2022台灣設計展〈DigiWave〉展館:透過人格測試、5大展區探索科技時代下的人類感知

2022 DigiWave隨台灣設計展在高雄登場!透過人格測試、5大展區探索科技時代下的人類感知

高雄原生科技藝術展「DigiWave」不停對科技與人類之間的關係提出叩問,並透過結合科技所打造的數位藝術、互動體驗等展覽形式應答,向觀眾拋出新的思考角度。繼2021年的「電玩」主題之後,2022 DigiWave以《啟動全民任務:未來.dw》為題,探討人類的「感知」在科技掛帥時代中所扮演的角色,全展透過5大展區,揉合人格測試、機智解謎、數位互動等體驗,以及動態追蹤、AI與AIOT等新媒體技術,帶觀眾破解一場唯有透過「感受」與「合作」才能達成的任務。

2022 DigiWave_sc.5心臟3

2022 DigiWave_sc.1探測點
2022 DigiWave《啟動全民任務:未來.dw》9月30日~10月23日展出

探索科技年代中的人類感知

每年DigiWave都會探討一道與科技相關的議題,今年總策展人王舒音(Dolce Wang)期盼透過科技喚醒埋藏深處的人性,讓科技與人類最珍貴的「感知」系統和諧相處。王舒音認為,「活著」的真諦源自於心,感知讓人類並非空有軀殼;因此,這次她為展覽創造了兩大角色——感知沈睡的巨獸「巨靈國王」以及象徵感知的「小圖靈 Echo」,而每位觀展者的參與即代表感知入場,DigiWave展場則是感知匯聚之地,最終任務是要喚醒巨靈國王沈睡的心與感知。

2022 DigiWave_巨靈國王
《啟動全民任務:未來.dw》中的關鍵角色「巨靈國王」

五大人格將擁有不同觀展體驗

進入展場前,觀者得先經過「五類人格測試」,藉5道與人際關係、音樂感知等面向有關的簡短問答,找出自己是五大人格——極樂流、治癒流、源泉流、自我流、高智流中的哪一類,每種人格將開啟各不相同的觀展體驗。此外,每位觀者的「投入程度」將影響現場聲光效果,越是投入,展場空間所給予的回饋越是劇烈,形成有機、沉浸式的展覽型態。

2022 DigiWave_sc.4b觸覺神經2

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《啟動全民任務:未來.dw》呈現有機的展覽形態

前導區與5大展區亮點一覽

《啟動全民任務:未來.dw》由探測點與中樞神經、大腦、視覺、觸覺、心臟5展區構成,整體猶如超現實的科幻密室場景;展覽故事則以一封來自未來的求救信為開端,參與救援任務的「特工」們將會齊聚,並根據五類人格分為「視覺」或「觸覺」兩大陣營,一同在「小圖靈 Echo」的引導之下進行解謎,每道關卡限時7分鐘。

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「心臟區」

 01. 探測點 

踏入展區,映入眼簾的是1970年代風情的民居擺設,在鈴響清脆的老式電話、播映著上世紀電視節目的舊電視、聲音充滿雜訊的收音機⋯⋯等看似平凡無奇的日常家具當中,藏有開啟通往未來任務的線索。觀察力在這一道關卡中尤其重要,但在悉心觀察現場之餘,也別忘了看看手機上小圖靈給的提示。

2022 DigiWave_sc.1探測點2

FotoJet

FotoJet (1)
「探測點」呈現1970年代風格

 02. 中樞神經 

解鎖第一道關卡後,會進入到中樞神經,本區藉由電腦程式生成即時對現場做出回應的影像,也就是說,觀者入場後的一舉一動將立即影響周圍牆面的影像畫面,呼應人人在現場皆有影響力的展覽理念。當觀者通過此區,即代表願意貢獻自己的意識與感知,成為破解任務的一份子。

2022 DigiWave_sc.2中樞神經3

2022 DigiWave_sc.2中樞神經
「中樞神經區」

 03. 大腦 

觀展前做的人格測試,在本區也會派上用場,入場後先在DigiWave官方LINE上打開「個人憑證」,接著將手機放在中央的投影檯面上,這時展場將透過AI運算體驗者資料,即時回饋每人所對應的「顏色」,最終現場參與者將被區分為兩種型態,分別展開以視覺、觸覺為導向的體驗路徑。前往下一關前,也不妨在此停留一會,觀看由體驗者對應色系、現場即時合成運算影像結合雷射及混音的特效表演。

2022 DigiWave_sc.3大腦2

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打開DigiWave官方LINE上的「個人憑證」後,將手機放在檯面上將可偵測出不同色彩

 04-1. 視覺神經 

進到這裡,體驗者將進入一片黑暗,既然本區體驗以「視覺」為導向,別忘了留意展間中的色彩、形狀、圖樣等細節。為了讓大家保留解謎樂趣,這邊先不爆雷詳細內容。

2022 DigiWave_sc.4a視覺神經3

2022 DigiWave_sc.4a視覺神經
「視覺神經區」

 04-2. 觸覺神經 

觀者可伸手觸摸投影幕,獲得即時的光影回饋,現場也將藉由AI感測,為每位體驗者生成專屬影像,這時可在牆面上看到自己與夥伴們的數位分身。

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「觸覺神經區」

 05. 心臟 

經過層層關卡,特工們將來到「巨靈之心」所在的心臟區,展場根據3首由總策展人王舒音創作的曲子,呈現出多種截然不同的影像與空間風格;現場設置5個互動基座,它們分別代表主旋律、和聲、節奏、效果與副旋律5種音樂元素,當體驗者與其互動,地面投影將即時回饋動態效果,互動越是劇烈、影像效果越是強烈,當累積到足夠能量將可喚醒巨靈國王,成功解開通往未來的任務。

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「心臟區」

觀展採預約優先制

最後必須留意的是,本次展覽採「預約優先制」,建議先加入LINE官方帳號「@Digiwave」,並點選「預約觀展」後選擇場次日期、時間與參觀人數;這邊要特別注意,每人每次預約最多2位,且單人最多只能「同時」預約2個場次,策展團隊希望能透過適當分流,給予進場的觀眾最為完善的觀展體驗。

2022 DigiWave_sc.4a視覺神經2
展覽採「預約優先制」,觀展前別忘了加入DigiWave官方LINE進行預約

2022 DigiWave《啟動全民任務:未來.dw

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展覽日期|2022年9月30日~10月23日

展覽時間|週一至四 11:00~20:00;週五至日與國定假日 11:00~22:00

展覽地點|高雄駁二設計中島棧4-2倉庫

資料、圖片|DigiWave

部分攝影|izzie pang

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20座「巨石」現身花蓮國際石雕藝術季!澳洲藝術團隊ENESS打造,白日如超現實石群、夜晚化為光影景觀
20座「巨石」現身花蓮國際石雕藝術季!澳洲藝術團隊ENESS打造白日是石群、夜晚化為光影的奇幻地景

2026花蓮國際石雕藝術季邁入第30年,今年亮點之一是首度邀請澳洲藝術團隊ENESS,帶來大型巨石陣互動裝置藝術作品《Iwagumi Air Scape》,以「石頭在呼吸」為主題,首站將於9月24日至10月12日在花蓮市日出大道展出後,再於10月23日至11月8日移展至光復鄉大農大富平地森林園區。

巨石裝置藝術作品現身花蓮

成立於1997年的ENESS,以澳洲墨爾本為基地,由藝術家暨創辦人Nimrod Weis帶領。而此次展出的作品《Iwagumi Air Scape》曾於澳洲、義大利及新加坡等地展出,這次來到花蓮,將以大型戶外互動裝置,拓展石雕藝術季對「雕塑」媒材與形式的當代理解。

ENESS創辦人Nimrod Weis(圖片來源:ENESS)
ENESS創辦人Nimrod Weis(圖片來源:ENESS)
《Iwagumi Air Scape》,此為新加坡展場照。(圖片來源:ENESS)
《Iwagumi Air Scape》,此為新加坡展場照。(圖片來源:ENESS)

《Iwagumi Air Scape》的創作靈感來自日本庭園中的「岩組」(Iwagumi)概念。ENESS將人們印象中堅硬、沉重且長久不變的岩石,轉化為由空氣支撐的巨大柔軟形體,透過物質狀態與尺度的轉換,重新思考石頭、自然、身體感知與生命之間的關係。

《Iwagumi Air Scape》,此為新加坡展場照。(圖片來源:ENESS)
《Iwagumi Air Scape》,此為新加坡展場照。(圖片來源:ENESS)
《Iwagumi Air Scape》,此為新加坡展場照。(圖片來源:ENESS)
《Iwagumi Air Scape》,此為新加坡展場照。(圖片來源:ENESS)

自由靠近、穿梭或輕觸作品

展覽以《石頭在呼吸》為題,則藉由「石頭」與「呼吸」看似矛盾的組合,回應自然環境持續發生的循環、變化與共生。當觀眾靠近、穿行或輕觸作品,燈光與聲景也將隨之產生變化,使觀眾不只是站在作品之外觀看,而是成為藝術經驗的一部分。

《Iwagumi Air Scape》,此為新加坡展場照。(圖片來源:ENESS)
《Iwagumi Air Scape》,此為新加坡展場照。(圖片來源:ENESS)
《Iwagumi Air Scape》,此為新加坡展場照。(圖片來源:ENESS)
《Iwagumi Air Scape》,此為新加坡展場照。(圖片來源:ENESS)

欣賞從白日到夜晚的巨石景觀

本次共展出20座宛如天然巨岩的充氣裝置,最高達13公尺,並結合雕塑、燈光、聲音、軟體及互動感測技術。白日裡,這些巨型岩石裝置如同突然出現在城市與草原中的超現實地景;落日後,作品內部燈光逐漸亮起,石群轉化為充滿色彩與節奏的光影景觀,並伴隨蛙鳴、鳥語等自然聲響,在宏偉尺度中營造寧靜細膩的沉浸體驗。

《Iwagumi Air Scape》,此為新加坡展場照。(圖片來源:ENESS)
《Iwagumi Air Scape》,此為新加坡展場照。(圖片來源:ENESS)

從城市街道走入自然

此次作品首站於花蓮市中心日出大道展出,希望藉由市區的人流與觀光動線,讓大型互動裝置藝術進入居民生活,使日常街道轉化為可以停留、交流與探索的藝術場域。第二站移展至大農大富平地森林園區,從城市街廓進入廣闊草地與山林環境,柔軟巨石將與花蓮自然地景相互映照,觀眾也能在更開放的尺度中,重新感受作品、身體與環境之間的距離。透過跨區輪展,展覽期望引導觀眾深入光復鄉,促進城鄉藝文資源流動,也串聯地方旅遊與周邊產業。

(圖片來源:ENESS)
(圖片來源:ENESS)

還有免費接駁車!

為便利民眾前往大農大富平地森林園區觀展,第二站展出期間提供「光復火車站-花蓮觀光糖廠-大農大富平地森林園區」免費接駁服務,平日及例假日均提供接駁服務。大型巴士每班可載客43人;部分指定班次安排無障礙中型巴士,每班可載客21人。另外,接駁班次如有調整,將於花蓮縣文化局官網公告,請於出發前留意最新資訊。

去程|光復火車站 → 大農大富平地森林園區

班次為:10:00、11:20(♿)、12:10、13:50、14:50、15:25(♿)、17:20及18:20,共8班。

回程|大農大富平地森林園區 → 光復火車站

班次為:12:35、13:25、14:00、14:35(♿)、16:00、17:05、17:45(♿)、19:15及20:15,共9班。

《石頭在呼吸》— Iwagumi Air Scape 戶外光影裝置展

▻ 第一站|花蓮市日出大道F段

展期:2026年9月24日至10月12日
時間:每日12:00-22:00
地點:花蓮市日出大道靠重慶路段
亮燈揭幕式:2026年9月24日(四)18:00

▻ 第二站|大農大富平地森林園區日地月池

展期:2026年10月23日至11月8日
時間:每日10:00-20:00
地點:花蓮縣光復鄉大全村農場路32號
亮燈揭幕式:2026年10月23日(五)18:00

資料提供|花蓮縣文化局、文字整理|Adela Cheng

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洪浩鈞、曾令理帶逛!走進《藤本壯介建築展:原初.未來.森》未完待續的設計現場
洪浩鈞、曾令理帶逛!走進《藤本壯介建築展:原初.未來.森》未完待續的設計現場

真正的建築搬不進美術館,建築展只能以模型、圖紙、材料與影像替代,《藤本壯介建築展:原初.未來.森》卻反過來讓設計尚未成形前的試探與靈光浮上擡面。先後任職於海澤維克工作室(Heatherwick Studio)的洪浩鈞與曾令理,如今各自發展展設計實踐。兩人從藤本壯介如何以森林、曖昧與重複單元重新理解空間,一路談回:設計或許不只是精確控制,更是在精確後,仍願為未知留下餘地。

本文選自La Vie 20269月號《藤本壯介建築特輯》,更多精彩內容請點此

「我猜浩鈞來看展,應該會停在那些process很密集、探索感很強的地方。」曾令理說過去在海澤維克工作室,桌上常擺著粗糙、甚至「有點醜、莫名其妙」的模型,「為什麼這個留下來?為什麼另一個被放棄?中間究竟發生了什麼?」她相信模型本身就是思考,手先動起來,下一步才從眼前的意外浮現。洪浩鈞同樣熟悉這套節奏,他記得海澤維克工作室幾乎被模型與打樣塞滿;至今他仍相信,實際做出來後,材料的重量、距離與觸感才會回到身體。

(攝影:羅柏麟)
(攝影:羅柏麟)

當一般建築展從概念、競圖、設計發展一路走向模型與落成,清楚而線性;《藤本壯介建築展:原初.未來.森》卻把不同年代、尺度與狀態的模型錯落、懸吊在展場中,讓原本分屬不同時間的念頭同時出現。「就像走進森林,你無從得知哪棵樹是第一棵樹。」曾令理建議參觀時不妨先迷路,突然被某塊材料、洋芋片、火柴盒這些日常物件吸走,也沒關係。

(攝影:羅柏麟)
(攝影:羅柏麟)

觀看到共處,建築發生在人與人之間

曾令理注意到有些展品被懸起,有些接近平視,有些得蹲低觀看,建築模型慣常的「上帝視角」因此被打破。當人無法一眼掌握全貌,便開始想像自己若置身其中,會站在哪裡、如何移動。洪浩鈞則發現,一般展覽容易形成「觀眾vs作品」的單向對話,但在「思想之森」裡,人穿梭其間,轉身時可能與其他觀眾相遇。「這時候不只是我跟作品,而是我、作品,還有他者,這其實很像藤本壯介的建築。」

(攝影:羅柏麟)
(攝影:羅柏麟)

藤本壯介的早期住宅裡,家庭成員各自找到位置,不必始終待在同處,卻能隱約感覺到彼此;到了「2025年日本大阪.關西萬博環形大屋頂」(大屋根),這層關係被放大成陌生人的交會。人在巨大木構下行走,感受到的不只有建築,也包括身旁的人如何停留、穿越,最後共同望向天空。建築由被觀看的物件,轉化成讓關係發生的媒介。

(攝影:羅柏麟)
(攝影:羅柏麟)

自由,需要被精確設計

談及「自然」,曾令理就聯想到藤本壯介曾經提過的「巢與穴」。「巢」接近熟悉的功能性空間,坐、睡、行走的位置都被仔細預想;「穴」不同,洞穴原本不是為人設計,人進入後才慢慢發現哪裡適合坐、哪處能倚靠。森林也是如此,沒有「客廳」或「走廊」的標示,卻提供足夠差異,讓身體自行找到位置。因此,藤本壯介的自由並非來自少做設計。當建築師不直接規定這裡是椅子、那裡只能通行,就必須預想更多姿勢與使用方式,尺度、結構、材料與視線反而需要更精準。曾令理將其概括為:「精確是自由成立的條件。」

(攝影:羅柏麟)
(攝影:羅柏麟)

洪浩鈞則笑說:「有些事情也不能講太明白,像談戀愛,曖昧的時候很多事情說破就失去美感。」他曾實際走訪台南的「南埕衖事」,沿立面樓梯前進,小平台不斷提供停頓、看風景或改變方向的可能。比起形式,洪浩鈞更在意最後形成的「氛圍」,光線、氣味、顏色,甚至有人從身旁經過的瞬間,都可能讓空間產生情感。這些難以畫進圖面的東西,往往才決定人如何記住一個地方。

(攝影:羅柏麟)
(攝影:羅柏麟)

當人開始使用,建築才真正離開設計者

共序工事曾將新北三重頂崁工業區的電梯零件工廠改造成「QUAN泉場」,完工後卻陸續出現團隊未曾預想的使用:樂團演出、品牌活動、藝術與設計展覽。原本功能明確的工廠,在不同時間長出不同身分。洪浩鈞發現,設計者認為不正確的使用,對真正生活其中的人未必不合理;若空間只能按照使用說明書存在,反而失去繼續生長的可能。

曾令理從藤本壯介的作品裡看到類似命題,她認為藤本壯介改變最多的是尺度,以及面對的「人數」;始終沒變的,則是如何讓不同個體透過簡單秩序彼此連結,同時保有自由。對做過大型專案的兩人來說,「真正困難的,是如何讓非常複雜的技術,最後不要被看見。」曾令理看到藤本壯介以大量纖細單元形成如光、如海市蜃樓般的巨大空間,概念一眼便懂,設計者卻不免思考:構件到了真實尺度有多粗?如何接合、抗風、施工?又如何在所有重量加入後,仍維持近乎消失的輕盈?

洪浩鈞隨即想到自己在海澤維克工作室參與上海「1000Trees」的經驗,模型裡只需把小樹插到柱頂,真正落地時,柱體卻必須同時處理結構、土壤、植栽重量、排水、灌溉與維護,團隊甚至製作1:1柱體進行測試。「模型看起來很輕鬆,真的做完全是另一回事。」

要當刺蝟,還是狐狸?

表面上,藤本壯介與海澤維克皆挑戰了建築理所當然的樣貌,但曾令理認為藤本使用的多半仍是建築領域熟悉的材料與構造,他反覆追問的是,內外為何非得明確分開?家具能不能成為建築?屋頂只能是屋頂嗎?海澤維克則更常從物件、材料與製造發問,橋為什麼一定要像橋?既有工法還能不能換種方式?

洪浩鈞的老師曾以「刺蝟與狐狸」比喻建築師:刺蝟沿著核心信念持續深挖,形成連貫而可辨識的語言;狐狸則隨基地、環境與條件改變策略,作品未必具有固定面貌,「我覺得藤本老師比較像刺蝟。」他和曾令理不約而同指出2023年建於福岡的「太宰府天滿宮臨時殿宇」,與大家熟悉的藤本壯介有些不同,讓植物覆上屋頂,凸顯藤本面對人與神明交流、傳說與信仰交織的場所,未用強烈語彙介入,而以較柔軟、浪漫的方式,替精神性留下更多想像。

曾令理近年的創作,逐漸從植物的分岔、捲曲、聚集與生長尋找形式,也不再刻意追求一眼可辨識的「個人風格」。當許多人造形式過了數十年顯得過時,我們卻很少看著樹、花或山感到厭倦,自然總存在差異、變化與無法一次掌握的複雜關係。甚至,「工作愈久,建築師愈熟悉法規、預算、結構與現實限制,卻也可能讓人過早知道什麼『做不到』,問題還沒真正開始,就先被自己否決。」

曾令理提醒自己不要太快知道答案,洪浩鈞則練習不再控制所有答案,並肩走過藤本壯介的建築森林,他們在其中,為偶然、變化與人的自由留下位置。

紙上導覽|2種視角,6個觀看線索

House NA|2011,東京

這是藤本早期我非常喜歡的作品之一,這棟位於日本東京的私人住宅,以其前衛且極具實驗性的透明結構聞名。透過不斷錯開的樓層所創造的縫隙,引入外部的自然光線、同時模糊了室內空間彼此的界線,徹底打破了傳統住宅的封閉感,重新定義了人與空間、以及人與城市環境的互動關係。

(攝影:羅柏麟)
(攝影:羅柏麟)

表參道Branches|2014,東京

之前曾到過現場,也讓我想起自己曾參與的上海「1000 Trees」,兩者都試圖重新思考高密度都市與自然的關係,前者把大型開發想像成人造山丘,結構柱頂真正承載植物;藤本壯介則讓建築、植栽與邊界彼此交纏得更加有機。觀看時可以先拋下「綠建築」這類標籤,試著找出建築究竟在哪裡結束、自然從何開始。當兩者已經難以清楚切開,或許正是作品最有意思之處。

(攝影:羅柏麟)
(攝影:羅柏麟)

海市蜃樓市集/光的粒子|2013,中東,設計提案

先是在媒體上看到這件未實現的提案,現場見到模型後,首先想像的是「人在裡面會是什麼感覺」?藤本壯介從如光粒子般的最小結構單元出發,不斷重複、堆疊成巨大空間;若真正置於中東強烈日照下,光源隨時間移動,構件投下的影子也將持續改變。看模型時不妨繞著它走,想像當固定的展場燈光換成一天流動的太陽,眼前這座建築會如何從結構變成時間與光共同生成的空間。

(攝影:羅柏麟)
(攝影:羅柏麟)

武藏野美術大學美術館.圖書館|2010,東京

我最近正在進行兒少圖書館改造,如今再看這件作品格外有感。圖書館擁有繁複的館藏、設備、動線與管理需求,藤本壯介卻先把問題退回最簡單的地方:圖書館究竟是什麼?他以「書架」貫穿建築,讓書架同時成為牆與空間,又在原本清楚的螺旋秩序中打開洞口,讓人能穿越、抄近路、選擇自己的路。推薦觀眾不要只看最後的漂亮模型,而要比較不同研究模型;所謂自由,往往是經過大量精密研究後才出現的結果。

(攝影:羅柏麟)
(攝影:羅柏麟)

終極木造宅邸|2008,熊本

學生時就十分喜歡這件作品,單一尺度的木構件不斷堆疊,同塊木頭可以是牆、地板、樓梯,也能成為桌椅與供身體停留的位置。旁邊大量不同階段的study model,揭露一句話就能說明的概念,背後其實經過反覆推敲。這件作品也提醒年輕設計者,尺度小並不代表思考可以縮水,小型構築、裝置與藝術計畫,同樣足以測試材料、身體與空間,慢慢磨出自己的建築語言。

(攝影:羅柏麟)
(攝影:羅柏麟)

仙台市(暫稱)國際中心車站北區複合設施|預計2031完工

一片片大小不同、彷彿漂浮的屋頂,讓我想起過去在海澤維克工作室參與Google Mountain View總部的經驗。兩件作品都將巨大建築拆解成較輕盈、起伏的屋頂單元,但藤本壯介進一步讓部分屋頂向地面延伸,最後變成能走上去、坐下來的斜坡與地景,「形式本身不是答案」,真正有趣的是形式最後如何進入生活。

(攝影:羅柏麟)
(攝影:羅柏麟)

洪浩鈞

Üroborus_studioLab共序工事創辦人暨設計主持人,任教於實踐大學建築設計學系。畢業於英國University of Brighton,後取得UCL The Bartlett School of Architecture建築碩士。曾任海澤維克工作室資深設計師及上海駐地建築師,參與多項大型國際計畫。2017年成立共序工事,實踐橫跨建築、空間、地景、展覽與裝置,關注材料試驗、在地環境,以及使用者如何賦予空間新的可能。

曾令理

偶然設計共同創辦人、國立陽明交通大學建築研究所副教授。畢業於東海大學建築系,後取得The Cooper Union建築碩士與Harvard GSD Design Studies碩士。會任職海澤維克工作室,參與Google Mountain View等計畫;實踐橫跨建築、裝置、公共藝術與材料研究,持續從身體尺度與模型原型探索空間生成的可能。

文|張瑋涵 攝影|羅柏麟

更多精彩內容,請見La Vie 20269月號《藤本壯介建築特輯》

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