國立故宮博物院攜手巴黎裝飾藝術博物館、Van Cleef & Arpels梵克雅寶，即日起至12月29日，隆重呈獻《大美不言》典藏精粹特展，台北展出結束後，2025年也將移至嘉義，透過東西方對話呈現三館藏品的工藝極致美學。展件涵蓋陶瓷、玉石、玻璃、銅器、銀器、金飾、傢飾、服飾、雕塑、平面藝術、珠寶與鐘錶等逾260件瑰寶。La Vie專訪展場空間設計師田根剛，進一步探索他如何穿越時空與地域的互動與交流， 在不同主題引領下，呈現令觀者心馳神往的觀展體驗。

《大美不言》特展匯聚多元藝術形式，是國立故宮博物院、巴黎裝飾藝術博物館和Van Cleef & Arpels梵克雅寶珠寶世家三方深度交流後的結晶，透過沉浸式「舞台場景」（tableaux）型態，呈現260餘件瑰麗作品。展覽遵循主題性探索的脈絡，展現藝術無國界的雋永魅力。儘管這些收藏品橫跨古今時空和東西地域，策展團隊悉心地以材質、工藝及視覺風格，將展品規劃為「自然萬物」、「動靜有形」、「奇幻仙境」、「神祕莫測」和「五彩繽紛」五大單元。

讓展場空間成為藝術的延伸

「這次的設計融合了創意、功能和敘事觀點，對此我深感著迷。此外還能營造引人入勝的沉浸式環境，喚醒觀者的各種感官，並留下深遠的印象，無疑是一大魅力所在。從動線流向到燈光效果，每個元素皆使展覽的展出內容更豐富生動。」田根剛表示，《大美不言》特展之所以特別，是因為這項計畫讓他們能夠向大眾展示各項作品的歷史與藝術價值，以及相關的精湛工藝。

第一單元聚焦於「自然萬物」，展示藝術家捕捉大自然瞬息萬變的美。第二單元探討「動靜有形」，通過展件媒材及造型，展現作品多樣化的姿態與靈動感。第三單元「奇幻仙境」中的作品，則揭開虛幻神奇的超凡世界，揭露一隻隻奇珍異獸或令人驚喜不已的奇幻生物，反映不同文化與時代對宇宙萬物的獨特想像。第四單元聚焦於「神祕莫 測」，包含乍看無法理解其功能的展品，有待觀者細細賞析洞察其奧妙之處，甚至可能蘊含可變化外型的隱藏用途，或體現出神祕且精彩萬分的工藝技術。最後，第五單元「五彩繽紛」，展現繽紛多元的色彩語彙，呈現不同時空背景下的色彩涵義與詮釋。五大單元不僅展示不同主題的相似連結，也展現獨特的藝術創意，打造引人入勝的視覺饗宴，見證傳統工藝的豐富內蘊。

田根剛強調，「本次展覽對我們而言是一大挑戰，需要整合三方的珍藏，融合各自的故事，創造和諧的互動，屬實是項令人振奮且野心勃勃的企劃。這是一次難能可貴的機會，我們設計出流暢而連貫的展覽路徑，引導參訪者踏上一場跨越時間和文化的美學之旅。」

承載文化與情感的詩意空間

由於《大美不言》典藏精粹特展的展覽規劃，最初著眼於視覺效果和美學呈現，但隨著合作愈發深入，概念便日趨細微。觀摩他方規劃作品陳列，展現不同的鑑賞力，實屬令人振奮。這項共同策展的過程，提供了國立故宮博物院、巴黎裝飾藝術博物館和Van Cleef & Arpels 梵克雅寶互相學習的機會，亦非常引人省思。

展覽的場景設計概念簡潔深刻：運用光與色彩的力量，呼應自然之美的源頭。每個區域均以特定色調為基礎，以傳統皮影戲為靈感，將色調和剪影重疊，營造一種遊離於現實與夢幻的迷人氛圍。而為了突出展品的亮點，運用透明展台搭配柔和光線，藉此彰顯展品珍稀的內涵、高貴的材質以及精湛的工藝，將展品之美全無保留地展現予觀者。

田根剛不吝分享，「我們的設計構思源於展覽三方深入的策展工作。目標是跨越三方收藏品之間的界限，而非強調彼此的差異，並致力於營造統一的敘事體系，促進作品之間的對話，超越其各自的源頭。除了每個區域呈現的特定色彩，柔和而流暢地進入下一個展區的作法，更加彰顯了以大自然作為跨越時空的靈感泉源。」

《大美不言》亦將在嘉義故宮博物院兩地舉行。那麼，本次兩地的展場如何配合展出，以及這兩展場各自有哪些獨特之處？他認為，將展場設計配合不同的空間，讓他得以突破創新的界限，探索建築的表達方式，並在3D空間中創新敘事手法。

「我們的目標並非簡單複製原有設計，而是思考如何讓其昇華。地點和觀者規模不同，均是轉變並完善沉浸式體驗的良機。重新審視安排每個場地的元素，確保展場設計路徑貫通統一，這點至關重要。不同場地的大小（台北場地面積約200平方公尺，較嘉義的展場空間大），加上包括天花板高度在內的空間比例差異，無疑是一大挑戰，但這些差異也是創造不同體驗的良機。」

以未來之名，田根剛的建築設計新視野

在展場空間設計之外，田根剛的所有建築設計委託，都遵循了考古研究的流程；每每面對一個場地，他都會挖掘出深深植根於其中的回憶，賦予它們新的方向。他認為建築是屬於某個場域的記憶，作為連接過去和未來的紐帶，也呼應了他的「未來考古學」（Archaeology of the Future）概念。

他於1979年出生於東京，畢業於北海道東海大學建築系，如今以法國和日本為據點進行建築創作。不同於日本建築師常規的職業道路，他在26歲時便贏得了愛沙尼亞國家博物館的國際設計競賽，並在10年後的2016年博物館落成時再次受到關注。田根剛認為建築師應如考古學家一般深度發掘地方的記憶，透過與記憶的連結回望過去，在考古的過程中迸發出創造未來建築的驅動力，並賦予地方新的意義。

他的建築向來注重由當地紋理，或借鏡過去的工法、技藝解決現代建築的問題。比如青森縣「弘前煉瓦倉庫美術館」，就是田根剛建築事務所第一次參與日本的美術館建築修復，充滿過往結合新舊的建築語彙。

「我們先像考古學家一樣回到過去，挖掘歷史，尋找嵌入某個地方的記憶。這是一個令人驚奇而快樂的發現過程，在其中可以遇見並深入了解那些因現代化和全球化而無人知曉、被人忘卻或已然消失的事物。一個地方總有一段記憶深埋在地下的某處，這段記憶透過歷史考古與深思熟慮，從過去轉向未來，並慢慢變成建築。」田根剛指出，記憶並非屬於過去的東西，而是創造未來建築的驅動力，如此一種基於地方記憶的未來建築——就是他稱之為「未來的考古學」。

問題不在於建築是否能融入這個地方，而是它是否能吸引人們來此聚集，或有意義地存在於此。現代建築的原則有其局限性，當「新」的價值變得過時，就不復存在了。田根剛思考著，「我認為記憶是當今資訊社會中最強大的訊息。如果建築能分享和傳遞一個城市的記憶，那麼它當然就會留存。換句話說，我們不能把建築看成是一種記憶嗎？」

田根剛最後提及，歷史是經過時代編輯後再發表的產物。「集體記憶隨著文明和文化的積累，會變得更加具體。有趣的是，即使在資訊爆炸的社會中，只要你深入挖掘，仍然可以找到一個場所的特定記憶，我認為這就是我們可以看到的建築未來。」

建築、城市、生活和景觀原本是相互連結和連續的，它們不斷地被使用、更新和積累，同時慢慢地再加工，空間能透過建築得到拉伸和擴大，在滲透中產生新的景觀和生活方式，「如果建築可以更自由，人們也可以透過超越僵硬建築概念的界限，而變得更自由。我想，建築仍然充滿了未知的可能性。」如同《大美不言》特展中三聯畫的形式展示作品，看見超越地域和藝術型態的文化交流如何建立，同時講述跨越文化與時間的藝術史。

田根剛（Tsuyoshi Tane）

自2006年以來長駐巴黎工作，並創立ATTA-田根剛建築設計事務所。主要代表作包括愛沙尼亞國家博物館（2016）、弘前當代藝術博物館（2020）、位於巴黎海軍府的阿勒薩尼收藏展（The Al Thani Collection）（2021）、Vitra-Tane Garden House（2023），與帝國酒店東京新本館（計劃2036年完工）。職業生涯中獲得無數獎項與榮譽，包括：2022年法國文化及傳播部頒發的「藝術與文學騎士勳章」、法國建築學院頒發的Jean Déjean獎章、愛沙尼亞文化基金會頒發的重要貢獻獎等。

_{文｜張瑋涵　攝影｜La Vie、Julien Lanoo　
圖片提供｜《大美不言》典藏精粹特展、ATTA–、田根剛建築設計事務所、Eesti Rahva Muuseum、Vitra}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/12月號《紙上策展術》

「花磚」常見於台灣老屋，這些瓷磚不只是裝飾，更裝載著職人手藝和城市記憶。儘管傳統工藝逐漸凋零，仍有職人傾心守護這些屬於台灣的故事。

最近，Aesop與瓷磚工作室「爿爿花」攜手，以上千片手工花磚打造台北復興SOGO店空間，將老台北的記憶嵌入當代日常，讓傳統工藝在青瓷綠的溫柔光澤中，折射出嶄新的生命力。

延續花磚工藝，守護城市記憶

漫步台北舊街區，多處可見老屋外牆上傳統花磚的身影，這些瓷磚或重現動物花紋意象、或描繪口耳相傳的民間故事，每一塊都是時光與記憶的切片。數十年來，儘管台北歷經多次都更，城市樣貌劇烈變動，仍有職人細心保存花磚，及其所乘載關於家與回憶的故事——台灣在地瓷磚工作室「爿爿花」就是這樣的「記憶守護者」。

Aesop台北復興SOGO店，以手工花磚濃縮老台北光景

自1950年代老磚廠陸續歇業，傳統製磚工藝幾近失傳。為了將珍貴的老花磚帶入當代生活，爿爿花走進台北街頭巷弄，拍攝記錄各式老瓷磚圖騰，嘗試拼湊其歷史脈絡；同時延續傳統工藝，採手工製作花磚，以延續在地美學。此次爿爿花與Aesop合作台北復興SOGO店空間設計，正是對花磚所乘載的文化記憶，所提出的溫柔回應。

整間店鋪被青瓷綠籠罩，色彩靈感源自亞洲陶藝的經典色系，溫潤、沈穩且耐人尋味。爿爿花為Aesop手工打造約1,700片花磚，覆蓋店鋪的天花板、牆壁及地面，瓷磚紋樣發想自台北老宅騎樓柱子常見的花紋，將城市記憶濃縮於店內。空間中也融入錘紋與霧面玻璃材質，平衡瓷磚的堅實質感，為店內注入些許輕透感；邊角則採圓角設計，讓空間輪廓更加柔和。

以全新工法呈現經典花磚

值得一提的是，爿爿花打造瓷磚時，有別於早期乾式機械化的量產方式，改採濕式成形製法——真空加壓原土，壓入3D列印模具，再由手工切割、800°C素燒、上釉，並以1230°C高溫完成釉燒。在延續傳統工藝的同時，亦融入當代技術帶來有別以往的詮釋。

現代主義設計大師Charlotte Perriand作品妝點空間

店內的家具選品也值得一看，尤其是點綴水槽上方的銀色圓形壁燈，這盞鋁製燈具為20世紀現代主義設計大師Charlotte Perriand之作，約誕生於1960年代，採用實心鋁金屬製成，以簡潔線條構成扁平圓盤造型，打破傳統燈具印象，至今看來仍相當前衛。如果是Aesop忠實粉絲，應該對Charlotte Perriand一名不陌生——Aesop超人氣的木質玫瑰調「Rōzu 馥香水」，正是以她為繆思！

Aesop向來擅長透過店鋪空間轉譯街區故事，此次以花磚為引，將老台北城市記憶揉入店中，靜靜訴說台北建築的前世今生。下回造訪店鋪，不妨悉心感受藏於瓷磚中的職人手工與細膩故事。

玻璃在日常生活中無所不在，你可曾好奇這抹「透明」如何誕生？

春池玻璃將於12月打開擁有半世紀歷史的玻璃工廠，啟動全新場域「春場 SPRINGPOOL ORIGINAL FACTORY」，一處以60年玻璃實業經驗為基礎、置循環設計於核心，介於生產與展示、工業與工藝之間的開放平台。串連8大展區，集結材料、製造現場及上百件玻璃工藝品，春場領你走上從「透明之前」、「透明之間」一路行至「透明之後」的工藝之旅，窺見傳統製造業於當代發展出的嶄新樣態與價值。

打開玻璃工廠，導入設計思維領民眾一探「透明孵育地」

繼以玻璃為核心，集結展演、選物、餐飲、零售等功能於一地的「春室」品牌版圖底定後，春池玻璃再推全新實體場域「春場」。

春場以玻璃工廠為基地，貫徹「一半開放，一半生產」概念的場域，由彡苗空間實驗及無氏製作合作空間設計。團隊打破製造現場及展示空間之間的界線，兩者之間僅以一面玻璃相隔——觀者一面看展，一面能隔著玻璃望見窯爐中燒紅的玻璃膏，觀察老師父們熟練俐落的工作姿態。在此，玻璃串連了產業與生活，實業與文創和諧共存一地，共築一個兼具技藝傳承、設計交流、循環教育等功能的空間。

延續工業符號，創造新舊混融的空間

舊與新在春場中無縫銜接，設計團隊一方面保留工廠原有的鋼構、管線與混凝土地坪，揉歲月痕跡於場域；另一方面則透過新介入的玻璃、金屬與木材結構，輕盈地回應空間本身的工業語彙。

展示道具也滿載設計巧思，玻璃製程中的耗材不再隱形，而是成為反映場域特質的展場質地，比如玻璃吹製管化為展架結構，耐火磚與平板玻璃被重新整理、堆疊，構築可調整的層架與平台。

考量到春場未來可能發生的各種活動，舉凡設計講座、品牌活動、實驗劇場等等，設計團隊在其中融入許多彈性、可變的設計，便於日後根據需求營造不同情境。

從「透明之前」到「透明之後」：揭開玻璃工藝秘密

春場也透過「玻璃鵝卵石」串起導覽體驗。每年，春池會回收超過15萬噸的廢棄玻璃，品牌將每100公克視為一「春池單位」，將被丟棄的材料重新塑形，轉化為一顆顆玻璃鵝卵石，成為春場訪客的參觀嚮導。

導覽旅程以「透明之前」為始，聚焦於玻璃材質的潛能，接著推演至「透明之間」及「透明之後」，從樣品室的色料實驗、模具室的金屬肌理，到展示廳的光影折射，揭開玻璃從原料搖身一變為工藝品的歷程。

從春池玻璃轉型，看傳統製造業的當代轉機

春池玻璃是傳統產業轉型值得參考的案例，創辦人吳春池於1981年成立公司，以廢棄玻璃回收處理為核心，執行代工、回收材料應用等業務，奠定注重「永續」的企業文化；而後於2011年邁入轉型，成立「春池綠能玻璃觀光工廠」，打開民眾認識循環玻璃產業的新窗口，同時透過「W春池計畫」與設計師、藝術家跨界合作，為產業注入更多創意動能及文化價值。

春場的誕生，不只是延續玻璃產業輝煌時代的光輝，也是一次對傳統製造業的重新檢視——以「開放工廠」為本質，持開放思維迎接未來每一個合作、再造的可能，讓曾被視為夕陽產業的玻璃製造業，在當代綻放新貌。

春場

地址｜新竹市香山區牛埔南路372號

試營運營業時間｜2025.12.01起，週一至週六 09:30－17:30

導覽票價｜自助語音導覽 現場購票$200／專人導覽 預約制$250