【編輯帶逛】望向太平洋的藝術秘境!台東「江賢二藝術園區」建築及展覽亮點

台東「江賢二藝術園區」建築及展覽亮點!面向太平洋的藝術秘境

坐落台東金樽的「江賢二藝術園區」,將於2025315日正式開幕。園區建築依著海岸山脈低調棲於坡地,與太平洋相望;現已開放的5座場館包含展覽廳、藝術家駐村空間、「靜池」觀景台、德布西咖啡廳等場域,未來將持續發掘花東在地的藝術能量,同時積極與國際藝術界交流,實踐將花東打造為國際藝術聚落的想望。

台東「江賢二藝術園區」建築及展覽亮點!面向太平洋的藝術秘境
坐落台東金樽的「江賢二藝術園區」於2025年3月15日正式開幕。(圖片提供:江賢二藝術園區/攝影: Studio Millspace)
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靜池。(圖片提供:江賢二藝術園區)

源於美國東岸的夢想,在台灣東岸落地

「江賢二藝術園區」的構想,在1980年代就隱隱埋下伏筆。當時,江賢二在紐約長島東漢普敦(East Hampton)擁有一間小畫室與一塊五英畝的地,便起心動念,構想著每年夏天開放畫室給民眾參觀,讓人們有機會和自己一樣被大自然的美所啟發,這對常說著「藝術家對社會沒什麼貢獻」的他來說,是作為藝術家所能為社會做的小小回饋。

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第三展覽廳「承翰館」內部空間。(圖片提供:江賢二藝術園區/攝影: Studio Millspace)

這份40年前因美國東岸而生的構想,如今在世界另一端的台灣東岸成真——園區在深耕花東多年的公益平台文化基金會董事長嚴長壽協助下逐漸成型;由江賢二與林友寒建築師一同構思園區樣貌,並在臺灣清水建築工坊、臺東在地的黃文榮建築師協助下落成。

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(圖片提供:江賢二藝術園區/攝影: Studio Millspace)
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(圖片提供:江賢二藝術園區/攝影: Studio Millspace)

融於自然環境的藝術園區

規劃園區之初,江賢二便向林友寒提出自己的想法:「希望園區能充分發揮大自然的美,將整體環境融入設計,而不只是展示藝術品的空間。」因此,園區規劃首重自然地景,園內5棟建築皆依海岸山脈的坡度融入環境的紋理,建材與工法以低調的清水模混凝土為主,每一棟都引進自然天光。

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(圖片提供:江賢二藝術園區/攝影: Studio Millspace)

林友寒表示:「江老師的作品本身就具有空間性,他並不需要別人的美學意見來設計『代表他的建築』。我們建築師的角色應該『隱形』,思考如何在台東自然生態環境中,用江老師的作品精神建構一文化公共藝術平台。」

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位於園區入口處的「恭源接待中心」。(圖片提供:江賢二藝術園區/攝影: Studio Millspace)

雕塑作品化為建築,框景設計讓太平洋成畫

入園首先看到的「恭源接待中心」和「承翰館」(第三展覽廳),以江賢二雕塑作品〈13.5坪〉為原型打造,兩棟建築的屋頂採用他偏愛的耐候鋼,隨著時間的鏽蝕,將呈現深邃的紅棕色;量體稜角分明的輪廓,如落於山坡上的巨大岩石,成為迎賓最亮眼的主視覺。

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第三展覽廳「承翰館」外觀。(圖片提供:江賢二藝術園區)

步入造型與氛圍都似教堂的「承翰館」,瞬間便能感受到類宗教建築予人的神性,整座場館幾乎不見任何直角,燈光幽暗,僅有江賢二親自創作的大型燈飾〈天使的簽名〉、自天窗流瀉的台東陽光微微點亮室內,呼應著藝術家作品中的天光、蠟燭、《百年廟》系列裡的廟宇香火……各種形式、無所不在的「光」,也引導人們在此靜思。

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第三展覽廳「承翰館」內部空間。(圖片提供/攝影:Izzie Pang)
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第三展覽廳「承翰館」展出《百年廟》系列作品。(圖片提供/攝影:Izzie Pang)
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第三展覽廳「承翰館」內部空間。(圖片提供/攝影:Izzie Pang)

13.5坪〉從雕塑正式化為建築之前,還有段有趣的故事——十多年前江賢二剛移居台東,就有以〈13.5坪〉為原型打造自宅的想法,但因建造難度高,久久找不到願意承接的建築團隊;多年後,林友寒為發想園區設計前往江賢二工作室參觀,看見角落的〈13.5坪〉便主動提出:「或許我們可以把它變成建築!」繞了個彎實現藝術家心中的願望。

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第三展覽廳「承翰館」外觀及其設計靈感來源〈13.5坪〉。(圖片提供/攝影:Izzie Pang)

位於兩座展覽廳——「信義館」與「勤誠館」——之間的「靜池」,透過水景與天色相映,牆面則特意融入框景設計,巧妙襯托出與園區相望的太平洋海景。江賢二特別在此規劃一張長椅,邀訪客在此面向大海,感受啟發其創作的光線、空氣、大海和植物;轉向另一面,則能靜賞《銀湖》系列畫作感受其中靜謐。

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靜池。(圖片提供:江賢二藝術園區)
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(圖片提供/攝影:Izzie Pang)

若「靜池」象徵啟發江賢二創作的外在環境,那位於勤誠館內的「冥想空間」則代表內在世界,這裡展出一系列貼近江賢二內心的小尺幅作品,邀人們走入藝術家如苦行般的創作世界。

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位於第二展覽廳「勤誠館」內的「冥想空間」。(圖片提供/攝影:Izzie Pang)

從暗沈到多彩,回望藝術家不同生命階段的心境流轉

園區開幕大展《光、美與淨化》由現任日本森美術館特別顧問的藝評家南條史生,及曾策劃臺東美術館《江賢二2022個展》的藝術家紀嘉華合作,從江賢二創作裡最重要的元素──——展開敘事,劃分出三大切面:「追尋自由」、「音樂與自然」、「精神性與希望」,體現藝術家在不同生命階段的心境流轉。

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第二展覽廳「勤誠館」內部空間。(圖片提供/攝影:Izzie Pang)

談及江賢二藝術園區歷經十幾年籌備、終於對大眾開放的心路歷程,江賢二表示:「我一直認為完成作品後就是藝術家『退場』的時候,作品交由觀眾、評論家、策展人……去解釋和討論。」而這座藝術園區即是濃縮江賢二藝術生涯的重磅之作,凝練了他從封窗到開了片露台日日面海的過程,乍看是一位藝術家超越半世紀的創作生涯,卻也是一個人探尋生命的無盡旅程。

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第二展覽廳「勤誠館」展出作品。(圖片提供/攝影:Izzie Pang)

深入參與園區建設的林友寒建築師則說,江賢二藝術園區是極其獨特的作品,「園區離它『生命的源頭』很近,藝術家仍健康在世、他的生活就面向這個場域,所有建築都和藝術家的作品有所呼應。」擔綱開幕策展、同時也是園區榮譽館長之一的南條史生也有同樣感想:「園區開啟了一個『歷史的起點』,這個場域有十幾年來江賢二創作與生活的軌跡,從今而後,訪客的參與將與園區共同寫下新的歷史篇章。」

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接待中心內的紀念品販售區。(圖片提供/攝影:Izzie Pang)
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補水區結合江賢二動態藝術作品裝置。(圖片提供/攝影:Izzie Pang)

江賢二藝術園區

地址|台東縣東河鄉台1173

開幕日期|2025.03.15

專訪插畫家陳姝里:玩泥弄土,捏出一顆自由的心

(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

「對我而言,創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口,陳姝里如此輕描淡寫,卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年,她穿梭在插畫與平面設計之間,也因此在插畫界中闖出一番成績。只是,日復一日,面對形形色色的客戶需求,她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶,就像是一種自然轉換的過程,因為當時的我,很需要自己的空間,不僅是實體的空間,心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內,落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西,偶然被陳姝里收了起來,並衍生出她的創作系列:《拾獲物》(found object)。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料,本來應該要被丟進垃圾桶的,但我覺得這些造型不一的圖形,其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材,拼貼出《組合》這系列作品。」

陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

偶然出現的碎紙片,意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作,容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前,心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作,我叫它們『小雕塑』。某一天,我突然有個想法,如果把這些平面的紙片,變成立體的作品,可以怎麼呈現?」

可以說是記憶使然,陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法:陶作。原來,陳姝里的舅舅是陶藝家,小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課,所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

捏陶,也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適,但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來,大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩,時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時,但自從女兒出生,人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來,不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地,她感覺快被外界的人事物塞滿,內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作,但成為媽媽之後,時間變得很破碎,加上疫情嚴重的那年,我24小時育兒,一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作,我需要創作。我內心知道,若再不撥一點時間給自己,我會失控。」

在這個掙扎的時刻,陳姝里接觸到陶藝,摸到陶土的那一刻,她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了,但觸覺帶我回到小時候,在家門口玩泥巴,把泥土捏成球。手中握著泥球,我好滿足。而捏陶的時候,我又感受到那種純粹的快樂。」

開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

放下執念,享受不可控

對陳姝里而言,不論是紙片創作、插畫,或是後來的雕塑、捏陶,本質都相通。她喜歡組合與拼貼,就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型;陶土也是如此,需要一塊一塊地塑造、連結,再進窯燒製。

然而,創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化,或是不如預期。但她並不懊惱,反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說,一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來,但隨即就倒下去:「這是一個立不起來的作品,我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果,本來想把陶土實心的部分挖除,讓作品平衡站起,沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念,接受它最後的狀態。」

陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

她笑笑地繼續說:「所以這是一個失敗的作品嗎?我不這麼認為。或許對有些人來說,這是失敗品。但我卻因此看到,它有其他呈現方式。不只《水平》,我也有其他作品燒完後乍看不喜歡,但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時,會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道:「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢!」

陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

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《Is a River Alive?》,Robert Macfarlane,W. W. Norton & Company,2025。(圖片來源:W. W. Norton & Company)
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❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman|2016

資深酷兒運動者直面當代痛點:我們太快將不適貼上受害標籤?這部挑釁之作解構二元對立思維,呼籲重新思考責任與修復。

《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)
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❸《山之生》

Nan Shepherd|1977(中譯版-新經典文化|2019)

手稿沉睡30年後,這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原,成為自然書寫的經典。

《山之生》中譯版,Nan Shepherd,新經典文化,2019。(圖片來源:新經典文化)
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❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny|1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道,天生行事緩慢卻屢建奇功,挑戰效率至上的現代迷思。

《The Discovery of Slowness》,Sten Nadolny,Penguin Publishing Group,1997。(圖片來源:Penguin Publishing Group)
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❺ 《心靈的傷,身體會記住》

Bessel van der Kolk|2014(中譯版-大家出版|2017 )

這本書顛覆創傷研究的既有認知, 認為痛苦不只存在腦海,更銘刻在 身體之上,重新思考療癒的定義。

《心靈的傷,身體會記住》中譯版,Bessel van der Kolk,大家出版,2017。(圖片來源:大家出版 )
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❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben|1989

在氣候變遷尚未被關注之時,McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在,我們需要重新審視與環境的關係。

《The End of Nature》,Bill McKibben,Random House Trade Paperbacks,2006。(圖片來源:Random House Trade Paperbacks)
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Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)
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奧拉弗.埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島-丹麥藝術家,1967生於丹麥哥本哈根,工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起,他的個展陸續於世界各大美術館展出,創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影,以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置,在國際藝壇享有盛譽。2003年,他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》,以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年,他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布,呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題,例如2014年,他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心,隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫,讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片,見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年,創立社會企業「小太陽」(Little Sun),並持續參與其發展至2024年。2014年,他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces,這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

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