如何打造無聲震撼？沉浸式展場的設計之道：專訪《大美不言》典藏精粹特展空間設計師田根剛

國立故宮博物院攜手巴黎裝飾藝術博物館、Van Cleef & Arpels梵克雅寶，即日起至12月29日，隆重呈獻《大美不言》典藏精粹特展，台北展出結束後，2025年也將移至嘉義，透過東西方對話呈現三館藏品的工藝極致美學。展件涵蓋陶瓷、玉石、玻璃、銅器、銀器、金飾、傢飾、服飾、雕塑、平面藝術、珠寶與鐘錶等逾260件瑰寶。La Vie專訪展場空間設計師田根剛，進一步探索他如何穿越時空與地域的互動與交流， 在不同主題引領下，呈現令觀者心馳神往的觀展體驗。

《大美不言》特展匯聚多元藝術形式，是國立故宮博物院、巴黎裝飾藝術博物館和Van Cleef & Arpels梵克雅寶珠寶世家三方深度交流後的結晶，透過沉浸式「舞台場景」（tableaux）型態，呈現260餘件瑰麗作品。展覽遵循主題性探索的脈絡，展現藝術無國界的雋永魅力。儘管這些收藏品橫跨古今時空和東西地域，策展團隊悉心地以材質、工藝及視覺風格，將展品規劃為「自然萬物」、「動靜有形」、「奇幻仙境」、「神祕莫測」和「五彩繽紛」五大單元。

讓展場空間成為藝術的延伸

「這次的設計融合了創意、功能和敘事觀點，對此我深感著迷。此外還能營造引人入勝的沉浸式環境，喚醒觀者的各種感官，並留下深遠的印象，無疑是一大魅力所在。從動線流向到燈光效果，每個元素皆使展覽的展出內容更豐富生動。」田根剛表示，《大美不言》特展之所以特別，是因為這項計畫讓他們能夠向大眾展示各項作品的歷史與藝術價值，以及相關的精湛工藝。

第一單元聚焦於「自然萬物」，展示藝術家捕捉大自然瞬息萬變的美。第二單元探討「動靜有形」，通過展件媒材及造型，展現作品多樣化的姿態與靈動感。第三單元「奇幻仙境」中的作品，則揭開虛幻神奇的超凡世界，揭露一隻隻奇珍異獸或令人驚喜不已的奇幻生物，反映不同文化與時代對宇宙萬物的獨特想像。第四單元聚焦於「神祕莫 測」，包含乍看無法理解其功能的展品，有待觀者細細賞析洞察其奧妙之處，甚至可能蘊含可變化外型的隱藏用途，或體現出神祕且精彩萬分的工藝技術。最後，第五單元「五彩繽紛」，展現繽紛多元的色彩語彙，呈現不同時空背景下的色彩涵義與詮釋。五大單元不僅展示不同主題的相似連結，也展現獨特的藝術創意，打造引人入勝的視覺饗宴，見證傳統工藝的豐富內蘊。

田根剛強調，「本次展覽對我們而言是一大挑戰，需要整合三方的珍藏，融合各自的故事，創造和諧的互動，屬實是項令人振奮且野心勃勃的企劃。這是一次難能可貴的機會，我們設計出流暢而連貫的展覽路徑，引導參訪者踏上一場跨越時間和文化的美學之旅。」

承載文化與情感的詩意空間

由於《大美不言》典藏精粹特展的展覽規劃，最初著眼於視覺效果和美學呈現，但隨著合作愈發深入，概念便日趨細微。觀摩他方規劃作品陳列，展現不同的鑑賞力，實屬令人振奮。這項共同策展的過程，提供了國立故宮博物院、巴黎裝飾藝術博物館和Van Cleef & Arpels 梵克雅寶互相學習的機會，亦非常引人省思。

展覽的場景設計概念簡潔深刻：運用光與色彩的力量，呼應自然之美的源頭。每個區域均以特定色調為基礎，以傳統皮影戲為靈感，將色調和剪影重疊，營造一種遊離於現實與夢幻的迷人氛圍。而為了突出展品的亮點，運用透明展台搭配柔和光線，藉此彰顯展品珍稀的內涵、高貴的材質以及精湛的工藝，將展品之美全無保留地展現予觀者。

田根剛不吝分享，「我們的設計構思源於展覽三方深入的策展工作。目標是跨越三方收藏品之間的界限，而非強調彼此的差異，並致力於營造統一的敘事體系，促進作品之間的對話，超越其各自的源頭。除了每個區域呈現的特定色彩，柔和而流暢地進入下一個展區的作法，更加彰顯了以大自然作為跨越時空的靈感泉源。」

《大美不言》亦將在嘉義故宮博物院兩地舉行。那麼，本次兩地的展場如何配合展出，以及這兩展場各自有哪些獨特之處？他認為，將展場設計配合不同的空間，讓他得以突破創新的界限，探索建築的表達方式，並在3D空間中創新敘事手法。

「我們的目標並非簡單複製原有設計，而是思考如何讓其昇華。地點和觀者規模不同，均是轉變並完善沉浸式體驗的良機。重新審視安排每個場地的元素，確保展場設計路徑貫通統一，這點至關重要。不同場地的大小（台北場地面積約200平方公尺，較嘉義的展場空間大），加上包括天花板高度在內的空間比例差異，無疑是一大挑戰，但這些差異也是創造不同體驗的良機。」

以未來之名，田根剛的建築設計新視野

在展場空間設計之外，田根剛的所有建築設計委託，都遵循了考古研究的流程；每每面對一個場地，他都會挖掘出深深植根於其中的回憶，賦予它們新的方向。他認為建築是屬於某個場域的記憶，作為連接過去和未來的紐帶，也呼應了他的「未來考古學」（Archaeology of the Future）概念。

他於1979年出生於東京，畢業於北海道東海大學建築系，如今以法國和日本為據點進行建築創作。不同於日本建築師常規的職業道路，他在26歲時便贏得了愛沙尼亞國家博物館的國際設計競賽，並在10年後的2016年博物館落成時再次受到關注。田根剛認為建築師應如考古學家一般深度發掘地方的記憶，透過與記憶的連結回望過去，在考古的過程中迸發出創造未來建築的驅動力，並賦予地方新的意義。

他的建築向來注重由當地紋理，或借鏡過去的工法、技藝解決現代建築的問題。比如青森縣「弘前煉瓦倉庫美術館」，就是田根剛建築事務所第一次參與日本的美術館建築修復，充滿過往結合新舊的建築語彙。

「我們先像考古學家一樣回到過去，挖掘歷史，尋找嵌入某個地方的記憶。這是一個令人驚奇而快樂的發現過程，在其中可以遇見並深入了解那些因現代化和全球化而無人知曉、被人忘卻或已然消失的事物。一個地方總有一段記憶深埋在地下的某處，這段記憶透過歷史考古與深思熟慮，從過去轉向未來，並慢慢變成建築。」田根剛指出，記憶並非屬於過去的東西，而是創造未來建築的驅動力，如此一種基於地方記憶的未來建築——就是他稱之為「未來的考古學」。

問題不在於建築是否能融入這個地方，而是它是否能吸引人們來此聚集，或有意義地存在於此。現代建築的原則有其局限性，當「新」的價值變得過時，就不復存在了。田根剛思考著，「我認為記憶是當今資訊社會中最強大的訊息。如果建築能分享和傳遞一個城市的記憶，那麼它當然就會留存。換句話說，我們不能把建築看成是一種記憶嗎？」

田根剛最後提及，歷史是經過時代編輯後再發表的產物。「集體記憶隨著文明和文化的積累，會變得更加具體。有趣的是，即使在資訊爆炸的社會中，只要你深入挖掘，仍然可以找到一個場所的特定記憶，我認為這就是我們可以看到的建築未來。」

建築、城市、生活和景觀原本是相互連結和連續的，它們不斷地被使用、更新和積累，同時慢慢地再加工，空間能透過建築得到拉伸和擴大，在滲透中產生新的景觀和生活方式，「如果建築可以更自由，人們也可以透過超越僵硬建築概念的界限，而變得更自由。我想，建築仍然充滿了未知的可能性。」如同《大美不言》特展中三聯畫的形式展示作品，看見超越地域和藝術型態的文化交流如何建立，同時講述跨越文化與時間的藝術史。

田根剛（Tsuyoshi Tane）

自2006年以來長駐巴黎工作，並創立ATTA-田根剛建築設計事務所。主要代表作包括愛沙尼亞國家博物館（2016）、弘前當代藝術博物館（2020）、位於巴黎海軍府的阿勒薩尼收藏展（The Al Thani Collection）（2021）、Vitra-Tane Garden House（2023），與帝國酒店東京新本館（計劃2036年完工）。職業生涯中獲得無數獎項與榮譽，包括：2022年法國文化及傳播部頒發的「藝術與文學騎士勳章」、法國建築學院頒發的Jean Déjean獎章、愛沙尼亞文化基金會頒發的重要貢獻獎等。

_{文｜張瑋涵　攝影｜La Vie、Julien Lanoo　
圖片提供｜《大美不言》典藏精粹特展、ATTA–、田根剛建築設計事務所、Eesti Rahva Muuseum、Vitra}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/12月號《紙上策展術》

丹麥首都哥本哈根（Copenhagen）是座與水共生的城市，海水、湖水和運河流動，港灣浴場、漂浮人造島嶼交織為獨特城市風景。當地人不僅親水，有的更直接在水上構築生活。

丹麥建築事務所Arcgency和MAST攜手合作，在哥本哈根打造一座漂浮式建築「Bedding 1」，其將作為旅宿和社區空間使用，與另2座漂浮建築、碼頭和水上花園串連，成為城市當今熱門地標「紙島（Papirøen／Paper Island）」的嶄新公共空間。

哥本哈根都市再生熱點「紙島」

坐落於哥本哈根港口中心的「紙島」，原名為克里斯蒂安島（Christiansholm），300年來見證了當地產業變遷和歷史脈動。17世紀末，這座人工島經填海造陸建成，最初作為造船廠使用，後又輾轉成了軍醫院、軍械庫、重工業用地。1958年，島上因「丹麥新聞聯合採購協會（DDPFF）」辦公室進駐，倉庫堆的貨物從武器、煤炭和機械，變成用來印製報紙的上萬噸紙卷。這段歷史也讓島嶼有了「紙島」的美名。

紙張堆滿水岸倉庫的盛況，一直持續到2011年協會遷出小島。隔年，許多創意單位紛紛進駐，街頭美食市集、當代藝術畫廊也陸續來此，為紙島注入有別以往的氛圍，讓這裡從封閉的工業區，轉變為創意能量活絡的文化培養皿。

2024年起，紙島迎來全面性都市發展計畫，未來將蛻變為一條沿著水岸而建，匯聚前衛建築、海港風光、北歐永續生活風格，集結國際酒店、文化中心和美食廣場等建設，得以體現新派哥本哈根生活的城市文化廊道。而停泊紙島旁運河上的「Bedding 1」，也是眾多新落成的建設之一。

從概念到實體都「為水而生」的建築

建築團隊Arcgency和MAST如此定義Bedding 1：這是一座從概念到實體都「為水而生」的建築。它不僅重新定義了城市水岸的使用方式，將原本消極的邊界，轉化為可棲居、可分享且充滿活力的公共場域，串連了居民、訪客和自然環境；同時讓水再只是「背景」，而是透過將水景融入社交活動或動線，讓水成為日常生活的一部分。

總高2層樓的Bedding 1，面積約為70坪（230平方公尺）左右，以甲板為界分為上、下層。上層與岸邊齊平，設有舉辦活動、聚會的社區空間；下層設有2間公寓，供屋主的訪客住宿，可以把它想像成「水上客房」。公寓旁另串聯一座木造平臺，可供皮艇或小船停泊。

木構呼應紙島造船歷史

Bedding 1以木頭為主要結構，用材靈感源自昔日丹麥皇家海軍造船廠，推動新船下水時所使用的木製滑道。以此為靈感並非偶然，上面我們提到紙島歷史時，提過這裡曾經是軍醫院用地，那之後又再轉型為丹麥海軍的造船廠。

為了深化與當地造船歷史的連結，建築團隊找來市中心最後一間仍在營運的造船廠Krohns Bådbyggeri，採用花旗松建造Bedding 1。為確保住戶隱私，小屋量體相對於屋頂內縮，外部以斜向的木構界定框架、同時支撐架構。

室內空間簡約明亮，大面開窗引運河和城市景色入內，整體以白色牆面搭配淺色木作呈現。屋頂則選用陽極氧化鋅材質，結構呈現微微山形，搭配精準收邊，讓雨水不會在屋頂上逗留，而能直接流入運河。

從《慾望城市》到《蜘蛛人》，從都會女子生活誌到英雄敘事，儘管故事情節再不同，只要畫面閃過「熨斗大廈（Flatiron Building）」，就知道這些精采故事發生在紐約。作為曼哈頓極具代表性的風景，熨斗大廈以身窄纖細的三角形輪廓著稱，自1903年屹立紐約街頭至今。如今這座地標建築正進行重大改建，從商辦大樓轉型為高級住宅，外觀內裝皆迎來修復和改造，預計於2026年秋季正式公開新貌。

熨斗大廈：曼哈頓街頭的經典地標

在熨斗大廈拔地而起之前，建築所在地塊就因輪廓酷似熨斗而被稱為「Flatiron」。20世紀初年，《紐約時報》曾在報導中提及，因地塊形狀特殊，要在此建造高樓就工程角度來說是一大難題，大樓最高或許只能達到12層。然而，建築師Daniel Burnham採用當時仍屬新興技術的鋼骨結構，為業主設計出高達87公尺、22層樓的大樓，最終其於1902年竣工，成為鋼構建築的始祖之一；外牆質地交織釉面赤陶與石灰岩，裝飾融入美術學院派（Beaux Arts）建築風格，由凸窗、簷口等細節點綴，配上標誌性的三角形外觀，便成了如今我們熟悉的熨斗大廈。

從商辦轉型為高級住宅

自1902年啟用後，熨斗大廈一直被作為商辦大樓使用，直到2023年，不動產開發商Brodsky及Sorgente Group共組團隊，宣布將這座傳奇地標改建為高級住宅，預計於22層樓規劃約40戶住宅，並由紐約建築設計事務所Studio Sofield負責室內設計；建築外觀的赤陶、石灰岩及古希臘樣式柱體等，也將經悉心修復。全案預計於2026年底改裝完成。

多層次住宅空間隨三角形建築結構開展

改造過程中，Studio Sofield順應熨斗大廈本身的特殊結構，為住宅規劃格局，其中最具特色的是，建築最窄那側的弧形窗戶，成為屋內對外的框景，起居空間由窗邊向內部逐漸由窄拓寬。當屋主腳步在三角形的屋內移動，視野將從第五大道（Fifth Avenue）逐步擴延至遠處的麥迪遜廣場（Madison Square）。設計團隊也善用大廈非方正、寬度範圍廣的既有結構，安排多樣的空間體驗，從私密角落一路延伸至開闊的長型空間。

軟裝的材質選擇，呼應熨斗大廈外牆質地，並揉合設計團隊在施工過程中發現、自20世紀初留下的建築歷史痕跡，以灰泥、石材為主體，點綴金屬細節，一方面延續大廈本身的內斂與懷舊感，同時加入更具現代感的材質，營造符合當代生活的居家氛圍。

外牆LED照明、復古旋轉門凸顯建築百年風華

熨斗大廈門面也迎來新貌，修復後的外牆由燈光設計團隊L’Observatoire International訂製的LED照明系統點亮，建築精緻細節更加凸顯。樓內設於1910年的旋轉門入口，也經現代工法細膩重現原始設計，重現熨斗大廈剛落成時的時代風華。