《大美不言》典藏精粹特展帶領觀眾穿越時空，走進充滿藝術與文化之美的世界。La Vie 透過深度專訪Van Cleef & Arpels梵克雅寶典藏與展覽總監Alexandrine Maviel-Sonet、巴黎裝飾藝術博物館策展人亞洲及伊斯蘭典藏主管Béatrice Quette、國立故宮博物院副院長余佩瑾共三方策展人，聚焦展品間的對話，進一步探索東方與西方在美學、工藝以及設計層面上，異中有同的共通性、穿越時空與地域的互動與交流，並如何於5個主題的引領下，傳達令觀者心馳神往的觀展體驗。

歷經7年精心策劃，集結國立故宮博物院副院長余佩瑾與策展團隊、巴黎裝飾藝術博物館策展人兼亞洲與伊斯蘭藏品館長Béatrice Quette，以及Van Cleef & Arpels梵克雅寶典藏與展覽總監Alexandrine Maviel-Sonet的專業，精選三方藏品，推出《大美不言》特展，不僅藉由超乎尋常的奇幻展件，以及展場創新的設計，期待觀眾在這場前所未有的視覺盛宴中，經驗心靈的震撼與共鳴，同時感受在作品背後，藝術家如何從天地幻化的體悟中，以極盡裝飾的手法，創造語言無法言說的美。

梵克雅寶｜以悠久歷史及精湛工藝，彰顯珠寶之於藝術的重要性

談到這次展覽的核心主題「大美不言」，Alexandrine Maviel-Sonet特別強調，這是一場兼具歷史性與當代藝術的展覽，展示Van Cleef & Arpels梵克雅寶的精湛工藝，譬如展現世家以非凡的技術，創造出可轉換的黃K金及琺瑯珠寶創作等，「同時藉由接觸兩個著名博物館之頂級珍藏，使我們有機會重新審視世家的收藏品。策展團隊將展出的作品按不同的主題分類，或根據技術的相似性來選擇，或3件使用相同雕刻技法的作品等，此策展方式旨在讓觀眾能夠感受到作品之間的對話與共鳴，而不僅僅是單件作品的美感。」

本次特展也聚焦於展品的材料、工藝和圖案，透過這5個超越時間的雋永主題，彰顯珠寶師、寶石工匠和鐘錶師百裡挑一的非凡技藝。以不同的視角凝視每一件作品，其匠心獨運的技術和風格特徵不言自明。

我們問及，在策展過程中，最大的挑戰之一，必定是如何在歷史作品與當代作品之間創造對話？Alexandrine Maviel-Sonet透露，事實上，策展團隊並不視這為困難，而是將其視為一個趣味盎然的過程，「梵克雅寶在這次展覽中，提供80多件作品，其中包括前衛創作以及設計和工藝領域中出類拔萃的傑作，彰顯並重申珠寶之於藝術的重要角色，這正是我們多年來與裝飾藝術博物館共同致力的使命，梵克雅寶獨家贊助其珠寶陳列廊，這是法國最重要的同類收藏之一，介紹從中世紀至今的珠寶歷史，雙方精彩的合作不勝枚舉，《大美不言》展覽不僅體現這項傳統的一面，也憑藉國立故宮博物院的共襄盛舉而開啟新的視野。」這也成為展覽成功的關鍵之一。

這次展覽的一大亮點，是將珠寶設計的技術演變融入到展覽的故事線中，從早期的平面設計，到後來的立體創作，策展團隊展示了珠寶設計的技術進化過程，特別是世家的Mystery SetTM隱密式鑲嵌工藝。這項無與倫比的獨門工藝於1933年註冊專利，為寶石鑲嵌方式揭開 全新篇章。此工藝的奧祕在於金質軌道，經過精心切割的珍貴寶石逐顆鑲嵌在軌道中，可以在不讓鑲爪及其他金屬元件外露的情況下維持寶石美態，也在展覽中得以體現。

對梵克雅寶而言，策展過程本身也是一次深入學習的機會，Alexandrine Maviel-Sonet告訴我們，在籌備過程中發現了一些鮮為人知的歷史背景和創作靈感。其中一個有趣的例子是，他們發現一條創作於1947年的黃K金「Cord項鍊」，其靈感源於高級時裝，更具體來說是受到飾物啟發，這些珍貴的紐股繩索由黃金編織而成，不僅賦予整體作品無限動感風情，裝飾繩索也會隨著佩戴者搖曳生姿，巧妙再現繩索天然的柔韌性，策展團隊於是對作品的歷史有了更深的理解。

那麼，這場展覽如何同時吸引Van Cleef & Arpels梵克雅寶長期的愛好者與初次接觸者呢？Alexandrine Maviel-Sonet解釋，訪客可以透過展覽中的歷史背景和技術進化來了解世家，而資深愛好者則可以從展品的技術細節中發掘更多彩蛋。觀眾可以發現，早在20世紀初，梵克雅寶就已經為其創作申請了專利，這些技術至今仍然在發展和應用，對於那些已經了解這些技術的珠寶迷來說，可以在展覽中察覺這些技術與其他藝術形式的聯繫，讓展覽充滿了探索的樂趣。

Van Cleef & Arpels梵克雅寶自1906年創立伊始，即致力將創作與工藝融入藝術之中，並從世界各地的文化寶庫汲取外表形式和圖像的靈感，其珠寶作品與各種藝術流派之間始終不斷維持對話。《大美不言》典藏精粹特展不僅僅是三方藝術作品的聯合展示，更是一場充滿創意、歷史與文化共鳴的視覺盛宴。

專訪梵克雅寶典藏與展覽總監Alexandrine Maviel-Sonet

Ｑ：觀眾可以從這次展覽獲得什麼？嘗試將古代與近代作品共同展出，背後的靈感和動機為何？

我們發現觀者可以根據自己的理解來發現展覽中 作品之間的聯繫，這也是很有趣的一點。這次展 覽提供了一個開放的平台，允許每個人產生自己 的見解。對於還沒那麼熟悉梵克雅寶的觀眾來 說，這些展品能完美展示世家自 20 世紀初以來 專利技術的歷史，讓人們理解它與其他藝術形式 之間的共同點。

Ｑ：這次展覽中，梵克雅寶的主要展品如何體現「大美不言」的意涵

我們展出的主要展品是1952年由 Van Cleef & Arpels梵克雅寶所製作，一件可轉換為手鍊的Zip項鍊。此件作品被認為是梵克雅寶最前衛創新的作品之一，展示出如何將一件實用物品「拉鍊」，巧妙地轉化為集美感與變幻於一體的珠寶。這款項鍊於1938年取得專利，並於1950年首次面世，是一件工藝技術的傑出創新設計。僅需如拉動拉鍊般的動作，拉動流蘇裝飾，便可將其轉換為一條手鍊。

巴黎裝飾藝術博物館｜超越美學高下之分，展現藝術家無與倫比的創造力

對於巴黎裝飾藝術博物館來說，《大美不言》展覽的構想源起，是來自不同機構之間的合作精神，確保展品之間能夠形成和諧的聯繫，而非僅僅強調某些展品的價值或重要性。Béatrice Quette表示，「我們期望透過三方的合作，共同探尋精湛工藝的奧祕，無論源自亞洲還是歐洲。由此誕生沉浸式『舞台場景』（tableaux），展演著三方的典藏文物。」目標是通過展品之間的對話來創造一種和諧感，而這也成為了展覽成功的關鍵之一。

為了展現不同時代和地域的美學文化，並確保每件展品的品質和特色能夠相互輝映，Béatrice Quette透露，在挑選展品時，各方進行了多次討論，在不斷交流中，發現了新的靈感和解決方案。有時候，他們能輕易找到合適的組合，有時候卻需要多次調整。巴黎裝飾藝術博物館亦竭盡可能地展現其藏品之豐富性與多樣性，從中世紀至今的創作應有盡有，涵蓋了不同的技術和工藝，如玻璃、銀器、掐絲琺瑯、珠寶等，同時也不讓亞洲的作品成為遺珠之憾。

Béatrice Quette也強調，展覽的核心在於展品間的「對話」。每件展品都承載著其所屬文化和時代的故事，因此在策展過程中，不僅要考慮物件本身的質量，還要考慮它們在展覽中的相互關係。例如，將當代玻璃藝術品與18世紀的瓷器或19世紀的中國青銅器並置，這種安排讓觀眾可以從不同角度重新審視這些物件。《大美不言》典藏精粹特展也突出了東西方文化交流的歷史，「18、19世紀的中西方藝術影響了彼此的創作，中國的瓷器、漆器等工藝，對法國和歐洲的藝術產生了深遠影響， 而中國的皇帝們，如康熙、乾隆等，也對西方藝術充滿興趣。這種雙向的文化交流成為了展覽的一個重要主題，觀眾可以通過展品了解這段豐富的文化互動歷史。」

此外，展覽中的很多展品並不是孤立存在的，而是通過歷史和工藝的傳承與演變，形成了一種跨越地域和時代的連續性。這種連續性在展覽中 得到了充分展現，特別是一些當代藝術作品運用了傳統工藝，但表現形式卻極具創新性。例如，〈黑寶石〉朱利安．維莫倫即以雉雞、鵝斜切火雞羽毛，將「羽飾」藝術發揚光大，運用傳統工藝創作出當代作品，在創作過程中以時間、靈巧手藝和材質為尊。

Béatrice Quette還特別提到了珠寶展品的獨特性，梵克雅寶自2012年以來始終是巴黎裝飾藝術博物館全心信賴並多方合作的盟友，舉凡從展覽到出版物與教育專案。在此展中，他們發現，珠寶作品不僅僅是裝飾品，更是 一種情感的表達方式。每件珠寶背後都有一段與佩戴者相關的故事，它不僅僅代表了個人的品味和選擇，更是一種與佩戴者內心世界的對話。這種珠寶與佩戴者之間的關係，與人們對物件的感受息息相關。

《大美不言》典藏精粹特展可說是三方策展團隊對東西方文化交流、歷史與工藝的深刻思考與探索，讓觀眾在欣賞美學的同時，也能從中得知這些工藝如何在歐亞大陸兩側傳承與融合，展覽的設計和策展思路既創新又深入，給觀眾帶來了一次豐富而有深度的文化之旅。

專訪巴黎裝飾藝術博物館策展人 亞洲及伊斯蘭典藏主管Béatrice Quette

Ｑ：這次與梵克雅寶、國立故宮博物 院合作過程中獲得什麼啟發？

展覽規劃最初著眼於視覺效果和美學呈現，但隨著合作愈發深入，概念便日趨細微。觀摩他方規劃作品陳列，展現不同的鑑賞力，實屬令人振奮。這項共同策展的過程，提供了我們互相學習的機會。而能與有別於巴黎裝飾藝術博物館過往的參觀者互動，亦非常引人省思。

Ｑ：巴黎裝飾藝術博物館如何透過展品，將觀眾的目光聚焦於精湛工藝？

巴黎裝飾藝術博物館自1882年開館以來，宗旨就是蒐集歐洲乃至其他地區的收藏品，供藝術家在工藝實踐和視覺研究中汲取靈感。玻璃、陶瓷、漆器、金工、掛毯、傢飾等，本館將檔案內各式各樣精湛工藝的代表典藏品，於本次展覽中展出。我們期望將這些作品與國立故宮博物院以及Van Cleef & Arpels梵克雅寶典藏同等豐富多元的精湛文物匯聚一堂，藉此展現不同時代和地域下，美的語彙不盡相同。

Béatrice Quette

畢業於羅浮宮學院和巴黎第四大學，現任巴黎裝飾藝術博物館策展人，負責亞洲及伊斯蘭藝術收藏。保護、研究、增添，以及推廣收藏品，同時亦致力於建立收藏品與國內外的關係。裝飾藝術博物館自1864年成立以來，持續累積大量重要的亞洲藏品，這些藏品亦成為藝術靈感與專業技術工藝知識的豐富泉源，彰顯亞洲文明在裝飾藝術、現代與當代設計歷史的關鍵地位。

國立故宮博物院｜見證工藝發展史，東西方文化交流的精彩篇章

回顧《大美不言》策展的起源與發展歷程，國立故宮博物院副院長余佩瑾表示，最初源自梵克雅寶與法國裝飾藝術博物館的提案，當時她尚未擔任副院長，仍在器物處工作，因此參與了初期討論，「早期的構思主要圍繞如何突破以往僅限於珠寶展示的範疇，並擴展展覽的視野與深度。故宮在2012年曾舉辦《皇家風尚》珠寶展，該展覽聚焦於東西方貴族珠寶的對比展示，而此次的策展則希望探索更為多元的展現方式。」

余佩瑾提到，策展過程經歷了多次變動，包括展覽形式及內容的調整，隨著策展討論的深入，三方最終確立了共同參與的模式。疫情期間，歐洲多個國家博物館長期閉館，導致展覽進程中斷。直至疫情結束後，展覽的策劃工作才得以重新啟動。自確認「大美不言」作為展覽的核心主題後，三方皆致力於打破以往展覽中因時代或地域限制而導致的分隔，實現了跨越歷史與文化的藝術交流，因而衍生出5個子題，分別是「自然萬物」、「動靜有型」、「奇幻仙境」、「神祕莫測」、「五彩繽紛」。余佩瑾指出，主題涵蓋了多樣的藝術風格與表現形式，「不局限於單一的藝術形式或文化背景，而是透過不同材質與藝術品的對話，展現了跨文化、跨時代的藝術共鳴。」

在展覽的設計上，每一個展示櫃都融合了來自三方的展品，彼此之間形成了對話與呼應。余佩瑾解釋，這樣的展示方式打破了過去單純按時代或文化區分展品的作法，在視覺上形成一種穿透感，使得每一件展品在不同文化背景的對照下，能夠更好地展示其藝術價值與歷史意涵。她強調，「這樣的展示方式在故宮的展覽歷史中並不常見，此次展覽打破傳統，將來自不同時代與文化的展品混合展示，讓觀眾能夠更直觀地感受到文化之間的互動與影響。」

余佩瑾舉例，展覽中可以看到，法國文物與中國傳統藝術品形成了強烈的對比與呼應，法國的塞夫爾國家製造廠，歷史上曾多次試圖模仿中國景德鎮的瓷器工藝，並最終在18世紀下半葉成功生產出類似瓷器。這樣的文化交流與技術傳承，使得展覽中的法國陶瓷不僅僅是一件藝術品，更成為中、法兩國工藝技術互通的重要見證。

故宮館藏的〈銅胎畫琺瑯包袱紋蓋罐〉在展覽中與來自法國的同類作品進行了對比展示，這種跨文化的對照使得觀眾能夠更加清晰地理解，中國藝術在技術與風格上的演變與發展。同時，這樣的展示也讓觀眾了解到中國藝術並非孤立存在，而是在與世界其他文化的互動中不斷成長與演進，為觀眾提供了全新的藝術視野。

此外，梵克雅寶的珠寶工藝也是展覽的一大亮點，梵克雅寶擁有多項專利技術，其中「拉鍊式」珠寶設計尤為引人注目。這種設計靈感來自於20世紀的拉鍊技術，珠寶可以在項鍊與手鐲之間自由轉換，展現出珠寶設計的創新與實用性。余佩瑾指出，這種技術與中國的轉心瓶工藝有著異曲同工之妙，兩者都展現了極高的技術水準與創造力。余佩瑾認為，藝術品的價值不僅在於其自身的美學與歷史意涵，更在於它們所承載的文化交流與技術傳承。通過此次展覽， 觀眾能夠看到中國傳統工藝如何影響西方的藝術創作，同時也能感受到西方藝術對中國藝術的回應與啟發。

專訪國立故宮博物院副院長余佩瑾

Ｑ：國立故宮博物院如何透過展品，將觀眾的目光聚焦於精湛工藝？

國立故宮博物院藏品見證工藝發展史中，東西方文化交流的精彩篇章。舉例而言，雖然琺瑯畫在歐洲已有多年歷史，但直到清代1720年左右才傳入中國，這都得益於兩地之間的文化交流。 自此，藝術家根據自身的製作風格，巧妙改良並運用這項源遠流長的工藝技術，開拓出更豐富多元的樣貌。

Ｑ：這次展覽中，國立故宮博物院的主要展品如何體現「大美不言」的意涵？

〈洋彩玲瓏轉旋瓶〉結構複雜，共分成4部分：頸、腹、內瓶及底座。內瓶瓶底內凹可套於底座突起的部分，內瓶瓶口有卡榫可與頸部相連，器腹下端有卡榫與器底連接，因此從頸部旋轉時，內瓶會跟著轉動。內瓶繪五彩祥雲與紅蝙蝠，器腹鏤空彩繪兩對口銜蓮花與靈芝的鏤雕雙龍紋，頸部與底座則為藍地描金紋飾，上繪如意紋、番蓮紋及蕉葉紋等。鏤空轉旋套瓶，一般多為 4 部組合，是一種內外結合，較為複雜的成形工序，轉動頸部時，內瓶會跟著旋轉，透過鏤空部分可見蝙蝠飛翔於五彩祥雲。這種做工繁複的轉心瓶，至乾隆朝時集大成，充分呈現華美與絢麗的動感。

余佩瑾

現為國立故宮博物院副院長，國立臺灣大學歷史學研究所碩士、國立臺灣大學藝術史研究所博士，研究領域以中國陶瓷史、工藝史、清代宮廷收藏為主，任國立故宮博物院器物處處長多年，曾於台灣各大專院校任教，近年來策展規劃多項重要故宮展覽，如南北院區皆深受好評的「品牌的故事」、北部院區的「小時代的日常——一個十七世紀的生活提案」及南院的「皇帝的多寶格」特展。

_{文｜張瑋涵　攝影｜La Vie　圖片提供｜《大美不言》典藏精粹特展}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/11月號《走入藝術的無形脈動》

觀看似乎是大多數人天生就會的事，但在資訊洪流之中，我們真的準備好「觀看」了嗎？巴黎龐畢度中心即將閉館5年整修，在暫別的時刻，以攝影與廣泛的創作光譜聞名的德國藝術家Wolfgang Tillmans，用大型個展《我們對此毫無準備——我們對此萬般准備》（Nothing could have prepared us - Everything could have prepared us）占領圖書館這個非典型展覽空間。

走進龐畢度中心2樓公共資訊圖書館（Bibliothèque publique d'information，Bpi）6,000平方公尺的空間，感覺像踏進入Wolfgang Tillmans近40年創作的檔案庫，但策展人暨龐畢度中心攝影部門總監Florian Ebner強調，這並不是一檔典型的「回顧展」。矛盾而曖昧的展題，似乎帶有些思辨性的懷疑色彩。他說明，這出自於醞釀多年的構想，尤其，我們正生活在一個資訊更加氾濫、往往讓我們缺乏清晰判斷的世界裡。「對比他在紐約MoMA的回顧展《To Look Without Fear》（2022），你會感受到不同的語調。也許在今天，我們已經不再處於一個可以『無所畏懼地觀看』的時刻了。」

對話圖書館空間的藝術實驗

整修前最後一展，龐畢度團隊早已決定要打開Bpi這非典型展演空間，便邀請了Wolfgang Tillmans。嘗試各色實體影像介入空間的可能性，一直是他的核心實踐。起初，他們聚焦在這寬敞空間的開放性；漸漸地，他們發掘出圖書館本身的歷史與特質。Wolfgang Tillmans十分欣賞這座Renzo Piano和Richard Rogers在生涯早期共創的建築作品。那種激進的姿態背後，是不畏解構、不怕暴露管線結構的大膽，更是著眼空間通透性帶來的解放自由精神。Florian Ebner解釋，「龐畢度中心的管線外露和開放式結構，體現了1970年代的控制論理念。放在今天來看，設計上恰好呼應了網路世界的特徵。」那時，彷彿就已經預示了一個萬物互聯、資訊透明流動的未來世界。

「Wolfgang經常與空間的不完美之處對話。」Florian Ebner觀察到。在傳統白盒子中，他或許會用影像覆蓋住緊急出口，或製造與管線的巧妙互動。而到了這次在Bpi空間，在部分沉重軟裝移除後，較新的灰綠色地毯與露出的舊有紫地毯交錯，本是一般展示空間中不該出現的雜音，他卻刻意保留下來，既呈現建築的歷史積澱，也與他個人的創作軌跡、作品系譜形成微妙的相互映襯。

他也改造了原有的書架與桌子，運用鏡子、雷射投影來牽引參觀者的視線軌跡。尤其在這閉館翻新前的特殊時機，他更能自由深入空間肌理，試驗全新的展示方式。他著名的無相機攝影與不同的時期影像作品、音樂創作、政治實踐織就在一起，延續他個展時慣常的非線性展示邏輯。Florian Ebner說明，「雖然沒有按時間排序，但這些作品系列幫助觀眾串聯起整個展覽的脈絡。」

圖書館化身活的檔案館

圖書館裡一些特殊的軟體設施，也成為Wolfgang Tillmans的創作靈感來源，例如「自學區」（Autoformation）被放在金屬格子間的電腦。近年來，來自海外的學生與新移民經常使用這些設備學習法語，或收看故鄉的衛星電視節目。Wolfgang Tillmans決定保留這獨特的區域，在其中44個螢幕上播放他與另外2名攝影師，在一天內記錄下80位圖書館使用者學習與工作中的日常片段。Florian Ebner解釋：「這些影像提醒我們，年輕群體曾為這個空間帶來的生機與活力。」在另外24台「隨選視訊」（Video on Demand）電腦上，參觀者真的就像檢索書目一樣，可以自由瀏覽Wolfgang Tillmans自1980年代後期開始的錄像作品。「從這個角度來看，圖書館儼然成為一座鮮活的檔案館。」

音樂也交織在展場各處。Wolfgang Tillmans曾夢想當音樂人，混跡地下音樂俱樂部與派對，1990年代初他以攝影師出道時，正是以拍攝倫敦和柏林的銳舞音樂場景而嶄露頭角。後來，他也曾將展覽空間變身為聆聽室，更發行過雜揉電子techno等各色風格的EP與專輯。在展覽南端、能俯瞰史特拉汶斯基噴泉（La Fontaine Stravinsky）的一側，策展團隊打造了一個大型沉浸式空間。訪客可以在揚聲器陣列下或躺或坐，觀賞大型LED螢幕上播放的錄像〈Time Flows All Over（Pompidou）〉，其中，Wolfgang Tillmans反覆吟唱著「We mean what we say, language is what it is」；其他影片亦記錄著書籍印刷等過程，語言與印刷，正是圖書館的核心使命。「這個空間既是放鬆的場所，也是美學體驗的所在。」一個較小的房間播放他的聲音裝置〈I Want to Make a Film〉；而在主圖書館區域，他所創作的環境音樂和實驗性音樂成為背景聲響，為這巨大空間構築出豐富層次。

觀看從來都不容易

展中也匯聚Wolfgang Tillmans豐富的政治實踐，從HIV教育素材、反脫歐海報到倡議T-shirt，織就了一場社會參與的視覺宣言。對他而言，創作與政治行動之間並無明確界線。自1990年代以來，他走過了HIV病毒席捲歐洲、同志族群遭受歧視的年代，目睹世界局勢的跌宕起伏，他個人的見證，也是時代的印記。

如今回望，許多結果未必符合他當初的政治訴求，但Florian Ebner強調，只以立即見效的成功來衡量他行動的意義並不合適。「他的海報倡議雖無法阻止脫歐，但其中部分已成為政治辯論中的重要符號。比如那幅寫著『What is lost is lost forever』的海報，後來在法國選舉期間被某個運動引用為『Ce qui est perdu, est perdu à jamais』。這些作品產生了深遠影響，而這才是評估其價值的正確角度。」改造過的書架上也展示著他關於邊界與公民抵抗的主題作品（像是極右政黨崛起的德勒斯登地區、戰火中的烏克蘭哈爾科夫），還有他拍攝醫學世界的《operation theatre》系列。醫學是圖書館的經典學科分類，也是一個身體、健康與權力交錯的高度政治化的領域。Florian Ebner補充道：「在當前的時代背景下，這樣的展覽必然帶有政治意涵，特別是面對美國政府關閉與審查眾多機構、美術館及研究場所的現實。」

Wolfgang Tillmans的《Truth study centre》系列，自2005年以來持續探索人們如何看待「真相」——這無疑也是各種意識形態的表現。如今這「後真相時代」，AI演算法和深偽技術大行其道，似乎讓真相更加難以辨識，變得曖昧不明。Florian Ebner認為這場展覽的時機恰到好處，Wolfgang Tillmans這次「占領」圖書館的姿態，也令我們重新思考實體知識空間的存在意義。「Wolfgang與空間互動的手法創造了一種詩意、個人化且獨一無二的對話模式，」Florian Ebner表示，「這與AI慣於生成的回音式、制式化知識形成鮮明對比。」有些作品直接回應了這個課題，比如專為2020年代設置的展桌，探討的正是圖書館實體空間與AI那種潛在、虛無的數位空間之間的張力關係。他進一步補充：「從這個角度來看，圖書館成了AI的一種對立典範，而Wolfgang深刻且巧妙地演繹了這種對比關係。」

或許，這次展覽和Wolfgang Tillmans的創作，也是種對數位、虛擬世界諷刺性的質疑。Florian Ebner認為，他自1990年代後期革命性地改變了攝影，特別是他的實體展陳方式。「他拋棄線性的排列，而是像編輯雜誌版面一樣在牆上配置作品，在某種意義上解放了攝影，讓攝影作為實體物件的特質得以彰顯。」而過去20年中，人的感知逐漸成為他創作的核心：相機這光學儀器看到了什麼？我們人類又看到了什麼？攝影如何打破自身再現方式的理所當然？「在他的許多作品中，擁抱我所謂的『創造性的意外』，意即善用創作過程中意想不到的錯誤。這正是他的作品在當代如此珍貴的原因之一。」Wolfgang Tillmans的作品展現了攝影的雙重面向：既是見證世界的方式，也能是深刻的美學體驗。這正是他作品的力道所在。

Florian Ebner

2017年起擔任龐畢度中心國立現代藝術美術館攝影部門總監。1970年出生於德國雷根斯堡。曾任柏林畫廊攝影收藏代理主管（2008～2009）、布倫瑞克攝影博物館館長（2009～2012）與埃森福克旺博物館攝影部門總監（2012～2017）。2015年策劃威尼斯雙年展德國館。

Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》

• 時間：即日起至2025年至9月22日（Accès Libre par Celine｜7月3日、8月28日、9月22日11:00-23:00免費開放）
• 地點：巴黎龐畢度藝術中心公共資訊圖書館2樓

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜各單位}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/9月號《開一家甜點店》

2025年8月2日至11月02日，尊彩藝術中心二樓展館將化身為一座時光隧道，《陳澄波百三特展》展出逾20件陳澄波珍貴油畫作品，邀請觀者深入這位台灣前輩畫家橫跨3地的藝術人生。

這場特展不僅是對一位藝術大師的致敬，更是一次深度的文化考古之旅。從陳澄波1924年東京美術學校的求學歲月，到1929～1933年上海任教的成熟期創作，再回到故鄉台灣的深情凝視，每一幅畫布上的筆觸，都見證著那個風雲變幻時代的文化交流與碰撞。20多件作品靜靜陳列，每一筆色彩都承載著跨越時空的深情對話。

一位跨越時空的藝術旅人

踏入展覽現場，我們遇見了一位跨越3個城市的藝術旅人。陳澄波，這個名字背後的故事遠比我們想像的更加複雜動人。1895年生於台灣嘉義的他，在殖民地的時空背景下，以近乎傳奇的方式開展藝術生命。1924年考入東京美術學校（現東京藝術大學），成為第一位以油畫作品〈嘉義街外（一）〉入選帝國美術展覽會（帝展）的台灣畫家。這不僅是個人榮耀，更打開了台灣藝術家走向國際舞台的第一扇門。

從東京到上海，再回到故鄉台灣，陳澄波的創作軌跡如同一本立體的文化地圖，記錄著20世紀初東亞地區文化交流的珍貴印記。1929年至1933年間，他在上海擔任多所美術學院的教職，視野與創作日趨成熟。然而，這位充滿理想的藝術家最終在1947年的二二八事件中殞落，年僅53歲。

重新認識陳澄波的文化座標

在他130歲冥誕之際，尊彩藝術中心特別策劃這檔展覽，每一筆色彩都承載著風雲變幻時代的記憶。陳澄波渴望與人親近，他的風景繪畫中，人物始終是不可或缺的元素。即使在遼闊的風景圖畫裡，總會點綴幾個人物，讓畫面充滿溫情。這種對人的關注，正是他藝術中最動人的特質。

陳澄波一生縱貫台灣、東京和上海的現代藝術風潮，在美術史上具有舉足輕重的代表性。他的彩筆不僅描繪台灣嘉義、淡水觀音山、淡水夕照等重要人文景觀，更見證了1930年代初期台灣農漁工商產業現代化的歷史進程。畫中洋溢著對故鄉及時代的熱情與感染力，透過畫面呈現20世紀初期台灣藝術進入現代化過程的複雜樣貌，也連接起東西方美學的精神內涵。他的精彩豐富人生，反映了台灣藝術史在不同政權統治下所經歷的曲折波濤，也為當代觀者提供深刻的文化思考。

陳澄波10件重點畫作一次看

❶〈夏日湖畔〉（Summertime Lakeside，1930）

遠山疊翠，湖水如鏡。這幅陳澄波在上海任教期間的作品，捕捉了西湖地區初夏寫生的溫潤氣息。相較於傳統文人筆下人跡渺茫的自然山水，他將西湖視為現代化的休閒場域。湖面上載著遊人的小艇愜意划行，湖畔散步的身影悠然自得，展現了蘇軾詩中「淡妝濃抹總相宜」的西湖神韻，展現他對江南水鄉的詩意凝視。

❷〈台灣農家〉（1932）

朱紅廟宇倒映在平靜池水中，撐傘垂釣的身影與撒網捕魚的農人構成寧靜的生活圖景。這座池塘原是彰化孔廟建廟時挖取土方留下的低窪地，經年累月積水成池。1932年的台灣正值農漁工商產業現代化進程，陳澄波透過此作遙望故鄉的農業社會變遷，儒家文教傳統與庶民生產活動和諧並置，成為一場傳統與現代的對話。

❸〈運河〉（約1929-1933）

蘇州運河上舟船穿梭，遠方工廠煙囪直指天際。上海任教期間，陳澄波深受倪雲林、八大山人等古典大師影響，開始將東方水墨畫元素納入創作。他從制高點俯瞰1930年代中國現代化的縮影，畫面中的現代化符號，像是工廠林立、煙火綿延、舟楫交錯，展現他對現代性的嚮往。建築與船隻輪廓以深色線條勾勒，採用類似元代山水畫「一河兩岸」的構圖方式，卻又融入西方透視法的縱深。

❹〈西湖春色（二）〉（約1934）

樹間湖光粼粼，白篷小船悠遊其間，陳澄波將這幅春日西湖經營成如世外桃源般的美麗世界，是東方美學的現代詮釋。前景樹木運用倪雲林的枯枝皴法，以粗黑線條勾勒枝幹與陰影；遠山綠葉則採八大山人的「擦筆」技法，使畫面剛柔並濟。斷橋附近的景色形成圓形視覺焦點，色彩明度較高，巧妙引導觀者視線。

❺〈綠蔭〉（1934）

1906年梅山大地震重創嘉義後，總督府在清朝孔廟舊址上重建嘉義醫院。畫面後方的建築展現和洋混合特色：入口門廊的日式三角坡頂，搭配西式立面窗格，象徵日治時期建築的文化融合現象。濃密的樹冠佔據四分之一畫幅，熾熱陽光穿透葉隙，在地面投下斑駁光影，林蔭下剛步出醫院的女子撐起洋傘。

❻〈滿載而歸〉（1936）

從淡水北方山坡俯瞰而下，蜿蜒的紅土大路引導視線穿越市街，直抵河港。天色將明未明的清晨時分，住在「城仔口」以北的民眾與挑擔小販，沿著電線桿的指引朝市街移動。河岸邊整齊堆疊著來自福州、北海道的進口杉木，冒煙的輪船停泊在棧橋旁。相較於一般風景畫家避開現代設施，陳澄波卻將電線桿、輪船、工廠等「礙眼」景物誇大入畫。

❼〈長榮女中學生宿舍〉（1941）

閩南式屋脊與西洋圓拱窗的奇妙組合，讓這幅作品成為台灣文化融合的象徵。畫面中央的巴克禮牧師館，以其獨特的閩南式屋頂配搭西洋圓拱窗，屋頂上的階梯狀構造，傳說是觀察天文星象之用。在戰爭的非常時期，當許多畫友響應當局製作「聖戰美術」時，陳澄波卻選擇描繪這樣的寧靜校園，高大的鳳凰木綠蔭如蓋，成為抵禦時代風暴的精神庇護所，是戰火中冀求的寧靜詩篇。

❽〈海邊三美〉（Three Beauties by the Sea，約1932）

三位女子結伴坐在海邊岩石上，身穿中式服裝卻搭配西式髮型與領巾，腳上踏著現代皮鞋。這幅畫作呈現了1930年代東方女性的摩登面貌，也反映了當時社會風氣的開放程度。3人結伴海邊遊玩的情景，在傳統中國婦德觀念中是不被允許的，顯示時代的變遷。技法上，前景草地與花卉運用厚塗與快筆交錯的處理方式，海水與天空的處理則融入了中國水墨的暈染技法。

❾〈搭肩裸女〉（1926）

右手輕搭肩膀，左手優雅地倚靠椅背，模特兒目光凝視著右下方，神情帶著一絲內省的沉靜。從坐姿裸女到立姿裸女，展現技法難度的提升——立姿人體對於身體比例、重心平衡、肌肉結構的掌握要求更高，陳澄波在此展現愈趨純熟的觀察力與表現力。背景的淡綠色花紋布幕與椅套上的花布圖案，與模特兒溫潤的膚色形成柔和的色彩對比，營造出寧靜雅致的整體氛圍。

❿〈畫中畫〉（年代待考）

圓桌上鮮花與水果錯落擺放，右側一幅裱框小畫描繪著山海邊的裸女。這幅靜物作品呈現桌面上不同物品的組合，構成豐富的視覺層次。前景水果運用厚塗手法，從金黃到深紅的色彩層次堆疊，質感飽滿。背景的小畫則以較為簡潔的筆法帶過，圓桌邊緣的藍色裝飾為整體暖色調增添變化。在後印象派的靜物畫傳統中，藝術家經常將日常物品與小幅藝術品並置入畫，陳澄波深受梵谷影響，這幅作品展現了他學習後印象派靜物畫技法的痕跡。

《陳澄波百三特展》

展期｜2025年8月2日（六）- 11月2日（日）

地點｜尊彩藝術中心 二樓展館

地址｜台北市內湖區瑞光路366號