《大美不言》典藏精粹特展帶領觀眾穿越時空，走進充滿藝術與文化之美的世界。La Vie 透過深度專訪Van Cleef & Arpels梵克雅寶典藏與展覽總監Alexandrine Maviel-Sonet、巴黎裝飾藝術博物館策展人亞洲及伊斯蘭典藏主管Béatrice Quette、國立故宮博物院副院長余佩瑾共三方策展人，聚焦展品間的對話，進一步探索東方與西方在美學、工藝以及設計層面上，異中有同的共通性、穿越時空與地域的互動與交流，並如何於5個主題的引領下，傳達令觀者心馳神往的觀展體驗。

歷經7年精心策劃，集結國立故宮博物院副院長余佩瑾與策展團隊、巴黎裝飾藝術博物館策展人兼亞洲與伊斯蘭藏品館長Béatrice Quette，以及Van Cleef & Arpels梵克雅寶典藏與展覽總監Alexandrine Maviel-Sonet的專業，精選三方藏品，推出《大美不言》特展，不僅藉由超乎尋常的奇幻展件，以及展場創新的設計，期待觀眾在這場前所未有的視覺盛宴中，經驗心靈的震撼與共鳴，同時感受在作品背後，藝術家如何從天地幻化的體悟中，以極盡裝飾的手法，創造語言無法言說的美。

梵克雅寶｜以悠久歷史及精湛工藝，彰顯珠寶之於藝術的重要性

談到這次展覽的核心主題「大美不言」，Alexandrine Maviel-Sonet特別強調，這是一場兼具歷史性與當代藝術的展覽，展示Van Cleef & Arpels梵克雅寶的精湛工藝，譬如展現世家以非凡的技術，創造出可轉換的黃K金及琺瑯珠寶創作等，「同時藉由接觸兩個著名博物館之頂級珍藏，使我們有機會重新審視世家的收藏品。策展團隊將展出的作品按不同的主題分類，或根據技術的相似性來選擇，或3件使用相同雕刻技法的作品等，此策展方式旨在讓觀眾能夠感受到作品之間的對話與共鳴，而不僅僅是單件作品的美感。」

本次特展也聚焦於展品的材料、工藝和圖案，透過這5個超越時間的雋永主題，彰顯珠寶師、寶石工匠和鐘錶師百裡挑一的非凡技藝。以不同的視角凝視每一件作品，其匠心獨運的技術和風格特徵不言自明。

我們問及，在策展過程中，最大的挑戰之一，必定是如何在歷史作品與當代作品之間創造對話？Alexandrine Maviel-Sonet透露，事實上，策展團隊並不視這為困難，而是將其視為一個趣味盎然的過程，「梵克雅寶在這次展覽中，提供80多件作品，其中包括前衛創作以及設計和工藝領域中出類拔萃的傑作，彰顯並重申珠寶之於藝術的重要角色，這正是我們多年來與裝飾藝術博物館共同致力的使命，梵克雅寶獨家贊助其珠寶陳列廊，這是法國最重要的同類收藏之一，介紹從中世紀至今的珠寶歷史，雙方精彩的合作不勝枚舉，《大美不言》展覽不僅體現這項傳統的一面，也憑藉國立故宮博物院的共襄盛舉而開啟新的視野。」這也成為展覽成功的關鍵之一。

這次展覽的一大亮點，是將珠寶設計的技術演變融入到展覽的故事線中，從早期的平面設計，到後來的立體創作，策展團隊展示了珠寶設計的技術進化過程，特別是世家的Mystery SetTM隱密式鑲嵌工藝。這項無與倫比的獨門工藝於1933年註冊專利，為寶石鑲嵌方式揭開 全新篇章。此工藝的奧祕在於金質軌道，經過精心切割的珍貴寶石逐顆鑲嵌在軌道中，可以在不讓鑲爪及其他金屬元件外露的情況下維持寶石美態，也在展覽中得以體現。

對梵克雅寶而言，策展過程本身也是一次深入學習的機會，Alexandrine Maviel-Sonet告訴我們，在籌備過程中發現了一些鮮為人知的歷史背景和創作靈感。其中一個有趣的例子是，他們發現一條創作於1947年的黃K金「Cord項鍊」，其靈感源於高級時裝，更具體來說是受到飾物啟發，這些珍貴的紐股繩索由黃金編織而成，不僅賦予整體作品無限動感風情，裝飾繩索也會隨著佩戴者搖曳生姿，巧妙再現繩索天然的柔韌性，策展團隊於是對作品的歷史有了更深的理解。

那麼，這場展覽如何同時吸引Van Cleef & Arpels梵克雅寶長期的愛好者與初次接觸者呢？Alexandrine Maviel-Sonet解釋，訪客可以透過展覽中的歷史背景和技術進化來了解世家，而資深愛好者則可以從展品的技術細節中發掘更多彩蛋。觀眾可以發現，早在20世紀初，梵克雅寶就已經為其創作申請了專利，這些技術至今仍然在發展和應用，對於那些已經了解這些技術的珠寶迷來說，可以在展覽中察覺這些技術與其他藝術形式的聯繫，讓展覽充滿了探索的樂趣。

Van Cleef & Arpels梵克雅寶自1906年創立伊始，即致力將創作與工藝融入藝術之中，並從世界各地的文化寶庫汲取外表形式和圖像的靈感，其珠寶作品與各種藝術流派之間始終不斷維持對話。《大美不言》典藏精粹特展不僅僅是三方藝術作品的聯合展示，更是一場充滿創意、歷史與文化共鳴的視覺盛宴。

專訪梵克雅寶典藏與展覽總監Alexandrine Maviel-Sonet

Ｑ：觀眾可以從這次展覽獲得什麼？嘗試將古代與近代作品共同展出，背後的靈感和動機為何？

我們發現觀者可以根據自己的理解來發現展覽中 作品之間的聯繫，這也是很有趣的一點。這次展 覽提供了一個開放的平台，允許每個人產生自己 的見解。對於還沒那麼熟悉梵克雅寶的觀眾來 說，這些展品能完美展示世家自 20 世紀初以來 專利技術的歷史，讓人們理解它與其他藝術形式 之間的共同點。

Ｑ：這次展覽中，梵克雅寶的主要展品如何體現「大美不言」的意涵

我們展出的主要展品是1952年由 Van Cleef & Arpels梵克雅寶所製作，一件可轉換為手鍊的Zip項鍊。此件作品被認為是梵克雅寶最前衛創新的作品之一，展示出如何將一件實用物品「拉鍊」，巧妙地轉化為集美感與變幻於一體的珠寶。這款項鍊於1938年取得專利，並於1950年首次面世，是一件工藝技術的傑出創新設計。僅需如拉動拉鍊般的動作，拉動流蘇裝飾，便可將其轉換為一條手鍊。

巴黎裝飾藝術博物館｜超越美學高下之分，展現藝術家無與倫比的創造力

對於巴黎裝飾藝術博物館來說，《大美不言》展覽的構想源起，是來自不同機構之間的合作精神，確保展品之間能夠形成和諧的聯繫，而非僅僅強調某些展品的價值或重要性。Béatrice Quette表示，「我們期望透過三方的合作，共同探尋精湛工藝的奧祕，無論源自亞洲還是歐洲。由此誕生沉浸式『舞台場景』（tableaux），展演著三方的典藏文物。」目標是通過展品之間的對話來創造一種和諧感，而這也成為了展覽成功的關鍵之一。

為了展現不同時代和地域的美學文化，並確保每件展品的品質和特色能夠相互輝映，Béatrice Quette透露，在挑選展品時，各方進行了多次討論，在不斷交流中，發現了新的靈感和解決方案。有時候，他們能輕易找到合適的組合，有時候卻需要多次調整。巴黎裝飾藝術博物館亦竭盡可能地展現其藏品之豐富性與多樣性，從中世紀至今的創作應有盡有，涵蓋了不同的技術和工藝，如玻璃、銀器、掐絲琺瑯、珠寶等，同時也不讓亞洲的作品成為遺珠之憾。

Béatrice Quette也強調，展覽的核心在於展品間的「對話」。每件展品都承載著其所屬文化和時代的故事，因此在策展過程中，不僅要考慮物件本身的質量，還要考慮它們在展覽中的相互關係。例如，將當代玻璃藝術品與18世紀的瓷器或19世紀的中國青銅器並置，這種安排讓觀眾可以從不同角度重新審視這些物件。《大美不言》典藏精粹特展也突出了東西方文化交流的歷史，「18、19世紀的中西方藝術影響了彼此的創作，中國的瓷器、漆器等工藝，對法國和歐洲的藝術產生了深遠影響， 而中國的皇帝們，如康熙、乾隆等，也對西方藝術充滿興趣。這種雙向的文化交流成為了展覽的一個重要主題，觀眾可以通過展品了解這段豐富的文化互動歷史。」

此外，展覽中的很多展品並不是孤立存在的，而是通過歷史和工藝的傳承與演變，形成了一種跨越地域和時代的連續性。這種連續性在展覽中 得到了充分展現，特別是一些當代藝術作品運用了傳統工藝，但表現形式卻極具創新性。例如，〈黑寶石〉朱利安．維莫倫即以雉雞、鵝斜切火雞羽毛，將「羽飾」藝術發揚光大，運用傳統工藝創作出當代作品，在創作過程中以時間、靈巧手藝和材質為尊。

Béatrice Quette還特別提到了珠寶展品的獨特性，梵克雅寶自2012年以來始終是巴黎裝飾藝術博物館全心信賴並多方合作的盟友，舉凡從展覽到出版物與教育專案。在此展中，他們發現，珠寶作品不僅僅是裝飾品，更是 一種情感的表達方式。每件珠寶背後都有一段與佩戴者相關的故事，它不僅僅代表了個人的品味和選擇，更是一種與佩戴者內心世界的對話。這種珠寶與佩戴者之間的關係，與人們對物件的感受息息相關。

《大美不言》典藏精粹特展可說是三方策展團隊對東西方文化交流、歷史與工藝的深刻思考與探索，讓觀眾在欣賞美學的同時，也能從中得知這些工藝如何在歐亞大陸兩側傳承與融合，展覽的設計和策展思路既創新又深入，給觀眾帶來了一次豐富而有深度的文化之旅。

專訪巴黎裝飾藝術博物館策展人 亞洲及伊斯蘭典藏主管Béatrice Quette

Ｑ：這次與梵克雅寶、國立故宮博物 院合作過程中獲得什麼啟發？

展覽規劃最初著眼於視覺效果和美學呈現，但隨著合作愈發深入，概念便日趨細微。觀摩他方規劃作品陳列，展現不同的鑑賞力，實屬令人振奮。這項共同策展的過程，提供了我們互相學習的機會。而能與有別於巴黎裝飾藝術博物館過往的參觀者互動，亦非常引人省思。

Ｑ：巴黎裝飾藝術博物館如何透過展品，將觀眾的目光聚焦於精湛工藝？

巴黎裝飾藝術博物館自1882年開館以來，宗旨就是蒐集歐洲乃至其他地區的收藏品，供藝術家在工藝實踐和視覺研究中汲取靈感。玻璃、陶瓷、漆器、金工、掛毯、傢飾等，本館將檔案內各式各樣精湛工藝的代表典藏品，於本次展覽中展出。我們期望將這些作品與國立故宮博物院以及Van Cleef & Arpels梵克雅寶典藏同等豐富多元的精湛文物匯聚一堂，藉此展現不同時代和地域下，美的語彙不盡相同。

Béatrice Quette

畢業於羅浮宮學院和巴黎第四大學，現任巴黎裝飾藝術博物館策展人，負責亞洲及伊斯蘭藝術收藏。保護、研究、增添，以及推廣收藏品，同時亦致力於建立收藏品與國內外的關係。裝飾藝術博物館自1864年成立以來，持續累積大量重要的亞洲藏品，這些藏品亦成為藝術靈感與專業技術工藝知識的豐富泉源，彰顯亞洲文明在裝飾藝術、現代與當代設計歷史的關鍵地位。

國立故宮博物院｜見證工藝發展史，東西方文化交流的精彩篇章

回顧《大美不言》策展的起源與發展歷程，國立故宮博物院副院長余佩瑾表示，最初源自梵克雅寶與法國裝飾藝術博物館的提案，當時她尚未擔任副院長，仍在器物處工作，因此參與了初期討論，「早期的構思主要圍繞如何突破以往僅限於珠寶展示的範疇，並擴展展覽的視野與深度。故宮在2012年曾舉辦《皇家風尚》珠寶展，該展覽聚焦於東西方貴族珠寶的對比展示，而此次的策展則希望探索更為多元的展現方式。」

余佩瑾提到，策展過程經歷了多次變動，包括展覽形式及內容的調整，隨著策展討論的深入，三方最終確立了共同參與的模式。疫情期間，歐洲多個國家博物館長期閉館，導致展覽進程中斷。直至疫情結束後，展覽的策劃工作才得以重新啟動。自確認「大美不言」作為展覽的核心主題後，三方皆致力於打破以往展覽中因時代或地域限制而導致的分隔，實現了跨越歷史與文化的藝術交流，因而衍生出5個子題，分別是「自然萬物」、「動靜有型」、「奇幻仙境」、「神祕莫測」、「五彩繽紛」。余佩瑾指出，主題涵蓋了多樣的藝術風格與表現形式，「不局限於單一的藝術形式或文化背景，而是透過不同材質與藝術品的對話，展現了跨文化、跨時代的藝術共鳴。」

在展覽的設計上，每一個展示櫃都融合了來自三方的展品，彼此之間形成了對話與呼應。余佩瑾解釋，這樣的展示方式打破了過去單純按時代或文化區分展品的作法，在視覺上形成一種穿透感，使得每一件展品在不同文化背景的對照下，能夠更好地展示其藝術價值與歷史意涵。她強調，「這樣的展示方式在故宮的展覽歷史中並不常見，此次展覽打破傳統，將來自不同時代與文化的展品混合展示，讓觀眾能夠更直觀地感受到文化之間的互動與影響。」

余佩瑾舉例，展覽中可以看到，法國文物與中國傳統藝術品形成了強烈的對比與呼應，法國的塞夫爾國家製造廠，歷史上曾多次試圖模仿中國景德鎮的瓷器工藝，並最終在18世紀下半葉成功生產出類似瓷器。這樣的文化交流與技術傳承，使得展覽中的法國陶瓷不僅僅是一件藝術品，更成為中、法兩國工藝技術互通的重要見證。

故宮館藏的〈銅胎畫琺瑯包袱紋蓋罐〉在展覽中與來自法國的同類作品進行了對比展示，這種跨文化的對照使得觀眾能夠更加清晰地理解，中國藝術在技術與風格上的演變與發展。同時，這樣的展示也讓觀眾了解到中國藝術並非孤立存在，而是在與世界其他文化的互動中不斷成長與演進，為觀眾提供了全新的藝術視野。

此外，梵克雅寶的珠寶工藝也是展覽的一大亮點，梵克雅寶擁有多項專利技術，其中「拉鍊式」珠寶設計尤為引人注目。這種設計靈感來自於20世紀的拉鍊技術，珠寶可以在項鍊與手鐲之間自由轉換，展現出珠寶設計的創新與實用性。余佩瑾指出，這種技術與中國的轉心瓶工藝有著異曲同工之妙，兩者都展現了極高的技術水準與創造力。余佩瑾認為，藝術品的價值不僅在於其自身的美學與歷史意涵，更在於它們所承載的文化交流與技術傳承。通過此次展覽， 觀眾能夠看到中國傳統工藝如何影響西方的藝術創作，同時也能感受到西方藝術對中國藝術的回應與啟發。

專訪國立故宮博物院副院長余佩瑾

Ｑ：國立故宮博物院如何透過展品，將觀眾的目光聚焦於精湛工藝？

國立故宮博物院藏品見證工藝發展史中，東西方文化交流的精彩篇章。舉例而言，雖然琺瑯畫在歐洲已有多年歷史，但直到清代1720年左右才傳入中國，這都得益於兩地之間的文化交流。 自此，藝術家根據自身的製作風格，巧妙改良並運用這項源遠流長的工藝技術，開拓出更豐富多元的樣貌。

Ｑ：這次展覽中，國立故宮博物院的主要展品如何體現「大美不言」的意涵？

〈洋彩玲瓏轉旋瓶〉結構複雜，共分成4部分：頸、腹、內瓶及底座。內瓶瓶底內凹可套於底座突起的部分，內瓶瓶口有卡榫可與頸部相連，器腹下端有卡榫與器底連接，因此從頸部旋轉時，內瓶會跟著轉動。內瓶繪五彩祥雲與紅蝙蝠，器腹鏤空彩繪兩對口銜蓮花與靈芝的鏤雕雙龍紋，頸部與底座則為藍地描金紋飾，上繪如意紋、番蓮紋及蕉葉紋等。鏤空轉旋套瓶，一般多為 4 部組合，是一種內外結合，較為複雜的成形工序，轉動頸部時，內瓶會跟著旋轉，透過鏤空部分可見蝙蝠飛翔於五彩祥雲。這種做工繁複的轉心瓶，至乾隆朝時集大成，充分呈現華美與絢麗的動感。

余佩瑾

現為國立故宮博物院副院長，國立臺灣大學歷史學研究所碩士、國立臺灣大學藝術史研究所博士，研究領域以中國陶瓷史、工藝史、清代宮廷收藏為主，任國立故宮博物院器物處處長多年，曾於台灣各大專院校任教，近年來策展規劃多項重要故宮展覽，如南北院區皆深受好評的「品牌的故事」、北部院區的「小時代的日常——一個十七世紀的生活提案」及南院的「皇帝的多寶格」特展。

_{文｜張瑋涵　攝影｜La Vie　圖片提供｜《大美不言》典藏精粹特展}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/11月號《走入藝術的無形脈動》

有時，城市裡會出現一個期間限定的時空，從書、攝影集、藝術家的書、雜誌到zine⋯⋯，各式非典型的主題、形狀、色彩，沒看過想過摸過的紙本創作，都在這裡閃亮面世。「草率季」和「傻瓜書日」是台灣近年兩大重要的出版場景，一個牽起當代藝術和出版的交集，一個以影像和自出版為核心耕耘——在這裡，什麼樣的能量正在凝聚？

在草率季誕生之前，黃偉倫（Frank）經營「空場」，一個匯聚22位藝術家的非營利藝術聚落。那幾年，他常感到挫折：認真辦的展，除了開幕當天的熱絡，之後每天了不起兩個人來，一個月後就又要撤。苦於要如何把視覺藝術的受眾擴大，也喜愛出版品的他發覺兩群創作者的共同點，「都滿把生命力和喜好直接貫注進作品裡。」2016年，第1屆草率季在北投的倉庫敞開大門。

也是在那左右，林君燁和劉兆慈雙雙從歐洲搬回台北，長久以書跟影像作為創作載體的兩人，好奇有誰也在做一樣的事？城市中，尚找不太到販售攝影書的場所，兩人乾脆自己成立「傻瓜書日」，也在2018年，借了君燁家附近的酒吧，邀來10幾位喜歡的藝術家一邊翻書、一邊喝酒聊幹話，至今已順利舉辦4屆攝影藝術書展，期間也陸續策劃展覽、講座、另類讀書會等各式活動。聽Frank和君燁聊聊，這些年來，透過他們的眼和在藝術出版現場的第一線經驗，看見了當代紙本創作的何種潛能和形貌。

Ｑ：書展最初是怎麼定調?來的都是怎樣的人？

 君燁  可以從「傻瓜書日」的命名講起——創作者很愛覺得自己的東西還沒做完（笑），是所謂樣書（Dummy Book）；Dummy還有笨蛋的意思，做書的人也確實很「笨」，它在當代藝術中不是非常有效的媒材，販售面也不是一個完全的商品，很難得到立刻的價值回饋，可是大家就是愛做。

我喜歡書，則因為覺得書是個好攜帶、掌握的空間，每個人都可以隨時隨地自由進入。我們鎖定以「影像」與「自出版」為核心，第1屆集結了非常多做書的創作者，許多攝影人都出現在現場，像是《攝影之聲》主編李威儀、Lightbox創辦人曹良賓和沈昭良老師等，大家年紀、創作媒材都不太一樣，但因為當時做影像的社群比較沒有聚在一起的機會，比想像中踴躍。後來，傻瓜書日只有一個不曾改變的報名規則：要至少有一件作品是以影像為媒介，且以書作為載體呈現。

 Frank  我喜歡的東西比較曖昧，涵蓋設計、藝術、建築和工藝，所以成立草率季時，就把「個人表達」設定在最前面，希望每年大家可以聚在一起慶祝自己的創意、個人主張和生命力。另一方面也覺得，應該要跟國際上的同好有所交流，第2、3年時，每天都寄300封信，像打仗一樣一直打鍵盤，邀喜歡的國際出版單位飛來；到第4～5屆後比較穩定，就開放open call報名，雖不設限創作領域，但至今書攤類還是重點，2024年總共有443個參展單位，書攤占380個。錄取標準上，除了有出3本書以上會優先考量，再來就是看創作到底是不是新鮮、原創。

Ｑ：歷年來受到討論的作品類型有何演進？

 Frank 草率季前3屆，比較多藝術書籍，其中有1/3～1/2是小誌，也是最受歡迎的。2019年左右，一些國際出版社或書店帶來滿多主題性書籍，譬如建築主題的精裝書，類似Assemble的出版，是陳述研究過程、方法或project的記錄。單價很高，卻能幾乎賣光，也發現漸漸有些輩份較深、室內設計或建築背景的人，像實踐建築系的教授會跑來找這些書。後來有一大批插畫、花藝、金工的人mix進來。疫情後這幾年則很奇妙，出現許多用刺青圖案作為創作媒材的刺青師，他們也會出貼紙或小誌，圖像風格也開始拉出各自的特色，這兩年滿受到歡迎。

 君燁 藝術出版這件事就是超級超級多元，觀眾有感覺的東西差距很大，但共識就是挪石社永遠賣得很好（笑）！他們很會選題，作品很有巧思，概念也非常完整——能呈現出一個完整「世界觀」的作品，是大多喜歡書這個媒材的人會喜歡的。去年還有一個賣超好的，是雅加達藝術出版社Jordan, jordan Édition的《班達日記》（The Banda Journal），代表印尼第一次拿到「巴黎／光圈攝影書獎」的年度攝影書獎，呼應近年當代藝術的走向，結合民族誌、旅行、紀實攝影、地緣政治學等面向。另外，我最近去了歐洲工作，發現很多像Frank提到的、偏研究屬性或檔案整理的書，還有滿多表演作為出版（Performance as Publishing）的實踐，近年也很常見。

Ｑ：在你們的觀察中，台灣及各地的藝術出版社群各有什麼特質？

 Frank 目前草率季的組成其實是很雜亂、展開的，對應到台灣的環境氛圍，就是大家逐漸認同各自喜歡的視覺方向、有興趣的議題，以非常非常非常非常分眾的狀態進行自己的創作。Printed Matter總監、目前紐約藝術書展的負責人，也是做小型zine市集出身，他說在草率季現場，總能看見大家很強的「想呈現自己」的慾望，呈現了書跟當代藝術中間一個很奇幻的交集。

 君燁 以我生活過或做過田調的地方來講，荷蘭、德國、英國等藝術出版和書展歷史比較悠久的地方，做的書比較能看出學院內外對照的地景脈絡；相比歐洲很個人化的作法，東南亞有很多集體協作，除了因為藝術出版本身就是一個年輕藝術家沒有地方展出時會選擇的載體，也因為（除新加坡之外）他們幾乎拿不到政府補助，不過雖然被掣肘，也因此找到很多新的路，他們不用去回應補助資源的期待，也常常需要比審查紅線再靈活一點，反而會長出一些非常恣意、令人驚喜的作品。

香港的氣氛很緊張，我今年去「BOOKED：香港藝術書展」做講座，書展期間持續聽到有書被下架，中國的書展也幾乎都停辦了，以前中國政府不太管藝術出版和書展，這一兩年則變得非常嚴格，中國知名攝影書出版社「假雜誌」的出版人最近也傳出被消失的消息，對華文藝術出版是一件滿糟糕的事。草率季這次有辦法邀到中國的策展人嗎？

 Frank 這次我們花了大概4、5個月幫大家申請簽證，過程非常痛苦，但最後有10幾位中國參展者可以來，包括第一次來台的「abC藝術書展／DREAMER FTY夢廠」團隊。

 君燁 他們今年也宣布書展要無限期暫停了，還可以這樣有跟大家實體見面、分享作品的機會，很難得也令人開心。至於台灣，做藝術出版的人很多，但持續在做、不只是一次性發表的人其實沒那麼多，機構和空間也算零星。直到去年的傻瓜書日，我很驚訝發現越來越多沒看過的單位或藝術家，意識到台灣的創作者有在變多，也有大學學程結束後組隊來參加，整個社群好像真的有慢慢在往外擴。

Ｑ：從開辦藝術書展到現在，有什麼事超出你們的預期？還期待哪些可能性？

 Frank 現在的草率季現場，越來越像是每屆幾百位參展者一起做出來的集體創作、一個獨立的生命體，這是我之前沒有預料到的。兩年前開始，我們每年也會邀請各行各業的評審一起選出5位特別的新銳創作者，一起做實驗出版計畫、甚至帶著大家的作品去國外參展，希望有更多人喜歡這些很自我表達的藝術家。除了沒辦法對應我們投入的時間成本，目前售票收入已經可以維繫運作，但也會思考如果可以像東京藝術書展，有一些支持出版的私人企業或基金會，大家加入一起做也很不錯。

 君燁 在藝術出版這個領域，一件作品的價值很難在資本世界等價交換，大家都還在用自己的辦法，實踐「書」的不同可能。傻瓜書日從一開始自掏腰包，直到去年規模擴大，收支比較達到設定的目標。希望不論是藝術出版的參與者，或是讀者、觀眾，大家可以一起讓整個生態越來越健康、多元、完整。可是要變成怎樣呢？其實我也還不知道，因為從單純提供一個展示、交流創作的空間，到一年年持續在發生，大家都還留在這裡，本身就已經是最超出預期的事情了。

台灣還有這些酷酷出版EVENTS！

◉ Not Big Issue 小誌／獨立刊物市集｜Since 2013
台灣首個獨立刊物市集！由邱璽民和搖擺少女創辦，近年舉辦於濕地。招牌活動為「大隊接 ZINE」，開放攤位於現場以抽籤方式回應前位參與者的內容進行創作。

◉台中藝術書展｜Since 2017
中台灣最大的藝術刊物市集，自派對場域The Cave發跡，近年舉辦於台中市文化部文化資產園區。團隊BREAK OFF同時舉辦台中國際海報展，今年擴大規模為台北國際海報博覽會。

◉Room Service｜Since 2018
由台北文化選品店Waiting Room舉辦，主理人為透明雜誌鼓手與長腦筋唱片創辦人Trix。出版之外亦集結音樂廠牌、唱片行、飲食等多元型態非典型創作。

附錄☆ 2024我們在做這樣的書！直擊草率祭創作者群像

11月底，草率季甫在華山1914文化創意產業園區吵鬧落幕。我們衝去現場，從430+組國際參展者中打撈回一些野生創作者的身影與作品，看他們想透過紙本說什麼話？沒有趕上市集也不怕，現在按下追蹤也不晚啦。

📍德國｜Dicey Studios
在成為設計師之前我就開始做zine了。從青少年時期龐克主題的fanzine延伸到藝術、漫畫，也有好幾本是在玩字體。然後有天這個角色突然出現在我腦袋裡，它沒有名字，我不想限制它，你要說它是熊、龍、米老鼠、歐洲童話裡什麼都吃的毛毛蟲都可以，它代表活在當下的享樂主義。

📍台灣｜dandandying
我大學念心理系，創作內容通常和情緒相關，比較抽象、無敘事性。有在憤怒時下畫的，也有關於「想逃離日常生活」的情緒的實驗漫畫。今年新的繪本是以「心臟」為主角，關於我身體的故事，叫大家要關心「心」，注重身心健康啦！（笑）

📍台灣｜展開為表面
我們是來自建築、藝術背景的3人團隊，一起編了這本訪談、短文集。英文書名是個3D建模軟體指令，呼應台灣還有很多沒被看見的事情，需要被展現。首本有6位受訪者，全書訪談和短文一一穿插對照，藏有細微連結但不明說，留給觀眾在閱讀中找到自己的詮釋和樂趣。

📍中國｜PIDAN
我在東京念攝影學校，平時做很多攝影裝置，也想透過書籍這個好流傳的媒介將它們轉化，讓更多人可以感受和體驗。內容結合我的攝影和詩，都是手工裝訂，除了是書，我也希望它們可以是被擺放在家裡的物件，就研究出一些可站立的獨特裝幀方式，也喜歡探索紙的延展潛力。

📍馬來西亞｜LALA COMPANY
我叫Radio Woon，是名藝術家兼平面設計師，在上海工作生活。我用馬克筆創作很多大眼怪嘴人角色，他們也是我故事的主角，通常以熱鬧的群像出現，表現不同性格和生活態度。我最新一本手工zine的名字是馬來語的「回鄉」，紀錄去年一趟回馬自駕遊的旅程。

📍韓國｜Namoo Kim
我是韓國坡州字體設計學院（PaTi）的學生，平時我們可以探索任何有興趣的媒材，但每學期末都會將成果製成書籍。過去7年，我用一次性即可拍捕捉韓國街上的手寫文字，一直想做成書但沒有勇氣，直到這次教授說我們一起去草率季吧！就有了這本《街上詩人》。

📍美國｜EXTRA CREDIT
我是紐約的高中電腦科學（CS）老師，其實一開始只是想幫學生做些有趣的教材，試試看能怎麼把學習和好玩的閱讀體驗結合，結果就變成在做zine了！我大多作品用RISO印刷、手工裝訂，內容裡頭可以看見不少創意編程的元素。

📍法國 & 台灣｜巴斯巴度
我們是分別來自法國的記者和台灣的譯者，一起做這本台法雙語期刊，以採訪和專文介紹台、法兩國的繪畫、音樂、文學、電玩等各領域創作者，目前已有兩刊。此外我們也出版書籍，明年春天會把法國重要小說《La Morte Amoureuse》首次譯進台灣！

_{採訪整理｜李尤　攝影｜鏡好映像工作室 _ 林家賢、Liszt Chang　圖片提供｜傻瓜書日}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/12月號《紙上策展術》

2024金點設計展於12月3日在台灣設計館正式開展，本屆共有近200件獲獎作品展出，創作團隊橫跨台灣、中國、香港、澳門、美國、日本、英國、泰國、波蘭、新加坡、馬來西亞、菲律賓等地，讓觀眾一次飽覽今年度海內外的頂尖設計！

3大空間、6大主題看今年最佳設計

2024金點設計展由新銳策展團隊「極製設計所」策劃，從作品的本質與關注議題切入，並歸類為六大主題，並以多元跨域的專業視野，將策展理念、展出作品與空間設計緊密串聯。

本次金點設計展以三大空間、不同的設計語言，詮釋各大主題的獨特魅力。此外，策展團隊也特別將歷屆展場所使用的物件回收再造，將之轉化為不同情境的載體，不僅響應循環設計的理念，也象徵設計的傳承與新生。

第一區展出「設計基石」與「倡議支點」兩大主題，前者探討設計在基礎設施與公共系統中發揮的作用與重要性，後者則強調設計如何回應社會多元價值觀，以及促進公共討論與推動社會變革。展間整體開放、明亮，展台以45度角排列，如基石般穩固，象徵設計作為社會基礎力量的重要性。

第二區聚焦「科技拓界」與「生活擴界」，分別深入科技在解決社會需求中的創新應用，以及空間設計與商業品牌創新等不同視角的生活提案。展覽呈現上使用不規則折線展桌延伸空間，象徵科技不斷創新，也呼應多樣化和靈活的日常體驗，其多向動線引導觀者自由探索。

第三區圍繞「地方迴聲」與「物質探索」的探索。前者著重設計如何回應自然環境、重新詮釋地方文化，形成推動地方發展的力量；後者則展⽰設計師對材料的理解與應⽤，強調回收材料與循環系統的構建。而展場也以漣漪狀的展桌，表達循環價值及文化延續的意象，並透過碎石、金屬的異材質搭配，襯托對材料質感與創新的關注。

2024金點設計展 亮點作品搶先看

今年得獎作品反映出科技應用、循環設計、社會創新等當代趨勢，像是和碩聯合科技的「亞默~情緒感知遊戲把手」，結合AI人工智慧與情緒感知技術，將遊戲互動體驗提升至新境界，還能應用於居家健康追蹤，提前預測並預防情緒疾病；好說設計推出的「Hibāng山林系全循環眼鏡」以台灣高山命名，致敬台灣山岳，全鏡架使用廢棄漁網再生尼龍材質製作，無螺絲卡榫設計，所有零件都可維修更換，搭配完整回收體系，實現零廢棄目標。

在整合設計類，不來梅與銀色大門老人福利協會合作的「老食人便當」將便當放置在辦公商圈無人商店，透過菜色及背後故事，呈現獨居長輩的飲食困境，顛覆傳統冰冷形式鼓勵大眾捐款，改善長輩生活；而傳達設計類、由JIASUI STUDIO攜手美感細胞所設計的「災害應變參考程序手冊」，以明確色彩計畫區分不同災害類型，並改善分類系統、搭配大量插圖輔助，方便使用者快速查詢應變措施，為學校及社會防災教育提供更實用的工具。

而日本TBWAHAKUHODO創意團隊與甲子化學工業攜手開發的「SHELLMET」，將北海道當地廢棄的扇貝殼回收再利用，製成既實用又美觀的安全帽，在展覽中將能一睹其設計工藝的獨到之處；泰國Coomaxtudio工作室的「Marni」，則以傳統剪紙藝術及手工技藝為基礎，結合3D列印技術打造出的竹編燈具，精湛工藝與創意兼備。

「2024金點設計展」自12月3日起至翌年4月6日展出，而頒獎典禮將於12月13日隆重登場，揭曉「年度最佳設計獎」及「年度特別獎」得主。更多資訊請見金點設計獎官網。

2024金點設計展

展覽期間｜2024.12.03–2025.04.06
開放時間｜10:00–18:00（最後售票時間17:30）
展覽地點｜台灣設計館