時尚超展開，用纖維與版型開創無限可能：專訪服裝設計師葉珈伶

時尚雜誌排列成書牆，佇立葉珈伶位於天母工作室最顯眼的地方，服裝打版師忙碌穿梭四周。葉珈伶一襲白衣黑褲，旗袍立領式的七分袖白色上衣，搭配黑色工裝休閒褲，腳踩群青紫藍迷彩花紋休閒鞋，步伐輕快地從服飾叢間挾著從容神情而來，眼前的她身軀嬌小，卻有著不願被傳統觀念限制的志氣與才華。

農村大樹下的啟蒙

「民國四十年代臺灣是農業社會，重男輕女。」哥哥去唸書，葉珈伶自小就必須到家中農田協助農活，夏天日正當中，依然要背對著烈陽「倒退嚕」彎腰插秧，「所有農務我都做過，但做到插秧就發誓絕對不要再做下去了！」回憶起往事，葉珈伶忍不住鼻酸哽咽，在那個當下她立志要改變命運，不願繼續留在農村。小時候家境貧困，她利用麵粉袋棉布改衣服，並接觸到流動染布和單套網版印花技術，啟發了她對服裝的濃厚興趣，從此踏上裁縫之路。

起初，她向隔壁村莊來的裁縫師學習技術，「我們在村裡的大樹下，木板鋪一鋪，老師用木炭燒燙斗就開始教學。」逐漸掌握基本功後，她到彰化溪洲街上的服飾店學習，後又到臺台中登麗美服裝訂製店認識版型剪裁設計，「那個時候沒有手繪的版型，都是布拿來直接畫。」奠定了她對服裝結構的理解。她了解到，好的版型設計和剪裁是支撐衣服立體感的重要基礎，「人畢竟是立體的，必須由剪裁創造衣服的立體空間才能塑造出造型。」她的作品便是從對細節的執著中誕生。

後來成為服裝設計師到臺北上班，葉珈伶更抓緊機會熟悉布料，「畢竟我不是服裝科，也不是紡織背景，所以在認識布料的時候我也很用心學。」經常與布廠業務交流，深入了解不同布質的經紗、緯紗等細節對布的質感有何影響。在三十六歲的時候，她創立自己的服飾品牌CHARINYEH，投入偏好硬挺、有空間感的設計風格服飾創作，而此些特質也體現於她選用的布料。

混紡纖維的協奏交織

當時臺灣製造布料較為盛行，然而隨著時代推移，加上服裝設計的布料使用量，不像一般生活服飾那麼大量，因此葉珈伶現在的作品多依賴進口布料。目前臺灣自製的布料生產，大多也是強調吸溼排汗，常應用在機能型運動服裝。因此葉珈伶也曾赴義大利佛羅倫斯和科莫參觀製布工廠，「他們的後處理技術很厲害，能製作出具有舊感的古董風格，但又不失精緻，他們都用天然的綿、絲、麻呈現質感。」見識到高端布料的製作流程，不僅增強了她對布料的理解，也激發她對服裝設計和製作的熱情。

說著說著，葉珈伶從座位站起來展示她身上的白色上衣，「這是我上佛學課穿的衣服，材質是七十幾％的棉，加上二十幾％的Poly（聚酯纖維），棉加Poly的優點是輕，不會讓人感到悶熱。」她強調Polyester優勢在於可以展現硬挺度和垂墜度，來達到輕盈、不易皺的效果，也很適合臺灣潮濕悶熱的氣候。棉質加Polyester混紡的布款經常出現在她的設計裡，「倘若棉加Poly的纖維比例到達各五十％就可以壓摺，壓摺之後就不會鬆開。」CHARINYEH 2017秋冬服飾主題「厝」，便是以此款布料，採用俐落摺線詮釋臺灣建築三百多年來的遞嬗，最新一季的棒球球衣造型上衣，也是透過摺線呈現細節。

布匹與設計的超展開

工作室桌面上擺滿她近幾季愛用布款，葉珈伶最常用的纖維除了棉、麻、絲，還有再造纖維。「其實做服裝也要多考慮環保和永續。」時尚服飾產業近年來飽受批評，被訴諸為環境污染元兇之一，「歐洲布廠都有在提倡生產回收再製的再生纖維。」

今年CHARINYEH 2024秋冬服飾主題《梁山伯與天文台》從梁祝故事汲取靈感，以祝英台女扮男裝的書生形象作為延伸，透過宇宙衛星的宏觀，表達對多元文化的支持與尊重，既文藝且科技，轉譯風格混搭的無性別美學。

為了演繹衛星發射的磅礴氣勢，葉珈伶選擇有六角立體編紋的灰色素面布料，配合幾何線條剪裁呈現具立體層次的休閒感；魚鱗般粼粼閃爍的亮片布款，結合針織與素面質料展現浩瀚銀河，搭配局部縫鑽點綴勾勒星座圖。而在滿桌前衛大膽的布匹中，一面紅底白紋的緹花布隱隱綻放優雅，「因為這次秋冬系列有融合古裝元素，這款緹花在未來科幻中傳遞出傳統色彩。」

從臺灣電影《蚵女》到這一季的太空科學，葉珈伶的服飾概念每季都超展開，忍不住好奇她的創作是否也愈來愈放得開？她說，「我不希望品牌愈做愈老，這就是我。」疫情肆虐那幾年為她帶來國外市場的衝擊，即使身處逆境，卻更加燃起她的創作熱情。訪談那天我們有幸窺見CHARINYEH 2025春夏服飾新款，以棒球為題，融入球衣和棒球外套的服裝輪廓，運用摺線設計展現精緻休閒，更直接以棒球球體的曲線與立體感打造整體造型，直觀地透過棒球擘畫活力繽紛的時節。

在當代流行文化中融入具有傳統底蘊的風格，可以賦予作品更多層次，讓衣服不僅是衣服，也是一種文化傳遞。隨著疫情影響，消費型態變遷，無性別風格逐漸成為時尚潮流，葉珈伶從上一季開始逐步引入這個風格，並在本季正式推出，「我的年紀有很多人都退休了，無性別系列的寬鬆剪裁就很適合他們，也適合現下街頭文化、滑板運動的潮流趨勢。」如何讓服裝適應新時代的需求，讓消費者在日常生活中也能穿出時尚感，是她非常重視的要點。

流動中的工藝生命力

葉珈伶平時透過戶外運動保持活力，每個月固定走十萬步，她相信運動有助於保持創作思維的靈活性。她補充，現代人需要健康的生活方式，而運動不僅能激發思維，也能幫助在創作上保持敏銳的靈感，這也是她下一季2025春夏想做棒球主題的原因，希望服裝作品更加富有動感與生命力。

葉珈伶認為服裝設計不僅是為了特定場合，更應著重日常實用並具備個人風格，以展現出自己的時尚態度。多年經營服裝設計市場下來，她發現消費者偏好直白風格，因此在設計上更注重視覺效果，並且長年以來白色襯衫、運動衫都是熱銷單品，也成為每一季必備單品，讓品牌在市場中有更好的回應。

她表示工藝是一種技術、文化的傳承，更是一種藝術。她舉例自己早年從裁縫師學到的技術，直到今日都成為其設計的重要基礎。在現代設計中不斷創新，是一個品牌的核心價值所在。

從中興百貨支持本地設計師品牌的輝煌時期走到現在，葉珈伶觀察到，如今百貨公司更青睞引進國際品牌，本地品牌難以在市場上佔據主流地位。於是，在行銷策略上，她與團隊加入年輕族群的耕耘，透過與新生代藝人和KOL合作，並善用社群媒體在數位原生世代中的影響力，積極拓展年輕市場，讓品牌更具活力。

葉珈伶坦言，行銷策略的改變只能部分提升銷售，最終仍需依賴消費者的購買力支持。多年來她秉持創新精神，從傳統工藝中汲取基礎融入現代設計，探索日常實用與個性風格的平衡。在她眼裡，服裝不僅是衣物，更是一種文化與自我的表達。她是在傳統農業社會改變自身命運的女孩，透過獨特的剪裁詮釋她對時尚的堅持與熱愛，開創專屬葉珈伶的魔幻宇宙。

文字 / 何芳慈

攝影 / 林家賢

平時可不是說進就能進的時裝屋檔案庫，芝麻開門！義大利奢侈品牌Max Mara選址上海「龍美術館」舉行75週年特展，並置服裝、配飾、質材、草圖、文獻、攝影檔案及設計家具等珍貴藏品，揭示其長情醞釀數十年的極致風格美學。本篇編輯看展筆記邀你重回現場，綜覽品牌過去75年所構建版圖，以及從今往後所展望藍圖。同場帶逛對應本展重新打造的美術館書店，一併介紹人氣泰迪熊大衣等5款不可不知的Max Mara經典之作。

2026年6月中下旬，為歡慶品牌創立75週年，Max Mara隨2027度假系列時裝秀的亮相，於坐落上海徐匯濱江「西岸文化走廊」的龍美術館西岸館同步開啟為期12日的《The Max!》展覽。

深植精湛剪裁工藝並善加運用當今科技，這段跨越75年的輝煌歷史軌跡，一路上持續捕捉、解讀社會思潮的演變——「儘管時尚往往轉瞬即逝，Max Mara卻選擇了永恆，一項對優雅的持久投資，屬於今天、明天，以及永遠。」誠如策展人Olivier Saillard所言，品牌大展《The Max!》既是對Max Mara過去75年所孕育永恆優雅的回顧，亦是向未來75年未知精彩的展望。展覽甫落幕之際，La Vie透過豐富影像，盤整從展場空間設計到展出典藏檔案的全方位亮點，與向來鍾愛Max Mara雅緻服飾乃至藝術底蘊的各位，一同再次潛進目不暇給的美術館藏寶間，共感品牌以週年紀念為大題的吸睛呈獻。

品牌展覽《The Max!》亮點#01：首日揭幕大秀

► 打開藏寶間的鑰匙——Max Mara Resort 2027

自1951年創立至今，Max Mara奠基專業知識，兼採創新製衣工法步步促成義大利高級成衣的誕生。承此脈絡，6月16日《The Max!》開展首日，品牌現任創意總監Ian Griffiths領軍推出的度假系列大秀率先於展廳內登場，引領包括國際影星楊紫瓊、奧運金牌谷愛凌、中國超級名模奚夢瑤及實力演員萬茜、頂尖舞者譚元元等跨領域嘉賓一同飛往Max Mara的時尚宇宙。隨後，法國知名策展人Olivier Saillard精心規劃的展覽內容，緊接於6月17日至28日對公眾全面敞開大門。

品牌展覽《The Max!》亮點#02：核心策展概念

► 讓檔案庫悄然向觀者訴說故事，策展人親解「並置陳列」緣由

被構想為一座鮮活的典藏檔案庫，本展題名「Max」一字延伸取自品牌名「Max Mara」，最早由創始人憑直覺選擇得以體現極致與完美旨意的詞彙而命之。場內重現2003年成立於品牌發源地義大利雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的企業圖書館與檔案館（Biblioteca e Archivio d'Impresa, BAI）生動氛圍，同時將其致力於蒐集、整理並保存Max Mara公司內部文化遺產的蓬勃生命力充分注入展覽設計——珍貴檔案紛紛從特製儲藏木箱中現身，向時裝秀嘉賓和美術館觀者訴說它們的故事。

策展人Olivier Saillard且撰文詳解核心策展概念，「這場展覽以借鏡檔案庫嚴謹結構的原創展場設計，引領觀者親身感受品牌的傳承。展覽空間呼應Max Mara在雷焦艾米利亞所建立的前瞻性保存中心，讓觀者與展品的邂逅瞬間發生。在這裡沒有等級之分，草圖與那些勾勒品牌發展軌跡的服裝並置陳列，源自原始製造廠的日常物件、照片、頁面與文獻，與構成偉大歷史的布料樣本、羊毛織片、配飾及塗鴉紙相互對話；在象徵性主線貫穿下，過去原型與當今傑作交織在一起，向所有凝視與熱忱，展現屬於典藏檔案的浪漫詩意。《The Max!》不僅是一場展覽，更是一趟深入品牌檔案庫的非凡旅程——在過去的70多年裡，品牌已將深厚的創作情感，淬鍊成跨越世代的服裝語彙。」

品牌展覽《The Max!》亮點#03：海報設計

► 致敬品牌史上首枚廣告看板，洋紅大衣躍然藝術家筆下極簡畫面

出自法國藝術家Aurore de la Morinerie之手的展覽主視覺，汲取靈感於Max Mara品牌史上第一塊廣告看板，並通過藝術家極具代表性的極簡筆觸，勾勒一襲洋紅大衣成為視覺主體。「我們選擇於中國慶祝這一重要里程碑，是為了向我祖父帶領Max Mara成功的另一個核心要素致敬：將旅行與研究視為汲取知識的泉源。這些知識轉化為與世界各地生活緊密相連、同時亦能反映未來的服裝，至少在未來的75年裡依然如此。」Max Mara品牌現任經營者、家族第3代成員（創辦人Achille Maramotti的孫女）Maria Giulia Prezioso Maramotti表示。

品牌展覽《The Max!》亮點#04：展場設計

► 陳列形式借鏡博物館收藏，多樣化檔案邀觀者漫步75年時光

從創辦人與其母所創辦的Maramotti縫紉學校中最有天賦的學生，攜手打造出品牌第一件短大衣以來，Max Mara始終代表傳統製衣工藝與工業效率的完美交匯，以非同一般的加乘效應拉升服裝質感。後得益於科技創新，時尚如今更易為各時代女性所觸及，從而能夠賦予她們力量去譜寫由獨立與自決共同定義的嶄新未來。

「季復一季，年復一年，乃至數十載的更迭，Max Mara系列作品如同出自同一位創作者之手，脈絡相承。於此，自我表達是核心所在，為所有選擇穿上它們的人提供寫下各自故事的無限可能。」——《The Max!》策展人Olivier Saillard

在Olivier Saillard的細膩鋪排下，此趟《The Max!》之旅共分9大主題璀璨開展。整體陳列借鏡博物館收藏，對Max Mara典藏檔案進行流動性解讀，並置服裝、配飾、質材、草圖、文獻、攝影檔案及設計家具，邀觀者用或專注或隨性的心情，漫步於締造品牌演進歷程的數十載時光中；各主題分別聚焦縫紉學校、探索首間工廠、發起色彩沉思、頌揚剪裁技術與工藝造詣、揭示75年來歷久彌新的經典作品、鑽研風格語彙及其永不過時的延續性等。

\ 亮點展品細節對焦 /

美術館書店呼應展廳風格重塑，同場加映不可不知5款經典大衣

結束展覽主要動線後，完整沉浸式體驗更延伸至經過量身打造的美術館書店。除有一隻巨大泰迪熊矗立空間中，象徵風靡全球且深受大眾喜愛的泰迪熊大衣（Teddy Bear Coat）外，觀者甚可欣賞到一系列標誌性大衣，以及專為此次週年紀念設計的3款復刻版大衣。

▍101801經典大衣

101801經典大衣由設計師Anne-Marie Beretta於1981年發想，其Oversized廓形、和服袖及翻領設計，無論搭配西裝、晚禮服，抑或牛仔褲與T恤，皆可發揮無懈可擊的個人風采。

▍Manuela經典大衣

同樣由設計師Anne-Marie Beretta所發想，誕生於1998年的Manuela經典大衣作為純駝毛打造的裹式大衣（Wrap Coat），廓形寬鬆、包覆感十足；既兼具長袍大衣的優雅氣息，又飽含促其成為永恆經典的關鍵細節。

▍Ludmilla經典大衣

專為行家構思、呈寬版A字輪廓的Ludmilla經典大衣，由時任設計師、現任創意總監Ian Griffiths於1992年創作。全然採用觸感極致輕柔的雙層喀什米爾羊絨手工製成，如絲緞般散發迷人光澤的外觀更是Max Mara式奢華的淋漓體現。

▍Teddy Bear經典大衣

風格介於魅力迷人與俏皮玩味之間，Teddy Bear經典大衣亦由Ian Griffiths設計，2013年問世的此一人氣款服飾靈感源自品牌1980年代典藏檔案，並透過義大利頂級編織工坊的工藝技術，使羊駝毛與駱駝毛纖維得以彰顯其輕盈質地與豐盈輪廓。

▍Ready經典大衣

身為Max Mara經典大衣家族的最新成員，裹式Ready經典大衣仍由Ian Griffiths設計且於2026年方才重磅推出。衣料取用雙面純駝毛，同時藉以獨特「插肩袖剪裁（Raglan Cut）」勾勒內斂而張弛有度的絕對廓形，旨在讓每位女性舉手投足都能嶄露從容與自在。

嚴選羊毛、喀什米爾羊絨、羊駝毛或駱駝毛等頂級材質製作而成的Max Mara經典大衣，無一件作品輕易放過任何微小不完美——之於「大衣專業戶」Max Mara而言，大衣須經得起時間考驗；品牌故傾情傾力藉由比例、線條與細節的精妙平衡取決，使旗下單品恆久流淌雋永風華，成為得長伴人們左右的日常穿搭首選。

米蘭設計週以「家具」為核心，擴延出設計、藝術及策展等多樣表達，早已從商展發展為全球最重要的年度設計盛事之一。同時，時尚品牌跨足家居領域已成風潮——家具家飾作為創意載體，賦予平時以時裝為主要創意媒介的設計師們更多表現空間。

本篇精選2026米蘭設計週8大時尚品牌之作，看各家創意總監如何將自家時裝DNA和品牌精神，延伸至家居甚至更廣泛的設計領域，透過展覽、家具家飾作品、研討會等形式，在這千家爭鳴的展會吸引視線、引發討論。

Chloé｜復刻1970年代激進設計經典

在創意總監Chemena Kamali帶領下，Chloé女子成了飄逸、堅毅、脫俗的代名詞，波希米亞在此不只是設計語彙，也是自由、反傳統精神的體現。在2026米蘭設計週，Chloé推出1970年代經典「Tomato  Chair」的獨家復刻版，此作最初由法國設計師Christian Adam設計，與義大利激進設計先鋒Poltronova一同完成，當中蘊藏的反叛和不羈精神，與如今的Chloé跨越時空共振。

Tomato Chair生在文化與創意自由、奔放的1970年代，它擺脫了傳統座椅結構的束縛，轉而以圓潤、柔軟的輪廓營造貼合人體的包覆感，重新定義了乘坐者身體與物件之間的互動關係。Chemena Kamali認為「番茄椅」蘊含的設計精神，與Chloé講求的柔和、流動、自在不謀而和，因此採限量訂製形式復刻此作，整體忠於原始設計，選用自然鞣製皮革，以4款色調——奶油白、干邑棕、沙色與黑色——重新詮釋。

Dior｜高級訂製服New Look化身燈具

以自家經典「New Look」為靈感，Dior Maison攜手法國設計師Noé Duchaufour-Lawrance帶來全新燈具作品——「Corolle」，將高級訂製服輪廓化為家飾線條。1947年，迪奧先生（Christian Dior）打破戰時講求簡約、實用的硬朗女裝風格，以馬甲塑出漏斗般的腰身，用大量布料呈現造型如花冠的蓬裙，藉凸顯女性線條的優雅套裝，改寫了當時的時尚潮流，劃時代的設計也讓此作被冠上「New Look（新風貌）」之名。

「Corolle」燈具以多重材質交織而成，內部為威尼斯手工吹製玻璃，燈罩採日本傳統竹編工藝製成，光線隨之透出將折射出迷人多變的光影；色選則有灰、粉與白，呼應Dior經典色系。

Louis Vuitton｜致敬裝飾藝術先驅Pierre Legrain

作為經營居家領域有成的時尚品牌，Louis Vuitton旗下家具家飾系列「Objets Nomades」長期與設計、藝術、建築等跨域創作者合作，打造不囿於框架的收藏級作品。今年米蘭設計週，Louis Vuitton向裝飾藝術（Art Deco）先驅Pierre Legrain致敬，他在20世紀初那舊與新時代過渡的時空，掀起了一場書籍裝幀的設計革命，捨棄傳統慣用的繁複裝飾，轉而以幾何圖形搭配皮革、金屬等異材質拼接創造現代感，並將這標誌性風格延伸至家具、室內設計等領域。

Louis Vuitton史上售出的第一件家具作品——「Omega」梳妝台，正是出自Pierre Legrain之手。他以顛倒的希臘字母「Ω（Omega）」為底座輪廓，搭配蛋形鏡面，及黑與紅強烈對比配色，創造出俐落卻充滿律動感、優雅與野性兼具之作。如今，Louis Vuitton復刻這件經典設計，利用漆木和Nomade皮革重新演繹。

另也從Pierre Legrain設計檔案汲取靈感重構了「Chilienne」折疊椅，選用木材、皮革搭配珍珠母貝鑲嵌工藝重新詮釋；「Nuits de Paris」披毯和抱枕則以這位藝術家曾創作的書封為發想，將平面構圖轉化為織品圖騰，為居家空間低調注入裝飾藝術之美。

Gucci｜一針一線縫出品牌歷史

由創意總監Demna策劃的「Gucci Memoria」展覽，藉由一系列古典風格「掛毯」回溯古馳105年來的發展歷程，梳理了Guccio Guuci在倫敦The Savoy飯店當行李員時受啟發創立品牌，到歷任創意總監Tom Ford、Alessandro Michele職掌時期，再至Demna首場時裝秀之間，Gucci百年來的故事和視覺美學演變。

每張掛毯皆以佛羅倫斯、也就是Gucci發源地的傳統工藝製成，各畫面對應著品牌發展史的重要節點，透過色彩、構圖和場景的轉變，引領觀眾乘上時光機，感受古馳今昔樣貌。

Hermès｜多重工藝煉出雅典娜女神的力與美

愛馬仕2026家居系列回歸最純粹的有機形式，呈現材料和工藝的本質。焦點新作「PALLADION」取名自古希臘雅典的守護女神——雅典娜（Pallas Athena），利用皮革、木材搭配鍍鈀錘紋、馬鬃毛等特殊材質，配以「錘擊」手法造就的雕塑感輪廓，展現這位古代女神的力與美。全系列作品皆可見金屬展現如鱗片般的視覺效果，質地鮮活閃耀，背後承載著從旋壓成形、壓印、火焰、焊接到錘製，銀匠們傳承數代的古老手藝。

所有作品中，又以花瓶最為特別，手工錘紋金屬瓶身外覆以Swift小牛皮護套，蜥蜴皮滾邊拼接馬鬃毛，漸層灰黑色呈現霧面、閃耀、深邃漆黑等多重質感。金屬水壺滿覆錘紋，搭配桂木手把，創造出冷冽與有機的材質對比。

另一款圓筒花瓶，則在金屬瓶身外罩上皮革外衣，其圖樣靈感來自馬術騎士身著的絲質服裝，向愛馬仕的馬術根源致敬。

Marimekko｜愉悅至上的印花餐酒館

說到Marimekko，必須是印花！2026米蘭設計週期間，Marimekko進駐城中一間傳統小餐館（trattoria），結合印花藝術和芬蘭美食，一次滿足訪客的視覺和味蕾。現場以藝術家Erja Hirvi創作的「Kukasta kukkaan」印花為主角，色彩和形態多變的花朵滿佈空間，融入織品、躍上餐桌，也被放進一系列陶瓷器物，全面展現Marimekko所提倡的愉悅至上lifestyle！

Bottega Veneta｜編織工藝的現地實驗

步入Bottega Veneta米蘭Via Sant’Andrea門市，可見綠與黑色的皮革雕塑或點綴櫥窗、或如藤蔓環繞水景，有些則如編織籃，包覆著柔和的燈光點亮空間。繼2026春夏大秀合作展場燈具，Bottega Veneta再度與韓國藝術家Lee Kwangho攜手，以雕塑裝置「Lightful」亮相米蘭設計週。

Lee Kwangho擅長編織技藝，也常將韓國傳統「七寶」琺瑯工藝融入作品，結合金屬、大理石、軟管等多樣材質和現成物，發展實驗性創作。這次他與Bottega Veneta工坊緊密合作，以品牌訂製的綠色fettucce皮革為材，現地手工編織出多樣雕塑，藉作品回應空間。編織是嚴謹的工法，現地創作帶點即興意味，在此兩者碰撞，長出獨屬米蘭、此時此刻的藝術體驗。

Prada｜擁抱各方思想的跨域研討會

有別於多數時尚品牌注重於產品的呈現，Prada更強調理念和思想交流——「Prada Frames」研討會每年與米蘭設計週同步揭幕，透過跨學科專家的對話，對設計、文化、社會等當代議題進行批判性反思。

2026年Prada Frames邁入第5屆，以「視覺呈現（In Sight）」為題旨，探討「圖像」作為當代文化的重要特徵，是如何被表現、塑造，甚至在許多時候凌駕於事實之上而顯得與現實脫勾？研討會集結設計、藝術、建築、科學、法律等各領域專家學者提供見解，透過演講和對話，直面當今的視覺影像環境，反思其暗藏的政治用途、文化力量，及隨著數位時代資訊爆炸、人們難以吞嚥大量資訊而再度進化的當代「注意力經濟」商業模式。