「圓滾滾藝術家」費爾南多．波特羅（Fernando Botero）特展，即將於6月首度在台展出！《圓潤的魔法 波特羅特展》將帶人們一覽其油畫、素描、水彩與立體雕塑，完整呈現波特羅的人生藝術歷程。

圓滾滾是他的金字招牌

你或許不記得他的全名，但一定對他畫筆下的圓滾滾人事物留下深刻印象。來自哥倫比亞的藝術大師費爾南多．波特羅（Fernando Botero），以獨特的「膨脹美學」聞名世界、顛覆人們對「美」的既定印象，也讓他成為當代最具特色與影響力的藝術家之一。

出生於哥倫比亞麥德林的波特羅，年輕時遠赴歐洲，在西班牙大師的作品與義大利文藝復興的洗禮下，奠定其藝術基礎；故鄉拉丁美洲那鮮豔飽滿的街頭色彩與豐富的文化底蘊，也是他創作中不可或缺的靈感養分。

獨樹一格的「圓滾滾」美學

然而，真正改變他風格的是，年輕時畫的一把曼陀林琴，當時他靈機一動刻意將琴身中央的圓孔縮小，使樂器看來像是向外膨脹，也促使他重新思考比例與體積之間的關係。透過對靜物的反覆練習與試驗，他打破了傳統認知的界限，創造出獨特的藝術表現，而波特羅式的「圓滾滾」美學也就此誕生。

集結118件的圓滾滾作品

圓潤飽滿的創作風格，貫穿波特羅的作品，從人物、靜物、動物到宗教題材等，都可見其獨特的幽默感。而在這次的《圓潤的魔法 波特羅特展》中，集結高達118件的圓滾滾作品，展品包含涵蓋油畫、素描、水彩與立體雕塑，呈現出波特羅不同時期的創作脈絡與風格作品。

感受畫筆下的視覺驚喜

這次也透過「拉丁美洲風情」、「靜物系列」、「鬥牛與馬戲團」、「經典致敬與宗教題材」、「多樣媒材與立體雕塑」等展區，帶領人們深入這些作品的魅力。比如在宗教主題中的修女與神父，藉由誇張造型與幽默筆觸，把對神職人員的諷刺藏在圓潤龐大的身軀裡；向藝術大師致敬的系列作品，將西洋經典畫作結合他獨特的風格，創造出視覺驚喜。

運用「體積」形塑作品的個性

波特羅作品中豐盈飽滿的輪廓、濃郁鮮明的色彩或是戲劇性的構圖，展現出他如何運用「體積」來塑造出個性、幽默與情感。他曾說過，「我畫的不是胖，而是對體積的讚美！」若仔細觀察，也不難發現這些圓潤療癒的作品背後的每個線條、手勢與表情，都是經過深思熟慮。

另外，目前波特羅特展於新加坡「IMBA」展出中，之後將登陸台灣，展場呈現方式也會有所不同，若你已經先於新加坡觀賞過，不妨也好好期待台北場帶來的全新觀展體驗。

預售票將於4月22日開賣，預售單人票400元、預售雙人票780元、謝哲青講座套票999元。完整票價資訊請見下圖，或至udn售票網查詢。

《圓潤的魔法 波特羅特展》
展覽日期：2026.6.19-10.11
展覽地點：國立中正紀念堂1展廳

春日過半，時而似已覺著溫濕的夏風沁膚，正是走進盛開花間的最佳時節。台北白石畫廊即日起至2026年5月16日開啟《沁風・花間：李采個展》全新展期，將韓國藝術家李采匯聚自植物的靈動能量與細膩情感注入城市藝文空間。本篇從創作者生平及創作脈絡延伸，帶你深入鑑賞其風格畫框中凝塑的寫意景象。

李采：「有這樣一種時刻——當植物遇上了風。

葉子細微的顫抖，是一種存在的姿態，證明一株植物已在某處存在多時。

當一陣微風終於抵達這株在靜止中棲息的植物，改變便自此開始了。」

認識當代藝術家李采

李采（Lee Chae）1989年出生於南韓，2015年自韓國嘉泉大學藝術學院畢業，2024年取得韓國弘益大學藝術碩士學位。在學時主修東方繪畫的他，現憑別具冥想特質的油彩畫作，獲韓國國立現代美術館（MMCA）所屬藝術品收購與推廣單位「藝術銀行」、首爾樂天世界酒店、釜山樂天百貨等公私機構典藏。

創作主題方面，李采多著眼自然，善用自然界異質元素的互動轉譯人類內心；作品雖不曾出現人的蹤影，卻總浸透細緻而隱微的情感溫度。其筆下的自然，亦非現實風景的再現，而可謂透過象徵手法寫意描繪的「心緒流動」之景，用以詮釋他對自我成長的認識。

舉凡經典《藍色花朵（The Blue Flower）》系列由花朵的盛開與凋謝，對應心靈世界中情緒景觀的消長變化，兼傳達出無限生命力；《殘像（Afterimage）》系列勾勒藍色花朵形象分解消散後遺下的殘影，觀者甚可見得花朵如樹木般生長，構成線條相對筆直單純、狀似森林的畫面主體；乃至近期著眼風與花動態關係的《風之花》系列，題名取自韓語「바람꽃（Baramkkot）」一詞，藉風起前的瞬間能量突顯生命連結。

臨摹「外在事物刺激內在自我」的流動心景

今落地白石畫廊的台北個展《沁風・花間》，正集結李采兩年來的最新創作。他汲取靈感自風吹過花草木葉後落於其上的痕跡，揭示偶然刺激與情緒本體之間，關於「存在」的相互觸發，進而視花的盛開、樹的生長，皆同靈魂深處的情緒波動：當風輕拂，它的存在即沁入植物生命，過後那份顫動遂使該植物與原來的寂靜狀態再也不同——相當於，人們的心靈因受外在刺激而晃動，過往、未來的經驗彼此復加，滲入生命，且改變了生命本質。

聚焦上述內外在交會產生的沁染（Infused）、滲透（Imbued）、留存（Lingering）概念，李采鋪排各樣形狀與線條於畫紙，時而用藍綠色彩多次堆疊，時而借畫筆局部帶走顏料，詩意轉化風的軌跡為可被感知、帶有時間重影的殘像。對藝術家而言，作品的形成與其說是擷取一特定狀態，不如說是以過程本身象徵不斷轉變的心緒，抽象展現情感隨時間推移所積累的影響和揮之不去的餘韻。循錯落筆觸，他者的能量——風，同時沁染、滲透並留存於創作者和觀者內心，形塑獨屬自身的特別圖樣；即便風會消逝，留在花草木葉內的共鳴，仍以一種花風相滲、餘韻滿盈的姿態，持續鋪展平和靜謐的風景。

除經典《藍色花朵》外，此次同場亮相的2026年新作尚包括《藍色花朵／風（The Blue Flower / Wind）》、《風之沁盈（Wind-Infused）》及《風之殘像（Afterimage of Wind）》系列。用色由李采的標誌性藏藍，和部分半透明綠意共織和諧調性，促成觀者彷彿置身微風中的別致鑑賞經驗。

展場設計攜手The VG House，以北歐家具點綴極簡空間

另因李采作品深受時尚與設計愛好者青睞，《沁風・花間：李采個展》特別攜手家具選品店The VG House，於展場陳設北歐經典設計家具與老件，讓藝術與設計透過不同語彙在空間中優雅對話，把對色彩和質地的美學感知，演繹一段富溫度的現代生活故事。

當風吹過花間，那花還是原來的花嗎？無論各位是否也曾如此試想，即日起至2026年5月16日親臨白石畫廊，韓國藝術家李采直送台灣的多系列作品將蕩漾你心。

《沁風・花間：李采個展（Imbued, Between Flower and Wind：Lee Chae Solo Exhibition）》

• 時間：即日起至2026年5月16日
• 地點：台北白石畫廊（台北市內湖區基湖路1號）

>> 更多資訊可至白石畫廊官方社群查看。

倫敦V&A博物館以義大利傳奇時設計師尚師Elsa Schiaparelli為題的展覽《Schiaparelli: Fashion Becomes Art》近日開展，展覽橫跨1920年代至當代，梳理這位20世紀最具創新性的時尚大師的發展軌跡與深遠影響，展出從品牌創立初期那些顛覆性的作品，到今日創意總監Daniel Roseberry手中持續演進的當代樣貌！

提及傳奇時尚設計師Elsa Schiaparelli，世人總離不開她將時尚推向藝術邊界的顛覆性創作，像是她在1937年代創造的「Shocking Pink」，不只是鮮豔色彩，更是一種對當時社會挑釁，卻又充滿女性力量的色調；而與達利（Salvador Dalí）合作誕生的「龍蝦洋裝」（Lobster dress），則是將超現實主義帶入服裝語言之中，至今依舊是人們津津樂道的大膽創意。

「對我而言，服裝設計不是一種職業，而是一門藝術。」－Elsa Schiaparelli

儘管可可‧香奈兒女士（Coco Chanel）曾以「那位在做衣服的義大利藝術家」來形容Schiaparelli，但她以藝術為靈感的設計，最終反而成了她最具代表性的創作語彙。

從色彩到時尚符號，Elsa Schiaparelli充滿前衛的視野，重新定義了時尚。如今，倫敦V&A博物館(Victoria and Albert Museum）選擇向這位時尚先鋒者致敬，透過藝術與時尚策展團隊的最新研究，呈現Schiaparelli是如何被定位為一位橫跨時尚、藝術與表演領域的創作巨擘。

4大主題窺探大師美學 當時尚成為藝術

《Schiaparelli: Fashion Becomes Art》透過4大主題篇章，超過400件展品，其中包括約100套服裝與50件藝術作品，並涵蓋配件、珠寶、繪畫、攝影、家具、香水與檔案資料等，從多元視角看見Schiaparelli在技藝與創新上的驚人成就。

第一主題「Designing the Modern Wardrobe」

回顧Elsa Schiaparelli的職業歷程，從1927年於巴黎以「Schiaparelli. Pour Le Sport」之名開設首間店鋪開始，至1934年成為現代都市女性的代表性高級訂製設計師。

作為早期代表作，創作於1927年的錯視（trompe l’oeil）蝴蝶結針織衫，可說是象徵Elsa Schiaparelli充滿實驗精神的創作起點。同時，也進一步探討她如何將奇想觀點，拓展至實用日裝系列「Pour la Ville」，像是當時女性少見的褲裝套裝，以及剪裁俐落、有著特殊鈕扣設計的裙裝套裝。

晚裝系列「Pour le Soir」則更具戲劇性與創造力，從閃耀的金色lamé禮服，到飾有馬戲團圖案拼貼的晚宴套裝，皆展現其非凡想像力。

其他像是仿編髮造型的帽子，或飾有條紋與豹紋毛皮的鞋款，都是在當時少見的大膽時尚設計。

第二主題「Creative Constellations」

聚焦Elsa Schiaparelli與藝術之間的深厚連結，透過藝術作品與服裝設計的並置，呈現她與超現實主義藝術家之間的互動關係與創作對話。

當然，最為經典的自然非屬她與達利的時尚藝術交鋒之作。像是1937年創作的「龍蝦洋裝」與受其啟發誕生的《龍蝦電話》（Lobster Telephone），兩者放在一起相互呼應，也形成有趣對比。

同樣是由Schiaparelli與達利共同完成的時尚佳作，1938年的「骨骼洋裝」（Skeleton dress）與「淚痕洋裝」（Tears dress）也亮相展覽。

本展區還包括Elsa Schiaparelli與Jean Cocteau合作的晚裝外套，金線刺繡形成對稱人臉輪廓，然而延伸上身卻又構成一盆盛滿粉色絲綢玫瑰的花瓶圖像。

除了時尚設計，Elsa Schiaparelli亦曾委託藝術家為其廣告與精品店創作作品與設計，而她與藝術界的深厚友誼，也催生出多件展現其多元審美的肖像作品，包括畢卡索（Pablo Picasso）、Man Ray與Cecil Beaton等創作。

另外，展區也聚焦她與Alberto Giacometti、Leonor Fini、Meret Oppenheim、Elsa Triolet以及Jean Schlumberger等人的合作，看見這些跨界創作如何共同形塑藝術遺產。

第三主題「Beyond Paris」

進一步呈現Elsa Schiaparelli如何突破法國高級訂製服的框架，打響自己在時尚圈的名聲。作為一位深諳自我形象經營的設計師，Schiaparelli經常穿著自己的設計出席各類社交場合，在媒體曝光之外，也逐步拓展其全球影響力。

1933年，她於倫敦梅費爾（Mayfair）開設沙龍，奠定其國際地位，並在某種程度上推動了英國超現實主義的發展。展中展出一系列標有「Schiaparelli London」標籤的藝術作品與珍稀服裝，包括一套飾以華麗金色刺繡的酒紅色天鵝絨套裝、為1937年英國國王喬治六世加冕典禮所設計的洋裝與大衣。

在1930年代至1950年代之間，Elsa Schiaparelli的創作觸角也延伸至影視與舞台領域，像是她為電影《一朵豔梨花》（Every Day's a Holiday）女主角Mae West所設計的戲服；或是好萊塢傳奇女伶瑪琳黛德麗（Marlene Dietrich）的經典俐落褲裝，都是出自她手，也在本次展覽中看得到。

第四主題「A Golden Thread」

展覽最終章則回到現代，聚焦創意總監Daniel Roseberry自2019年接掌品牌後的創作實踐。他透過雕塑性輪廓與高級訂製工藝，重新詮釋品牌的超現實主義精神，使 Schiaparelli 再次成為當代藝術家與表演者的絕佳選擇。

像是Dua Lipa於2024年金球獎穿著的現代版骨骼洋裝，還是Ariana Grande在2025年奧斯卡身穿的華麗禮服，皆都體現了品牌在當代文化中歷久不衰的影響力。

《Schiaparelli: Fashion Becomes Art》
地點: The Sainsbury Gallery
日期 : 2026 年 3 ⽉ 28 ⽇—2026 年 11 ⽉ 8 ⽇

資料來源｜V&A