繼2023年以「未來到劇場」為主軸探討科技、疾病與超人類主義之後，2024中國信託新舞臺藝術節以「換『劇』話說」為策展主題，透過四檔當代跨界節目展現劇場無窮的魔幻手法，經由衝擊觀眾視覺和激發想像來拋問性別、環境與生命本質的重要性，進一步映照現實也預警人類的未來！

擔當開場的是無獨有偶工作室劇團《巨人來了－山海遇見偶》，起源於2023年開始的「偶戲種子教師計畫」，攜手藝術導師無獨有偶培育種子教師，讓偏鄉藝文教育進一步擴散、在地扎根並永續發展；計畫影響力擴散至花蓮、宜蘭、新北、台南與屏東，更首次進入特教班級。

今年中國信託文教基金會與無獨有偶，在南港中信金融園區打造一場全齡共享的偶戲嘉年華，繽紛吸睛的偏鄉學童偶戲夜光秀與偶戲作品共六檔輪番上演，現場還有MUZIK x教育部樂器銀行樂器體驗、藝術家版畫工作坊及多項闖關集章遊戲，另有人氣拍貼機讓觀眾體驗。

在公益場也特別出動4.5公尺高的巨型大偶漫步南港，首次登陸台北的山海巨人，同心戮力六所師生，演繹這塊土地的疲憊與沉睡、甦醒與共生。活動採免費入場，7月6日週末就到南港中國信託金融園區跟著戲偶一起上山下海吧！

緊接著於8月8日至11日在臺大遊心劇場亮相的比利時夏綠瓦蒂劇團Ｘ焦點劇團《最後一個星期天》，跳脫以語言為唯一媒介的形式，非語言的演出飽含詩意又充滿滑稽的諷刺，譏嘲人類面對極端氣候和環境崩毀卻視而不見。

這部作品不但榮獲愛丁堡藝穗節「整體劇場獎」、比利時梅特林克獎「最佳表演」及「最佳藝術和技術成就」，2018年更獲頒法國著作人協會（SACD）the BelgianArtPrize的「最佳手勢劇場獎」，該獎項肯定劇團創團以來的所有製作，直至今日，夏綠瓦蒂劇團作品已經在全球演出逾1,000場次。

對於非正統劇場製作有著相同想法的夏綠瓦蒂劇團和焦點劇團，在視覺呈現、藝術表現及舞台語言的拿捏掌握展現高度契合，共創多部融合動態藝術、物件劇場、懸絲傀儡及攝影設計的劇場作品。

《最後一個星期天》講述不久將來後的某一天，人類再也無法適應極端氣候，世界末日近在眼前。小鎮上一戶人家卻絲毫不在意，伴隨暴雨的颶風侵襲，即使肆無忌憚的強風灌入屋內，眼前桌椅傾倒，杯盤狼藉遍布，一家人仍處之泰然地準備度過溫馨的午後家庭日；同一時間，三名記者行駛在顛簸的路面，正趕往另一端的荒原，為捕捉氣候浩劫下野生動物走向滅絕的最後身影。面對嚴肅的生存議題，前後兩組呈現完全相反的情境與態度，極度誇張的戲謔敘事觸發觀眾群體反思。

演出結合多元形式，微型物件搭配影像設計，表演者更時不時將延伸的軀體幻化作大自然的起伏樣貌，挑戰觀眾對肢體運用的想像極限；科幻模擬和現實面的荒謬混亂在台上交替穿梭，無需台詞的偶戲及默劇，反而激盪出觀者無窮邊際的想像。是部看似腦洞大開的警示預言，實則從平凡日常出發，與大眾生活經驗深刻共感，又極具趣味性的省思製作，猶如一堂全齡共賞的劇場生態課。

強力接棒的曼波男孩舞團1994年成立於巴塞隆納，擅長透過詼諧幽默的方式把舞蹈變成喜劇。藝術總監菲利普．拉斐耶（Philippe Lafeuille）以編舞家及舞者雙重身分活躍於舞壇，職業生涯中曾與流行天后瑪丹娜（Madonna）和芭蕾舞傳奇魯道夫紐瑞耶夫（Rudolf Nureyev）共舞。其舞作《Méli-Mélo show》以黑馬之姿在外亞維儂藝術節首演，並於愛丁堡藝穗節大放異彩，獲得「最佳國際表演獎」（Prix du Meilleur Spectacle International）。

主辦單位替這回來台的《蓬蓬》（TUTU）下了個相當顯眼且吸引人的關鍵標題：「猛男芭蕾撞上幽默舞劇，解放觀眾搞笑魂！」原來，男人也能精準掌握踮腳尖的藝術。是繼《Méli-Mélo》再次登上外亞維儂藝術節的舞作，以破竹之勢獲得「最受觀眾歡迎獎」（Prix du Public），喜劇風格的舞蹈驚艷愛丁堡藝穗節的觀眾，並獲得媒體逾五星好評；蘇格蘭人報The Scotsman、百老匯報The Broadway Baby和專業藝評Edinburgh Festival Magazine、the wee review、one4review、The List等媒體也皆給予超過四顆星評價。

「色彩繽紛的芭蕾舞蓬蓬裙和尖頭鞋不再專屬於女舞者！」，六位男舞者彷彿變色龍，突破性別框架，大秀猛男芭蕾，展現「雌雄同體」的身體創意；在全劇二十個場景中詮釋近四十個角色，不僅是舞者也是小丑，在台上無所不能的他們，淋漓盡致地融合古典芭蕾舞、現代舞、韻律體操、嘻哈及雜技等各類型舞蹈，專業深厚的舞蹈身段和底蘊揉合出一幕幕的視覺饗宴。

如同藝術總監所說：「這場秀就是場遊戲，這齣舞作我想獻給那些沒看過舞蹈表演的觀眾！」舞蹈本就是一門世界通用的語言，觀眾只需要純粹地享受這趟震撼的感官之旅；宛如時裝秀般的致敬經典卻又是齣挑戰創新的天鵝湖，接二連三詼諧逗趣的肢體語言徹底顛覆傳統芭蕾印象，一部兼具節奏感與喜感的舞劇，將於10月19日至20日於臺北表演藝術中心球劇場俏麗登台。

最後11月16日於臺中國家歌劇院壓軸登場，由比利時偷窺者舞團轟動國際的驚悚大作《密室三舞作》，描述在遠洋客輪的船艙和走廊中，時間及記憶被無法控制的力量扭曲；窺探人類暴力、情慾與偏執的脆弱與掙扎，並營造「超現實」的詭譎場景，畫下堪比大衛林區的懸疑美學。

人類在享受便利的網路生活之際，卻面臨了更大的意識危機：身而為人的知性與感性，正在慢慢消逝，巨量襲來的碎片化資訊看似簡潔又吸收快速，卻逐步侵蝕著不斷匱乏的注意力，甚至是無法達到或擁有完整的學習與深度的思考。換「劇」話說，讓我們好似參加末日慶典般地走入劇場沉澱心情、聚焦日常話題並開啟華麗的世代對談吧！

2024中國信託新舞臺藝術節

比利時夏綠瓦蒂劇 X 焦點劇團《最後一個星期天》

演出場次｜08/08(四) 19:30、08/09(五) 19:30、08/10(六)14:30&19:30、08/11 (日) 14:30
演出地點｜臺灣大學遊心劇場
演出長度｜約75分鐘 (無中場休息)

早鳥限時8折（7/4止），雙人88折四人套票85折（7/5起）

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_{資料提供｜中國信託文教基金會、文字整理｜Sunnie Wang}

衛武營與勞力士啟動合作關係，可謂其走入全球頂尖文化機構網絡的重要里程碑。肩負「提升在地文化景觀，深化國際藝術連結」使命，雙方將致力匯聚世界級傑作於地方樞紐，續寫台灣表演藝術新頁。本文關注場館和品牌此前鋪陳與此後展望，同場邀你親臨觀賞預定2026年3月21日為計畫揭幕的精彩音樂會。

衛武營日前發表消息，正式宣布攜手瑞士鐘錶品牌勞力士（Rolex），未來共同秉持嶄新視角開創文化傳承的下一篇章。從耕耘台灣表演藝術能量，到涵養藝術底蘊而與世界密切對話，勞力士將以專屬鐘錶合作夥伴（Official Timepiece）之姿，協力場館推動國際大師和地方舞台間的高層次交流。有賴衛武營標誌性的旗艦歌劇製作等項目實踐，總體計畫期待在當代語境下重新詮釋經典與傳統，沿襲對藝術的不懈追求，締造跨越時間的文化資產。以下依序爬梳勞力士伸入多元範疇的品牌觸角、衛武營著眼在地並面向世界的發展願景，深究雙方合作脈絡及又一精品品牌力行藝術贊助的美談。

勞力士｜1976年結緣首位合作夥伴，積極促成藝術登峰

以「恒動（Perpetual）」一字承載品牌價值，勞力士不僅專注彰顯製錶本業的精湛工藝與卓越品質，更充分肯定藝術在當今社會所扮演的重要角色：藝術家透過作品喚醒共通情感、聯繫群眾，不斷激發各樣創意——此時，品牌所為正是措置有利條件，助他們登峰造極。

回望逾半世紀歷程，勞力士自1976年與首位合作夥伴、著名女高音卡娜娃女爵士（Dame Kiri Te Kanawa）結緣以來，已建立和眾多藝術先驅的深厚關係，每位皆憑最高標準於所屬專業精益求精。後進一步與世界級藝術領域代言人及機構展開合作，使涵蓋建築、電影、舞蹈、文學、音樂、戲劇、視覺藝術的跨域支持計畫《藝術傳承・恒動不息（Perpetual Arts Initiative）》逐漸成形。至今仍持續與才華橫溢的創作者、頌揚非凡藝術成就的各地單位攜手並進；一來表彰傑出人才，二來培養後起之秀，供其機會攀自身高峰。上述內容以外，勞力士亦鼓勵體育和探險活動，且投入環境保護，展現關愛地球的企業態度。

2026年決意攜手衛武營，勞力士台灣分公司總經理林人和說明，「透過這次合作，我們不僅禮讚傳統，也開啟創意與文化交流的新機會。表演藝術能跨越界限，凝聚社群，激發對話；藉由此夥伴關係，衛武營與勞力士再次重申我們的承諾——持續為在地與國際觀眾帶來更豐富的文化體驗。」

衛武營｜從「眾人的藝術中心」躋身國際頂尖藝文場館

如藝術綠洲般坐落高雄鳳山，衛武營作為台灣規模最大的藝文場館、亞洲最大單一屋頂綜合劇院，由荷蘭麥肯諾（Mecanoo）建築事務所建築師暨共同創辦人侯班（Francine Houben）汲取靈感自當地常見的榕樹群，轉化樹冠盤根錯節的意象為流暢的白色波浪曲線，連綴主體建築獨特外觀。館內共設4座國際級場地，每年呈獻包括歌劇、音樂、舞蹈、馬戲、傳統戲曲等600餘場海內外藝術家演出，造訪人次超過150萬；其中尤具代表性的音樂廳採全台唯一的葡萄園式設計，經環繞舞台的階梯座椅堆疊全方位感官饗宴與聲學效果。

廳院間另規劃半戶外公共區域「榕樹廣場」，不使用直角牆體圍堵，轉藉樹蔭似的弧形鋼鐵頂棚模糊室內外邊界，讓風與光影得以自由穿透，實現該場館願成「眾人的藝術中心」之旨——既嶄露建築美感，甚透過開放的空間策略，將藝術自然融入居民日常，打造與世界連結的文化樞紐。

>> 延伸閱讀：解密高雄「衛武營」全球最大單一屋頂劇院！荷蘭建築團隊Mecanoo、藝術總監探訪全台最大藝文場域秘辛

今再成為勞力士初次出手支持的台灣在地表演藝術中心，實屬躋身國際頂尖文化場館行列的象徵，衛武營藝術總監簡文彬表示，「衛武營自2018年啟用以來，便致力於體現『眾人的藝術中心』之願景，我們深耕歌劇、舞蹈與傳統戲曲，不僅是為了守護文化根基，更是為了在當代語境中尋求突破。勞力士對於卓越品質的極致追求與『永恆傳承』的堅定信念，與衛武營的發展策略極為契合。透過雙方合作，我們期許能讓台灣獨特的文化創意力獲得肯定，並在國際藝壇的舞台上展現獨特的光芒。」

承先啟後：力邀世界級藝術家來台，展望群星雲集的未來

過去即有過勞力士代言人、傳奇男高音Jonas Kaufmann在衛武營留下足跡。雙方啟動合作關係的首度對話，則由音樂會《超越（Beyond）》於2026年3月21日揭開序幕——自2025年起出任勞力士代言人、現下最受矚假聲男高音之一奧林斯基（Jakub Józef Orliński），將挾以風靡全球的舞台魅力和技巧，同台實力強勁的金蘋果古樂團（Il Pomo d’Oro），為台灣觀眾帶來同步世界的視聽體驗。

▼ 精彩片段搶先聽

勞力士多年來未停下擴展藝術合作版圖，除與米蘭斯卡拉歌劇院（Teatro alla Scala）、倫敦皇家芭蕾暨歌劇院（Royal Ballet and Opera）、紐約大都會歌劇院（Metropolitan Opera）、巴黎國家歌劇院（Opéra national de Paris）、布宜諾斯艾利斯哥倫布劇院（Teatro Colón）等全球諸多頂尖歌劇院與表演藝術中心結為合作夥伴外，更涉足薩爾斯堡音樂節（Salzburg Festival）、聖靈降臨節音樂節（Whitsun Festival），並支持維也納愛樂（Vienna Philharmonic），憑其無與倫比的新年音樂會和仲夏夜音樂會聞名於世。今後與衛武營的合作深度，無疑也將步步體現於引進世界級演出的承諾上。

美籍華裔作曲家黃若即將帶著開創性作品《浮聲之城》來台，試圖打破古典音樂聆賞與表演的場域界限，整場演出包含「城市之旅」及「現場LIVE演出」，於3/28-3/29在臺中國家歌劇院大劇院展開！

《浮聲之城》（City of Floating Sounds）顛覆傳統坐在台下聽台上音樂家的演奏方式，作曲家黃若將整座城市轉化成帶有流動特質的「城市劇場」（Theater for the City），觀眾使用手機帶路，人手一機播放特定音軌，眾人形成隨機的大合奏，路上經歷與所看、所聽，也都成為體驗的一部分。

黃若的音樂啟蒙來自作曲家父親黃英森，以他的琴藝與作曲概念為引導，經常帶黃若上音樂課的是母親，「母親雖不懂音樂，但她用頁碼、小節數來為我做筆記，那是非常珍貴的記憶。」

最初形塑黃若藝術觀點的，還可追溯到孩童時期接觸的戲曲文化。小時候在海南老家，跟著奶奶去看瓊劇的日子，是黃若最初的藝術啟蒙。「中國的地方戲曲，它既是劇，就有故事，有唱、有演、有武術打鬥。它不是Elite（菁英）文化，而是農村的人也可以看得懂、免費參與的公共藝術。」

這種「全民劇場」的公共精神，讓黃若對歌劇和戲劇性產生極大的熱情。而他走上作曲之路則源於一次驚險的演出經歷。「有次在台上演奏，我忘譜了。老師之前告誡我『千萬不要停下來，也不要從頭開始』，我後來就自己Improvise（即興創作），就這樣彈下去了。」演出後，老師告訴他的父親，「這孩子成不了鋼琴家，但可以考慮走作曲的路。」黃若的創作之路，正是源自對「即興」與「不受限制」的熱愛。

以手機科技為介面，翻轉隔閡為連接

《浮聲之城》的靈感始於2017年，黃若參與曼徹斯特國際藝術節期間生根發芽。當時，他對於一座城市如何說故事深感著迷，並嘗試結合互動性與場域特定的聲音景觀。黃若表示，他一直希望有一部參與者可以生活在音樂裡，並直接和城市景觀、周圍人群互動的作品。

經過多年發想，《浮聲之城》隨之而生，2024年6月在曼徹斯特全球首演，7月到紐約演出，2025年10月於北京呈現。黃若將這種體驗擴展成一場城市活動，讓觀眾真正成為交響樂的一部分，將他們的腳步與存在編入音樂紋理，讓城市本身成為流動的舞台。順應不同的城市，有不同的路線設定。

黃若坦言，他是帶著對現代都會人際關係的反思，進而萌生了《浮聲之城》的創作理念。他觀察到，現代社會中，智慧型手機雖然是為了連接和聯絡而生，卻經常成為人與人之間最大的隔閡。「有時雖然家人、朋友在同一個客廳裡，但每個人都在自己的電子產品上，沒有人講話，沒有人交流。Technology（科技）實際上是隔閡了我們。」

如何將城市裡的人們透過一部作品連接起來？他決定反轉手機的孤立功能，讓它成為分享的工具。即使是平常沒有習慣進劇場、聽音樂會的人，也會想參與的作品。

從室外走向室內的動態樂譜

要欣賞《浮聲之城》，首先必須完成第一段戶外部分，使用手機App體驗。在戶外，觀眾也是「樂器」的概念，在下載 App 後，會隨機被分配到交響樂中13個不同聲部（如長笛、大提琴等）音軌。

接著，每位觀眾代表的「樂器聲」一起在戶外播放，就像是眾人合奏，隨著不同路線的參與者在城市中走動，聲音自然地疊加、交融。人群愈密集，聲音就愈豐富。

如此一來，城市成為動態的樂譜，參與者的腳步、城市的街道、突發的環境聲，如：救護車聲、街頭藝人、車水馬龍，都成為作品的一部分。黃若形容，「觀眾手持手機播放聲音的目的，是為了把自己的聲音跟大家共享。」

黃若表示，「希望大眾能夠 Share with them what you have, and then you could get what they have. You complete their world and they will complete your world（分享你擁有的，並得到他們擁有的；你圓滿他們的世界，他們也會圓滿你的世界）。」

打破台上台下界線！將音樂廳變為流動空間

《浮聲之城》的第二部分是室內演出，當不同路線的觀眾從城市各處匯聚到音樂廳後，將共同體驗音樂的高潮。針對臺中國家歌劇院的場地，黃若提出新構想，「我希望把現場樂隊安排在大劇院內不同的角落，讓聽眾自由走動。你可以跑到長號後面去聽，你的聲音透視感（Perspective）會完全不一樣。」

黃若表示，這能解決傳統音樂廳座位與舞台固定的問題，讓觀眾在已經預設好的場地中，依然能獲得沉浸式與互動式的體驗，最終目標就是打破聽眾與演奏者、場地與非場地之間的無形之牆。

黃若認為，藝術應當是推動社會往前的功能。他希望《浮聲之城》能在不同的城市帶來共鳴，讓身處繁忙都市中的人們，有機會Slow down（慢下來），聽見那些平時忽略的聲音。

2026 NTT Arts NOVA 曼徹斯特國際工房╳黃若《浮聲之城》

場次資訊：2026/3/28 (六) 10:00、15:00，2026/3/29 (日) 10:00、15:00，共4場

展演地址：臺中國家歌劇院大劇院（臺中市西屯區惠來路二段101號）

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_{文｜李欣恬　圖片提供｜臺中國家歌劇院}