即將朝聖世博的你，這裡還有一個行程需收進口袋！位於心齋橋的Louis Vuitton大阪御堂筋旗艦店5樓展覽空間，現正進行草間彌生典藏作品展《INFINITY》，以數十年的時間跨度呈現其多元媒材創作，包括〈無限鏡屋〉系列首作也再現其中。3大觀展重點本文先為大家整理，展覽則將持續至2026年初，喜歡草間彌生的朋友不能錯過。

配合如火如荼迎接全球旅客的大阪世博，大阪路易威登空間（Espace Louis Vuitton Osaka）即日起至2026年1月12日舉辦草間彌生《INFINITY - SELECTED WORKS FROM THE COLLECTION》展覽，呈現從她初登國際舞台到近幾年間，跨越悠長歲月、涵蓋繪畫和裝置的典藏作品；除了揭示這位當代藝術家的廣泛活動外，亦照見自1960年代旅居紐約、大幅開展藝術生涯以來，持續引領她創作至今諸多主題之間的連結。

本展屬於路易威登基金會「Hors-les-murs（牆外）」計畫的一環；此國際性計畫基於將作品帶給世界各地更多觀眾的宗旨，陸續在東京、慕尼黑、威尼斯、北京、首爾、大阪的路易威登空間展出基金會收藏作品，並免費開放大眾參觀。而過去曾與路易威登兩度攜手的草間彌生，作為日本代表性藝術家，展覽自然選於日本當地登場。

《INFINITY》大阪直擊，編輯帶逛

60秒獨享《無限鏡屋》，圓點世界向四面八方無限延展！

人潮洶湧的心齋橋，座落轉角的Louis Vuitton大阪御堂筋旗艦店，一支專屬電梯直上至一處純白場域，便隱約能聞見草間彌生的話音迴響——

近年新作由知名系列《我每天為愛祈禱》占據視覺焦點，然各方觀眾皆為之而來、排隊體驗的，絕對非《無限鏡屋》這件1965年舊作莫屬。搭配「個人單獨入場」（當然也可與同行者齊入）的私密展間規劃重現幻覺式視野，領觀眾穿越回到第一座鏡屋，再次擁抱失去方向性的沉浸感受。

此外，展場底部設有影廳和座席，輪播草間彌生訪談及創作紀錄，同時回顧其涉足藝術之外包括時尚設計等不同面向的精彩經歷。

觀展重點#01：創作脈絡呼應當代藝術史

和普普藝術雙向影響，最終仍回到個人化表達

可謂一位「極多產」藝術家，草間彌生（Yayoi Kusama）以自在變幻的表現形態、強迫式重複與增殖為創作特色。兼有畫家、雕塑家、小說家、行為藝術家、時尚設計師多重身分，她的卓越創造力在各個階段盡顯於不同領域。而依循此次展品脈絡，即可見得其創作軌跡何以和日本及美國藝術史上的主要潮流產生關聯——時而與之對峙，時而也在與之貼近的同時，持續開展自己的創作；既受到普普藝術、極簡主義的影響，相對也為這些流派帶來啟發。然而，草間彌生作品最強勁的力量，始終還是來自那些甚為個人化的表達所持續形塑的極致獨創性。即使在此次展覽的最新作品中，這樣的獨創性依然歷久彌新。

觀展重點#02：「強迫式重複」手法源於精神性掙扎

著名系列作〈無限的網〉、〈圓點〉是內心恐懼的具象化產物

熟悉草間彌生的朋友們肯定已經聽過這個故事。她生長於日本長野縣松本市一個從事種苗業的家庭，被植物包圍著度過童年，並且在還是個10歲左右的小畫家時，首次遇上幻覺的襲擊：家中被花紋覆蓋，最終連自己也遭徹底吞沒。這段記憶不僅構築了草間彌生往後獨特的世界觀，從此產生的精神性掙扎，時至今日仍不斷推動其藝術歷程；在她自己稱之為「自我治療」的創作上，一切強迫式重複的意象漸成重要的表現手法，此特徵也將在本次《INFINITY》展出作品上深刻反映。

其中，1960年代之作〈無限的網〉和〈圓點〉系列所蘊含草間彌生「根本哲學」的標誌性圖像，在近年作品中發展成為讓人聯想到星體、細胞或純粹抽象的漂浮形式——貫穿其生涯的，即是藉由這些技法將自身恐懼與強迫意念具象化的創作姿態。

觀展重點#03：放下自我，與空間合而為一

幻覺式視野、沉浸式體驗帶領觀者來一場「自我消解」

此次展覽尤值得親臨觀賞的作品如1965/2013年的〈無限鏡屋：陽具原野〉這件象徵性地面裝置，是其眾多〈無限鏡屋〉創作中的首件作品，將觀者帶入無盡延展的圓點世界，賦予眾人失去方向感的沉浸式體驗；2023年的〈我每天為愛祈禱〉亦通過與前述共通的詩意手法，建構幻覺式視野，以及有關個體在這個宇宙裡所處位置的哲學。草間彌生藉圓點、無限的網等多樣技法，促使觀者思考「無限」意涵，更引導人們於她所謂「自我消解」的過程內，全然潛進視覺感知之中：放下自我，與包圍我們的空間合而為一。

路易威登基金會（Louis Vuitton Foundation）

路易威登基金會為一座位於法國巴黎，由LVMH集團贊助的博物館和文化中心，專注於現代藝術、藝術家及啟發其創作的20世紀重要藝術品，透過收藏作品與主辦展覽，致力於引起更多人對藝術的興趣。自2014年10月開館以來，不僅推動館內企劃，也積極和世界各地美術館合作。同時，由其擔任藝術總監所構思並製作的「Hors-les-murs」國際巡迴展覽計畫現正於慕尼黑、威尼斯、北京、大阪等地同步進行。

草間彌生典藏作品展《INFINITY - SELECTED WORKS FROM THE COLLECTION》

• 時間：即日起至2026年1月12日12:00-20:00，休館日以路易威登大阪御堂筋旗艦店為準
• 地點：日本大阪路易威登空間（Louis Vuitton大阪御堂筋旗艦店5樓｜大阪市中央區心齋橋筋2-8-16）
• 票價：免費
• 團體導覽：每月首週五、六舉辦，無需事先預約；每場次於15:00開始，時長約15分鐘（若因故變更日期，將於官方網站另行公告）

【場次】

1. 2025年8月1日、2日
2. 2025年9月5日、6日
3. 2025年10月3日、4日
4. 2025年11月1日（週六）、7日（週五）
5. 2025年12月5日、6日
6. 2026年1月2日、3日

資料來源：Louis Vuitton Japan

位於米蘭的 Prada 基金會（Fondazione Prada）向來是全球藝術愛好者的朝聖之地，即日起至11月9日，由當代最具影響力的藝術家之一 Mona Hatoum，在園區內由舊酒精蒸餾廠改造的儲槽空間，帶來了全新展覽計畫，從懸浮半空的玻璃網、鋪滿地面的紅色世界地圖，到會傾斜顫動的巨型金屬格架，亦是一場關於身體、疆界、秩序與不安的沉浸式展覽。

將工業遺址化為感知劇場

當世界局勢持續震盪，藝術是否還能提供一種重新理解現實的方法？

在米蘭Prada基金會的Mona Hatoum個展《Over, Under and In Between》中，答案似乎是一場必須以身體經過、以感官承受的空間提問。這項為Cisterna空間量身構思的場域特定計畫，透過裝置作品，圍繞「網」、「地圖」與「格網」三個核心意象展開，回應的是我們這個時代的動盪，以及人類存在本身的脆弱。

Cisterna空間前身是蒸餾廠儲槽所在的工業建築，帶有鮮明的垂直尺度與粗獷結構。Hatoum並未把它視為中性的展示場地，而是將三個展間轉化為感知逐步推進的場域，觀者在穿越作品的過程中，被一步步帶進不穩、壓迫、懸置與失衡的心理狀態。這也是Hatoum近年創作中始終鮮明的特質，她擅長把極簡而克制的形式，轉化為帶有危險感與身體壓力的存在。

1952年生於貝魯特、出身巴勒斯坦家庭的Mona Hatoum，長期以身體、位移、邊界、監控與權力結構等主題聞名。她的作品總帶著一種少見的張力，看似極簡，實際上卻從不只是形式問題，而是關於人如何被世界規訓、包覆、切分與觀看。

庇護與束縛，從「網」開始

展覽的第一個空間，由新作《Web》揭開序幕。這件作品以手工吹製的透明玻璃球與金屬線組成一張高懸半空的巨大網狀結構，像蜘蛛網，也像某種脆弱卻難以逃離的宇宙圖景。對Hatoum而言，「網」從來不只是單一象徵，它既可能是壓迫、困陷與束縛的羅網，也可能暗示庇護、親密與彼此相連的關係。正因如此，這件作品最迷人的地方，不在於材料的精巧，而在於它讓人同時感受到兩種相反的情緒，一方面被其透明、輕盈與微光吸引，另一方面又不自覺地意識到，自己正站在一種可能逐步收緊的結構之下。

由三萬顆紅色玻璃球構成、隨時可能失衡的世界地圖

中央展間中的《Map (red)》則把視角拉向全球尺度。作品由超過三萬顆半透明紅色玻璃球鋪陳於地面，形成一幅僅保留陸塊輪廓的世界地圖。沒有清楚的國界，也沒有固定的基底，每一顆玻璃球都處在可被擾動的位置上，使整件作品呈現出一種鬆動、危險、隨時可能失衡的狀態。

Hatoum選擇以Gall-Peters投影製作這幅地圖，透露其觀看立場。這幅作品不只是對世界的描繪，也是一個關於權力如何塑造世界認知的提醒。當地圖不再是穩固的知識圖像，而是由無數脆弱的玻璃球組成時，觀者面對的便不只是地理概念，而是整個世界秩序本身的可變與不安。

如呼吸的建築，也像顫動的身體

第三個空間中的《all of a quiver》，則可說是整場展覽最具身體感的一刻。這件大型動態裝置由九層開放式立方結構堆疊而成，像建築鷹架，也像一副被抽空外殼的骨架。它在機械裝置驅動下緩慢傾斜、下沉、顫動，再重新站回直立狀態。整個過程並不劇烈，卻讓人清楚感受到所謂的穩定，其實只是一種暫時維持的平衡。

這件作品也凸顯Hatoum一貫的方法，她擷取立方、格網、模組與重複等極簡語彙，卻不讓它停留在理性而抽象的層次，而是讓結構本身帶上近乎疲憊、搖晃、脆弱的人體感。觀看它時，彷彿不是在看一件雕塑，而是在看一種時代狀態的縮影。

世界不曾穩固，我們都活在某種不安中？

為了讓觀者能更深入了解作品背後的脈絡，Prada 基金會同步出版了《Quaderni》系列專書，邀請地理學者、建築師與心理學家共同撰文，從多元視角剖析 Hatoum 的創作世界 。

在 Mona Hatoum 的視角下，世界不再是堅實、可控的，而是一個充滿動態變數的感官空間。《Over, Under and In Between》所提示的，也許不是如何找到穩定，而是如何承認，人始終活在上方、下方，以及所有尚未被命名的中間地帶。

Mona Hatoum《Over, Under and In Between》
地點：Fondazione Prada, Milan, Cisterna
展期：即日起至11月9日

「圓滾滾藝術家」費爾南多．波特羅（Fernando Botero）特展，即將於6月首度在台展出！《圓潤的魔法 波特羅特展》將帶人們一覽其油畫、素描、水彩與立體雕塑，完整呈現波特羅的人生藝術歷程。

圓滾滾是他的金字招牌

你或許不記得他的全名，但一定對他畫筆下的圓滾滾人事物留下深刻印象。來自哥倫比亞的藝術大師費爾南多．波特羅（Fernando Botero），以獨特的「膨脹美學」聞名世界、顛覆人們對「美」的既定印象，也讓他成為當代最具特色與影響力的藝術家之一。

出生於哥倫比亞麥德林的波特羅，年輕時遠赴歐洲，在西班牙大師的作品與義大利文藝復興的洗禮下，奠定其藝術基礎；故鄉拉丁美洲那鮮豔飽滿的街頭色彩與豐富的文化底蘊，也是他創作中不可或缺的靈感養分。

獨樹一格的「圓滾滾」美學

然而，真正改變他風格的是，年輕時畫的一把曼陀林琴，當時他靈機一動刻意將琴身中央的圓孔縮小，使樂器看來像是向外膨脹，也促使他重新思考比例與體積之間的關係。透過對靜物的反覆練習與試驗，他打破了傳統認知的界限，創造出獨特的藝術表現，而波特羅式的「圓滾滾」美學也就此誕生。

集結118件的圓滾滾作品

圓潤飽滿的創作風格，貫穿波特羅的作品，從人物、靜物、動物到宗教題材等，都可見其獨特的幽默感。而在這次的《圓潤的魔法 波特羅特展》中，集結高達118件的圓滾滾作品，展品包含涵蓋油畫、素描、水彩與立體雕塑，呈現出波特羅不同時期的創作脈絡與風格作品。

感受畫筆下的視覺驚喜

這次也透過「拉丁美洲風情」、「靜物系列」、「鬥牛與馬戲團」、「經典致敬與宗教題材」、「多樣媒材與立體雕塑」等展區，帶領人們深入這些作品的魅力。比如在宗教主題中的修女與神父，藉由誇張造型與幽默筆觸，把對神職人員的諷刺藏在圓潤龐大的身軀裡；向藝術大師致敬的系列作品，將西洋經典畫作結合他獨特的風格，創造出視覺驚喜。

運用「體積」形塑作品的個性

波特羅作品中豐盈飽滿的輪廓、濃郁鮮明的色彩或是戲劇性的構圖，展現出他如何運用「體積」來塑造出個性、幽默與情感。他曾說過，「我畫的不是胖，而是對體積的讚美！」若仔細觀察，也不難發現這些圓潤療癒的作品背後的每個線條、手勢與表情，都是經過深思熟慮。

另外，目前波特羅特展於新加坡「IMBA」展出中，之後將登陸台灣，展場呈現方式也會有所不同，若你已經先於新加坡觀賞過，不妨也好好期待台北場帶來的全新觀展體驗。

預售票將於4月22日開賣，預售單人票400元、預售雙人票780元、謝哲青講座套票999元。完整票價資訊請見下圖，或至udn售票網查詢。

《圓潤的魔法 波特羅特展》
展覽日期：2026.6.19-10.11
展覽地點：國立中正紀念堂1展廳