2025年為臺灣畫家陳澄波誕辰130週年紀念，國立臺灣博物館與陳澄波文化基金會共同策展，以陳澄波8件原件畫作與臺博館的自然史典藏進行對話，從早期知識份子視野與臺博館作為博物學關懷的對話下，呈現臺灣差異、多樣性的人文與自然發展，帶大眾重新發現臺灣的獨特之處。

國立臺灣博物館即日起至2025年5月11日止，於鐵道部園區推出「走揣・咱的所在：陳澄波百三特展」，從早期知識份子的視野下與臺博館作為博物學關懷的對話下，呈現臺灣差異、多樣性的人文與自然發展，匯集而成今日島嶼之貌，所擁有的幸福的一切。（編註：走揣 tsáu-tshuē，到處尋找之意）

陳澄波畫作與臺博館自然史典藏進行對話

財團法人陳澄波文化基金會董事長陳立柏表示，在陳澄波百二紀念展之後，他一直思考陳澄波的畫除了藝術史、藝術界之外，有沒有與大眾接觸的其他面向，最終選擇與博物館進行對話。在討論的過程中，他發現過去旅外30年，想著如何介紹自己的故鄉、表達屬於臺灣的精神，最後竟然在自己家的阿公畫作中找到答案，「自然」就是臺灣宜居的答案。

「走揣・咱的所在：陳澄波百三特展」從陳澄波的作品如〈北回歸線地標〉、〈農家〉、〈東台灣臨海道路〉、〈濤聲〉、〈玉山積雪〉等油畫畫作破題，結合臺博館館藏及新採集的魚類、植物等標本，討論與臺灣相遇而影響臺灣的自然現象，如洋流（黑潮）、季風（西南氣流、霧林帶）、氣候區（北回歸線、亞熱帶）等的獨特性，以及這些自然現象和所造成的物種高歧異性，交織成北半球生態系的縮影，進而孕育出豐富的文化多樣性，包含漁業發展及經濟交換等，闡述這塊土地上因這些現象匯集而擁有的一切。

重新發現臺灣的獨特之處

國立臺灣博物館館長陳登欽說明，很多人第一時間很難將博物館與藝術連結在一起，此次陳澄波百三特展，不僅是對陳澄波藝術成就的回顧，更是一次探索臺灣文化與自然的機會，展覽從藝術畫作著眼，結合「北回歸線」、「季風」與「黑潮」3個匯聚在臺灣的自然力，深入探討這些自然現象如何共同塑造了臺灣的生態環境和文化特色，是一次很特別的嘗試。

陳澄波透過畫筆記錄臺灣，為這塊土地留下了一幅幅動人的風景，他的畫作不僅是個人情感的抒發，更是一種對自然的讚美與思索，透過其作品，彷彿搭上時光機，可以更加貼近這片土地，感受其中蘊含生生不息的力量。

策展團隊也表示，「走揣・咱的所在」與其說是特展名稱，不如將它看成是一則討論公共議題的邀請卡，邀約大眾藉著陳澄波的油畫作品，觀見我們腳下的母土，這個自然力、地理性永續祝福的「所在」。

走揣・咱的所在：陳澄波百三特展
地點：臺博館鐵道部園區一樓特展室（臺北市延平北路一段2號）
日期：即日起至2025年5月11日
時間：週二至週日上午9時30分至下午5時（週一公休，遇國定假日或活動另行公告）

_{資料來源｜臺博館、文字整理｜Adela Cheng}

去過的都知道，teamLab沒有、也不該有攻略，怎麼逛全靠自己——那還要這篇幹嘛？當然是帶給你最需要的沉浸式「迷路」地圖，開啟一場迷了路更驚喜的玩展旅程！La Vie直擊「teamLab Biovortex Kyoto」，並根據現場體驗，從超過50件作品中精選推薦包含泡泡、銀球兩大話題之作在內的5件必看作品（但與其說哪些必看，不如說這些沒看真的不能撤）；同時，縱使已經刻意低調，如此獨具京都美學的展館外部空間果然還是讓人且走且著迷，3大設計亮點隨文一併整理，入場途中別忘照張相。

- 以下段落提及之作品名簡以英文呈現，日文作品名可於圖說參考對照；若無則表示英日同名。 -

扎根於「理論結構」的沉浸式藝術高標

「沉浸式」一詞，在常被拿來泛稱各種感官體驗的今天、在很多並不真正符合其根本條件的誤用情境裡，定義時而模糊，淪為一種無實質指涉的氛圍感形容。然堪稱此類藝術形式高標的teamLab，每每推出新作或新場館，卻都再次踩穩定義，清晰勾勒動人線條。

2025年10月，最新常設館「teamLab Biovortex Kyoto」正式揭幕，La Vie前往京都搶先開箱，且有幸與主導團隊創作方向的teamLab共同創辦人猪子寿之先生短暫座談，聽他講述創作的方方面面。其中，關於【teamLab如何看待越來越多沉浸式展覽的出現和跟進】這題，猪子先生的回應一解編輯心中迷惑：「teamLab的作品都是基於『理論結構』製作出來的。若沒有理論結構支持，只是一味地去模仿透過鏡頭拍下的『表面（影像）』的話，可能並不能讓體驗者得到和在我們這裡一樣的沉浸感受——因為它的理論是不對的。」彼時，我們置身teamLab代表作之一《Forest of Resonating Lamps: One Stroke - a Year in the Mountains》，該作品正是經由數學運算控制鏡面空間中無數盞掛燈的明滅，一切不證自明。

理性描繪的感性，比純粹感性更撼動人心

當沉浸式展演流於形式卻不使人沉浸，那無非是拖著觀眾強行召喚感受。可要做到自然而然地啟動觀眾的五感，總歸沒有這麼簡單，否則teamLab多年來又何以在快速前奔的「科技打造藝術」範疇保持領先地位。

回顧此行所獲的全身心沉浸體驗，發生於輕輕捧起《Massless Amorphous Sculpture》的無定型雕塑之時、被《Traces of Life》牽引著留下個人軌跡之時、潛入《Morphing Continuum》從多重視角觀看能量秩序成形之時⋯⋯這些瞬間感到的迷失與迷惘，編輯認為恰恰彰顯了「沉浸式」一詞的真切意涵。然感受終究是主觀的，teamLab作品有趣就有趣在，它的感性來自理性筆觸的堆疊，因此多了能夠被客觀陳述的物質組成、運作原理等，進而拓展出藝術之於人們，超越個人主觀、具某種程度共通性和大眾性的奇妙撼動力。

多件日本首發作品及順應各館環境變奏的作品，將為初體驗者和忠實觀眾同步呈現屬於京都的嶄新驚喜。待各位親自發現之餘，本篇也整理3大展館亮點、5件編輯推薦必看作品，帶你潛進圍繞存在和認知運行的「teamLab Biovortex Kyoto」。

「teamLab Biovortex Kyoto」展館亮點

#01 選址：今後將成觀光擔當？

繼日本國內外側重不同主題的常設館接連誕生後，「teamLab Biovortex Kyoto」作為「京都車站東南部地區活性化方針」一環，受市政府之邀落地京都南區，費時4、5年在車站附近街區（步行即能抵達的範圍內）蓋起全新文化發信據點，望藉此活化市有地、吸引觀光人流、提升地區魅力並助力藝術生態系蓬勃發展。其訴求無疑和本身海外遊客占比逾7成的teamLab觀眾結構相當吻合，「teamLab Biovortex Kyoto」亦躍居teamLab團隊目前於日本國內所建的最大常設館、全日本規模最大的市內美術館。

#02 建築外觀：無違和融入城市街景

無明顯招牌的霧黑建築融會日式庭園元素和布局方式，極度低調的用色、手工燒製的磚材皆無違和融入京都靜謐自然的獨特市容；入館廊道一側整齊栽種綠植，並鋪飾透黑的碎玻璃塊，呼應館內展出的彩色玻璃作品《Sea of Solidified Light》。整體外觀簡約歸簡約，卻悄然漫溢古都風韻，入口處一棵來自北山地區的台杉甚至直接了當地告訴你：這裡是京都。

#03 場內動線：迷路、找路，又迷路

不比去迪士尼、環球影城之類的樂園時許多人會藉助「攻略」玩得盡興，teamLab期許的反倒是在迷失中發現意想不到的事物。以「Biovortex（生命渦流）」為題，「teamLab Biovortex Kyoto」進駐總面積10,000平方米展場，構築一座無既定動線、藏超過50作的豐富世界。從彩繪高牆和物件的平面作品，到結合風動和氣味的空間作品，teamLab團隊持續透過與觀眾共創、向觀眾邀玩等創作形式，實踐同屬京都文化再開發計畫一部分的「將藝術從觀看轉向體驗」目標。

場館理論上有3層空間供觀眾自由竄行，包括梯間、過道，轉頭即有作品展出。不過正如其展品對「物質常識」的超越，空間方面亦不使用1、2、3樓的常規界定——直接想像成一座立體迷宮或許就很接近了。

「teamLab Biovortex Kyoto」必看作品

#01 《Massless Amorphous Sculpture／質量も形もない彫刻》

《Massless Amorphous Sculpture》歷時8年研發和更新，於今年4月開幕的「teamLab Phenomena Abu Dhabi（阿布達比）」亮相，現作為日本首發作品之一再登京都館，也是「teamLab Biovortex Kyoto」的主視覺。

空間中除了最普通的肥皂、水和空氣之外沒有任何其他物質，眼前的泡沫由肥皂構成，但與想像中的濕滑質地不同，這些撫過肌膚竟是乾燥微黏的觸感（入內需戴口罩，雨衣則可自由選擇是否穿著）。此作表述了物質非以具備穩定結構的物體存在、而以特殊環境下產生的能量秩序存在，形成teamLab所稱之「High Order Sculpture（高階雕塑）」，扣合「環境現象」這一主題——即「環境產生現象，而現象創造存在」的概念。它時大時小，可被破壞也可自行修復；它輪廓曖昧，看似輕盈無形跡，卻無法透過人類行為去「操作」。編輯自己對這件作品格外有感，非常推薦大家依循直覺，無論觸摸、擁抱甚或直接走進它，你都將感受到它用四散、破碎和崩解等「能量秩序重組」的方式來應對你的擾亂。

#02 《Morphing Continuum／変容する連続体》

同樣探討能量秩序，《Morphing Continuum》相比《Massless Amorphous Sculpture》，以有定型的空氣包、有確切路徑的循環，更具體化呈現「秩序」。

作品展演過程中，隱於各處的鼓風設備會垂直、水平兩段式捲動原來散布空間的大量銀球；每一顆銀球都是這個統一存在的其一要素，它的輪廓也同樣會因為每一要素的更替而模糊閃動。這個存在無法與環境分離，並隨環境變化而變化。座談開始前，猪子先生帶著我們一起走進《Morphing Continuum》——即便受到了「人走進」的破壞，它仍然很快修復並保持下去。

#03 《Megaliths in the Eternal Existence of the Open Universe／開いた宇宙の永遠の存在の中のメガリス》

此次日本首發，《Megaliths in the Eternal Existence of the Open Universe》以較其他展間明顯溫暖許多的空氣和間歇性雨水補充，試圖在室內環境孕育四季生機，不僅苔蘚植被茂盛，還有不少小香菇冒頭。猪子先生於座談中提及，打造此作正是為了證實一個有別於一般認為傳統藝術品珍藏所需的「開放環境」也能使藝術品價值永存（因人們向來利用「密封環境」確保藝術品保存良好）。目前作品也算成功完成，各株「植物藝術品」數月以來生長狀況相當良好。

#04 《Transient Abstract Life and Return／生と回帰の無常の抽象》

流動型態緊扣展館主題「（Bio）Vortex（漩渦）」的《Transient Abstract Life and Return》亦是日本首發之作。作品包含觀看版和體驗版，前者隔著玻璃，由觀眾的步伐間接引動漩渦；後者觀眾則可穿著館方提供的雨鞋進入體驗區，用自己的雙腳恣意攪和，直接生成漩渦。

#05 《Traces of Life／痕跡》

《Traces of Life》是描繪型作品中編輯個人最喜歡的一件，音樂的配合也恰到好處，完美加成個體和個體相會時莫名神聖的力量感。若沒有人身在其中，空間僅僅作為空間本身存在，什麼都沒有，什麼也都無法描繪。這個作品的世界，是依著人們的存在而開始被描繪；作品的空間與空間裡人們連動，人們的腳下所留的痕跡延展成一條綿長軌跡存在作品世界，漸成巨大存在。

順帶提醒特別容易頭暈的觀眾，由於作品含有許多彼此交雜竄動且不停旋轉的線條，進場後可先蹲下再摸索至後半部觀賞區的傾斜梯面坐下（靠牆為佳），方能較舒適地進行體驗。

>> 更多精彩作品收錄

花開花落、物質循環，乃至萬物生命交會，「teamLab Biovortex Kyoto」除新作帶來的震盪讓人不乏生理性淚水和雞皮疙瘩外，亦集結了邀請大小朋友手拉手，一起用身體認識世界的「運動森林」展區；顧名思義期待和大家共同創作、共享創作樂趣的「共創！未來園」教育展區；當然，最後一站且要奔向紀念品製作陣地「彩繪工廠」，把自己在《Graffiti Nature》或《Sketch Ocean》現場創作的生物化為托特包、T恤、拼圖、徽章等多樣商品的專屬圖案帶回家。

▪「運動森林」展區

▪「共創！未來園」展區

「teamLab Biovortex Kyoto」迎接每位到訪者盡情迷失、自由發現、驚喜獲得，毫不受限地闢出截然不同的「玩展」路線。

teamLab Biovortex Kyoto

日本京都府京都市南區東九條東岩本町21-5

• 時間：每日9:00-21:00，最後入館19:30（2025年年底前的休館日為10月21日、11月4日、11月18日、12月2日及12月16日；開館與休館時間可能變動，最新消息詳洽官方網站）
• 票價：成人 ￥3,400起（採浮動價格制，需事先指定入場日期和時間方可知確切價格）／13-17歲 ￥2,800／4-12歲 ￥1,800／3歲以下免費；另推出彈性通行票，成人、兒童均價 ￥12,000，只需指定日期，並可於開館時間內任意時段入場

臺南市美術館自開館以來，持續策劃當代工藝展覽與論壇，自2021年起舉辦「工藝協奏曲：臺灣X金澤工藝交流展」、2022年「逍．遙．遊當代工藝合創展」，及2024年「臺南X金澤雙城論壇：工藝與藝術的碰撞」，不僅呼應臺南作為工藝創作者聚居地，也建構出產、官、學的交流網絡，在各界引發廣大迴響。

南美館延續工藝推展的歷史脈絡，在今年秋季，邀請到日本GO FOR KOGEI 2025 總監、當代藝術領域的前金澤21世紀美術館館長、直島藝術計畫推手秋元雄史擔任策展人，策劃「皮膚と內臓-自己、世界、時間」展覽，藉由其專業視野拓展並深化台日雙方於工藝、設計與當代藝術之間的交流與對話。

集結10位日本當代女性藝術家

展覽從皮膚與內臟的感知為起點，試圖將自我、世界與時間組織起來。展覽從身體接觸和感官經驗中，所產生的既神秘又具象徵性的表現，以探求自我在現代的存在方式，及如何面對世界的方法。展覽由10位日本當代女性藝術家共同參與，作品涵蓋玻璃、漆藝、陶藝、織品、纖維等多元媒材，藝術家透過創作展現對生命、感官與存在的探問，每件作品都是對自我、世界與時間的深度思考。觀眾不僅能欣賞工藝的精緻，也能獲得個人感官啟發。

草間彌生在自傳《無限之網》中曾寫道：「不應該受到舊道德的束縛，要做自己喜歡的事」，這種在自由中求生存的精神也深深影響了這群藝術家的創作。

動漫《葬送的芙莉蓮》啟發的感官隱喻

展覽以動漫《葬送的芙莉蓮》中主角打敗魔王後的旅程故事為隱喻，觀者可透過作品審視自我，重新建構與他者及「來世」的關係。展覽也藉此引導觀眾從過去與幻想中追憶與懷舊、體會靜謐與內在情感，並啟發想像力。觀者透過感官體驗，感受自我與世界的連結，探索存在的意義。

透過工藝之作感受生命流動

展覽分為4大子題，探討人類生命的經驗累積、身分認同、對話與交流，以及心靈與身體的連結。透過工藝作品，引導觀眾逐步延伸至設計與當代藝術領域，探索文化意涵與創作魅力，也促進台日文化在美學觀點與創作思維上的深層對話。

展覽首先從「記憶與情感：過去與幻想」展開，介紹牟田陽日、小林萬里子與綿結3位藝術家。牟田將陶瓷傳統圖像結合個人想像，投射自然觀；小林以「生命的循環」跨越人類與動植物的界線；綿結透過原始技法，追尋超越時代與地域的根源之美。

第二子題「旅程：探索超越界限」關注旅程與他者的相遇，成為藝術家靈感泉源。佐佐木類透過植物採集展開《植物的記憶》系列，直面土地與旅行的感受，重新發現自我。

而在「邂逅：與他人的共鳴」中，藝術家三嶋律恵則與義大利穆拉諾島的工匠合作，在玻璃工藝中引入新表現，使作品隨光線展現不同姿態。中田真裕以時間沉澱記憶，透過色層堆疊留下製作過程的軌跡；佐合道子則在觀察與造形之間探問生命本質。留守玲則從日常素材挖掘並顯現其新質地與特性。

最後「生與死：生命的律動與心理」回到「生命本質的追尋」，山下茜里剝除皮膚的表象，以鮮烈色彩描繪人類的身體，探問「人」的本質；宮田彩佳將MRI影像轉化為藝術，將原本帶有死亡預兆的影像，化為面對身體不確定性的心理回應。

皮膚と內臓-自己、世界、時間
展出時間：2025年10月3日至2026年1月18日
展覽地點：臺南市美術館2館 展覽室 A-D
更多資訊可至展覽官網查詢

_{資料提供｜臺南市美術館、文字整理｜Adela Cheng}