《大美不言》典藏精粹特展帶領觀眾穿越時空，走進充滿藝術與文化之美的世界。La Vie 透過深度專訪Van Cleef & Arpels梵克雅寶典藏與展覽總監Alexandrine Maviel-Sonet、巴黎裝飾藝術博物館策展人亞洲及伊斯蘭典藏主管Béatrice Quette、國立故宮博物院副院長余佩瑾共三方策展人，聚焦展品間的對話，進一步探索東方與西方在美學、工藝以及設計層面上，異中有同的共通性、穿越時空與地域的互動與交流，並如何於5個主題的引領下，傳達令觀者心馳神往的觀展體驗。

歷經7年精心策劃，集結國立故宮博物院副院長余佩瑾與策展團隊、巴黎裝飾藝術博物館策展人兼亞洲與伊斯蘭藏品館長Béatrice Quette，以及Van Cleef & Arpels梵克雅寶典藏與展覽總監Alexandrine Maviel-Sonet的專業，精選三方藏品，推出《大美不言》特展，不僅藉由超乎尋常的奇幻展件，以及展場創新的設計，期待觀眾在這場前所未有的視覺盛宴中，經驗心靈的震撼與共鳴，同時感受在作品背後，藝術家如何從天地幻化的體悟中，以極盡裝飾的手法，創造語言無法言說的美。

梵克雅寶｜以悠久歷史及精湛工藝，彰顯珠寶之於藝術的重要性

談到這次展覽的核心主題「大美不言」，Alexandrine Maviel-Sonet特別強調，這是一場兼具歷史性與當代藝術的展覽，展示Van Cleef & Arpels梵克雅寶的精湛工藝，譬如展現世家以非凡的技術，創造出可轉換的黃K金及琺瑯珠寶創作等，「同時藉由接觸兩個著名博物館之頂級珍藏，使我們有機會重新審視世家的收藏品。策展團隊將展出的作品按不同的主題分類，或根據技術的相似性來選擇，或3件使用相同雕刻技法的作品等，此策展方式旨在讓觀眾能夠感受到作品之間的對話與共鳴，而不僅僅是單件作品的美感。」

本次特展也聚焦於展品的材料、工藝和圖案，透過這5個超越時間的雋永主題，彰顯珠寶師、寶石工匠和鐘錶師百裡挑一的非凡技藝。以不同的視角凝視每一件作品，其匠心獨運的技術和風格特徵不言自明。

我們問及，在策展過程中，最大的挑戰之一，必定是如何在歷史作品與當代作品之間創造對話？Alexandrine Maviel-Sonet透露，事實上，策展團隊並不視這為困難，而是將其視為一個趣味盎然的過程，「梵克雅寶在這次展覽中，提供80多件作品，其中包括前衛創作以及設計和工藝領域中出類拔萃的傑作，彰顯並重申珠寶之於藝術的重要角色，這正是我們多年來與裝飾藝術博物館共同致力的使命，梵克雅寶獨家贊助其珠寶陳列廊，這是法國最重要的同類收藏之一，介紹從中世紀至今的珠寶歷史，雙方精彩的合作不勝枚舉，《大美不言》展覽不僅體現這項傳統的一面，也憑藉國立故宮博物院的共襄盛舉而開啟新的視野。」這也成為展覽成功的關鍵之一。

這次展覽的一大亮點，是將珠寶設計的技術演變融入到展覽的故事線中，從早期的平面設計，到後來的立體創作，策展團隊展示了珠寶設計的技術進化過程，特別是世家的Mystery SetTM隱密式鑲嵌工藝。這項無與倫比的獨門工藝於1933年註冊專利，為寶石鑲嵌方式揭開 全新篇章。此工藝的奧祕在於金質軌道，經過精心切割的珍貴寶石逐顆鑲嵌在軌道中，可以在不讓鑲爪及其他金屬元件外露的情況下維持寶石美態，也在展覽中得以體現。

對梵克雅寶而言，策展過程本身也是一次深入學習的機會，Alexandrine Maviel-Sonet告訴我們，在籌備過程中發現了一些鮮為人知的歷史背景和創作靈感。其中一個有趣的例子是，他們發現一條創作於1947年的黃K金「Cord項鍊」，其靈感源於高級時裝，更具體來說是受到飾物啟發，這些珍貴的紐股繩索由黃金編織而成，不僅賦予整體作品無限動感風情，裝飾繩索也會隨著佩戴者搖曳生姿，巧妙再現繩索天然的柔韌性，策展團隊於是對作品的歷史有了更深的理解。

那麼，這場展覽如何同時吸引Van Cleef & Arpels梵克雅寶長期的愛好者與初次接觸者呢？Alexandrine Maviel-Sonet解釋，訪客可以透過展覽中的歷史背景和技術進化來了解世家，而資深愛好者則可以從展品的技術細節中發掘更多彩蛋。觀眾可以發現，早在20世紀初，梵克雅寶就已經為其創作申請了專利，這些技術至今仍然在發展和應用，對於那些已經了解這些技術的珠寶迷來說，可以在展覽中察覺這些技術與其他藝術形式的聯繫，讓展覽充滿了探索的樂趣。

Van Cleef & Arpels梵克雅寶自1906年創立伊始，即致力將創作與工藝融入藝術之中，並從世界各地的文化寶庫汲取外表形式和圖像的靈感，其珠寶作品與各種藝術流派之間始終不斷維持對話。《大美不言》典藏精粹特展不僅僅是三方藝術作品的聯合展示，更是一場充滿創意、歷史與文化共鳴的視覺盛宴。

專訪梵克雅寶典藏與展覽總監Alexandrine Maviel-Sonet

Ｑ：觀眾可以從這次展覽獲得什麼？嘗試將古代與近代作品共同展出，背後的靈感和動機為何？

我們發現觀者可以根據自己的理解來發現展覽中 作品之間的聯繫，這也是很有趣的一點。這次展 覽提供了一個開放的平台，允許每個人產生自己 的見解。對於還沒那麼熟悉梵克雅寶的觀眾來 說，這些展品能完美展示世家自 20 世紀初以來 專利技術的歷史，讓人們理解它與其他藝術形式 之間的共同點。

Ｑ：這次展覽中，梵克雅寶的主要展品如何體現「大美不言」的意涵

我們展出的主要展品是1952年由 Van Cleef & Arpels梵克雅寶所製作，一件可轉換為手鍊的Zip項鍊。此件作品被認為是梵克雅寶最前衛創新的作品之一，展示出如何將一件實用物品「拉鍊」，巧妙地轉化為集美感與變幻於一體的珠寶。這款項鍊於1938年取得專利，並於1950年首次面世，是一件工藝技術的傑出創新設計。僅需如拉動拉鍊般的動作，拉動流蘇裝飾，便可將其轉換為一條手鍊。

巴黎裝飾藝術博物館｜超越美學高下之分，展現藝術家無與倫比的創造力

對於巴黎裝飾藝術博物館來說，《大美不言》展覽的構想源起，是來自不同機構之間的合作精神，確保展品之間能夠形成和諧的聯繫，而非僅僅強調某些展品的價值或重要性。Béatrice Quette表示，「我們期望透過三方的合作，共同探尋精湛工藝的奧祕，無論源自亞洲還是歐洲。由此誕生沉浸式『舞台場景』（tableaux），展演著三方的典藏文物。」目標是通過展品之間的對話來創造一種和諧感，而這也成為了展覽成功的關鍵之一。

為了展現不同時代和地域的美學文化，並確保每件展品的品質和特色能夠相互輝映，Béatrice Quette透露，在挑選展品時，各方進行了多次討論，在不斷交流中，發現了新的靈感和解決方案。有時候，他們能輕易找到合適的組合，有時候卻需要多次調整。巴黎裝飾藝術博物館亦竭盡可能地展現其藏品之豐富性與多樣性，從中世紀至今的創作應有盡有，涵蓋了不同的技術和工藝，如玻璃、銀器、掐絲琺瑯、珠寶等，同時也不讓亞洲的作品成為遺珠之憾。

Béatrice Quette也強調，展覽的核心在於展品間的「對話」。每件展品都承載著其所屬文化和時代的故事，因此在策展過程中，不僅要考慮物件本身的質量，還要考慮它們在展覽中的相互關係。例如，將當代玻璃藝術品與18世紀的瓷器或19世紀的中國青銅器並置，這種安排讓觀眾可以從不同角度重新審視這些物件。《大美不言》典藏精粹特展也突出了東西方文化交流的歷史，「18、19世紀的中西方藝術影響了彼此的創作，中國的瓷器、漆器等工藝，對法國和歐洲的藝術產生了深遠影響， 而中國的皇帝們，如康熙、乾隆等，也對西方藝術充滿興趣。這種雙向的文化交流成為了展覽的一個重要主題，觀眾可以通過展品了解這段豐富的文化互動歷史。」

此外，展覽中的很多展品並不是孤立存在的，而是通過歷史和工藝的傳承與演變，形成了一種跨越地域和時代的連續性。這種連續性在展覽中 得到了充分展現，特別是一些當代藝術作品運用了傳統工藝，但表現形式卻極具創新性。例如，〈黑寶石〉朱利安．維莫倫即以雉雞、鵝斜切火雞羽毛，將「羽飾」藝術發揚光大，運用傳統工藝創作出當代作品，在創作過程中以時間、靈巧手藝和材質為尊。

Béatrice Quette還特別提到了珠寶展品的獨特性，梵克雅寶自2012年以來始終是巴黎裝飾藝術博物館全心信賴並多方合作的盟友，舉凡從展覽到出版物與教育專案。在此展中，他們發現，珠寶作品不僅僅是裝飾品，更是 一種情感的表達方式。每件珠寶背後都有一段與佩戴者相關的故事，它不僅僅代表了個人的品味和選擇，更是一種與佩戴者內心世界的對話。這種珠寶與佩戴者之間的關係，與人們對物件的感受息息相關。

《大美不言》典藏精粹特展可說是三方策展團隊對東西方文化交流、歷史與工藝的深刻思考與探索，讓觀眾在欣賞美學的同時，也能從中得知這些工藝如何在歐亞大陸兩側傳承與融合，展覽的設計和策展思路既創新又深入，給觀眾帶來了一次豐富而有深度的文化之旅。

專訪巴黎裝飾藝術博物館策展人 亞洲及伊斯蘭典藏主管Béatrice Quette

Ｑ：這次與梵克雅寶、國立故宮博物 院合作過程中獲得什麼啟發？

展覽規劃最初著眼於視覺效果和美學呈現，但隨著合作愈發深入，概念便日趨細微。觀摩他方規劃作品陳列，展現不同的鑑賞力，實屬令人振奮。這項共同策展的過程，提供了我們互相學習的機會。而能與有別於巴黎裝飾藝術博物館過往的參觀者互動，亦非常引人省思。

Ｑ：巴黎裝飾藝術博物館如何透過展品，將觀眾的目光聚焦於精湛工藝？

巴黎裝飾藝術博物館自1882年開館以來，宗旨就是蒐集歐洲乃至其他地區的收藏品，供藝術家在工藝實踐和視覺研究中汲取靈感。玻璃、陶瓷、漆器、金工、掛毯、傢飾等，本館將檔案內各式各樣精湛工藝的代表典藏品，於本次展覽中展出。我們期望將這些作品與國立故宮博物院以及Van Cleef & Arpels梵克雅寶典藏同等豐富多元的精湛文物匯聚一堂，藉此展現不同時代和地域下，美的語彙不盡相同。

Béatrice Quette

畢業於羅浮宮學院和巴黎第四大學，現任巴黎裝飾藝術博物館策展人，負責亞洲及伊斯蘭藝術收藏。保護、研究、增添，以及推廣收藏品，同時亦致力於建立收藏品與國內外的關係。裝飾藝術博物館自1864年成立以來，持續累積大量重要的亞洲藏品，這些藏品亦成為藝術靈感與專業技術工藝知識的豐富泉源，彰顯亞洲文明在裝飾藝術、現代與當代設計歷史的關鍵地位。

國立故宮博物院｜見證工藝發展史，東西方文化交流的精彩篇章

回顧《大美不言》策展的起源與發展歷程，國立故宮博物院副院長余佩瑾表示，最初源自梵克雅寶與法國裝飾藝術博物館的提案，當時她尚未擔任副院長，仍在器物處工作，因此參與了初期討論，「早期的構思主要圍繞如何突破以往僅限於珠寶展示的範疇，並擴展展覽的視野與深度。故宮在2012年曾舉辦《皇家風尚》珠寶展，該展覽聚焦於東西方貴族珠寶的對比展示，而此次的策展則希望探索更為多元的展現方式。」

余佩瑾提到，策展過程經歷了多次變動，包括展覽形式及內容的調整，隨著策展討論的深入，三方最終確立了共同參與的模式。疫情期間，歐洲多個國家博物館長期閉館，導致展覽進程中斷。直至疫情結束後，展覽的策劃工作才得以重新啟動。自確認「大美不言」作為展覽的核心主題後，三方皆致力於打破以往展覽中因時代或地域限制而導致的分隔，實現了跨越歷史與文化的藝術交流，因而衍生出5個子題，分別是「自然萬物」、「動靜有型」、「奇幻仙境」、「神祕莫測」、「五彩繽紛」。余佩瑾指出，主題涵蓋了多樣的藝術風格與表現形式，「不局限於單一的藝術形式或文化背景，而是透過不同材質與藝術品的對話，展現了跨文化、跨時代的藝術共鳴。」

在展覽的設計上，每一個展示櫃都融合了來自三方的展品，彼此之間形成了對話與呼應。余佩瑾解釋，這樣的展示方式打破了過去單純按時代或文化區分展品的作法，在視覺上形成一種穿透感，使得每一件展品在不同文化背景的對照下，能夠更好地展示其藝術價值與歷史意涵。她強調，「這樣的展示方式在故宮的展覽歷史中並不常見，此次展覽打破傳統，將來自不同時代與文化的展品混合展示，讓觀眾能夠更直觀地感受到文化之間的互動與影響。」

余佩瑾舉例，展覽中可以看到，法國文物與中國傳統藝術品形成了強烈的對比與呼應，法國的塞夫爾國家製造廠，歷史上曾多次試圖模仿中國景德鎮的瓷器工藝，並最終在18世紀下半葉成功生產出類似瓷器。這樣的文化交流與技術傳承，使得展覽中的法國陶瓷不僅僅是一件藝術品，更成為中、法兩國工藝技術互通的重要見證。

故宮館藏的〈銅胎畫琺瑯包袱紋蓋罐〉在展覽中與來自法國的同類作品進行了對比展示，這種跨文化的對照使得觀眾能夠更加清晰地理解，中國藝術在技術與風格上的演變與發展。同時，這樣的展示也讓觀眾了解到中國藝術並非孤立存在，而是在與世界其他文化的互動中不斷成長與演進，為觀眾提供了全新的藝術視野。

此外，梵克雅寶的珠寶工藝也是展覽的一大亮點，梵克雅寶擁有多項專利技術，其中「拉鍊式」珠寶設計尤為引人注目。這種設計靈感來自於20世紀的拉鍊技術，珠寶可以在項鍊與手鐲之間自由轉換，展現出珠寶設計的創新與實用性。余佩瑾指出，這種技術與中國的轉心瓶工藝有著異曲同工之妙，兩者都展現了極高的技術水準與創造力。余佩瑾認為，藝術品的價值不僅在於其自身的美學與歷史意涵，更在於它們所承載的文化交流與技術傳承。通過此次展覽， 觀眾能夠看到中國傳統工藝如何影響西方的藝術創作，同時也能感受到西方藝術對中國藝術的回應與啟發。

專訪國立故宮博物院副院長余佩瑾

Ｑ：國立故宮博物院如何透過展品，將觀眾的目光聚焦於精湛工藝？

國立故宮博物院藏品見證工藝發展史中，東西方文化交流的精彩篇章。舉例而言，雖然琺瑯畫在歐洲已有多年歷史，但直到清代1720年左右才傳入中國，這都得益於兩地之間的文化交流。 自此，藝術家根據自身的製作風格，巧妙改良並運用這項源遠流長的工藝技術，開拓出更豐富多元的樣貌。

Ｑ：這次展覽中，國立故宮博物院的主要展品如何體現「大美不言」的意涵？

〈洋彩玲瓏轉旋瓶〉結構複雜，共分成4部分：頸、腹、內瓶及底座。內瓶瓶底內凹可套於底座突起的部分，內瓶瓶口有卡榫可與頸部相連，器腹下端有卡榫與器底連接，因此從頸部旋轉時，內瓶會跟著轉動。內瓶繪五彩祥雲與紅蝙蝠，器腹鏤空彩繪兩對口銜蓮花與靈芝的鏤雕雙龍紋，頸部與底座則為藍地描金紋飾，上繪如意紋、番蓮紋及蕉葉紋等。鏤空轉旋套瓶，一般多為 4 部組合，是一種內外結合，較為複雜的成形工序，轉動頸部時，內瓶會跟著旋轉，透過鏤空部分可見蝙蝠飛翔於五彩祥雲。這種做工繁複的轉心瓶，至乾隆朝時集大成，充分呈現華美與絢麗的動感。

余佩瑾

現為國立故宮博物院副院長，國立臺灣大學歷史學研究所碩士、國立臺灣大學藝術史研究所博士，研究領域以中國陶瓷史、工藝史、清代宮廷收藏為主，任國立故宮博物院器物處處長多年，曾於台灣各大專院校任教，近年來策展規劃多項重要故宮展覽，如南北院區皆深受好評的「品牌的故事」、北部院區的「小時代的日常——一個十七世紀的生活提案」及南院的「皇帝的多寶格」特展。

_{文｜張瑋涵　攝影｜La Vie　圖片提供｜《大美不言》典藏精粹特展}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/11月號《走入藝術的無形脈動》

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}

台中勤美術館邀請台灣跨域藝術團隊 何理 WHYIXD 策展，以《Input > Unknown》為題，打造一場以「感知場域」為核心的沉浸式多感官體驗，以光影為主題，融合科技、感知與想像力，邀請觀眾穿越光影矩陣，重新看見隱藏的資訊如何於城市與日常之間流動、生成與綻放。

由日本建築大師隈研吾設計的「勤美術館 CMP INSPIRATION」於去年12月正式開幕，首展邀請日本設計師nendo團隊帶來《OUTLINES IN BETWEEN》，奠定展館「靈感能量」的創意基調；第3棒由首次登台的歐洲藝術團隊Numen/For Use，展出《Net & String Taichung》，延續對城市空間與感知的探索。今年冬季，第3棒展覽由台灣跨域藝術團隊何理 WHYIXD接手策展，回應勤美草悟長年累積的靈感脈絡，以及勤美術館「打開想像」的核心理念。

以身體與感官作為「輸入」

展覽靈感源自電腦程式語法的命令提示符「Input >」，象徵等待輸入的未知狀態。在這場展覽中，觀眾不再只是觀看者，而是以身體與感官作為「輸入」，親身參與一場關於「未知（Unknown）」的感知運算。展覽由何理 WHYIXD策展與創作，並攜手德國聲音藝術實驗室KLING KLANG KLONG、台灣視覺設計團隊HOUTH，以及藝術家莊志維，共同構築一場融合光、聲、風與數據的多感官體驗，探索數位時代的「真實感」與感官邊界。

觀者化身參與世界生成的「玩家」

在《Input > Unknown》的展覽現場，觀者是參與世界生成的「玩家」。何理 WHYIXD表示，此次展覽透過觀者的參與性互動，讓科技藝術不再只是被觀看，而是成為每個人都能親身介入的感知場域。真實不只是一種結果，而是一種持續被生成的過程。當你改變觀察的角度、重新檢視習以為常的界線，世界也會回應你以另一種樣貌。展覽共分為4個展區：啟動、運算、渲染及沙盒模式，也象徵未知世界生成的4階段。

以偏光鏡啟動未知的光影世界

展覽自1樓入口〈Hello World〉啟動，觀者能拿起本展入場通行證——現場特製「偏光鏡」，親手解碼隱藏於牆面光影之間的訊息。隨著鏡片旋轉，光的偏振方向改變，潛藏的線條與色層逐一顯現，人們彷彿化身為指令輸入者，透過手勢與視角開啟個人化的光影界面。〈Hello World〉走廊以電腦語言與互動機制設計，透過每日投票「Accept／Deny」參與展覽程式，感受思考轉化為光的瞬間。

在7公尺高「像素矩陣」行走

順著階梯走入地下一層，壯闊的〈像素力場Dynamic Field〉以流動光影迎面而來。由偏光鏡面、旋轉機構與燈光交織而成的巨大裝置，構築出可步入的7公尺高「像素矩陣」，隨著觀眾的移動與視角改變，潛藏色層與反射光譜層層顯現。靜止的結構在觀看中流動，鏡面折射出觀者與環境的互動，使「身體」成為影像生成的一部分。讓光成為媒介、感知成為動力，模糊了虛擬與真實的界線，開啟一場關於影像與自我之間的沉浸對話。

在光與聲中聆聽數據的呼吸

從視覺宇宙轉入暗黑場域，〈海境：回溯 Tender Soul of Ocean: recall〉由何理 WHYIXD攜手德國聲音實驗室KLING KLANG KLONG共創，以勤美術館戶外的氣候資料與人流數據為素材，轉譯成流動的光影與聲音。觀眾步入作品，如同進入被風與海洋訊號編織的波光之境。光線隨氣候與人群移動而閃爍，聲音在空氣中震盪，如潮汐般呼吸。觀者不再只是旁觀者，而是環境節奏的共構者。〈海境：回溯Tender Soul of Ocean: recall〉以溫柔卻深刻的方式提醒我們：氣候、聲音與人並非分離的存在，而是一場持續共鳴的動態生命場。

以眾人之手生成詩性色譜

展覽最終章〈白色彩虹Spectrum of White〉由藝術家莊志維創作，運用偏光鏡獨特的折射特性，邀請觀眾以手指觸碰、留下痕跡，親身參與作品的生成過程。隨著每位參與者的指印與動作不斷堆疊，原本純白的偏光片逐漸映現出繽紛光譜，從透明到彩色、從個體到群體，最終形成一道由人共同構築的「彩虹」。作品象徵著當代人際網絡的連結——每一個獨立行為都能匯聚成共感的意識場。這件裝置成為展覽的尾聲，也是一場凝聚的儀式：當觀眾離開，光線仍在轉動，留下的是眾人共創的光譜印記，映照著人與人之間持續流動的生命力與連結感。

勤美術館 《Input > Unknown》
展期時間｜2025.11.22（六）－2026.03.01（日），週一休館
第一階段展期 2025.11.22(六) − 2026.01.04(日) 13:00−21:00
第二階段展期 2026.01.06(二) − 2026.03.01(日) 10:00−18:00
地點｜勤美術館 CMP INSPIRATION（台中市西區館前路79號）  
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_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}