「工藝」始終存在LOEWE的品牌核心，不只體現在伸展台上的時裝和高級訂製服，也透過一次又一次對「器」和「物件」的再詮釋傳達。

LOEWE於2025米蘭設計週帶來《意壺好茶》（LOEWE TEAPOTS）特展，邀25位來自不同文化背景的藝術家、設計師及建築師，展開以「茶壺」為題的創意實驗。25款作品有的形態像珊瑚、有的姿態優雅如天鵝、有的樣態擬人長出手腳和臉孔，從壺鈕、壺嘴、壺身到壺柄各自有戲，釉色及紋理各自精彩！

從25只工藝茶壺，吸收跨學科靈感與多元茶文化

參與「LOEWE TEAPOTS」的25位藝術家，各來自西班牙、義大利、日本、英國、中國、韓國、南非、黎巴嫩、美國、德國等地，涵蓋建築師、陶藝家、畫家、視覺設計師、編織藝術家等身份，其中幾位更是自身領域大師級的人物，如普立茲克建築獎得主王澍、David Chipperfield，及日本當代設計指標性人物深澤直人（Naoto Fukasawa）。

25個創作者，代表25種對茶壺的不同見解，從作品中不僅能看出個人創作風格，及跨學科的靈感注入，也能透過多樣的茶具形態，窺見世界各地豐富多彩的茶文化。

「LOEWE TEAPOTS」亮點作品8選

▍傳統中創新：陶瓷的釉料與紋理實驗

多位藝術家選用傳統的瓷器、陶瓷為材，但處理材料的方法各有獨特之處，讓茶壺的釉料及紋理展現多變、創新的樣貌。如來自日本、專精瓷器工藝的新里明士（Akio Niisato）為茶壺賦予佈滿淺而細小的孔洞，讓光線得以穿透壺身。

另一位日本陶藝家崎山隆之（Takayuki Sakiyama）的作品質樸又高雅，表面帶有富手感的螺旋紋理，壺柄線條如天鵝頸般優雅。

曾為LOEWE打造單色釉陶瓷作品的中國陶藝大師鄧希平，讓茶壺呈現直立式設，壺柄及壺嘴巧妙呈現對角線佈局，綠與棕色交織的釉色流動於壺身，展現工藝家精湛的釉燒技藝。

南非陶藝家Madoda Fani選擇不為茶壺上釉，讓表面呈現磚紅色並帶有細孔，當熱水注入、茶葉舒張後，茶味將慢慢滲入黏土中。

▍顛覆常規：翻完茶壺比例、材質的奇想

另有一派藝術家聚焦於改造茶壺的各個部位，透過大膽改變壺柄（把手）、壺身、壺嘴等的比例、形狀及材質，顛覆茶壺的製作規範，帶來破格之作——誰說茶壺得要壺身渾圓、壺嘴纖細彎弧？來看藝術家們如何重新詮釋茶壺的形貌。

韓國陶藝家Jane Yang-D’Haene的茶壺身形瘦長、壺嘴小巧，表面纏繞著看似鱗片、磨損的黏土條。

創作跨足立體雕塑與平面繪畫的黎巴嫩藝術家Simone Fattal，及陶作富雕塑感的日本陶藝家道川省三（Shozo Michikawa），不約而同為茶壺搭配皮革手柄，並都選擇拼接異材質呈現。

獲普立茲克獎肯定的英國建築師David Chipperfield，建築作品以乾淨俐落的線條與結構著稱，透露著節制的美感，而他創作的茶壺也是如此，鈷藍色釉面壺身是簡潔的圓柱狀，配上藍色深淺紋理交錯的銅製手柄，現代感與些許質樸氣息交織。

《意壺好茶 LOEWE TEAPOTS》參展藝術家

Laia Arqueros（西班牙）、Sam Bakewell（英國）、陸斌（中國）、陳旻（中國）、David Chipperfield（英國）、Minsuk Cho（韓國）、Tommaso Corvi Mora（義大利）、Madoda Fani（南非）、Simone Leetal（黎巴嫩）、Suna Fujita 工作室（日本）、深澤直人（日本）、Inchin Lee（韓國）、Dan McCarthy（美國）、 道川省三（日本）、 新里明士（日本）、Walter Price（美國）、崎山隆之（日本）、王澍（中國）、Rosemarie Trockel（德國）、Patricia Urquiola（西班牙）、Edmund de Waal（英國）、Rose Wylie（英國）、鄧希平（中國）、安永正臣（日本）、Jane Yang-D’Haene（韓國）。

工藝是嚴謹的學問，也是充滿玩心的工具

LOEWE九度參與米蘭設計週，每回都與不同領域的藝術家們一同實驗創意，在茶壺之前，椅子、燈具、籃筐等都曾是他們實現奇思妙想的載體。像是2023年「LOEWE CHAIRS」以椅子為創作主題，展現不同材質的編織技法，從皮革、拉菲草、羊毛氈到金屬箔片都是材料，常被視為「傳統」的編織在此成了前衛的技藝。

隔年的「LOEWE LAMPS」邀來24位藝術家創作燈具，陶、木枝、馬毛、皮革、日本和紙甚至是現成物如打火機，都被融入作品，試驗不同材質與光源的互動效果。透過與不同文化背景、各有所長的創作者合作，LOEWE期望將傳承已久或新創的設計與工藝知識，拓展至更寬廣的領域。

早在19世紀，一群西班牙手工藝匠人在馬德里成立皮革工坊時（LOEWE前身）時，工藝就註定烙刻在LOEWE核心，當時匠人們手工打造皮件，也做畫框、菸盒和手袋，雖載體不同，但都對工藝和材質極其講究，為日後品牌發展打下紮實基礎。時隔一百多年，LOEWE在前創意總監Jonathan Anderson十年帶領下，褪變為時髦不媚俗、富人文氣息、鬼靈精怪的文藝青年，雖「人設」有了轉變，仍沒忘記強調工藝的初衷。

寶石雕刻工藝是卡地亞悉心保存並延續至今的珍稀古老技藝之一，適逢高級珠寶雕刻工坊 Glyptics Workshop 成立 15 週年，由負責人 Émilie Marques 領軍的工匠團隊，以極致的專注、耐性與藝術判斷，讓寶石說話，並邀請你走入與時間共舞的工藝祕境。

走進巴黎卡地亞的 Glyptics Workshop，工坊內設有石材庫（lithotheque），收藏著絢麗多彩、變化萬千的材質，彷彿進入一處時間流速緩慢的異境，如今成為全球少數仍持續創作、傳承，並探索寶石雕刻可能性的據點。這裡沒有喧囂的機器聲，也沒有大量製造的節奏，取而代之的是一種接近冥想般的專注與沉靜。Émilie Marques形容，「一顆寶石的色澤、紋理，甚至它的地質年齡，都在對我們說話，指引創作的方向。」

卡地亞 Glyptics Workshop 處理的石材橫跨自然界的無數變化，從透明晶瑩的石英、熱烈奪目的紅碧璽，到經過數千萬年風化而成的矽化松果與石化木，每一塊石頭都是經過漫長時間「雕刻」而成的藝術品，也為工藝師提出了截然不同的挑戰與對話方式。石頭的硬度多介於莫氏 6～7級，足夠堅硬，卻也極為脆弱。雕刻師們必須從中尋找最適合下刀的角度，並憑藉經驗預測內含物的存在，容錯率幾乎為零，卻必須以最大膽的姿態擁抱每一塊石頭的未知。

創作流程自寶石的搜尋與採購展開，通常透過專業供應商取得，或親赴美國土桑（Tucson）及法國 Sainte-Marie-aux- Mines 的礦物寶石展尋找。接著，根據圖樣、材質及靈感啟發，精心挑選寶石。寶石雕刻師從石材的獨有特性汲取創作靈感，並以水粉彩繪製草圖，捕捉核心概念、色彩與造型。設計確定後，珠寶製作的旅程正式展開。

工藝之慢，喚醒藝術

Émilie Marques 向我們分享，一件高級珠寶雕刻作品，從構思到完成，往往需耗費2年以上。她進一步解釋：「每件作品都是歷時數年的結晶，其中光是雕刻的部分就需花費約400小時，這還未包含後續金工、鑲嵌與拋光的時間。」雕刻師從挑選原石開始，親手繪製水粉草圖（gouache），再以石膏或塑形蠟製作模型，進入真正雕刻前，已與石材建立深厚的默契，既是引導者，也是陪伴者，在每一道線條中注入對材料的尊重與美感的堅持。

「SÉPIA 項鍊」是卡地亞首次在創作中，運用了距今約 2.5∼ 3 億年的橡木木化石雕刻而成的獵豹，木材的紋理依然清晰可見，不僅展現出動物的毛皮質感，也喚起多樣的觸覺印象。「MALVINA 項鍊／香水瓶」的紫水晶中央經過挖鑿，作為承載香氛的空間，寶石以鑽石磨棒刻飾出花卉圖騰，致敬卡地亞情有獨鍾的蘭花意象。「PETROPANTHERA 時鐘」的靈感來自一株經歷數百萬年石化的棕櫚樹，背景紋理讓人聯想到美洲豹的斑紋，與以黑色軟玉雕刻而成的豹形相互呼應。這座鐘耗時超過 1 年、歷經數百小時的精細工藝，才得以完成。

保存傳承，建構文化精神

Glyptics Workshop 最獨特之處，不只是它所創作的珠寶，更在於它本身就是一個「活的文化容器」。Émilie Marques 所承繼的，不只是技藝，還有來自其導師、獲得法國文化部授予「藝術大師」（Maîtres d'Art）頭銜的 Philippe Nicolas，其深信工藝是文化的延續，也是對未來的責任。

卡地亞於2010年將Nicolas的雕刻工坊納入品牌體系，Émilie 作為唯一的學徒接班人，如今帶領 4 位雕刻師持續創作與培育新一代匠人。這門技藝無法量產，亦無法速成，它的價值不只在於技巧的純熟，而在於創作者對材質、時間與情感的深刻理解。

15年來，Glyptics Workshop見證了品牌如何將文化、自然與設計語彙結合，也見證了工藝如何在當代重新被理解為奢侈的本質，並在當代語境中持續回應、發光。

更多精彩內容請見La Vie 2026／3月號《平衡的設計哲思》

乍暖還寒的冬末春初，無疑是丹寧派上用場的最佳時節。隨Maison Kitsuné x KURO膠囊系列開賣，東京代官山店同步換上聯名店裝，以木色與靛藍色系揭開滿載傳統工藝、灌注文化精髓的合作扉頁。從本篇看Maison Kitsuné如何基於本身混合血統，與在地品牌KURO深耕藍染的日本職人精神碰出別樣火花，文末不妨順道挑幾件應對多變天候。

2026春夏將至， 人見人愛的「巴黎時尚小狐狸」Maison Kitsuné，攜手東京高端品牌KURO推出全新系列丹寧單品，續寫與日本文化對話的新篇章，將品牌故事、傳承宗旨乃至代表性人物職志織進每件作品，體現雙方對服裝作為文化載體的共同願景。系列廣告特邀KURO背後工匠親自穿上各式服飾配件出鏡演繹，致敬他們渾身卓越技藝和專業態度。以下完整爬梳Maison Kitsuné、KURO發展脈絡，帶你挖掘此次聯名含金量。

Maison Kitsuné：當法式生活靈感遇上日本職人精神

由曾經的樂團經紀人、法國企業家Gildas Loaëc，與好友黑木理也（Masaya Kuroki）於2002年在巴黎聯合創辦的Kitsuné，旗下子品牌橫跨音樂、時尚到藝術領域。除服裝主線Maison Kitsuné多年根植法式生活靈感、汲取日本職人精神（恰如品牌名以法文「房屋」和日文「狐狸」組成），逐步樹立「法日混血」的標誌形象外，亦積極經營包括最早發跡的音樂廠牌Kitsuné Musique、2013年誕生的咖啡和餐飲空間Café Kitsuné、2024年開幕的生活風格據點Desa Kitsuné Bali，以及數次於特定店鋪快閃舉辦的美容和身心靈特別企劃Kitsuné Bien-Être等事業版圖。

現坐擁巴黎、東京、首爾、北京、溫哥華等世界各地33間門市，Maison Kitsuné恰到好處地串聯巴黎、東京兩地文化精髓，在俐落廓形與優雅型格下，致力融入兼顧趣味性和舒適性的多樣巧思，創作出實穿百搭的時髦裝束。

KURO：毫不妥協的黑，映現「日本製造」靈魂

由設計師八橋佑輔（Yusuke Yatsuhashi）於2010年在東京創辦的KURO，因發想自日文對黑色細膩層次的描繪，故選取具魄力的象徵字眼「黑」為名，探究孕育其中靜謐、內斂而深沉的豐富質感。

身為連結城市活力與精緻工藝的橋樑，KURO選址憑藍染聞名的岡山兒島完成所有服飾的染色、裁剪和製作程序，並持續透過結合日本美學、現代設計及承載歷史的精湛手法，打造成熟、細膩且被賦予鮮活個性的作品；甚藉「ものづくり」意念（註）彰顯品牌堅定追求飽含靈魂的工業技藝，成立10餘年已然躍居高端日本丹寧品牌之列。

註：「ものづくり」（讀作「mo-no-zu-ku-ri」）為日文獨有用語，簡言之可指涉發揚「日本製造」精神使命的廣義製造相關產業，帶有傾情奉獻且對此感到自豪的潛在涵意。

重新詮釋丹寧——沿襲傳統，赤耳丹寧布深化不完美之美

Maison Kitsuné x KURO丹寧膠囊系列不僅為當季限定的合作案例，更把巴黎風格具體導入日本丹寧世界，落實雙方對品質至上的慢時尚理想及文化真實性的承諾。全系列視丹寧為衣料中歷久彌新的視覺傳達媒介，進一步採用沿襲自遠源流長的傳統技術、由梭織機（Shuttle Loom）製成的赤耳丹寧布，強調面料質地、耐用度與不完美之美，任其隨時間流逝自然演變；同時揉合日本紡織工藝與Maison Kitsuné的獨特「生活藝術（Art de Vivre）」底蘊，在嚴謹結構與詩意呈現間取得完美平衡，超越稍縱即逝的潮流另闢蹊徑。

Maison Kitsuné聯合創辦人Gildas Loaëc、黑木理也不吝分享在品牌店鋪中展售一件件美麗作品的喜悅，「KURO的Yusuke Yatsuhashi是獨一無二的日本丹寧專家，我們非常感謝他將深厚的丹寧與水洗技術知識帶入此次合作。」KURO創意總監暨設計師Yusuke Yatsuhashi則回饋，「能與同樣重視工藝與敘事的Maison Kitsuné合作，對我們而言是一場極為特別的相遇。透過該膠囊系列，我們感受到日本工藝的精準與巴黎詩意感性相互交融，使服裝能跟隨穿著者一同成長演變。」

「這次合作關乎放慢步調——讓材質本身發聲，讓我們能以更具意識的方式重新詮釋丹寧，專注於製作過程與長久性。」——Maison Kitsuné創意總監Abigail Smiley Smith

8款亮點單品為無性別衣櫥添新軍

系列核心為一身外套與長褲搭配成套的工裝，以手繪插畫、手寫明信片文字勾勒巴黎地標意象；多處細節形塑穿戴式紀念品般的上衣和下著，如將丹寧轉化為視覺旅誌的空白紙張，匯流異地文化並留存珍貴記憶。

另備有經典赤耳丹寧休閒套裝、綴飾Maison Kitsuné狐狸圖騰的日曬褪色大學T、齊聚巴黎與東京雙城元素的復古水洗短T，以及帽款、包款等精選配件，滿足白天至夜晚不同場合著裝需求。

Maison Kitsuné x KURO丹寧膠囊系列已於全球指定Maison Kitsuné門市、官方線上商店及東京The Blue Store內KURO Store發售。

Maison Kitsuné代官山店

東京都澀谷區猿樂町20-14

• 營業時間：每日11:00-20:00