圓點世界降臨大阪！草間彌生《INFINITY》路易威登空間免費入場：再現〈無限鏡屋〉系列首作，從繪畫到裝置一次看

即將朝聖世博的你，這裡還有一個行程需收進口袋！位於心齋橋的Louis Vuitton大阪御堂筋旗艦店5樓展覽空間，現正進行草間彌生典藏作品展《INFINITY》，以數十年的時間跨度呈現其多元媒材創作，包括〈無限鏡屋〉系列首作也再現其中。3大觀展重點本文先為大家整理，展覽則將持續至2026年初，喜歡草間彌生的朋友不能錯過。

配合如火如荼迎接全球旅客的大阪世博，大阪路易威登空間（Espace Louis Vuitton Osaka）即日起至2026年1月12日舉辦草間彌生《INFINITY - SELECTED WORKS FROM THE COLLECTION》展覽，呈現從她初登國際舞台到近幾年間，跨越悠長歲月、涵蓋繪畫和裝置的典藏作品；除了揭示這位當代藝術家的廣泛活動外，亦照見自1960年代旅居紐約、大幅開展藝術生涯以來，持續引領她創作至今諸多主題之間的連結。

本展屬於路易威登基金會「Hors-les-murs（牆外）」計畫的一環；此國際性計畫基於將作品帶給世界各地更多觀眾的宗旨，陸續在東京、慕尼黑、威尼斯、北京、首爾、大阪的路易威登空間展出基金會收藏作品，並免費開放大眾參觀。而過去曾與路易威登兩度攜手的草間彌生，作為日本代表性藝術家，展覽自然選於日本當地登場。

《INFINITY》大阪直擊，編輯帶逛

60秒獨享《無限鏡屋》，圓點世界向四面八方無限延展！

人潮洶湧的心齋橋，座落轉角的Louis Vuitton大阪御堂筋旗艦店，一支專屬電梯直上至一處純白場域，便隱約能聞見草間彌生的話音迴響——

近年新作由知名系列《我每天為愛祈禱》占據視覺焦點，然各方觀眾皆為之而來、排隊體驗的，絕對非《無限鏡屋》這件1965年舊作莫屬。搭配「個人單獨入場」（當然也可與同行者齊入）的私密展間規劃重現幻覺式視野，領觀眾穿越回到第一座鏡屋，再次擁抱失去方向性的沉浸感受。

此外，展場底部設有影廳和座席，輪播草間彌生訪談及創作紀錄，同時回顧其涉足藝術之外包括時尚設計等不同面向的精彩經歷。

觀展重點#01：創作脈絡呼應當代藝術史

和普普藝術雙向影響，最終仍回到個人化表達

可謂一位「極多產」藝術家，草間彌生（Yayoi Kusama）以自在變幻的表現形態、強迫式重複與增殖為創作特色。兼有畫家、雕塑家、小說家、行為藝術家、時尚設計師多重身分，她的卓越創造力在各個階段盡顯於不同領域。而依循此次展品脈絡，即可見得其創作軌跡何以和日本及美國藝術史上的主要潮流產生關聯——時而與之對峙，時而也在與之貼近的同時，持續開展自己的創作；既受到普普藝術、極簡主義的影響，相對也為這些流派帶來啟發。然而，草間彌生作品最強勁的力量，始終還是來自那些甚為個人化的表達所持續形塑的極致獨創性。即使在此次展覽的最新作品中，這樣的獨創性依然歷久彌新。

觀展重點#02：「強迫式重複」手法源於精神性掙扎

著名系列作〈無限的網〉、〈圓點〉是內心恐懼的具象化產物

熟悉草間彌生的朋友們肯定已經聽過這個故事。她生長於日本長野縣松本市一個從事種苗業的家庭，被植物包圍著度過童年，並且在還是個10歲左右的小畫家時，首次遇上幻覺的襲擊：家中被花紋覆蓋，最終連自己也遭徹底吞沒。這段記憶不僅構築了草間彌生往後獨特的世界觀，從此產生的精神性掙扎，時至今日仍不斷推動其藝術歷程；在她自己稱之為「自我治療」的創作上，一切強迫式重複的意象漸成重要的表現手法，此特徵也將在本次《INFINITY》展出作品上深刻反映。

其中，1960年代之作〈無限的網〉和〈圓點〉系列所蘊含草間彌生「根本哲學」的標誌性圖像，在近年作品中發展成為讓人聯想到星體、細胞或純粹抽象的漂浮形式——貫穿其生涯的，即是藉由這些技法將自身恐懼與強迫意念具象化的創作姿態。

觀展重點#03：放下自我，與空間合而為一

幻覺式視野、沉浸式體驗帶領觀者來一場「自我消解」

此次展覽尤值得親臨觀賞的作品如1965/2013年的〈無限鏡屋：陽具原野〉這件象徵性地面裝置，是其眾多〈無限鏡屋〉創作中的首件作品，將觀者帶入無盡延展的圓點世界，賦予眾人失去方向感的沉浸式體驗；2023年的〈我每天為愛祈禱〉亦通過與前述共通的詩意手法，建構幻覺式視野，以及有關個體在這個宇宙裡所處位置的哲學。草間彌生藉圓點、無限的網等多樣技法，促使觀者思考「無限」意涵，更引導人們於她所謂「自我消解」的過程內，全然潛進視覺感知之中：放下自我，與包圍我們的空間合而為一。

路易威登基金會（Louis Vuitton Foundation）

路易威登基金會為一座位於法國巴黎，由LVMH集團贊助的博物館和文化中心，專注於現代藝術、藝術家及啟發其創作的20世紀重要藝術品，透過收藏作品與主辦展覽，致力於引起更多人對藝術的興趣。自2014年10月開館以來，不僅推動館內企劃，也積極和世界各地美術館合作。同時，由其擔任藝術總監所構思並製作的「Hors-les-murs」國際巡迴展覽計畫現正於慕尼黑、威尼斯、北京、大阪等地同步進行。

草間彌生典藏作品展《INFINITY - SELECTED WORKS FROM THE COLLECTION》

• 時間：即日起至2026年1月12日12:00-20:00，休館日以路易威登大阪御堂筋旗艦店為準
• 地點：日本大阪路易威登空間（Louis Vuitton大阪御堂筋旗艦店5樓｜大阪市中央區心齋橋筋2-8-16）
• 票價：免費
• 團體導覽：每月首週五、六舉辦，無需事先預約；每場次於15:00開始，時長約15分鐘（若因故變更日期，將於官方網站另行公告）

【場次】

1. 2025年8月1日、2日
2. 2025年9月5日、6日
3. 2025年10月3日、4日
4. 2025年11月1日（週六）、7日（週五）
5. 2025年12月5日、6日
6. 2026年1月2日、3日

資料來源：Louis Vuitton Japan

臺中市立美術館新展「搖擺阿哥哥－時代跨域者王水河」於8月29日正式登場，展期至10月25日止，展覽聚焦對臺灣戰後城市地景與視覺文化帶來重要影響的跨域創作者——王水河，向大眾多面向展示他獨樹一格的設計風格。本次展場結合呈現VR裝置、字體設計師對談等當代詮釋，希望透過藝術檔案與當代詮釋並行，帶領觀眾重新認識王水河。

本次展覽是中美館自成立以來持續投入中部藝術家研究與檔案建置工作，首次透過展覽形式呈現的階段性重要成果。歷時一年多的研究，爬梳設計手稿、老照片與報章雜誌等超過千件文獻資料，並進行數位化工作，也針對王水河長子、已故建築師王文芳完成多次深入訪談，逐步拼整出這位橫跨多重領域創作者的完整樣貌。

認識自學出身的王水河

王水河（1925-2019）為自學出身，未受過美術學院的訓練，年輕時於戲院繪製電影看板起家，從實務中累積創作與設計的經驗。戰後於臺中成立「水河畫房」，業務由電影看板、廣告設計與商家招牌開始，逐步延伸至字體、平面、家具、燈具、建築與室內設計等多元領域，也培育了400餘名學徒，讓其摩登的設計風格流動於臺中地區，是形塑臺中走向現代摩登都會的重要創作者之一，後來業務版圖更延伸至全臺，在不同城市都有他的作品。

根基於前期藝術檔案的研究，本展邀請國立臺南藝術大學藝術史與文化資產學系助理教授許遠達進行策劃，許遠達指出，展名「阿哥哥」是對1960年代西方流行文化在臺灣的時代印記，當時美軍駐臺，西洋流行音樂與舞蹈文化隨之傳入並蔚為風潮，這也是王水河跨領域創作的重要背景。

5大子題重現水河時代

展覽以5個子題展開：從現代性視覺設計為核心出發的「摩登時代：字體、廣告與視覺設計」、展現自學雕塑創作的「純藝術之路」、以多元材質與物件展現整體設計思維的「摩登室內風：室內設計、家具與燈具設計」、融合現代幾何造形和摩登建築設計風格的「水河現代建築群」與透過生活物件與自塑像來認識王水河的「日子中的水河師」，從不同面向呈現王水河橫跨純藝術與不同設計範疇的創作，以及他如何參與並形塑戰後臺灣的摩登時代。

字體與造型的前衛探索

「摩登時代：字體、廣告與視覺設計」展現王水河因應不同對象量身訂做的字體變形能力，其文字線條與筆畫修飾，涵括幾何、飽滿與圓弧等設計語彙，在電腦排版尚未普及的年代，他擅長以繪畫與造形思維發展字體風格，並依商業、醫療、娛樂或公共場所的功能，亦或看板比例的需求，調整字體帶來的氛圍，讓文字成為空間性格的一部分，許多臺中街區招牌看板皆出自其手，為都會風景帶來濃厚的摩登氣息，獲業界尊稱「水河師」。

本展區亮點以牆面裝置呈現三種具代表性的王水河字體，並搭配不同材質：「水河圓體」以木頭呈現圓潤溫和之特質；「水河體」以王水河經常使用的材質之一壓克力還原招牌質感；「水河隸書體」則以金屬回應隸書源自金石文字的歷史厚度。除了三種代表字體，展區亦設有商標復刻牆，展出源益飼料、京王飯店等深植當時臺中人記憶的代表商標，同步陳列等比例放大商標與原始設計手稿，讓觀眾看見其從草稿到定稿反覆斟酌的創作痕跡。

雕塑的創作實踐

「純藝術之路」展區聚焦王水河在雕塑與繪畫領域的藝術積累。他自1947年為父親打造塑像為始，踏入雕塑自學之路，後結識林之助、張星建、張深切、蒲添生、陳夏雨、顏水龍等藝文界好友，逐步摸索寫實雕塑與現代造型的可能。這次展出中美館典藏品〈慈母〉是王水河於1971年喉癌手術後，懷念親情重返雕塑創作之第一件滿意的作品，刻畫母親樣貌，凝結時間與情感的重量。

〈裸女群像〉展陳於以南夜舞廳室內裝潢為設計構想的展臺上，展現其自學雕塑、刻畫人體線條之美。〈游氏胸像〉是王水河開發生漆材質雕塑的起點，刻劃已開業超過半世紀的台灣大飯店創辦人樣貌，此次為首度公開展出。本展區亦回望1957年置於臺中公園的雕塑〈芭蕾雙姝〉，此作以線條呈現舞者姿態，卻因被誤解帶有風俗意象遭致移除，如今僅能透過珍貴老照片回望，是王水河雕塑創作中一段令人惋惜的歷史見證。

帶你重返「南夜舞廳」

「摩登室內風：室內設計、家具與燈具設計」集中呈現王水河跨域創作能力，他的創作並不局限於單一物件或建築，而是從空間、材質、家具、燈飾，一路延伸至商標與平面視覺，形成彼此呼應的整體設計思維。

王水河的室內設計以多元材質與現代幾何造型見長，其中最為人所知的作品之一「南夜舞廳」（前身為南夜咖啡室Coffee　Honolulu）於1962年擴建為四層樓建築，各層分別以酒吧、歌廳、舞廳呈現不同主題，大膽結合表演舞臺、演奏臺與舞池，以椰子樹、草裙舞女郎、渦旋曲線與女體浮雕營造熱情的南島意象，呼應當時盛行的夏威夷風情。從建築外觀、室內壁飾到桌椅燈具，乃至杯墊、火柴盒皆納入整體設計，堪稱1960年代最摩登的休閒空間代表之作。

沉浸體驗摩登風格

本展復刻了南夜舞廳的大型霓虹招牌，王水河設計的商標字體將再次被點亮，並與新媒體藝術家楊子慕合作重建虛擬影像，觀眾可透過VR互動裝置沉浸式體驗南夜舞廳當時的華麗風貌，展區亦同步呈現王水河以多元媒材及前衛造型設計的燈飾、椅件等家具，包含珍貴的原件及復刻版，讓觀眾從實體物件感受王水河整體性的設計思維。

從建築版圖到日常生活的美學實踐

「水河現代建築群」展區呈現王水河橫跨全臺的建築設計，包含其一生中留下的珍貴建築手稿，俐落的幾何圖形、曲角、直線的造型與抽象韻律橫飾帶，構成鮮明的「王水河風格」。從東海戲院的波浪造型外觀，到與長子王文芳共同成立「水河建築事務所」後承接的飯店、百貨、教堂等大型案件，王水河總能將建築外觀、立面材質到商標、招牌、菜單等視覺細節整合為一套完整語彙。除了手稿，展場中也設置了西北飯店、華士飯店與敬華飯店等專區，重現經典的建築立面與室內設計，勾起一代人的回憶，見證他如何在前衛造形與在地思考之間取得平衡，也讓其設計悄然融入臺灣戰後城市的摩登記憶。

展覽最終以「日子中的水河師」作結，回到藝術家最貼近生活的一面。王水河對摩登美學的追求不僅止於設計案，也滲透日常。他每隔幾年就會重新改造家裡空間，利用大片鏡牆讓室內看起來更寬敞，燈具、桌子、收納盒等生活器物也多為親手製作。1971年罹患喉癌並接受手術後，更親自設計製作兼具功能與美感的發聲輔具，將畢生對造型的執著延伸至生命中的每個角落。本展區也展出他不同人生階段的自塑像，並首度公開王水河珍貴的手工作品集復刻版，讓觀眾從日常器物、自我形塑的文獻資料中，進一步理解他的創作生涯，由王水河來親自介紹王水河。

親身走入王水河的設計宇宙

展覽期間規劃有可於展間內體驗的「角落任務」教具，設計參考取自王水河的作品，另推出由深耕中城區的蘇睿弼老師帶領走讀活動「1980年代的城中之舞」、由字體設計團隊justfont以認識字體為主題進行的書寫工作坊「筆尖中的字體趣味」，以及由市民錄音導覽的「早安綠之美」等推廣活動。近期更將推出「王水河設計地圖」網站，涵蓋豐富的藝術檔案研究成果與數條以王水河設計項目為主題規劃的臺中旅遊路線。中美館盼透過展覽與系列活動，讓藝術檔案從研究成果延伸為大眾可親近、可探索的城市文化資源，也讓觀眾在王水河的創作中重新看見臺中現代生活與視覺文化的發展軌跡。

搖擺阿哥哥－時代跨域者王水河
展覽期間：2026年8月29日至10月25日
展覽地點：臺中市立美術館｜展覽室D、E
售票資訊：免費參觀
開放時間：每週二至週日9:00-17:00、每週六9:00-20:00，國定假日照常開放

_{資料提供｜臺中市立美術館、文字整理｜Adela Cheng}

新北市美術館4A計畫空間即日起至2026年11月22日，推出由台灣藝術家劉玗與吳思嶔共同創作的全新展覽《冥王星在天蠍座》。以1983至1995年間出生世代的生命處境為線索，全展透過錄像、聲音、燈光與物件等多重媒材，將旅行轉化為身體逃逸與感知調頻的途徑，在現實裂縫中回望成長記憶，開啟對自由與虛無的想像。

自創館以來，新北市美術館積始終極鼓勵當代藝術跨域創作和交流，持續回應藝術介入公共參與、知識生成與社會感知的問題。並在此理念推使下，特別選以4A展間為計畫空間，支持具研究性、實驗性與合作性的創作形式，深化藝術實驗與全民藝術推廣之間的連結。繼年初亮相的《如果這都不算Ai，我有什麼好Bi？》展覽後，該空間即日起至2026年11月22日再推出由藝術家劉玗與吳思嶔共同創作的《冥王星在天蠍座》；從世代生命經驗出發，透過錄像、聲音、燈光與物件等多元媒材，展開一場關於旅行、逃逸與感知的探索。

認識本展創作組合：劉玗＆吳思嶔

劉玗與吳思嶔自2019年開始共同創作，專注於以敘事影像結合空間裝置的創作形式。兩人擅長運用大尺寸投影與多媒體技術，將展覽空間轉化為沉浸式環境，透過新媒體技術與多樣材料創造出如同解構電影般的影像敘事，將影像、燈光、聲音和雕塑裝置交織為一體，重新建構出以身體感官經驗為核心的敘事方式。

其創作注重空間與觀眾的感官參與，倡議通過身體感受與直觀來理解世界。過去作品主題涵蓋自然史、植物感官、神話、當代末日預言、靈性與催眠等內容，深入探討人類與自然、感官與精神之間的關聯，作品往往誘發詩意的沉思，將觀眾帶入非線性敘事與多層次感知的體驗中，體現人類與外在世界的細膩連結與反思。

回望動盪世代的生命處境

以1983至1995年間出生世代的生命處境為線索，《冥王星在天蠍座》命名靈感取自冥王星運行於天蠍座時期及其所象徵的毀滅與重生能量。同屬此一世代的劉玗與吳思嶔，成長於全球資本極端化、教育競逐與社會動盪的年代，並共同經歷90年代的危機與轉折。兩位藝術家於是藉由回望自身的成長記憶，將世代面對環境變動所展現的逃逸與重構，轉化為展覽的敘事線索，在現實的裂縫中開啟對自由與虛無的想像。

而展名既指涉特定的星象週期，也成為藝術家重新觀看自身世代的切入點。1983至1995年間出生的一代，在成長過程中面對快速變動的社會環境，生命經驗始終交織著對未來的想像與不確定性。本展並非試圖為一個世代提出單一而明確的定義，希望透過藝術家的個人視角，重新拾起散落於成長過程中的經驗與感受，思考個體如何在持續變動的環境中調整自身，尋找與世界相處的位置與節奏。

劉玗與吳思嶔從個人生命經驗出發，使展覽逐漸延伸至一個世代共同面對的處境與心境，讓私密記憶與更廣泛的社會經驗彼此交會，也讓「世代」不再只是出生年份的劃分，而成為理解個人如何受到時代形塑、又如何持續回應現實的一種觀看方式。

以「旅行」為線索貫穿，邀觀者在逃逸中重塑感知

劉玗與吳思嶔以文字、雕塑與影像共同建構展場，將旅行轉化為身體的逃逸與感知的再調頻。作品宛如一本被拆解的旅行日誌，散置於不同場景與影像之間，形成片段的時間切片，引領觀眾在不同感官訊息的交錯中，逐步進入藝術家所建構的旅程之中。

在此脈絡下，旅行不僅代表地理空間上的移動，也是重新觀看自身與現實的方法。兩位藝術家藉由重訪生命片段，在移動、離開與返回之間，思考自身與時代的關係，將記憶與感受轉化為影像、聲音及空間經驗，邀請觀眾一同思考在持續變動的世界中，如何感知自身所處的位置。

劉玗X吳思嶔《冥王星在天蠍座》

• 時間：即日起至2026年11月22日
• 地點：新北市美術館4A計畫空間

^{資料提供｜新北市美術館          文字整理｜Ning Chi}