圓點世界降臨大阪！草間彌生《INFINITY》路易威登空間免費入場：再現〈無限鏡屋〉系列首作，從繪畫到裝置一次看

即將朝聖世博的你，這裡還有一個行程需收進口袋！位於心齋橋的Louis Vuitton大阪御堂筋旗艦店5樓展覽空間，現正進行草間彌生典藏作品展《INFINITY》，以數十年的時間跨度呈現其多元媒材創作，包括〈無限鏡屋〉系列首作也再現其中。3大觀展重點本文先為大家整理，展覽則將持續至2026年初，喜歡草間彌生的朋友不能錯過。

配合如火如荼迎接全球旅客的大阪世博，大阪路易威登空間（Espace Louis Vuitton Osaka）即日起至2026年1月12日舉辦草間彌生《INFINITY - SELECTED WORKS FROM THE COLLECTION》展覽，呈現從她初登國際舞台到近幾年間，跨越悠長歲月、涵蓋繪畫和裝置的典藏作品；除了揭示這位當代藝術家的廣泛活動外，亦照見自1960年代旅居紐約、大幅開展藝術生涯以來，持續引領她創作至今諸多主題之間的連結。

本展屬於路易威登基金會「Hors-les-murs（牆外）」計畫的一環；此國際性計畫基於將作品帶給世界各地更多觀眾的宗旨，陸續在東京、慕尼黑、威尼斯、北京、首爾、大阪的路易威登空間展出基金會收藏作品，並免費開放大眾參觀。而過去曾與路易威登兩度攜手的草間彌生，作為日本代表性藝術家，展覽自然選於日本當地登場。

《INFINITY》大阪直擊，編輯帶逛

60秒獨享《無限鏡屋》，圓點世界向四面八方無限延展！

人潮洶湧的心齋橋，座落轉角的Louis Vuitton大阪御堂筋旗艦店，一支專屬電梯直上至一處純白場域，便隱約能聞見草間彌生的話音迴響——

近年新作由知名系列《我每天為愛祈禱》占據視覺焦點，然各方觀眾皆為之而來、排隊體驗的，絕對非《無限鏡屋》這件1965年舊作莫屬。搭配「個人單獨入場」（當然也可與同行者齊入）的私密展間規劃重現幻覺式視野，領觀眾穿越回到第一座鏡屋，再次擁抱失去方向性的沉浸感受。

此外，展場底部設有影廳和座席，輪播草間彌生訪談及創作紀錄，同時回顧其涉足藝術之外包括時尚設計等不同面向的精彩經歷。

觀展重點#01：創作脈絡呼應當代藝術史

和普普藝術雙向影響，最終仍回到個人化表達

可謂一位「極多產」藝術家，草間彌生（Yayoi Kusama）以自在變幻的表現形態、強迫式重複與增殖為創作特色。兼有畫家、雕塑家、小說家、行為藝術家、時尚設計師多重身分，她的卓越創造力在各個階段盡顯於不同領域。而依循此次展品脈絡，即可見得其創作軌跡何以和日本及美國藝術史上的主要潮流產生關聯——時而與之對峙，時而也在與之貼近的同時，持續開展自己的創作；既受到普普藝術、極簡主義的影響，相對也為這些流派帶來啟發。然而，草間彌生作品最強勁的力量，始終還是來自那些甚為個人化的表達所持續形塑的極致獨創性。即使在此次展覽的最新作品中，這樣的獨創性依然歷久彌新。

觀展重點#02：「強迫式重複」手法源於精神性掙扎

著名系列作〈無限的網〉、〈圓點〉是內心恐懼的具象化產物

熟悉草間彌生的朋友們肯定已經聽過這個故事。她生長於日本長野縣松本市一個從事種苗業的家庭，被植物包圍著度過童年，並且在還是個10歲左右的小畫家時，首次遇上幻覺的襲擊：家中被花紋覆蓋，最終連自己也遭徹底吞沒。這段記憶不僅構築了草間彌生往後獨特的世界觀，從此產生的精神性掙扎，時至今日仍不斷推動其藝術歷程；在她自己稱之為「自我治療」的創作上，一切強迫式重複的意象漸成重要的表現手法，此特徵也將在本次《INFINITY》展出作品上深刻反映。

其中，1960年代之作〈無限的網〉和〈圓點〉系列所蘊含草間彌生「根本哲學」的標誌性圖像，在近年作品中發展成為讓人聯想到星體、細胞或純粹抽象的漂浮形式——貫穿其生涯的，即是藉由這些技法將自身恐懼與強迫意念具象化的創作姿態。

觀展重點#03：放下自我，與空間合而為一

幻覺式視野、沉浸式體驗帶領觀者來一場「自我消解」

此次展覽尤值得親臨觀賞的作品如1965/2013年的〈無限鏡屋：陽具原野〉這件象徵性地面裝置，是其眾多〈無限鏡屋〉創作中的首件作品，將觀者帶入無盡延展的圓點世界，賦予眾人失去方向感的沉浸式體驗；2023年的〈我每天為愛祈禱〉亦通過與前述共通的詩意手法，建構幻覺式視野，以及有關個體在這個宇宙裡所處位置的哲學。草間彌生藉圓點、無限的網等多樣技法，促使觀者思考「無限」意涵，更引導人們於她所謂「自我消解」的過程內，全然潛進視覺感知之中：放下自我，與包圍我們的空間合而為一。

路易威登基金會（Louis Vuitton Foundation）

路易威登基金會為一座位於法國巴黎，由LVMH集團贊助的博物館和文化中心，專注於現代藝術、藝術家及啟發其創作的20世紀重要藝術品，透過收藏作品與主辦展覽，致力於引起更多人對藝術的興趣。自2014年10月開館以來，不僅推動館內企劃，也積極和世界各地美術館合作。同時，由其擔任藝術總監所構思並製作的「Hors-les-murs」國際巡迴展覽計畫現正於慕尼黑、威尼斯、北京、大阪等地同步進行。

草間彌生典藏作品展《INFINITY - SELECTED WORKS FROM THE COLLECTION》

• 時間：即日起至2026年1月12日12:00-20:00，休館日以路易威登大阪御堂筋旗艦店為準
• 地點：日本大阪路易威登空間（Louis Vuitton大阪御堂筋旗艦店5樓｜大阪市中央區心齋橋筋2-8-16）
• 票價：免費
• 團體導覽：每月首週五、六舉辦，無需事先預約；每場次於15:00開始，時長約15分鐘（若因故變更日期，將於官方網站另行公告）

【場次】

1. 2025年8月1日、2日
2. 2025年9月5日、6日
3. 2025年10月3日、4日
4. 2025年11月1日（週六）、7日（週五）
5. 2025年12月5日、6日
6. 2026年1月2日、3日

資料來源：Louis Vuitton Japan

臺北市立美術館（北美館）正式宣布，邀請國際知名策展人塞西莉亞．阿萊馬尼（Cecilia Alemani）擔任2027年第15屆台北雙年展策展人。阿萊馬尼以其兼具思想深度與公共參與性的策展實踐聞名國際，長期關注當代藝術如何回應全球化、歷史敘事與社會變遷等議題。2027年，她將於北美館帶來下一屆台北雙年展，持續拓展臺灣與國際藝術界之間的對話與交流。

自1998年創辦以來，由北美館主辦的台北雙年展已成為亞洲最具影響力的當代藝術雙年展之一。台北雙年展長年透過跨國策展合作與具實驗性展覽形式，積極回應當代社會、政治、生態與科技等重要議題，並持續促進臺灣與國際藝術社群之間的深度交流。

塞西莉亞．阿萊馬尼（Cecilia Alemani）是誰？

此次邀請阿萊馬尼擔任策展人，亦反映北美館持續推動國際策展合作的方向。阿萊馬尼二十餘年的策展實踐，始終聚焦於大型藝術委託製作、跨領域思考，以及對公共空間與集體想像的重新開拓，其策展方法不斷挑戰既有展覽框架，並開啟新的全球對話可能。

北美館表示：「塞西莉亞．阿萊馬尼是當代國際藝壇中，最具影響力且敏銳的策展人之一。她的展覽總能在歷史研究與當代議題之間建立深刻連結，同時對藝術家與觀眾保持高度敏銳與關注。我們非常榮幸邀請她擔任2027台北雙年展策展人，並期待她為臺北以及國際藝術社群帶來嶄新的視野與觀點。」

致力於重新發掘被歷史忽略的聲音

阿萊馬尼的策展計畫經常穿梭於歷史與當代視角之間，藉由建立跨時代的對話，重新思考文化、記憶、身份與想像力的可能性。長期以來，阿萊馬尼致力於重新發掘被歷史忽略的聲音，並將目光焦點投注於女性藝術家與非主流的藝術實踐中。除了在世界各地策劃多場重要的美術館與非營利機構展覽，她也擔任「紐約弗里茲藝術博覽會」（Frieze New York）中的「藝術計畫」（Frieze Projects）策展工作，並長期投入當代藝術評論與出版。

任紐約高架公園藝術總監暨首席策展人

目前定居紐約的阿萊馬尼，自2011年起擔任紐約高架公園藝術（High Line Art）總監暨首席策展人，長期策劃並委託多位國際藝術家創作大型公共藝術計畫，包括艾爾・阿納祖（El Anatsui）、芭芭拉・克魯格（Barbara Kruger）、西蒙娜．雷伊（Simone Leigh）、艾德・魯沙（Ed Ruscha）、費絲・林戈（Faith Ringgold）等，持續拓展公共藝術作為城市公共對話與社會參與場域的可能性。

回顧其近年在國際重要大展的足跡，阿萊馬尼的策展生涯在 2017 年迎來了重要里程碑。在該年的「第 57 屆威尼斯國際美術雙年展」期間，她受邀擔任義大利國家館的策展人。緊接著在 2018 年，她將策展觸角延伸至大型藝術博覽會的城市開拓計畫，出任首屆「巴塞爾藝術展都會館：布宜諾斯艾利斯」（Art Basel Cities: Buenos Aires）的藝術總監，成功推動跨國界的文化交流。

曾任第59屆威尼斯國際美術雙年展藝術總監

然而，將阿萊馬尼的策展聲望推向國際頂峰的，是 2022 年的「第 59 屆威尼斯國際美術雙年展」。身為該屆藝術總監，她策劃主題展「夢之乳」（The Milk of Dreams），以超現實主義畫家和小說家李奧諾拉．卡林頓（Leonora Carrington）在1950年代創作的同名兒童繪本作為展覽命題。展覽集結來自 58 個國家的 213 位藝術家，深刻探討了身體變異、人與科技的關係，以及人類與地球之間的緊密連結。「夢之乳」不僅實踐她一貫關注女性與少數群體的核心理念，更廣受國際藝評界的高度肯定，一舉吸引超過 80 萬名觀眾參觀。這場規模宏大且充滿詩意的展覽，也被視為近年來最受矚目的威尼斯雙年展之一。

藝術具有促進對話與討論的力量

針對此次任命，阿萊馬尼表示：「能夠被委予重任、策劃下一屆台北雙年展，我深感榮幸。台北雙年展在形塑當代藝術論述上，有著卓越非凡的歷史。作為我在亞洲的第一個策展計畫，面對這份契機，我既感到興奮，同時也抱持著謙遜的心情。在當前全球局勢之下，像台北雙年展這樣的平台更顯得迫切。它們是創意思辨與文化韌性的重要空間，提醒著我們：在關鍵歷史時刻中，藝術具有促進對話與討論的力量。臺北市立美術館長期以來一直是連結區域敘事與全球視野之間的重要橋樑，我非常期待能與當地的藝術社群合作，共同打造一場能跨越國界、引發深刻共鳴的展覽。」

_{資料提供｜北美館、文字整理｜Adela Cheng}

四川與墨西哥城，兩座相隔萬里的城市，因藝術而有了交集，因兩位藝術家對「光」的共同追求，而產生跨越地域限制的共振。

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊（Galerie Marguo）攜手推出《餘光》展覽，帶來中國藝術家謝帆、墨西哥藝術家Dennis Miranda Zamorano新作。儘管在尺幅、創作過程與文化語境上有所不同，兩人的作品皆訴說著某種「衝動」，也都試圖捕捉「光」所觸及的事物，並共享「信任材料得以表達自身」的創作哲學，讓圖像在「有機狀態」中生成。

橫跨四座城市的策展計畫

《餘光》作為TAO ART首次製作的雙人展，籌備過程涉及複雜的跨國合作——2位藝術家各來自四川、墨西哥城，主辦藝廊則分別位在台北、巴黎。對此TAO ART創辦人Vicky Chen表示，不同文化與創作形式之間的交流和火化，一直是TAO ART所關注的核心，而此次《餘光》在2位風格看似迥異、文化養成背景極其不同的藝術家之間，捕捉到了有趣的共鳴，傳遞了藝術和思想跨越國界的內在力量。

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo則補充，《餘光》的起點源自一個簡單的觀察：儘管謝帆與Dennis Miranda Zamorano之間存在許多差異，卻都試圖透過藝術作品，將某種「光亮」凝止於當下，「或許這因2人皆來自嗜辛之地——四川與墨西哥城，共享著貫穿文化、地景與感官經驗的強烈能量。一位將這種能量轉化為耐心與大地的質感，另一位則化為迫切的表達與偶然的力量。」

謝帆｜交織感官、視覺、材料、生態的藝術創作

謝帆的藝術創作，體現了他對「物質」及其所蘊含的力量的深度探索。製作陶板繪畫是他日常生活的一部分，他親自準備泥土、燒製陶板，以細膩筆觸在陶板上作畫，這些作品未經矯飾，以貼近土地的質樸氣息和面貌，映現創作者的生活經驗，及對世界萬物的觀察。此次展覽亮點之作——「天象」系列陶板繪畫，描繪日月運行的軌跡，表達人類與宇宙之間的感知關係，捕捉了人類對光的深刻渴望。

除了陶板繪畫之外，謝帆也在絹上悉心作畫，並使用中片幅相機攝影。他在成都的工作室不僅是繪畫創作的空間，也像一座實驗室，他在那採集野外食材嘗試料理，培養微生物的小型生態系，長時間觀察其變化與行為。他對世界常保敏銳感受與好奇心，由此開展出交織感官、視覺、材料、生態的藝術宇宙。

謝帆的作品流動著靜謐能量，讓觀者得以進一步意識並感受身體周遭、從大地延展至天空的廣闊空間。Dennis Miranda Zamorano的藝術創作，則透露了創作者和媒材之間原始、強烈的能量交流，彷彿將某種世界神秘的初始力量引入畫布之上。

Dennis Miranda Zamorano｜探索「超越人類存在」的藝術能量

Dennis運用噴漆、刀具、砂紙、化學材料等媒材創作，並將成長經驗轉譯於畫布，他自小的生活節奏隨著墨西哥露天市集（El Tianguis）流動，這份經歷讓他對各種「偶遇」擁有相當敏銳的感受，這也影響他適時放手、任作品「有機生成」的創作手法。舉例來說，Dennis部分作品與「雨水」共創，任自然元素參與作品的成形，在畫布上激盪出豐富層次與意想不到的效果，呈現一種「超越人類存在」的獨特感染力。

《餘光》展覽中尺幅最大的作品〈獻給美洲的花園〉，是一片瀰漫憂鬱氣息的遼闊藍色場域，其上覆蓋著複雜、細膩的各種形狀，如植物的枝葉根莖，夾雜著宛若斑駁光影灑落牆面的幽微印痕。

另一件作品〈黑暗中的光之樹〉則如神話場景，描繪著在黑暗森林中閃爍的微光，色彩波紋在水面與倒影之間蕩漾，透過豐富的筆觸、滴落的顏料、大膽的色彩與空間構成，營造出引人遐想的夢幻畫面。

Dennis曾說，他與謝帆的共鳴來自兩人都理解「信任材料會表達自身」的重要性。當兩人的作品置於同一空間，不僅是作為圖像而彼此對話，也開展了繪畫作為一種語言的可能性。身為觀眾的我們，也得以透過兩位藝術家的創意激盪，窺見繪畫顯現內在感知世界的能量。

《餘光》

展期｜2026.05.23－07.18

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00