時間，如何成為裝置主體？前進2026威尼斯雙年展Bvlgari Pavilion、聖馬可圖書館，看3位女性藝術家以質材承載的詩意

猜猜右圖中這些垂墜的「帷幕」是何物質？答案是——「時間」，由藝術家Lotus L. Kang以感光底片層疊懸掛而成。隨2026威尼斯美術雙年展如火如荼進行，寶格麗宣布榮膺展會獨家合作夥伴，邀集3位女性藝術家分別入駐品牌展館及當地歷史建築，啟動雙重藝術計畫。本篇帶你走訪威尼斯外掛米蘭的展覽現場，鑑賞4件意象獨特的亮點創作。

以2026至2030年的獨家合作夥伴之姿，義大利頂級珠寶品牌寶格麗（Bvlgari）正式攜手威尼斯雙年展，揭開別具意義的嶄新篇章；不僅印證深植品牌基因的藝術底蘊，更透過支持自由創作與文化對話推展創意邊界，將美學力量轉化為普世語言，和世界產生共鳴。

作為此段合作機緣的首次具體亮相，寶格麗於即日起至2026年11月22日的雙年展展期發起兩項藝術計畫。一則由加拿大藝術家Lotus L. Kang在坐落拿破崙花園（Giardini della Biennale）的品牌展館帶來全新創作；二則由寶格麗基金會選址15世紀建築聖馬可圖書館（Biblioteca Nazionale Marciana）紀念廳舉辦特展，聚焦Lara Favaretto和Monia Ben Hamouda兩位備受國際矚目的義大利當代創作者作品，使其取用場域限定的藝術語彙，導入與人文薈萃殿堂的深度對話。

回饋義大利社群，再現推動藝術文化的美好願景

2024年成立的寶格麗基金會（Fondazione Bvlgari），至今踐行寶格麗品牌於文化、公益慈善及社會關懷範疇的堅定承諾，並創造在教育、工藝傳承及藝術贊助領域的悠遠價值。懷以對社群的厚重責任和回饋理念，基金會接連與全球富影響力的機構建立長期關係，經多元計畫保存文化遺產與藝術典藏，亦藉諸如聯手羅馬二十一世紀藝術博物館設置的MAXXI Bvlgari Prize等獎項涵養創新能量，促進未來世代發展。此外，繼合作紐約惠特尼雙年展後，寶格麗基金會今成威尼斯雙年展獨家合作夥伴，無疑再度嶄露品牌承先啟後，對推動當今藝術文化長久存續的美好願景。

「對寶格麗而言，這項合作象徵品牌長期支持藝術承諾的自然延伸，更是一項富有意義且面向未來的重要篇章。我們始終深耕藝術領域，尤其關注當代創作的發展。作為威尼斯雙年展的獨家合作夥伴，我們很榮幸能共同打造一個充滿活力與啟發性的環境，讓觀者、藝術家與策展人得以在其中交流、實驗、自由探索，並共同想像與形塑未來文化的樣貌。」——寶格麗全球總裁Jean-Christoph Babin

▶ 寶格麗展館

加拿大藝術家Lotus L. Kang進駐拿破崙花園內寶格麗展館（Bvlgari Pavilion）的裝置《The face of desire is loss》，沿襲她向來對時間性的探索，視時間為無序、沉積且非線性的存在。

「《The face of desire is loss》將多重時空匯聚，濃縮成一個取決於光線、時間與觀眾身體感知的環境。這些拼貼式的組構拒絕固定與單一性；在此，作為環境的一部分，身體正經歷著一場趨向力竭、死亡與新生的質變與轉化。內在翻轉為外在，反之亦然。」——Lotus L. Kang

展覽核心為多組未定影的感光底片，懸掛於鋼製梁架上持續感應環境，隨展館中的濕度與光線量逐漸顯影。Lotus L. Kang在這些如肌膚般延伸的薄膜上下，置入由榻榻米、鑄造物、蒸餾液體及多種可變形材質構築的雕塑；兼以35mm膠卷包覆周圍窗面，使影格裡的時間彷彿被攤展於同一平面，形成同步而流動的感知狀態，再運用不斷投射出幻變色彩與層疊光影的照明系統，深化作品所塑造的感官體驗。

▶ 聖馬可圖書館

寶格麗基金會首次主辦的展覽，落腳義大利聖馬可圖書館紀念廳這一象徵知識傳承的重要場域，展出兩件為此場地特別構思的限定作品。首先，曾獲頒MAXXI Bvlgari Prize的突尼西亞裔義大利藝術家Monia Ben Hamouda於前廳呈獻裝置《Fragments of Fire Worship》。

再者，一舉拿下2004-2005年義大利傑出年輕藝術家獎（Prize for Young Italian Art）、3度參與威尼斯雙年展的義大利藝術家Lara Favaretto於桑索維諾展廳（Salone Sansovino）揭曉系列裝置《Momentary Monument – The Library》最終章。

▶ 展外展：米蘭寶格麗飯店花園空間

除上述藝術計畫外，Monia Ben Hamouda尚有一雕塑《Ya'aburnee (Untranslated Fragment I and II)》登陸米蘭寶格麗飯店花園空間，同步威尼斯雙年展展期對外開放。承藝術家對藝術語言起源和重塑藝術史可能性的研究，雕塑選用突尼西亞Thela石材打造，承載古老銘文蘊含的物質性與象徵意義。

作品名「Ya'aburnee」取自阿拉伯黎巴嫩語「يقبرني」，以「願你埋葬我」寓意希望摯愛長活自己身後，寄託著縛於愛、死亡與生命延續間的深刻情感；後連綴「Untranslated Fragment I and II（未譯碎片I與II）」則進一步凸顯此作通過觀者無法完全掌握的語言形式，拒絕被完整翻譯或明確定義為單一且封閉的註解，試圖讓觀者置身部分可理解、卻依然保有不可詮釋性的感知狀態。

逾百年來，藝術與文化始終高居品牌重要靈感泉源，寶格麗對其投入橫跨古典與現代，傾力促成交融歷史底蘊與創新精神的獨到語彙，啟發各面向創作的無限可能。如今，出手贊助雙年展盛會之餘，該承諾亦體現在同樣落地威尼斯的總督宮黃金階梯（Scala d'Oro）、聖伯多祿致命堂（San Pietro Martire）內保羅委羅內塞（Paolo Veronese）畫作等多項藝術修復計畫，另也包括回返品牌原鄉羅馬開展的西班牙階梯（Spanish Steps）、卡拉卡拉浴場（Terme di Caracalla）彩色馬賽克地磚、托洛尼亞典藏大理石雕塑等數個文化保存項目，在在揭示品牌與永恆之城的緊密連結。

臺中市立美術館新展「搖擺阿哥哥－時代跨域者王水河」於8月29日正式登場，展期至10月25日止，展覽聚焦對臺灣戰後城市地景與視覺文化帶來重要影響的跨域創作者——王水河，向大眾多面向展示他獨樹一格的設計風格。本次展場結合呈現VR裝置、字體設計師對談等當代詮釋，希望透過藝術檔案與當代詮釋並行，帶領觀眾重新認識王水河。

本次展覽是中美館自成立以來持續投入中部藝術家研究與檔案建置工作，首次透過展覽形式呈現的階段性重要成果。歷時一年多的研究，爬梳設計手稿、老照片與報章雜誌等超過千件文獻資料，並進行數位化工作，也針對王水河長子、已故建築師王文芳完成多次深入訪談，逐步拼整出這位橫跨多重領域創作者的完整樣貌。

認識自學出身的王水河

王水河（1925-2019）為自學出身，未受過美術學院的訓練，年輕時於戲院繪製電影看板起家，從實務中累積創作與設計的經驗。戰後於臺中成立「水河畫房」，業務由電影看板、廣告設計與商家招牌開始，逐步延伸至字體、平面、家具、燈具、建築與室內設計等多元領域，也培育了400餘名學徒，讓其摩登的設計風格流動於臺中地區，是形塑臺中走向現代摩登都會的重要創作者之一，後來業務版圖更延伸至全臺，在不同城市都有他的作品。

根基於前期藝術檔案的研究，本展邀請國立臺南藝術大學藝術史與文化資產學系助理教授許遠達進行策劃，許遠達指出，展名「阿哥哥」是對1960年代西方流行文化在臺灣的時代印記，當時美軍駐臺，西洋流行音樂與舞蹈文化隨之傳入並蔚為風潮，這也是王水河跨領域創作的重要背景。

5大子題重現水河時代

展覽以5個子題展開：從現代性視覺設計為核心出發的「摩登時代：字體、廣告與視覺設計」、展現自學雕塑創作的「純藝術之路」、以多元材質與物件展現整體設計思維的「摩登室內風：室內設計、家具與燈具設計」、融合現代幾何造形和摩登建築設計風格的「水河現代建築群」與透過生活物件與自塑像來認識王水河的「日子中的水河師」，從不同面向呈現王水河橫跨純藝術與不同設計範疇的創作，以及他如何參與並形塑戰後臺灣的摩登時代。

字體與造型的前衛探索

「摩登時代：字體、廣告與視覺設計」展現王水河因應不同對象量身訂做的字體變形能力，其文字線條與筆畫修飾，涵括幾何、飽滿與圓弧等設計語彙，在電腦排版尚未普及的年代，他擅長以繪畫與造形思維發展字體風格，並依商業、醫療、娛樂或公共場所的功能，亦或看板比例的需求，調整字體帶來的氛圍，讓文字成為空間性格的一部分，許多臺中街區招牌看板皆出自其手，為都會風景帶來濃厚的摩登氣息，獲業界尊稱「水河師」。

本展區亮點以牆面裝置呈現三種具代表性的王水河字體，並搭配不同材質：「水河圓體」以木頭呈現圓潤溫和之特質；「水河體」以王水河經常使用的材質之一壓克力還原招牌質感；「水河隸書體」則以金屬回應隸書源自金石文字的歷史厚度。除了三種代表字體，展區亦設有商標復刻牆，展出源益飼料、京王飯店等深植當時臺中人記憶的代表商標，同步陳列等比例放大商標與原始設計手稿，讓觀眾看見其從草稿到定稿反覆斟酌的創作痕跡。

雕塑的創作實踐

「純藝術之路」展區聚焦王水河在雕塑與繪畫領域的藝術積累。他自1947年為父親打造塑像為始，踏入雕塑自學之路，後結識林之助、張星建、張深切、蒲添生、陳夏雨、顏水龍等藝文界好友，逐步摸索寫實雕塑與現代造型的可能。這次展出中美館典藏品〈慈母〉是王水河於1971年喉癌手術後，懷念親情重返雕塑創作之第一件滿意的作品，刻畫母親樣貌，凝結時間與情感的重量。

〈裸女群像〉展陳於以南夜舞廳室內裝潢為設計構想的展臺上，展現其自學雕塑、刻畫人體線條之美。〈游氏胸像〉是王水河開發生漆材質雕塑的起點，刻劃已開業超過半世紀的台灣大飯店創辦人樣貌，此次為首度公開展出。本展區亦回望1957年置於臺中公園的雕塑〈芭蕾雙姝〉，此作以線條呈現舞者姿態，卻因被誤解帶有風俗意象遭致移除，如今僅能透過珍貴老照片回望，是王水河雕塑創作中一段令人惋惜的歷史見證。

帶你重返「南夜舞廳」

「摩登室內風：室內設計、家具與燈具設計」集中呈現王水河跨域創作能力，他的創作並不局限於單一物件或建築，而是從空間、材質、家具、燈飾，一路延伸至商標與平面視覺，形成彼此呼應的整體設計思維。

王水河的室內設計以多元材質與現代幾何造型見長，其中最為人所知的作品之一「南夜舞廳」（前身為南夜咖啡室Coffee　Honolulu）於1962年擴建為四層樓建築，各層分別以酒吧、歌廳、舞廳呈現不同主題，大膽結合表演舞臺、演奏臺與舞池，以椰子樹、草裙舞女郎、渦旋曲線與女體浮雕營造熱情的南島意象，呼應當時盛行的夏威夷風情。從建築外觀、室內壁飾到桌椅燈具，乃至杯墊、火柴盒皆納入整體設計，堪稱1960年代最摩登的休閒空間代表之作。

沉浸體驗摩登風格

本展復刻了南夜舞廳的大型霓虹招牌，王水河設計的商標字體將再次被點亮，並與新媒體藝術家楊子慕合作重建虛擬影像，觀眾可透過VR互動裝置沉浸式體驗南夜舞廳當時的華麗風貌，展區亦同步呈現王水河以多元媒材及前衛造型設計的燈飾、椅件等家具，包含珍貴的原件及復刻版，讓觀眾從實體物件感受王水河整體性的設計思維。

從建築版圖到日常生活的美學實踐

「水河現代建築群」展區呈現王水河橫跨全臺的建築設計，包含其一生中留下的珍貴建築手稿，俐落的幾何圖形、曲角、直線的造型與抽象韻律橫飾帶，構成鮮明的「王水河風格」。從東海戲院的波浪造型外觀，到與長子王文芳共同成立「水河建築事務所」後承接的飯店、百貨、教堂等大型案件，王水河總能將建築外觀、立面材質到商標、招牌、菜單等視覺細節整合為一套完整語彙。除了手稿，展場中也設置了西北飯店、華士飯店與敬華飯店等專區，重現經典的建築立面與室內設計，勾起一代人的回憶，見證他如何在前衛造形與在地思考之間取得平衡，也讓其設計悄然融入臺灣戰後城市的摩登記憶。

展覽最終以「日子中的水河師」作結，回到藝術家最貼近生活的一面。王水河對摩登美學的追求不僅止於設計案，也滲透日常。他每隔幾年就會重新改造家裡空間，利用大片鏡牆讓室內看起來更寬敞，燈具、桌子、收納盒等生活器物也多為親手製作。1971年罹患喉癌並接受手術後，更親自設計製作兼具功能與美感的發聲輔具，將畢生對造型的執著延伸至生命中的每個角落。本展區也展出他不同人生階段的自塑像，並首度公開王水河珍貴的手工作品集復刻版，讓觀眾從日常器物、自我形塑的文獻資料中，進一步理解他的創作生涯，由王水河來親自介紹王水河。

親身走入王水河的設計宇宙

展覽期間規劃有可於展間內體驗的「角落任務」教具，設計參考取自王水河的作品，另推出由深耕中城區的蘇睿弼老師帶領走讀活動「1980年代的城中之舞」、由字體設計團隊justfont以認識字體為主題進行的書寫工作坊「筆尖中的字體趣味」，以及由市民錄音導覽的「早安綠之美」等推廣活動。近期更將推出「王水河設計地圖」網站，涵蓋豐富的藝術檔案研究成果與數條以王水河設計項目為主題規劃的臺中旅遊路線。中美館盼透過展覽與系列活動，讓藝術檔案從研究成果延伸為大眾可親近、可探索的城市文化資源，也讓觀眾在王水河的創作中重新看見臺中現代生活與視覺文化的發展軌跡。

搖擺阿哥哥－時代跨域者王水河
展覽期間：2026年8月29日至10月25日
展覽地點：臺中市立美術館｜展覽室D、E
售票資訊：免費參觀
開放時間：每週二至週日9:00-17:00、每週六9:00-20:00，國定假日照常開放

_{資料提供｜臺中市立美術館、文字整理｜Adela Cheng}

新北市美術館4A計畫空間即日起至2026年11月22日，推出由台灣藝術家劉玗與吳思嶔共同創作的全新展覽《冥王星在天蠍座》。以1983至1995年間出生世代的生命處境為線索，全展透過錄像、聲音、燈光與物件等多重媒材，將旅行轉化為身體逃逸與感知調頻的途徑，在現實裂縫中回望成長記憶，開啟對自由與虛無的想像。

自創館以來，新北市美術館積始終極鼓勵當代藝術跨域創作和交流，持續回應藝術介入公共參與、知識生成與社會感知的問題。並在此理念推使下，特別選以4A展間為計畫空間，支持具研究性、實驗性與合作性的創作形式，深化藝術實驗與全民藝術推廣之間的連結。繼年初亮相的《如果這都不算Ai，我有什麼好Bi？》展覽後，該空間即日起至2026年11月22日再推出由藝術家劉玗與吳思嶔共同創作的《冥王星在天蠍座》；從世代生命經驗出發，透過錄像、聲音、燈光與物件等多元媒材，展開一場關於旅行、逃逸與感知的探索。

認識本展創作組合：劉玗＆吳思嶔

劉玗與吳思嶔自2019年開始共同創作，專注於以敘事影像結合空間裝置的創作形式。兩人擅長運用大尺寸投影與多媒體技術，將展覽空間轉化為沉浸式環境，透過新媒體技術與多樣材料創造出如同解構電影般的影像敘事，將影像、燈光、聲音和雕塑裝置交織為一體，重新建構出以身體感官經驗為核心的敘事方式。

其創作注重空間與觀眾的感官參與，倡議通過身體感受與直觀來理解世界。過去作品主題涵蓋自然史、植物感官、神話、當代末日預言、靈性與催眠等內容，深入探討人類與自然、感官與精神之間的關聯，作品往往誘發詩意的沉思，將觀眾帶入非線性敘事與多層次感知的體驗中，體現人類與外在世界的細膩連結與反思。

回望動盪世代的生命處境

以1983至1995年間出生世代的生命處境為線索，《冥王星在天蠍座》命名靈感取自冥王星運行於天蠍座時期及其所象徵的毀滅與重生能量。同屬此一世代的劉玗與吳思嶔，成長於全球資本極端化、教育競逐與社會動盪的年代，並共同經歷90年代的危機與轉折。兩位藝術家於是藉由回望自身的成長記憶，將世代面對環境變動所展現的逃逸與重構，轉化為展覽的敘事線索，在現實的裂縫中開啟對自由與虛無的想像。

而展名既指涉特定的星象週期，也成為藝術家重新觀看自身世代的切入點。1983至1995年間出生的一代，在成長過程中面對快速變動的社會環境，生命經驗始終交織著對未來的想像與不確定性。本展並非試圖為一個世代提出單一而明確的定義，希望透過藝術家的個人視角，重新拾起散落於成長過程中的經驗與感受，思考個體如何在持續變動的環境中調整自身，尋找與世界相處的位置與節奏。

劉玗與吳思嶔從個人生命經驗出發，使展覽逐漸延伸至一個世代共同面對的處境與心境，讓私密記憶與更廣泛的社會經驗彼此交會，也讓「世代」不再只是出生年份的劃分，而成為理解個人如何受到時代形塑、又如何持續回應現實的一種觀看方式。

以「旅行」為線索貫穿，邀觀者在逃逸中重塑感知

劉玗與吳思嶔以文字、雕塑與影像共同建構展場，將旅行轉化為身體的逃逸與感知的再調頻。作品宛如一本被拆解的旅行日誌，散置於不同場景與影像之間，形成片段的時間切片，引領觀眾在不同感官訊息的交錯中，逐步進入藝術家所建構的旅程之中。

在此脈絡下，旅行不僅代表地理空間上的移動，也是重新觀看自身與現實的方法。兩位藝術家藉由重訪生命片段，在移動、離開與返回之間，思考自身與時代的關係，將記憶與感受轉化為影像、聲音及空間經驗，邀請觀眾一同思考在持續變動的世界中，如何感知自身所處的位置。

劉玗X吳思嶔《冥王星在天蠍座》

• 時間：即日起至2026年11月22日
• 地點：新北市美術館4A計畫空間

^{資料提供｜新北市美術館          文字整理｜Ning Chi}