高第逝世100週年展2026東京、大阪登場！搶先揭曉7大展區、未公開祕藏，《NAKED meets Gaudí》早鳥票等資訊一覽

巴特羅之家耗資350萬歐元完成百年修復工程，2025年年中甫以「原始新面貌」再次開放，可謂今年備受全球遊客與藝術迷關注的要聞。而隨2026年將迎來其建造者高第逝世100週年，相關活動蓄勢待發，本篇整理率先亮相的《NAKED meets Gaudí》世界巡迴展東京、大阪兩站訊息，讓你不跑歐洲也能一探天才建築師的創作園地。

日本跨域創意整合公司NAKED開世界先例，與為保存與傳承高第遺產而設的高第基金會（Gaudí Foundation of Art, Design and Architecture）正式締結合作契約，推出高第逝世100週年官方企劃《NAKED meets Gaudí》。此次辦展除旨在紀念西班牙極具代表性、人稱「上帝的建築師」的安東尼高第（Antoni Gaudí）逝世百年，亦標誌著他生前傑作之一的聖家堂（Sagrada Família）主塔「耶穌基督塔」竣工這一歷史節點。

東京首站預計2026年1月10日至3月15日於品川「寺田倉庫G1」揭幕，大阪站則接續自2026年春季起，進駐梅田大型複合商城Grand Green Osaka內安藤忠雄監修的「VS.」展覽空間。

高第逝世100週年展《NAKED meets Gaudí》亮點總覽

#01 聖家堂設計圖首公開，有賴「筆跡心理學」探索高第內心世界

既成為全球首家取得高第基金會官方授權的事業單位，由NAKED主力操刀的《NAKED meets Gaudí》將集中公開包括現位列西班牙最受歡迎景點的聖家堂原始設計圖，乃至高第的手記、親筆書信和他曾使用的製作工具等在學術方面亦極為珍貴的未公開祕藏。這不僅是基金會所藏資料史上第一次如此大量地同時展出，通過筆跡心理學分析的最新研究，還將進一步探入高第的內心世界及其革新思考。整體規劃巧妙融合學術與體驗，引導觀眾從全新切角理解高第。

#02 添以「參與型藝術」手法，邀大小朋友攜手建構未完成建築

內容鋪排上藉由大人小孩都能享受其中的參與型藝術，觸碰高第建築的魅力；如「完成聖家堂的一部分」體驗讓參與者實感此座象徵「未完成」的建築，至今仍在眾多人手中持續被建構，期待觀眾並用「手」和「感性」，領略高第視野中與自然和諧共處的世界。

高第逝世100週年展《NAKED meets Gaudí》展區帶逛

高第展展區#01

【Introduction】旅程開端

序章帶領觀眾歸於高第作為「人」的原點。循這位留下未完的聖堂便離世（高第1926年離世，當時聖家堂工程還完成不到1/4）的建築家生涯軌跡，展開旅程探索自然、信仰和美的本質。此區影像與空間相互疊映，觀眾便可在將時光反轉、即「從死亡回返過去」的體驗下，步入高第的精神領域。

>> 延伸閱讀：巴塞隆納「聖家堂」完工日期曝光！天才建築師高第遺作，耗時144年將成世界最高教堂

高第展展區#02

【綠蔭的記憶】高第故鄉・雷烏斯森林

無疑是加泰隆尼亞（Catalunya，高第出身地）的太陽和綠意盎然的森林，滋養高第的感性。樹枝的姿態、昆蟲的羽翼、花瓣的螺旋排列⋯⋯年幼時凝視自然、並從中發現秩序與造形美，最終鋪展出他建築思想的基礎。漫行此區光影交織的「觀察森林」，觀眾將覺察高第所見世界的祕密。

高第展展區#03

【創造的熔爐】育成獨創性的巴塞隆納

19世紀末的巴塞隆納翻湧著產業革命的熱氣，年輕的高第從哥德式建築與阿拉伯風格等多元文化交錯的城市裡，開拓建築表現的全新可能性。城市設計圖隨光映現，建築彷彿獲得呼吸地逐漸成形——正是這樣一處異文化交會的城市孕育了高第獨創性。而當年那股熱氣與能量，都將在此區供觀眾憑己身感受。

高第展展區#04

【發現的工房】懸鏈拱實驗，探尋不可見的秩序

以使用細線與配重的「懸垂模型（Funicular Model）」為始，高第試圖透過自然法則洞見結構；經由解讀重力、光、聲音等潛藏宇宙內的秩序，讓建築如生命體般成長，恰為其探求心之彰顯。尋訪此區，觀眾將親自於數位和類比間切換操作以生成結構，趨近高第的實驗精神。

高第展展區#05

【有機海洋】奎爾公園裡似有生息的光與波之律動

地中海忽明忽暗、蕩漾有致的光與波，在高第創造的建築形體內息息脈動。其標誌性作品巴特羅之家（Casa Batlló）、米拉之家（Casa Milà）、奎爾公園（Parc Güell）中可見的有機曲線與流動空間，就是海洋的呼吸。置身反射光下、搖曳空間中，人們將能體會那超越無機與有機界限的「生命建築」思想。

高第展展區#06

【永遠的聖堂】Sagrada Família

聚焦跨越超過百年光陰、直至今日尚建造中的未完成教堂，此區將追溯聖家堂誕生、變化、被代代相繼的「光之記錄」。拔地而起的柱、攀天而升的塔，在石材與光、聲音彼此呼應的沉浸式空間裡，觀眾得以經驗自然與人類共同織就的宏大祈禱。

高第展展區#07

【通往未來的種子】向世界發揚高第精神

高第遺下的不是建築，而是「思考」本身。現代建築家與藝術家們傳承其哲學，並以全新形式使之迴響於各地，故此區將展示敬愛高第的知名人士寄語。此外，由高第所發掘、充分表現再生美學的馬賽克拼磚技法「特倫卡迪斯（Trencadís）」聚集破裂碎片產生新樣態，象徵著調和個體力量，進而形塑全體。觀眾將成為片片「殘片」，與他人一齊紡造出向未來綿延的美。

附加體驗【GAUDI x DANDELION】

種子乘風開出花朵，被傳遞給形塑未來的人們——NAKED的參與型藝術裝置《DANDELION》將呈現高第意念散布世界的情景。

► 部分展品搶先看

#01 世界首度公開｜聖家堂原始設計圖

#02 世界首度公開｜聖家堂立體照片

1889年的聖家堂，原件，由高第基金會出借。

編按：此種照片搭配19世紀末至20世紀初的「立體觀察眼鏡（Stereoscopic Viewer）」等設備使用，即可看出影像深度及立體感。

#03 世界首度公開｜彩繪玻璃窗

1914-1915年，複製品，來自科洛尼亞奎爾教堂（Cripta de la Colònia Güell）地下室，由Gabinet Modernista出借。

#04 世界首度公開｜維森斯之家（Casa Vicens）康乃馨瓷磚

1883-1885年，原件，由Gabinet Modernista出借。

#05 大學講堂「Paraninfo」設計圖

1878年，由Gabinet Modernista出借。

#06 巴特羅之家餐廳用長椅

1904-1906年，複製品，由Gabinet Modernista出借。

高第逝世100週年展《NAKED meets Gaudí》

【東京站】

• 時間：2026年1月10日至3月15日，平日10:00-18:00（17:00最後入場）／週末及國定假日10:00-20:00（19:00最後入場）
• 地點：寺田倉庫G1（東京都品川區東品川2-6-4）
• 票價：

1. 早鳥票（即日起至2026年1月9日販售）

- 平日成人 ¥2,400／高中・國中小 ¥1,600／學齡前兒童免費入場

- 假日成人 ¥2,600／高中・國中小 ¥1,800／學齡前兒童免費入場

2. 一般票（2026年1月10日至3月15日販售）

- 平日成人 ¥2,700／高中・國中小 ¥1,900／學齡前兒童免費入場

- 假日成人 ¥2,900／高中・國中小 ¥2,100／學齡前兒童免費入場

＊除主辦方因素所導致的中止或休止情況外，票券不接受更改及退款。

【大阪站】

• 時間：2026年4月17日至6月15日
• 地點：VS. @ Grand Green Osaka梅北公園北園（大阪府大阪市北區大深町6-86）

>> 更多資訊可至NAKED官網活動頁查看。

NAKED

由身兼導演、演員、品牌總監的多元藝術家村松亮太郎（Ryotaro Muramatsu）於1997年創立，依循「Core Creative、Total Creation、Borderless Creativity」理念進行活動。近年多創作橫跨真實和虛擬的多樣體驗，於藝術、娛樂、教育、飲食、運動等各生活場景中催生新價值。2022年起著手京都的元宇宙及AR/VR企劃，2025年起更以京都車站大樓東廣場為舞台，啟動融合京都傳統與飲食、藝術的文化發信，致力匯流觀光與日常。

資料來源｜NAKED

臺北市立美術館（北美館）正式宣布，邀請國際知名策展人塞西莉亞．阿萊馬尼（Cecilia Alemani）擔任2027年第15屆台北雙年展策展人。阿萊馬尼以其兼具思想深度與公共參與性的策展實踐聞名國際，長期關注當代藝術如何回應全球化、歷史敘事與社會變遷等議題。2027年，她將於北美館帶來下一屆台北雙年展，持續拓展臺灣與國際藝術界之間的對話與交流。

自1998年創辦以來，由北美館主辦的台北雙年展已成為亞洲最具影響力的當代藝術雙年展之一。台北雙年展長年透過跨國策展合作與具實驗性展覽形式，積極回應當代社會、政治、生態與科技等重要議題，並持續促進臺灣與國際藝術社群之間的深度交流。

塞西莉亞．阿萊馬尼（Cecilia Alemani）是誰？

此次邀請阿萊馬尼擔任策展人，亦反映北美館持續推動國際策展合作的方向。阿萊馬尼二十餘年的策展實踐，始終聚焦於大型藝術委託製作、跨領域思考，以及對公共空間與集體想像的重新開拓，其策展方法不斷挑戰既有展覽框架，並開啟新的全球對話可能。

北美館表示：「塞西莉亞．阿萊馬尼是當代國際藝壇中，最具影響力且敏銳的策展人之一。她的展覽總能在歷史研究與當代議題之間建立深刻連結，同時對藝術家與觀眾保持高度敏銳與關注。我們非常榮幸邀請她擔任2027台北雙年展策展人，並期待她為臺北以及國際藝術社群帶來嶄新的視野與觀點。」

致力於重新發掘被歷史忽略的聲音

阿萊馬尼的策展計畫經常穿梭於歷史與當代視角之間，藉由建立跨時代的對話，重新思考文化、記憶、身份與想像力的可能性。長期以來，阿萊馬尼致力於重新發掘被歷史忽略的聲音，並將目光焦點投注於女性藝術家與非主流的藝術實踐中。除了在世界各地策劃多場重要的美術館與非營利機構展覽，她也擔任「紐約弗里茲藝術博覽會」（Frieze New York）中的「藝術計畫」（Frieze Projects）策展工作，並長期投入當代藝術評論與出版。

任紐約高架公園藝術總監暨首席策展人

目前定居紐約的阿萊馬尼，自2011年起擔任紐約高架公園藝術（High Line Art）總監暨首席策展人，長期策劃並委託多位國際藝術家創作大型公共藝術計畫，包括艾爾・阿納祖（El Anatsui）、芭芭拉・克魯格（Barbara Kruger）、西蒙娜．雷伊（Simone Leigh）、艾德・魯沙（Ed Ruscha）、費絲・林戈（Faith Ringgold）等，持續拓展公共藝術作為城市公共對話與社會參與場域的可能性。

回顧其近年在國際重要大展的足跡，阿萊馬尼的策展生涯在 2017 年迎來了重要里程碑。在該年的「第 57 屆威尼斯國際美術雙年展」期間，她受邀擔任義大利國家館的策展人。緊接著在 2018 年，她將策展觸角延伸至大型藝術博覽會的城市開拓計畫，出任首屆「巴塞爾藝術展都會館：布宜諾斯艾利斯」（Art Basel Cities: Buenos Aires）的藝術總監，成功推動跨國界的文化交流。

曾任第59屆威尼斯國際美術雙年展藝術總監

然而，將阿萊馬尼的策展聲望推向國際頂峰的，是 2022 年的「第 59 屆威尼斯國際美術雙年展」。身為該屆藝術總監，她策劃主題展「夢之乳」（The Milk of Dreams），以超現實主義畫家和小說家李奧諾拉．卡林頓（Leonora Carrington）在1950年代創作的同名兒童繪本作為展覽命題。展覽集結來自 58 個國家的 213 位藝術家，深刻探討了身體變異、人與科技的關係，以及人類與地球之間的緊密連結。「夢之乳」不僅實踐她一貫關注女性與少數群體的核心理念，更廣受國際藝評界的高度肯定，一舉吸引超過 80 萬名觀眾參觀。這場規模宏大且充滿詩意的展覽，也被視為近年來最受矚目的威尼斯雙年展之一。

藝術具有促進對話與討論的力量

針對此次任命，阿萊馬尼表示：「能夠被委予重任、策劃下一屆台北雙年展，我深感榮幸。台北雙年展在形塑當代藝術論述上，有著卓越非凡的歷史。作為我在亞洲的第一個策展計畫，面對這份契機，我既感到興奮，同時也抱持著謙遜的心情。在當前全球局勢之下，像台北雙年展這樣的平台更顯得迫切。它們是創意思辨與文化韌性的重要空間，提醒著我們：在關鍵歷史時刻中，藝術具有促進對話與討論的力量。臺北市立美術館長期以來一直是連結區域敘事與全球視野之間的重要橋樑，我非常期待能與當地的藝術社群合作，共同打造一場能跨越國界、引發深刻共鳴的展覽。」

_{資料提供｜北美館、文字整理｜Adela Cheng}

四川與墨西哥城，兩座相隔萬里的城市，因藝術而有了交集，因兩位藝術家對「光」的共同追求，而產生跨越地域限制的共振。

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊（Galerie Marguo）攜手推出《餘光》展覽，帶來中國藝術家謝帆、墨西哥藝術家Dennis Miranda Zamorano新作。儘管在尺幅、創作過程與文化語境上有所不同，兩人的作品皆訴說著某種「衝動」，也都試圖捕捉「光」所觸及的事物，並共享「信任材料得以表達自身」的創作哲學，讓圖像在「有機狀態」中生成。

橫跨四座城市的策展計畫

《餘光》作為TAO ART首次製作的雙人展，籌備過程涉及複雜的跨國合作——2位藝術家各來自四川、墨西哥城，主辦藝廊則分別位在台北、巴黎。對此TAO ART創辦人Vicky Chen表示，不同文化與創作形式之間的交流和火化，一直是TAO ART所關注的核心，而此次《餘光》在2位風格看似迥異、文化養成背景極其不同的藝術家之間，捕捉到了有趣的共鳴，傳遞了藝術和思想跨越國界的內在力量。

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo則補充，《餘光》的起點源自一個簡單的觀察：儘管謝帆與Dennis Miranda Zamorano之間存在許多差異，卻都試圖透過藝術作品，將某種「光亮」凝止於當下，「或許這因2人皆來自嗜辛之地——四川與墨西哥城，共享著貫穿文化、地景與感官經驗的強烈能量。一位將這種能量轉化為耐心與大地的質感，另一位則化為迫切的表達與偶然的力量。」

謝帆｜交織感官、視覺、材料、生態的藝術創作

謝帆的藝術創作，體現了他對「物質」及其所蘊含的力量的深度探索。製作陶板繪畫是他日常生活的一部分，他親自準備泥土、燒製陶板，以細膩筆觸在陶板上作畫，這些作品未經矯飾，以貼近土地的質樸氣息和面貌，映現創作者的生活經驗，及對世界萬物的觀察。此次展覽亮點之作——「天象」系列陶板繪畫，描繪日月運行的軌跡，表達人類與宇宙之間的感知關係，捕捉了人類對光的深刻渴望。

除了陶板繪畫之外，謝帆也在絹上悉心作畫，並使用中片幅相機攝影。他在成都的工作室不僅是繪畫創作的空間，也像一座實驗室，他在那採集野外食材嘗試料理，培養微生物的小型生態系，長時間觀察其變化與行為。他對世界常保敏銳感受與好奇心，由此開展出交織感官、視覺、材料、生態的藝術宇宙。

謝帆的作品流動著靜謐能量，讓觀者得以進一步意識並感受身體周遭、從大地延展至天空的廣闊空間。Dennis Miranda Zamorano的藝術創作，則透露了創作者和媒材之間原始、強烈的能量交流，彷彿將某種世界神秘的初始力量引入畫布之上。

Dennis Miranda Zamorano｜探索「超越人類存在」的藝術能量

Dennis運用噴漆、刀具、砂紙、化學材料等媒材創作，並將成長經驗轉譯於畫布，他自小的生活節奏隨著墨西哥露天市集（El Tianguis）流動，這份經歷讓他對各種「偶遇」擁有相當敏銳的感受，這也影響他適時放手、任作品「有機生成」的創作手法。舉例來說，Dennis部分作品與「雨水」共創，任自然元素參與作品的成形，在畫布上激盪出豐富層次與意想不到的效果，呈現一種「超越人類存在」的獨特感染力。

《餘光》展覽中尺幅最大的作品〈獻給美洲的花園〉，是一片瀰漫憂鬱氣息的遼闊藍色場域，其上覆蓋著複雜、細膩的各種形狀，如植物的枝葉根莖，夾雜著宛若斑駁光影灑落牆面的幽微印痕。

另一件作品〈黑暗中的光之樹〉則如神話場景，描繪著在黑暗森林中閃爍的微光，色彩波紋在水面與倒影之間蕩漾，透過豐富的筆觸、滴落的顏料、大膽的色彩與空間構成，營造出引人遐想的夢幻畫面。

Dennis曾說，他與謝帆的共鳴來自兩人都理解「信任材料會表達自身」的重要性。當兩人的作品置於同一空間，不僅是作為圖像而彼此對話，也開展了繪畫作為一種語言的可能性。身為觀眾的我們，也得以透過兩位藝術家的創意激盪，窺見繪畫顯現內在感知世界的能量。

《餘光》

展期｜2026.05.23－07.18

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00