日常生活中沒有與設計無關的事物！曾於2013年、2018-2021年兩次巡迴累計達116萬參觀人次的設計體驗展《デザインあ展neo》，睽違4年全新升級，於東京虎之門之丘TOKYO NODE藝術畫廊再次展出。全區35件作品以「動詞」為主題，帶領所有觀眾重新觀察、思考和體驗我們習以為常的「行為」組成方式，從而發掘設計如何豐富日常，為生活帶來無限樂趣。跟著本篇看重點展品、策展概念、特設商店及周邊活動等完整資訊。

あ！最可愛的設計展由此進 >>>

由TOKYO NODE、NHK及其旗下平台共同主辦的《デザインあ展neo》，策展內容主要轉化NHK教育電視節目《デザインあneo》概念為實體體驗。且有別於4年前，此次展覽一舉將過去聚焦的「物件（名詞）」轉向「行為（動詞）」主題，通過設計傳達思考與發掘的樂趣給孩子們。2025年全新版本已正式揭幕，接下來將以歷來最長展期，持續在東京虎之門之丘車站大樓（虎ノ門ヒルズ）頂層的文化情報傳播基地「TOKYO NODE」藝術畫廊向大眾敞開探索之門直至下半年9月23日止。

由OMA與森大廈（森ビル）共同開發的複合式據點TOKYO NODE，是一個跨越科技、藝術與娛樂的先端體驗空間，點此看介紹專文。

位於220公尺高樓，TOKYO NODE藝術畫廊可俯瞰東京鐵塔主觀景台；場內佔地1,500平方公尺、15公尺挑高的獨特空間各設展間，展出共35件分別以「あるく（走）」、「たべる（吃）」、「すわる（坐）」、「もつ（拿）」等動詞為主題，並由觀察、思考、體驗3階段所構成的作品。

2025《デザインあ展neo》重點展品導覽

玩樂中的重新覺察：從「あ」字母導入，互動展品藏各樣趣味

走進展場，首先映入眼簾的是自天花板垂降的巨大「あ」字母裝置，同時可見一片令人聯想到種種日常行為的「動詞園地」延展其下，勾劃本展主題——以「走」為始的系列展品便透過上段所述之觀察、思考、體驗等不同表現手法解構各樣行為。如其中〈あるきかたログ（徒步圖鑑）〉這個環節，觀眾只要在6個區位依照鏡頭指示擺出姿勢，照片就會像翻頁動畫般被連接起來，讓人彷彿看見走路的過程，進而覺察這個平常無意識的動作實則由哪些元素組成。

下一展間包含多件互動作品，在〈たべられるきもち（被吃的心情）〉作品中，觀眾可以體驗被超過3公尺的巨型筷子夾起的感覺；小學常見的木板和鐵管椅在〈学童イスのゆめ（學童椅的夢）〉作品中化身不同功能與特色的座椅；〈もちてのむれ（握把群組）〉展示牆上密密麻麻排列著約莫1,500個生活中會使用到的握把。還有「はなす（說）」、「かく（寫）」、「すてる（丟棄）」、「こわす・なおす（破壞・修理）」、「さがす（尋找）」等充滿驚喜的作品接續登場。

節目播放區內設置〈デッサンあ（素描あ）〉、〈みんなのあ（大家的あ）〉等內容供觀眾欣賞。繼續往內則將進入《デザインあneo》特有的影像空間，以滿滿「あ」字母跳動呈現的舞蹈影片躍上360度環形螢幕，與觀眾動作同步的互動作品〈DO IT!〉亦邀請大家沉浸體驗。

2025《デザインあ展neo》創作陣容介紹

▍設計帶來豐富世界之力——展覽總監 佐藤卓

在籌備本展時，我們經由集體討論找出了「行為（動詞）」這個主題。若日常生活中沒有與設計無關的事物，那麼從小培養設計思維應該是一件好事；這樣的理念不僅貫穿節目，亦延伸到了本次展覽。即便是曾經看過的觀眾也能被全新內容驚喜，並在體驗後感到「設計很有趣啊」、「設計或許能夠成為豐富世界的力量」就太好了。

▍我們並不把小孩當小孩——影像總監 中村勇吾

雖然由我們來說可能有點自賣自誇，但我們都覺得這次展覽的作品素質非常高。節目中的創作者與藝術家共同參與，在各自擅長領域貢獻力量。雖然是為孩子設計的展覽，但我們一直堅持「不把小孩當小孩」的理念，相信大人看了也會覺得相當有趣。

▍願大家全身心享受其中——音樂總監 蓮沼執太

能與日本頂尖創作者一起全力投入製作、全心創作音樂，一路見證《デザインあneo》節目化為如今這樣的展覽，我由衷感到高興。雖然我負責的是音樂，但整個展覽是多位創作者共同參與、集結多方力量才有的結果，希望大家全然享受其中。

2025《デザインあ展neo》體驗深入城市：特設商店、紀念菜單、街區裝飾、限定活動同步登場

▍特設商店

特設商店位於45樓展場內，販售超過60種原創商品與官方圖冊；營業時間為每日11:00至展覽閉館，可僅入內購買商品。音樂導演蓮沼執太製作的《デザインあneo》節目原創音樂亦首次推出黑膠唱片於特設商店內限定販售，收錄該節目2023至2024年間精選單元的藍光及DVD同在本展搶先登場，現場購買即可獲得收納袋及貼紙套組。

▍紀念菜單

虎之門之丘內多家咖啡與餐廳推出共15款紀念餐點（完整品項點此看），將展覽風格和「あ」字母飾於食物外觀。

▍街區裝飾

從虎之門之丘車站至展覽場館的路線中布有「まがる（彎曲）」、「はいる（進入）」、「すすむ（前進）」、「のぼる（攀登）」等呼應展覽主題的動詞裝飾，將整個城市攬為該展的一部分。

▍限定活動

虎之門之丘T-MARKET每週日舉辦的親子活動包括圖紙著色和氣球發送，皆於展覽期間以《デザインあneo》主題登場。

• 時間：即日起至9月21日11:00-22:00

• 地點：虎ノ門ヒルズ ステーションタワー B2F T-MARKET

《デザインあ展neo》設計體驗展

• 時間：即日起至2025年9月23日10:00-19:00（最後入場時間為閉館前30分鐘，每月第1和第3個星期三閉館時間17:00、最後入場時間16:30，9月17日星期三則照常於19:00閉館）
• 地點： 虎ノ門ヒルズ ステーションタワー 45F TOKYO NODE GALLERY
• 票價：一般 ¥2,500／國高中生 ¥1,200／小學生 ¥1,000／2歲以上學齡前兒童 ¥500／2歲以下免費（日時指定制）
• 了解更多：https://exhibition-ah-neo.jp/

資料來源：森ビル株式会社

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）