對於羊毛氈，你的第一印象是什麼？毛茸茸、小巧、可愛......咦！這些特點不也是家中毛小孩也有的共同點嗎？這次要介紹的藝術家不在國外，而是居住在跟我們同一座小島上的美麗女孩巫娜（WuNa）。她的動物造型羊毛氈創作，絕對會讓每個喜愛動物的粉絲揚起幸福的笑容吶～想多加了解貓奴女孩巫娜的藝術作品嗎？現在就跟著編輯，聽聽她的創作真心話。

這些已達專業級的作品，讓人不免猜想巫娜接觸羊毛氈應該有好長的一段時間。然而事實上，巫娜大約是從去年八月才正式踏入羊毛氈的世界，其中的關鍵原因是非常偶然的。由於本身從事貓咪中途工作，當時的巫娜由於非常想念送養的貓咪，因此自己製作了一隻作紀念。而朋友看到後也提出要求，希望巫娜能幫他將已經過世的貓咪製作成羊毛氈。也因為巫娜把當時的作品上傳到FB，因此吸引了許多人私訊她，希望能委託她製作寵物羊毛氈。

從巫娜的Instagram，我們不難發現她渾身上下散發著文藝女孩的藝術氣息，這點倒是跟她的所學相當符合。因此，雖然是自學羊毛氈，但是出身於美術系雕塑組的她，在面對立體作品的製作上，相較於一般人容易上手許多。

但在自學的道路上，巫娜也經歷許多摸索階段，尤其是技術層面的「混色」技巧，讓她花了不少工夫。畢竟羊毛有限，而動物的毛色花紋卻變化多端啊！對於羊毛氈大多停留在欣賞階段的你我而言，鐵定很好奇究竟一個羊毛氈是如何被「生」出來的吧！今天巫娜就要直接公開她的製作順序啦！

第一步：找好動物各個角度的照片。

第二步：繪製草稿圖。

第三步：製作骨架與打底。

第四步：慢慢刺上動物的毛色、花紋。

第五步：輪廓的修整。

登登！一隻隻可愛的寵物羊毛氈，就是經過上述這段流程，才被完整地製作出來。雖然5個步驟聽起來好像沒有很多，但經過詢問才知道，每個作品巫娜都要花上一到兩個星期呢！

定睛觀賞巫娜作品的同時，也許你也會莫名感受到一股來自體內深處的暖流，從身體的每一處緩緩流過。這是魔法嗎？編輯倒覺得這是巫娜在創作的時候，透過一針一線，灌注到羊毛氈裡的真心誠意被釋放出來的緣故。她表示，製作的當下內心除了期待外，自己更是懷著一顆為作品注入靈魂的用心。此外，她也希望自己微薄的力量，可以驅趕社會的負面能量，幫助更多毛小孩以及需要的人。

【番外篇】巫娜與貓中途的小故事

從巫娜的作品中，我們不只可以看見她在技術上的努力，更可以感覺到她那顆愛動物的好心腸。在一張張IG相片中，我們總能看見貓咪的身影，相信你也會想知道，這麼特別的女孩跟貓咪送養之間，是如何開始的。

故事的起點要拉回2011年，某天下課，巫娜經過學校停車場時，看了一隻小橘貓賴在某個女生的機車墊上，怎麼樣也不願離開。對方迎上了巫娜關切的目光後，便主動開口，希望巫娜能養這隻貓咪。巫娜原先是打算拒絕的，畢竟家中已養了兩隻貓，經濟狀況也是必須考量的因素，因此巫娜反問對方說：「那你怎麼不養呢？」沒想到對方卻面帶尷尬的說：「因為我養了8隻貓了，家裡塞不下……」

對此，巫娜的反應是大笑幾聲，便決定先幫忙安置小橘貓，並且協助牠找到新主人。因為她的熱心詢問，因此往後大家凡是撿到小狗或小貓，都第一個想到巫娜，所以也因緣際會打開了她擔任貓咪中途的契機。

多才多藝的巫娜，不僅會羊毛氈，還擅長攝影。對於未來，巫娜表示她還是會繼續製作寵物羊毛氈，只是因為每個月能製作的量不多，因此還是以需要紀念的人為主要的服務對象。最後，她還特別跟編輯說，希望能在這篇文章中，對那些願意給她機會，並且耐心等候的大家，表達她的感謝。

Text、Photo / 妞新聞

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？