它。」Alexandra 笑著說。

Alexandra 的織品創作以家族工廠剩餘的羊毛線製作，主要呈現童年回憶裡的阿根廷自然風景，或者即將被破壞殆盡的河域生態，而森林、草原、苔蘚、冰川和石頭等元素，都成了作品中時常出現的景觀。對她而言，織品是一個非常有能量的媒材，「從小看到家族工廠做地毯時，往往會在產品上呈現這些織品的產地、文化等故事，於是我的創作也深受影響，希望能用織品傳達訊息。」在創作過程中，Alexandra 通常會將布面垂直懸掛，接著用手工方式進行編織。到了需要將毛線裁切或修剪時，便會使用氣動修剪工具、剪刀進行塑形。即使工業化後的地毯產業，已有許多先進的編織或裁切工具，「但在藝術創作中，我最喜歡使用的工具還是剪刀，因為透過手部動作直接帶動剪刀的開合，最能呈現想像中的造型。」

巨幅地景織品創作 最溫柔的提醒

在 Alexandra 的作品裡，可以發現她大多創作大型的地毯、掛毯，但實在很難想像眼前身材纖細的她，會特別喜歡創作巨幅的織品。「我認為這些大面積作品比較能吸引人們的注意，特別是想呈現自然地景時，較能勾勒出寬闊的景觀風貌，雖然一個作品需要花費將近 6 個月的時間完成，但是隨著作品到處展出，也能讓大眾透過羊毛線織品感受家鄉的自然景色。」

而以一簇簇羊毛形成的地景風貌，也在柔軟的觸感中，傳達了庇護與童趣的意象。例如作品「Refuge For A Memor」，便是由地毯和掛毯組成，透過羊毛織成的苔癬地景和森林，傳達了即便沒有銅牆鐵壁，柔軟的力量也能帶來安全自在且充滿童趣的感受。

除了讓大眾看見自然的美好，Alexandra 也以織品創作為媒介，提醒人們，在快速的社會發展中，自然景觀已遭受破壞，甚至即將消失殆盡。例如 2014 年為比利時服裝設計師 Dries Van Noten 打造的巴黎伸展台作品「Before and After」，靈感便來自阿根廷彭巴（Pampa）草原，此地因為農業過度開發，迫使原先生氣盎然的自然景觀漸漸消逝，為了讓人們思考人為發展對自然帶來的傷害，Alexandra 試圖以 50 公尺長的作品重現草原的生機，這不僅是她目前最大型的作品，也是與時尚界的首度合作。

而其它如 2016 年在邁阿密設計週展出的「No Longer Creek」、2017 年於墨爾本維多利亞國家美術館展出的「Santa Cruz River」，靈感都是來自將被開發的阿根廷河流，Alexandra 看到當地居民為此與開發者抗爭、引起衝突，於是試圖用羊毛線呈現河流的原生樣貌，以此記錄它們對當地的貢獻，並傳達大自然在充滿敵意的環境下如何掙扎求生，以及讓人們思索如何能為這裡帶來更好的未來。

跨界合作的自然景觀

為忠泰集團忠泰講廳（Jut Hall）所打造的「Panorama」，是 Alexandra 第一個跨足空間的創作案。可容納 176人 的蛋型演講廳，從地面、牆面到天花板皆包覆著手工打造的織品藝術。Alexandra 與 MVRDV 的建築師 Winy Maas 合作打造此空間時，一開始由 Winy 提供空間相關影像作參考，然後 Alexandra 再以台灣山景延伸出自己的想法進行創作，這也是她首次以 3D 影像圖輔助創作。

作品分為平面地毯，以及從牆面延伸到天花板的立體掛毯兩部分。「地毯的製作與一般工業地毯不同，在面積上會有許多不規則的紋路，以符合演講廳的弧形設計。」而從牆面到天花板部分，則以一簇簇高低層次不同的羊毛線，呈現山谷裡茂密森林的景象。「這部分靈感來自陽明山及日月潭山巒疊翠的風景，並且花了一年的時間進行手工編織。」Alexandra 更在作品中加入紅白色小花的元素，展現台灣森林豐富的面貌。能將織品創作與空間結合，「我認為這是一個非常成功的跨界嘗試，讓織品能跳脫平面、懸掛的呈現。未來我也希望能有更多相關的創作，讓織品藝術有更多的展現方式。」Alexandra 說。

用藝術創作做為對人們溫柔的提醒，Alexandra 在展場裡甚至看到了人們因為觸摸到織品而產生特別的反應，「嚴肅的人觸摸到地毯後，表情變得柔和，而小朋友躺在上面會安靜下來，又或者像在遊樂場一樣玩了起來。」織品就像擁有神奇魔力，透過觸感讓人獲得平靜溫暖，「我將我的作品視為生命的資料庫。」在她手裡，織品也成為了說故事的媒介，用最柔和的方式傳達保護自然的反思。

文／陳岱華

圖片提供／Alexandra Kehayoglou Studio、忠泰集團

攝影／Francisco Nocito

【更多精彩內容請見 2018《La Vie》雜誌 1 月號】

英國藝術家Oli Epp（奧利．艾普）首次亞洲個展在台灣！《奧利・艾普的小鹹點》（Hors d’œuvres）即日起至2025年5月15日於師大美術館展出，不僅匯集藝術家多件知名作品、2025年新作，更有本次在台期間將故宮展品結合泡麵所完成的創作。此外，師大師生團隊也延伸Oli Epp的繪畫作品，透過動畫與AI生成技術打造沈浸式短篇，為展覽創造不同的觀看與體驗路徑。

社群媒體仿佛一座無疆界的巨型劇場，人們重現現實、或擷取現實摻點虛擬想像，在這座劇場中「扮裝」或「表演」——你是否也參與其中？英國藝術家Oli Epp（奧利．艾普）有感於此，於是將源自現實生活、影視作品、社群媒體等的元素挪用並解構，透過摩登、怪誕、略帶詼諧的繪畫作品，反映社群媒體文化盛行所衍生出的形象塑造、社交關係互動等等現象。

這場表演，我們都參與其中

當代社群媒體重即時性、視覺性，並設有公開、數據化的回饋機制，這讓使用者為了吸引視線、追求按讚及留言等互動，發展出不只是記錄生活、更是在「表演」生活的行為模式——人們在此塑造理想形象、編導自身的故事，在數位空間中進行刻意的展演。《奧利・艾普的小鹹點》透過Oli Epp平滑的電繪風格繪畫，聯想社交媒體的劇場表演，反思虛實生活中複雜的互動關係。

人、物合一的怪奇物種，在平面劇場輪番登台

Oli Epp常使用油彩、壓克力為材料，透過平滑、流暢的噴槍及繪畫方式，塑造色彩鮮明、輪廓清晰的畫面。他將對社群媒體、影視作品、當代生活的觀察融入繪畫，以怪誕奇異的構圖，讓筆下角色呈現戲劇化的非真實形象；然而，他們並非全然虛構——人物身穿的名牌服飾、臉上的時髦妝容、耳邊的AirPod、手上拿的信用卡……各種你我熟悉的消費象徵，都提醒著觀眾這是源於現實生活的觀察，展現現代人對於品牌與個人風格的過度執著，彷彿在提醒：「記得對生活中種種的『過量』行為保持距離。」

亮點作品《夢遊者》：以奇幻氛圍紀錄生活災難

Oli Epp的作品看似無厘頭，實則透過物件指涉特定意義與社會現象，或反映他個人的生活記憶。如作品《夢遊者》的角色穿著粉紅色長裙、身旁有隻小羔羊相伴，腳步輕盈地在斑馬線上跳躍；看似夢幻無害，遠方卻有顆紅色警示燈暗示著潛藏的危險即將到來。這件作品源自Oli Epp幾個月前一場生活災難，當時他在深夜半睡半醒之間，不慎沒將水龍頭關好，導致公寓淹水，於是將這場災難化為《夢遊者》，繪出一場暗藏危機的夢境。

在台完成新作《唐》：拼接故宮文物與泡麵，慢與快的矛盾對照

值得一提的是，《奧利・艾普的小鹹點》為Oli Epp首次亞洲個展，也是師大美術館規劃的學生交流展，主要代理藝廊Semiose及藝術家慎重看待這次與台灣觀眾與學生見面的機會。Oli Epp這次為個展來台停留一個月左右，充實異地體驗也期待開啟新的創作靈感，展覽中的《唐》（Tang）正是他在台期間完成的作品，其靈感來自藝術家參觀故宮時所見到的唐代三彩馬，陶馬的傳統工藝表現令他印象深刻，於是他靈機一動將三彩馬與泡麵結合，讓慢工煉成、流傳數百年的工藝品與速食、規模化產品組合，創造一種矛盾又詼諧的視覺印象。

師大學生響應數位沉浸短篇

展覽開幕當天，臺師大圖文傳播學系碩士班師生團隊自Oli Epp作品《阿爾戈斯》（Angos）延伸發展，透過動畫與AI生成技術，打造一充滿懸疑氛圍的沉浸式短篇。《阿爾戈斯》繪出一隻頂著9顆眼睛的黑貓，牠巨大的眼睛總凝視著前方，作品靈感源自希臘神話中的百眼巨人，傳說中他永不必眼，因此沒有秘密能逃脫他的視線。未來，師大美術館也將持續扶持新銳藝術家，並將學生團隊創作列入未來展覽主題之一，持續開拓大學美術館的展演深度及交流廣度。

《奧利・艾普的小鹹點》

展覽時間｜2025.03.16－05.15

展覽地點｜師大美術館3樓（台北市大安區和平東路一段129號）

開放時間｜週二至週五 09:30－17:30，週六日 10:00－17:30，週一及國定假日休館

記憶存在於虛實之間，靠近事發現場時生動鮮明，後又隨時間的流動模糊變形，在我們感嘆消逝時，日本藝術家Cream Ecoe透過繪畫凝結記憶。台北藝廊奇想會現正展出Cream Ecoe首次海外個展《Always be in my heart》，展覽圍繞記憶、時間與情感交錯等主題，透過藝術家夢幻、超現實的視覺語彙，探索那些隨時光流逝而樣貌模糊、餘韻卻仍繚繞內心的生命片段。

記憶，不完全脫離現實的非現實感

色彩在Cream Ecoes的創作中扮演關鍵角色，他經常選擇不易讓人直接聯想到現實世界的色彩，例如紫色、綠色，並搭配藍色來平衡整體調性，這讓他的作品充滿超現實感，引領觀者進入一個陌生又迷人的世界。然而，為了讓作品保持與觀者的連結，他在畫面中保留了現實中的元素，如窗戶、植物或山的輪廓，創造出一種「既陌生又親切」的氛圍，讓觀者能夠投射自己的想像，進入這個幻想空間。

在本次個展《Always be in my heart》中，Cream Ecoes進一步深化這種創作方式，透過架空的建築結構、虛幻的景色以及非典型的色彩搭配，藉繪畫將記憶的殘影視覺化，並以獨特的筆觸描繪時間與情感的流動。

從音樂開啟藝術創作之路

Cream Ecoes最初從事音樂創作，因對專輯視覺設計與藝術表達感興趣，開始踏入繪畫領域。他善於從生活中的細微之處提煉靈感，如電影、旅行、城市中的光影變化、建築造型與景觀結構，並將其轉化為畫面中的架構與氛圍，構築獨特的視覺敘事。雖目前以數位創作為主，但Cream Ecoes對未來的創作不設限，期待嘗試以顏料在畫布、紙板、甚至牆面上，進行更自由、開放的情感釋放。

Cream Ecoes個展《Always be in my heart》

展期｜2025.02.28－03.23

時間｜13:00－20:00，每週二、三公休

地點｜奇想會 Whimsy Works（台北市大安區安和路一段21巷7號）

入場費｜低消一杯飲品