Max Mara女性藝術獎20週年展：9件「旅居」得獎作品齊聚義大利斯特羅齊宮，用錄像、裝置、數位拼貼探問身分與記憶

2005年創立至今，由義大利品牌Max Mara與英國白教堂美術館（Whitechapel Gallery）每兩年共同舉辦一次的「Max Mara女性藝術獎」，值此20週年之際以特別展覽《她時代來臨》聚歷屆得獎作品於斯特羅齊宮（Palazzo Strozzi），引領觀者隨9位女性藝術家重回現場，見其如何從身分、記憶、身體、社會和政治等主題出發，將旅居義大利的見聞凝練出有所共通、又各自不同的多媒體創作。

八大藝術分門別類為舞蹈、音樂、繪畫、雕塑、建築、文學、戲劇及電影，卻沒有人能說哪一門類是獨自輝煌的。舞蹈、音樂和繪畫需要場館將觀眾帶到眼前，必定牽扯建築美學；建築和雕塑共有諸多設計語彙，某種意義上又與文學相互探問；而最後三者，文學、戲劇和電影顯而易見是彼此不可分割的最佳代言。然在分眾時代下，人們漸漸只關注、和只願意去關注自身條件得以被動觸及的特定範疇，因此所有事物都愈被劃清界線，包括藝術——這便使得本就不能論所謂生產力的「美的學問」更加邊緣化。

該如何讓廣義的藝術同時且持續被看見？

說白一些，實質而具體的挹注絕對是一大推力，談錢和贊助也並非藝術的絕路。那說好聽一些，「跨域結合」將成為1+1大於2的可行方針，各大領域都有細數不盡的成功案例。而在這之中，或許因為性質相對接近，時尚與藝術的結合如今可說已是常態，從每回時裝秀的引經據典、精品品牌頻繁與工藝家聯名或向其致敬的膠囊系列，到世界集團旗下興辦的設計獎項和支持計畫，我們看到了更有力、更有底蘊的綜合型藝術表達。

本篇注目：Max Mara女性藝術獎

Max Mara女性藝術獎創立於2005年，與英國白教堂美術館（Whitechapel Gallery）每兩年共同策劃舉辦一次；2007年，品牌在義大利總部設立的Collezione Maramotti當代藝術館加入成為第三方合作夥伴。作為首個以「支持和推介英國新銳女性藝術家」為旨的視覺藝術獎項，其立意即在於通過提供必要的時間和空間，助她們在職業生涯的重要階段完成雄心勃勃的作品。

獲獎者由全女性評審團決選而出，評審成員皆為英國藝術界的重要女性代表。每位得主將獲得為期6個月的義大利旅居資助，並根據獲獎藝術家的專業與個人需求量身策劃。駐地期間，藝術家們將可透過當地文化脈絡，深入研究特定的歷史與文化主題，從中學習新技術、進而創作出新作品。這些作品最後也會在英國倫敦的白教堂美術館與Max Mara Collezione Maramotti當代藝術館進行兩階段展出，且這兩館收購了多年來各屆獲獎項目中的作品。（此獎本身於2007年榮獲英國議會藝術與商業國際大獎，因其對於女性藝術的慷慨支持而受表彰。）

20週年特別展覽：9件得獎作品重返藝術家旅居地

為慶祝獎項創立20周年，Max Mara宣布即日起至2025年8月31日於義大利佛羅倫斯斯特羅齊宮（Palazzo Strozzi）內的La Strozzina空間舉辦《Time for Women！Empowering Visions in 20 Years of the Max Mara Art Prize for Women（她時代來臨！Max Mara女性藝術獎為女性賦權二十載）》特別展覽，向2005年至今的女性創意與創新致敬，亦邀請觀眾沉浸在各種不同媒介所開拓的藝術視野中。以下讓我們走進每一展間，回顧彼時初初嶄露頭角、現早已名揚國際藝壇的9位藝術家之作，看見關於身分與記憶的故事。

▍Margaret Salmon

1973年生於美國紐約州薩芬市。以影片和視覺藝術作品而聞名，尤其叩問日常生活、身分、時間和記憶等主題；作品常具有強烈情感深度，結合細膩的視覺語言傳達對社會文化現象的反思。

▍Hannah Rickards

1979年生於英國倫敦。是一位英國概念性聲音藝術家，專注於自然現象的感知、語言與翻譯之間的關係；作品涵蓋錄像、聲音、裝置和文本，尋索我們如何經歷和表達如雷聲、極光、海市蜃樓等大氣現象。

▍Andrea Büttner

1972年生於德國斯圖加特。創作涵蓋玻璃畫、木刻、雕塑、攝影、錄像和表演等多種媒介，探討羞愧、貧窮、脆弱、尊嚴等主題，並關注藝術、宗教和社會倫理的關聯。

▍Laure Prouvost

1978年生於法國里爾；為法國籍視覺藝術家，現居比利時安特衛普。創作涵蓋錄像、裝置、雕塑、織品、表演等多種媒介，以幽默、詩意和夢幻的方式探討語言、身分、記憶與文化的關聯。

▍Corin Sworn

1976年生於英國倫敦。專注於表演、錄像、數位拼貼、裝置藝術、分散敘事等創作方式，探討語言、記憶、身分和文化的交織，並以詩意的方式呈現人類主觀經驗與社會結構之間的關係。

▍Emma Hart

1974年生於英國倫敦。跨足陶藝、錄像、裝置、表演等多種媒介創作，並以其獨特的視覺語言和情感表達著稱；作品多在探討社會階層、家庭行為、親密關係，以及語言與情感的交織。

▍Helen Cammock

1970年生於英國斯塔福郡。專注於攝影、版畫、寫作、詩歌、口語表演和裝置藝術等創作方式，探討女性的聲音、歷史記憶、情感表達，以及種族與性別交織的議題。

▍Emma Talbot

1969年生於英國斯陶爾布里奇。專注於繪畫、動畫、雕塑和裝置藝術等創作方式，層層探索個人情感、性別、社會政治到自然界，以及人類與科技之間的關係。風格結合手繪與絲綢繪畫，並經常將個人經歷與當代社會議題結合。

▍Dominique White

1993年生於英國羅奇福德。專注於雕塑和裝置藝術，作品融入非洲未來主義（Afrofuturism）、非洲悲觀主義（Afro-pessimism）、海上主權（Hydrarchy）等理論，探討種族、歷史記憶、殖民主義和未來可能性等議題。

此次特別展覽實為Max Mara首次將9位藝術家的義大利駐地創作匯集一地。從身分、記憶、身體、社會和政治等廣泛主題出發，9位藝術家深入探討她們在義大利的研究與經歷，比如崛起於16世紀的義大利藝術喜劇，抑或源自18至19世紀歐洲貴族子弟赴義大利等地深造的現代壯遊概念、工藝傳統、神話玄學、修道生活、宗教儀式、自然景觀，乃至對被遺忘的古老聲音和敘事表現的回溯。

《La Vie》的讀者裡有各種迷，設計迷、建築迷、電影迷、時尚迷……我們總這麼暱稱，也期待帶大家看更多「不分類藝術」。

《她時代來臨！Max Mara女性藝術獎為女性賦權二十載》特別展覽

• 時間：即日起至2025年8月31日10:00-20:00（每週四延長至23:00，最後入場時間為閉館前一小時）
• 地點：義大利佛羅倫斯斯特羅齊宮
• 票價：全票 €10；優待票 €5，18歲以下及每週四18:00後30歲以下訪客；聯票 €15，含另一展覽《崔西艾敏：性與孤獨（Tracey Emin: Sex and Loneliness）》
• 了解更多：共同主辦方斯特羅齊宮官網

上海當代藝術博物館現正呈獻與香奈兒文化基金聯合策動的「新文化製作人」現場展覽《從邊緣開始收集》。從本文率先了解該專案實踐內容，並接續走進位於館內3樓的嘉柏麗香奈兒空間，一探17組參展藝術家及團隊、31件多媒材作品蘊含巧思。

由上海當代藝術博物館（Power Station of Art, PSA）與香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）攜手執行的「新文化製作人」專案，即日起至2026年10月8日選址館內3樓、方於2025年11月底正式向大眾開放的嘉柏麗香奈兒空間（Espace Gabrielle Chanel）設計中心（psD），帶來第四季「文本與藝術」主題大展《從邊緣開始收集》。繼前三季對手工藝、建築與劇場等不同領域的關注，本季展覽內容探索廣義而具體的文本，何以作為創作語言和思考模型，啟發當代藝術及多元文化實踐中的突破性敘事表達。

前情提要：「新文化製作人」主要在做什麼？

全案由上海當代藝術博物館與香奈兒文化基金於2021年共同發起，旨在為具有文化視野的探索者、創作者、實踐者、堅守者提供全方位展示舞台。第一季聚焦「手藝再興」主題，藉於2022年11月5日至2023年2月5日舉辦的雙展《狂人之丘》與《回到未來：穿越時代的屏障》，引起各界對中國手藝當下境遇與再興可能性的熱議。第二季面向「活性建築」主題，於2023年7月15日至10月8日以單展《影之道》探討中國南方的「陰影」，如何憑其複雜性與連續性不斷拓展建築空間的不穩定邊界、活化中國文化深厚的內在能量。第三季定調「劇場」主題，於2025年7月12日至10月8日構建一座持續發生的寫意劇場《正午、荒原、息流、瓦捨、廢墟、劇場》，從而消解戲劇、表演與展覽的傳統邊界。

>> 延伸閱讀：香奈兒當代藝術圖書館上海揭幕！坂本一成操刀「Espace Gabrielle Chanel」：5萬冊跨域館藏，更設劇場及設計中心

本季則著眼「文本與藝術」主題，再以單展《從邊緣開始收集》溯游新聞報導與虛構文學間，並經跨學科的創作實踐開展一場關乎文本性的當代藝術探究。兩位新一屆新文化製作人李雅倫、錢夢妮，遂從上述兩種文本出發，詮釋文本與藝術、個體與世界的關係。在她們看來，新聞、文學、影像、建築乃至更廣義當代藝術創作，皆可憑藉敏銳感知，從生活邊緣收集脆弱、柔軟和詼諧，也同時由不同角度反映或抵抗某種隱形的結構性暴力；如果將散落的「不可言說」與「不被言說」之物蒐集起來，便能連接自我與世界，正如透過閱讀新聞跳出資訊繭房、透過閱讀文學脫出個人經驗。

走進現場：裝填31件展品的「載物袋」，邀觀者思考主客體關係

展覽採美國作家娥蘇拉勒瑰恩（Ursula Le Guin）筆下的「載物袋」形式組織作品——拒絕宏大敘事的統領，轉而積攢日常碎片，藉以和觀眾共同思考敘事主體與客體之間的權力關係。特別為本展搭建的木質環形展架，圍合成一個具褶皺、形如載物袋的橢圓空間，將原來設計中心的白立方一分為內裡和邊緣兩部分。展架內側牆面選用柔軟的毛氈包裹，並裝填31件來自當代藝術、建築及文學等領域的作品。整體布展則始於邊緣，以散置手法在展架外圍牆面分別呈現一篇深度新聞報導與一篇小說的文本。各參展作品的創作方法且與新聞報導和虛構文學的敘事方式互有隱蔽呼應：一邊從現實世界選取素材，再現、分析、改編；一邊從主觀感受出發，流露、抒發、表達。

精彩展品一覽

▍劉任

展覽入口處，劉任利用草紙形塑的立體作品《關鍵時刻》和平面作品《2個單詞》，分別再現生活物件和新聞詞彙，揭露個體面對現實困境時的出神狀態。

▍楊露子

楊露子從文字、圖表、裝置（下圖為裝置）3個層次展開對記憶和意識的探索，記錄自己兒時曾策劃、執行並放棄專案項目的過程。

▍唐藝窈

唐藝窈拍攝工廠廢墟內餘下的生活用品，在裝置《庇護，停留》中使用廢舊建築板材與彎折的鐵片，捕捉被遺落的日常痕跡。

▍孫海霆

孫海霆藉類型學（Typology）式的鏡頭收集北京最常見的住宅板樓，審視同質化日常景觀中的個體生活。

▍張子彥

張子彥的《渡》、《掃》，經由影像聚焦聚光燈外的建築清潔和維護工作。

▍張可睿

張可睿的《敷面膜的人也是複製人》系列畫作超越現實語境，每張畫都可被視作通向一篇小說的入口。

▍李文嘉

李文嘉的《唱歌的杯子》同樣在展場中造出異境，NPC（非玩家角色）通過影像裝置提出問題，討論個體如何跳脫心理上的沉湎和孤寂。

▍鍾雲舒

鍾雲舒的雕塑將字母、詞語、符號、日用品、現成品串聯重組，再藉元素間的張力質疑既定的秩序與邊界。

▍鍾笛鳴

鍾笛鳴將裝置作品設定在「需要遠眺」或「費力才能看到」的狀態，與鄭源（另位參展藝術家）的影像中幾乎沒有交流但又同處一室的友人們共享相似精神面貌。

▍任莉莉、劉符潔

任莉莉的《落日如灼傷》、劉符潔的《通道》和《樹蔭間透過光的果實》，各採紫銅板、鋼和鋁為材，為日常生活中被遺忘的瞬間和不起眼的物件構建新敘事。

▍沙丘研究所

文化小組沙丘研究所的「沙丘辭典」計畫，以收集、編寫詞條為切角，提供專業術語一種既基於個人、卻又富開放性的重新闡釋。

▍方書君工作室、一介建築

方書君工作室和一介建築的建築實踐項目均圍繞建築師身處的場域展開，透過微型改造和社區行動，介入城市或鄉村的公共生活，以進一步連結社會。

展期內，一系列公共活動預計圍繞「文本與藝術」雙主線展開。開幕圓桌匯集對文本有深刻個人經驗的藝術家、電影人、建築師、寫作者，共同探討文本轉化為藝術形式的多重路徑。特別對話則以小說《刀痕》為引，叩問虛構文學在面對複雜社會矛盾時所激發的共鳴。與此同時，兩位策展人李雅倫、錢夢妮與參展藝術家亦將持續帶來多元教育活動，引領觀者「從邊緣開始收集」，深入藝術創作與文本實踐的第一現場，打撈那些被忽視的聲音與記憶。

上海當代藝術博物館X香奈兒文化基金《從邊緣開始收集》

• 時間：即日起至2026年10月8日11:00-19:00（18:00停止入場），週一休館
• 地點：上海當代藝術博物館嘉柏麗香奈兒空間（上海市黃浦區苗江路678號3樓）

^{資料提供｜上海當代藝術博物館          文字整理｜Ning Chi}

同場呈獻平面繪畫與立體裝置，橫溝美由紀個展《地景—行履無跡》現正於台北双方藝廊迎各方觀者入內摸索時間軌跡。如展名「行履無跡」所示，藝術家透過彈灑顏料構築的織物般作品，引眾穿梭有形與無形，捕捉肉眼未見的事物。本篇邀你認識這位曾於台北國際藝術村駐村的日本藝術家，進而隨其創作潛進「平面上的立體世界」。

坐落中山區北安路巷弄的台北双方藝廊（Double Square Gallery）即日起至2026年8月8日推出日本藝術家橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）個展《地景—行履無跡》。作為双方藝廊與該位藝術家的二度合作，全展鋪排橫溝美由紀10餘件繪畫與空間裝置作品；藉其擅長的線性語彙，帶領觀者在有形與無形的交界，尋溯記憶與時間中的微弱軌跡。

\ 先聽聽藝術家本人現身說法 /

▶ 總覽藝術家橫溝美由紀發跡脈絡

橫溝美由紀1968年生於日本東京，1994年自多摩美術大學雕塑系畢業取得藝術學士學位，隨後並獲日本文化廳「新進藝術家海外研修制度」獎助前往海外深造。1990年代起，始於日本國內外發表極簡主義裝置藝術，多運用塑膠等人造日常物件，強調時間、空間與光影的交互作用。2005年曾任京都國際藝術研究中心研究員。2001至2017年間陸續於包括台北國際藝術村在內的全球多座城市藝術機構展開駐村行動。這幾年來愈以構建嶄新的創作景觀和視覺體驗為目標，致力結合裝置藝術與平面作品，在畫布上重新詮釋、更甚於想像立體空間及其裝置性。作品現受羽田國際機場、日本國際交流基金會、關西醫科大學附屬醫院，以及京都四季酒店、麗思卡爾頓酒店等世界級酒店典藏。

過去遍及日本各地的展覽足跡包括1998年水戶藝術館《criterium 37》和埼玉縣立近代美術館《塑膠時代：藝術與設計》、2002年東京都現代美術館《傾斜的房子》、2003年DIC川村紀念美術館《被盜取的自然》，以及由日本國際交流基金會主辦、於2004至2019年間進行世界巡迴的《通往未來的路：日本新世代藝術展》。近期重要展出紀錄則有2021年Pola Museum Annex《風景：越過柔軟的地平線》、2023年Artizon美術館《抽象：抽象繪畫的起源與演變，從塞尚、野獸派、立體派至今》等。

▶ 近賞台北個展《地景—行履無跡》多彩作品

紮實的雕塑背景促使橫溝美由紀習慣打破二維限制，視畫布為立體空間。本次展出的繪畫作品主要透過將沾有油畫顏料的細繩拉伸於畫布上，再以指尖撥動細繩，讓顏料在畫面中彈射一道道印記。無數縱橫疊置的線條勾勒出織物般肌理，誘發觀者深刻感知密度與力量的積累。除平面作品，藝術家亦跳脫畫布，採銀箔與碳纖維管製作立體裝置，直接以整座空間為背景，延伸出可觸碰的線條，呼應展覽主題所示之「追逐並找尋看不見的軌跡」旨意。

找尋記憶痕跡與時間碎片

展名「地景—行履無跡」為橫溝美由紀提出的創作概念。對她來說，地景（Landscape）並非眼前的風景或視野，而是多重觀點交織下的思考過程。據其自述提及，在無數次穿梭往返的旅程中，心中總交織著對未知土地的期待。她遂嘗試經由自身作品爬梳過往航線，進而找到記憶和時間中的微弱痕跡與碎片——正是這些難以捉摸、不可觸及、肉眼「未見」的事物，吸引著她持續創作。

橫溝美由紀個展《地景—行履無跡》

• 時間：即日起至2026年8月8日，週二至六12:00-18:00
• 地點：双方藝廊（台北市中山區北安路770巷30號）

>> 更多資訊可至双方藝廊官方網站、官方IG查看。