時尚超展開，用纖維與版型開創無限可能：專訪服裝設計師葉珈伶

時尚雜誌排列成書牆，佇立葉珈伶位於天母工作室最顯眼的地方，服裝打版師忙碌穿梭四周。葉珈伶一襲白衣黑褲，旗袍立領式的七分袖白色上衣，搭配黑色工裝休閒褲，腳踩群青紫藍迷彩花紋休閒鞋，步伐輕快地從服飾叢間挾著從容神情而來，眼前的她身軀嬌小，卻有著不願被傳統觀念限制的志氣與才華。

農村大樹下的啟蒙

「民國四十年代臺灣是農業社會，重男輕女。」哥哥去唸書，葉珈伶自小就必須到家中農田協助農活，夏天日正當中，依然要背對著烈陽「倒退嚕」彎腰插秧，「所有農務我都做過，但做到插秧就發誓絕對不要再做下去了！」回憶起往事，葉珈伶忍不住鼻酸哽咽，在那個當下她立志要改變命運，不願繼續留在農村。小時候家境貧困，她利用麵粉袋棉布改衣服，並接觸到流動染布和單套網版印花技術，啟發了她對服裝的濃厚興趣，從此踏上裁縫之路。

起初，她向隔壁村莊來的裁縫師學習技術，「我們在村裡的大樹下，木板鋪一鋪，老師用木炭燒燙斗就開始教學。」逐漸掌握基本功後，她到彰化溪洲街上的服飾店學習，後又到臺台中登麗美服裝訂製店認識版型剪裁設計，「那個時候沒有手繪的版型，都是布拿來直接畫。」奠定了她對服裝結構的理解。她了解到，好的版型設計和剪裁是支撐衣服立體感的重要基礎，「人畢竟是立體的，必須由剪裁創造衣服的立體空間才能塑造出造型。」她的作品便是從對細節的執著中誕生。

後來成為服裝設計師到臺北上班，葉珈伶更抓緊機會熟悉布料，「畢竟我不是服裝科，也不是紡織背景，所以在認識布料的時候我也很用心學。」經常與布廠業務交流，深入了解不同布質的經紗、緯紗等細節對布的質感有何影響。在三十六歲的時候，她創立自己的服飾品牌CHARINYEH，投入偏好硬挺、有空間感的設計風格服飾創作，而此些特質也體現於她選用的布料。

混紡纖維的協奏交織

當時臺灣製造布料較為盛行，然而隨著時代推移，加上服裝設計的布料使用量，不像一般生活服飾那麼大量，因此葉珈伶現在的作品多依賴進口布料。目前臺灣自製的布料生產，大多也是強調吸溼排汗，常應用在機能型運動服裝。因此葉珈伶也曾赴義大利佛羅倫斯和科莫參觀製布工廠，「他們的後處理技術很厲害，能製作出具有舊感的古董風格，但又不失精緻，他們都用天然的綿、絲、麻呈現質感。」見識到高端布料的製作流程，不僅增強了她對布料的理解，也激發她對服裝設計和製作的熱情。

說著說著，葉珈伶從座位站起來展示她身上的白色上衣，「這是我上佛學課穿的衣服，材質是七十幾％的棉，加上二十幾％的Poly（聚酯纖維），棉加Poly的優點是輕，不會讓人感到悶熱。」她強調Polyester優勢在於可以展現硬挺度和垂墜度，來達到輕盈、不易皺的效果，也很適合臺灣潮濕悶熱的氣候。棉質加Polyester混紡的布款經常出現在她的設計裡，「倘若棉加Poly的纖維比例到達各五十％就可以壓摺，壓摺之後就不會鬆開。」CHARINYEH 2017秋冬服飾主題「厝」，便是以此款布料，採用俐落摺線詮釋臺灣建築三百多年來的遞嬗，最新一季的棒球球衣造型上衣，也是透過摺線呈現細節。

布匹與設計的超展開

工作室桌面上擺滿她近幾季愛用布款，葉珈伶最常用的纖維除了棉、麻、絲，還有再造纖維。「其實做服裝也要多考慮環保和永續。」時尚服飾產業近年來飽受批評，被訴諸為環境污染元兇之一，「歐洲布廠都有在提倡生產回收再製的再生纖維。」

今年CHARINYEH 2024秋冬服飾主題《梁山伯與天文台》從梁祝故事汲取靈感，以祝英台女扮男裝的書生形象作為延伸，透過宇宙衛星的宏觀，表達對多元文化的支持與尊重，既文藝且科技，轉譯風格混搭的無性別美學。

為了演繹衛星發射的磅礴氣勢，葉珈伶選擇有六角立體編紋的灰色素面布料，配合幾何線條剪裁呈現具立體層次的休閒感；魚鱗般粼粼閃爍的亮片布款，結合針織與素面質料展現浩瀚銀河，搭配局部縫鑽點綴勾勒星座圖。而在滿桌前衛大膽的布匹中，一面紅底白紋的緹花布隱隱綻放優雅，「因為這次秋冬系列有融合古裝元素，這款緹花在未來科幻中傳遞出傳統色彩。」

從臺灣電影《蚵女》到這一季的太空科學，葉珈伶的服飾概念每季都超展開，忍不住好奇她的創作是否也愈來愈放得開？她說，「我不希望品牌愈做愈老，這就是我。」疫情肆虐那幾年為她帶來國外市場的衝擊，即使身處逆境，卻更加燃起她的創作熱情。訪談那天我們有幸窺見CHARINYEH 2025春夏服飾新款，以棒球為題，融入球衣和棒球外套的服裝輪廓，運用摺線設計展現精緻休閒，更直接以棒球球體的曲線與立體感打造整體造型，直觀地透過棒球擘畫活力繽紛的時節。

在當代流行文化中融入具有傳統底蘊的風格，可以賦予作品更多層次，讓衣服不僅是衣服，也是一種文化傳遞。隨著疫情影響，消費型態變遷，無性別風格逐漸成為時尚潮流，葉珈伶從上一季開始逐步引入這個風格，並在本季正式推出，「我的年紀有很多人都退休了，無性別系列的寬鬆剪裁就很適合他們，也適合現下街頭文化、滑板運動的潮流趨勢。」如何讓服裝適應新時代的需求，讓消費者在日常生活中也能穿出時尚感，是她非常重視的要點。

流動中的工藝生命力

葉珈伶平時透過戶外運動保持活力，每個月固定走十萬步，她相信運動有助於保持創作思維的靈活性。她補充，現代人需要健康的生活方式，而運動不僅能激發思維，也能幫助在創作上保持敏銳的靈感，這也是她下一季2025春夏想做棒球主題的原因，希望服裝作品更加富有動感與生命力。

葉珈伶認為服裝設計不僅是為了特定場合，更應著重日常實用並具備個人風格，以展現出自己的時尚態度。多年經營服裝設計市場下來，她發現消費者偏好直白風格，因此在設計上更注重視覺效果，並且長年以來白色襯衫、運動衫都是熱銷單品，也成為每一季必備單品，讓品牌在市場中有更好的回應。

她表示工藝是一種技術、文化的傳承，更是一種藝術。她舉例自己早年從裁縫師學到的技術，直到今日都成為其設計的重要基礎。在現代設計中不斷創新，是一個品牌的核心價值所在。

從中興百貨支持本地設計師品牌的輝煌時期走到現在，葉珈伶觀察到，如今百貨公司更青睞引進國際品牌，本地品牌難以在市場上佔據主流地位。於是，在行銷策略上，她與團隊加入年輕族群的耕耘，透過與新生代藝人和KOL合作，並善用社群媒體在數位原生世代中的影響力，積極拓展年輕市場，讓品牌更具活力。

葉珈伶坦言，行銷策略的改變只能部分提升銷售，最終仍需依賴消費者的購買力支持。多年來她秉持創新精神，從傳統工藝中汲取基礎融入現代設計，探索日常實用與個性風格的平衡。在她眼裡，服裝不僅是衣物，更是一種文化與自我的表達。她是在傳統農業社會改變自身命運的女孩，透過獨特的剪裁詮釋她對時尚的堅持與熱愛，開創專屬葉珈伶的魔幻宇宙。

文字 / 何芳慈

攝影 / 林家賢

米蘭設計週以「家具」為核心，擴延出設計、藝術及策展等多樣表達，早已從商展發展為全球最重要的年度設計盛事之一。同時，時尚品牌跨足家居領域已成風潮——家具家飾作為創意載體，賦予平時以時裝為主要創意媒介的設計師們更多表現空間。

本篇精選2026米蘭設計週8大時尚品牌之作，看各家創意總監如何將自家時裝DNA和品牌精神，延伸至家居甚至更廣泛的設計領域，透過展覽、家具家飾作品、研討會等形式，在這千家爭鳴的展會吸引視線、引發討論。

Chloé｜復刻1970年代激進設計經典

在創意總監Chemena Kamali帶領下，Chloé女子成了飄逸、堅毅、脫俗的代名詞，波希米亞在此不只是設計語彙，也是自由、反傳統精神的體現。在2026米蘭設計週，Chloé推出1970年代經典「Tomato  Chair」的獨家復刻版，此作最初由法國設計師Christian Adam設計，與義大利激進設計先鋒Poltronova一同完成，當中蘊藏的反叛和不羈精神，與如今的Chloé跨越時空共振。

Tomato Chair生在文化與創意自由、奔放的1970年代，它擺脫了傳統座椅結構的束縛，轉而以圓潤、柔軟的輪廓營造貼合人體的包覆感，重新定義了乘坐者身體與物件之間的互動關係。Chemena Kamali認為「番茄椅」蘊含的設計精神，與Chloé講求的柔和、流動、自在不謀而和，因此採限量訂製形式復刻此作，整體忠於原始設計，選用自然鞣製皮革，以4款色調——奶油白、干邑棕、沙色與黑色——重新詮釋。

Dior｜高級訂製服New Look化身燈具

以自家經典「New Look」為靈感，Dior Maison攜手法國設計師Noé Duchaufour-Lawrance帶來全新燈具作品——「Corolle」，將高級訂製服輪廓化為家飾線條。1947年，迪奧先生（Christian Dior）打破戰時講求簡約、實用的硬朗女裝風格，以馬甲塑出漏斗般的腰身，用大量布料呈現造型如花冠的蓬裙，藉凸顯女性線條的優雅套裝，改寫了當時的時尚潮流，劃時代的設計也讓此作被冠上「New Look（新風貌）」之名。

「Corolle」燈具以多重材質交織而成，內部為威尼斯手工吹製玻璃，燈罩採日本傳統竹編工藝製成，光線隨之透出將折射出迷人多變的光影；色選則有灰、粉與白，呼應Dior經典色系。

Louis Vuitton｜致敬裝飾藝術先驅Pierre Legrain

作為經營居家領域有成的時尚品牌，Louis Vuitton旗下家具家飾系列「Objets Nomades」長期與設計、藝術、建築等跨域創作者合作，打造不囿於框架的收藏級作品。今年米蘭設計週，Louis Vuitton向裝飾藝術（Art Deco）先驅Pierre Legrain致敬，他在20世紀初那舊與新時代過渡的時空，掀起了一場書籍裝幀的設計革命，捨棄傳統慣用的繁複裝飾，轉而以幾何圖形搭配皮革、金屬等異材質拼接創造現代感，並將這標誌性風格延伸至家具、室內設計等領域。

Louis Vuitton史上售出的第一件家具作品——「Omega」梳妝台，正是出自Pierre Legrain之手。他以顛倒的希臘字母「Ω（Omega）」為底座輪廓，搭配蛋形鏡面，及黑與紅強烈對比配色，創造出俐落卻充滿律動感、優雅與野性兼具之作。如今，Louis Vuitton復刻這件經典設計，利用漆木和Nomade皮革重新演繹。

另也從Pierre Legrain設計檔案汲取靈感重構了「Chilienne」折疊椅，選用木材、皮革搭配珍珠母貝鑲嵌工藝重新詮釋；「Nuits de Paris」披毯和抱枕則以這位藝術家曾創作的書封為發想，將平面構圖轉化為織品圖騰，為居家空間低調注入裝飾藝術之美。

Gucci｜一針一線縫出品牌歷史

由創意總監Demna策劃的「Gucci Memoria」展覽，藉由一系列古典風格「掛毯」回溯古馳105年來的發展歷程，梳理了Guccio Guuci在倫敦The Savoy飯店當行李員時受啟發創立品牌，到歷任創意總監Tom Ford、Alessandro Michele職掌時期，再至Demna首場時裝秀之間，Gucci百年來的故事和視覺美學演變。

每張掛毯皆以佛羅倫斯、也就是Gucci發源地的傳統工藝製成，各畫面對應著品牌發展史的重要節點，透過色彩、構圖和場景的轉變，引領觀眾乘上時光機，感受古馳今昔樣貌。

Hermès｜多重工藝煉出雅典娜女神的力與美

愛馬仕2026家居系列回歸最純粹的有機形式，呈現材料和工藝的本質。焦點新作「PALLADION」取名自古希臘雅典的守護女神——雅典娜（Pallas Athena），利用皮革、木材搭配鍍鈀錘紋、馬鬃毛等特殊材質，配以「錘擊」手法造就的雕塑感輪廓，展現這位古代女神的力與美。全系列作品皆可見金屬展現如鱗片般的視覺效果，質地鮮活閃耀，背後承載著從旋壓成形、壓印、火焰、焊接到錘製，銀匠們傳承數代的古老手藝。

所有作品中，又以花瓶最為特別，手工錘紋金屬瓶身外覆以Swift小牛皮護套，蜥蜴皮滾邊拼接馬鬃毛，漸層灰黑色呈現霧面、閃耀、深邃漆黑等多重質感。金屬水壺滿覆錘紋，搭配桂木手把，創造出冷冽與有機的材質對比。

另一款圓筒花瓶，則在金屬瓶身外罩上皮革外衣，其圖樣靈感來自馬術騎士身著的絲質服裝，向愛馬仕的馬術根源致敬。

Marimekko｜愉悅至上的印花餐酒館

說到Marimekko，必須是印花！2026米蘭設計週期間，Marimekko進駐城中一間傳統小餐館（trattoria），結合印花藝術和芬蘭美食，一次滿足訪客的視覺和味蕾。現場以藝術家Erja Hirvi創作的「Kukasta kukkaan」印花為主角，色彩和形態多變的花朵滿佈空間，融入織品、躍上餐桌，也被放進一系列陶瓷器物，全面展現Marimekko所提倡的愉悅至上lifestyle！

Bottega Veneta｜編織工藝的現地實驗

步入Bottega Veneta米蘭Via Sant’Andrea門市，可見綠與黑色的皮革雕塑或點綴櫥窗、或如藤蔓環繞水景，有些則如編織籃，包覆著柔和的燈光點亮空間。繼2026春夏大秀合作展場燈具，Bottega Veneta再度與韓國藝術家Lee Kwangho攜手，以雕塑裝置「Lightful」亮相米蘭設計週。

Lee Kwangho擅長編織技藝，也常將韓國傳統「七寶」琺瑯工藝融入作品，結合金屬、大理石、軟管等多樣材質和現成物，發展實驗性創作。這次他與Bottega Veneta工坊緊密合作，以品牌訂製的綠色fettucce皮革為材，現地手工編織出多樣雕塑，藉作品回應空間。編織是嚴謹的工法，現地創作帶點即興意味，在此兩者碰撞，長出獨屬米蘭、此時此刻的藝術體驗。

Prada｜擁抱各方思想的跨域研討會

有別於多數時尚品牌注重於產品的呈現，Prada更強調理念和思想交流——「Prada Frames」研討會每年與米蘭設計週同步揭幕，透過跨學科專家的對話，對設計、文化、社會等當代議題進行批判性反思。

2026年Prada Frames邁入第5屆，以「視覺呈現（In Sight）」為題旨，探討「圖像」作為當代文化的重要特徵，是如何被表現、塑造，甚至在許多時候凌駕於事實之上而顯得與現實脫勾？研討會集結設計、藝術、建築、科學、法律等各領域專家學者提供見解，透過演講和對話，直面當今的視覺影像環境，反思其暗藏的政治用途、文化力量，及隨著數位時代資訊爆炸、人們難以吞嚥大量資訊而再度進化的當代「注意力經濟」商業模式。

寶石雕刻工藝是卡地亞悉心保存並延續至今的珍稀古老技藝之一，適逢高級珠寶雕刻工坊 Glyptics Workshop 成立 15 週年，由負責人 Émilie Marques 領軍的工匠團隊，以極致的專注、耐性與藝術判斷，讓寶石說話，並邀請你走入與時間共舞的工藝祕境。

走進巴黎卡地亞的 Glyptics Workshop，工坊內設有石材庫（lithotheque），收藏著絢麗多彩、變化萬千的材質，彷彿進入一處時間流速緩慢的異境，如今成為全球少數仍持續創作、傳承，並探索寶石雕刻可能性的據點。這裡沒有喧囂的機器聲，也沒有大量製造的節奏，取而代之的是一種接近冥想般的專注與沉靜。Émilie Marques形容，「一顆寶石的色澤、紋理，甚至它的地質年齡，都在對我們說話，指引創作的方向。」

卡地亞 Glyptics Workshop 處理的石材橫跨自然界的無數變化，從透明晶瑩的石英、熱烈奪目的紅碧璽，到經過數千萬年風化而成的矽化松果與石化木，每一塊石頭都是經過漫長時間「雕刻」而成的藝術品，也為工藝師提出了截然不同的挑戰與對話方式。石頭的硬度多介於莫氏 6～7級，足夠堅硬，卻也極為脆弱。雕刻師們必須從中尋找最適合下刀的角度，並憑藉經驗預測內含物的存在，容錯率幾乎為零，卻必須以最大膽的姿態擁抱每一塊石頭的未知。

創作流程自寶石的搜尋與採購展開，通常透過專業供應商取得，或親赴美國土桑（Tucson）及法國 Sainte-Marie-aux- Mines 的礦物寶石展尋找。接著，根據圖樣、材質及靈感啟發，精心挑選寶石。寶石雕刻師從石材的獨有特性汲取創作靈感，並以水粉彩繪製草圖，捕捉核心概念、色彩與造型。設計確定後，珠寶製作的旅程正式展開。

工藝之慢，喚醒藝術

Émilie Marques 向我們分享，一件高級珠寶雕刻作品，從構思到完成，往往需耗費2年以上。她進一步解釋：「每件作品都是歷時數年的結晶，其中光是雕刻的部分就需花費約400小時，這還未包含後續金工、鑲嵌與拋光的時間。」雕刻師從挑選原石開始，親手繪製水粉草圖（gouache），再以石膏或塑形蠟製作模型，進入真正雕刻前，已與石材建立深厚的默契，既是引導者，也是陪伴者，在每一道線條中注入對材料的尊重與美感的堅持。

「SÉPIA 項鍊」是卡地亞首次在創作中，運用了距今約 2.5∼ 3 億年的橡木木化石雕刻而成的獵豹，木材的紋理依然清晰可見，不僅展現出動物的毛皮質感，也喚起多樣的觸覺印象。「MALVINA 項鍊／香水瓶」的紫水晶中央經過挖鑿，作為承載香氛的空間，寶石以鑽石磨棒刻飾出花卉圖騰，致敬卡地亞情有獨鍾的蘭花意象。「PETROPANTHERA 時鐘」的靈感來自一株經歷數百萬年石化的棕櫚樹，背景紋理讓人聯想到美洲豹的斑紋，與以黑色軟玉雕刻而成的豹形相互呼應。這座鐘耗時超過 1 年、歷經數百小時的精細工藝，才得以完成。

保存傳承，建構文化精神

Glyptics Workshop 最獨特之處，不只是它所創作的珠寶，更在於它本身就是一個「活的文化容器」。Émilie Marques 所承繼的，不只是技藝，還有來自其導師、獲得法國文化部授予「藝術大師」（Maîtres d'Art）頭銜的 Philippe Nicolas，其深信工藝是文化的延續，也是對未來的責任。

卡地亞於2010年將Nicolas的雕刻工坊納入品牌體系，Émilie 作為唯一的學徒接班人，如今帶領 4 位雕刻師持續創作與培育新一代匠人。這門技藝無法量產，亦無法速成，它的價值不只在於技巧的純熟，而在於創作者對材質、時間與情感的深刻理解。

15年來，Glyptics Workshop見證了品牌如何將文化、自然與設計語彙結合，也見證了工藝如何在當代重新被理解為奢侈的本質，並在當代語境中持續回應、發光。

更多精彩內容請見La Vie 2026／3月號《平衡的設計哲思》