以手為根，與土地共創——「黑色雋永 Lumamiling」的構樹工藝之路

提起樹皮工藝，總令人覺得遙遠。這項古老技藝曾一度消失於臺灣各族群的記憶裡。三十年前，幸運有賴阿美族耆老沈太木(Panay) 的復興推廣，才有人開始學習。工藝團隊「黑色雋永」近年積極投身樹皮纖維創作，成員身份皆有原民血統，他們嘗試以雙手循著前人採集與敲打的軌跡，試以生活器物的形體，還原的工藝帶給生活的踏實模樣。

接案起家到誕生工藝品牌

記載臺灣原住民運用樹皮工藝，製衣而穿，可以追溯至明清到日治時期的文獻紀錄。工藝曾逐漸失傳，倒不是無材料可取用，因為延展性最好的樹皮便來自構樹，是臺灣隨處可見的原生樹種。構樹存在於不同族群的生活經歷裡，身為「黑色雋永」成員之一的王雅蘭說，「老人家會拿構樹葉去餵家裡的羊或豬，但完全沒有看過樹皮做成衣服。」身為排灣族的她，因研究所論文，親身回到父母的部落田調、返鄉定居創業。她曾開選物店，之後才與夥伴佬祖‧ 魯魯安、顏裴晏、廖曉蓉，共組團隊。初期大家因商業工作而聚，接案培養出默契，以黑色雋永之名，各自施展木工、服裝、繪畫的長才，從事活動佈置、平面設計的團隊工作。

團員們皆自學各種工藝技法，沒有設限材料也嘗試各型態的商案，陸續為音樂祭做裝置、婚禮佈置。他們為別人的場子嫁妝多年，體驗快步調的接案生活，而逐漸萌生慢下來，創立自己工藝品牌的想法。團隊夥伴或有變化，但大家仍慢慢在時間裡練功，在土地上尋找自我定位。

工藝背後的在地支持

決定集體創作之初，構樹皮只是他們眾多的媒材之一，其中以好取得的竹與藤是主力。只是，材料透過購買而得的過程，反倒讓他們心生疑問，想釐清媒材與自身的關係。

「我們住的屏東周邊都是農田。鳳梨、香蕉園的周圍長很多雜木，裡面就有非常多的構樹。」王雅蘭描述成年回鄉後，觀察的土地樣貌，而同樣在臺北長大的佬祖，也坦白說：「剛開始連構樹長的樣子都不知道。問長輩，他們說，知道啊！構樹還有族語名稱。」身為都市原住民的兩人，技藝從來不是長於過去的生活經驗裡，而是靠著動手，更加重建對自身文化的認知。「當我回到舊部落時，又發現構樹在我家門口的土地就有，小時候不曉得，現在終於認識它，看見它活生生長出來，我也正在使用，有種我們是在一起的感覺。」佬祖語帶感性表達著，「對於我們未來從事工藝，是很強的心靈與情感支持。」自此，有如遇上命定媒材的「黑色雋永」，察覺使用在地素材給予創作的安全感，成員們全力投入構樹為主體的纖維藝術。

採集是追尋祖先與大自然共生的記憶

「黑色雋永」與構樹從彼此不認識，經過反覆敲打的取皮、延展，建立起親密的關係。夏天的構樹水分多，質地柔軟易取皮，反之冬天乾燥，則需要多花點力氣與時間處理，能從季節感受纖維有活著的變化。他們又解釋道，取樹皮得趁新鮮，纖維放久則乾枯老化。也因此他們無法囤積材料，每趟採集也有如祖先們的生活方式，他們只取剛好能用的量，因為採多無力可處理，那就浪費了。

採集也讓他們更親近部落生活，王雅蘭分享回鄉前的心境是，「看自己的文化像在學校背誦歷史課本，對文化僅是知識性的理解，沒什麼情感連結。」又常聽老人家說「我們是與自然共生」，怎麼共生？實際是一趟玄妙的採集經歷，讓她深有同感。「有個第一次去採集的地方，我意外受了傷，流很多血。後來，第二次我和佬祖去，他也被鋸子割傷。」之後，他們學習先和土地打招呼，以祭儀請求取用構樹做為工藝材料，體悟萬物皆有靈。

集體創作的慶典

王雅蘭如團隊裡的「隊長」，她主持每回的創作行前會，坐下與成員們深聊。如近期的展覽「成為永恆的片刻」為例，她拋出的主題，圍繞土地與時間兩大核心。團隊成員根據概念，依自己的生活經驗或想法而獨立創作。集體創作的現場，宛若聚落縮影，大家一起去採集，共享資源，當有需求便相互幫忙，而展覽則是他們工藝作品的豐盛收穫。

廖曉蓉的纖維畫作《劃破寧靜》回應土地議題，以構樹皮天然的深淺，模擬出土地的龜裂，淺色處是去除外皮後的柔軟內層，深色則是前頭去除的外皮，各自經過敲打後，重新排列而成。靈感源於她坐火車從屏東回家鄉花蓮，沿途看山景的觀察，「去年403 地震後，有被坐火車回家的風景嚇到，感受土地遭受迫害時，內層的鬆動不易看見，同時體會人在自然前的渺小。」同為廖曉蓉的燈飾作品《圍光》則詮釋時間的主題，「我想愛是能超越時間的，圓的造型比擬圈住的美好時光，表達出愛的能量卻始終存而不滅。」

顏裴晏擅長線材編織與縫紉，他常以布類織品結合樹皮做創作，《荏苒》是他初次的燈飾系列。過去樹皮也常為造紙材料，顏裴晏以摺紙發想，活用構樹皮柔軟堅韌的特性，五件作品的意象呈現山、海、波浪、船與自我，每件作品外觀大異其趣，也只有樹皮的柔軟可以承接，散發出曖曖的光。

與展覽同名之作《成為永恆的片刻》則是自王雅蘭的大件裝置。她近年，有感傳承的斷層，源於部落裡熟稔文化脈絡的長輩逐漸離世。她開始察覺自己對永恆的渴望，是期許土地上生活的記憶，可以完整代代傳下去。作品由眾多的圓組成，圓也有各種示意，「圓代表完整，深淺色澤的圓代表不同的人，相連的圓又代表一代傳一代。」他試著以在地素材訴說對於土地的情感。

《Tagarausu》是佬祖以北大武山之名的屏風作品，他選用樹皮原色與植物染( 薯榔) 加工後的樹皮，雙色呈現出山稜形狀，「這片山景是從我的部落舊好茶看出去的風景。我很直覺將它創作出來，也是我爸爸看到，就能一眼認出的記憶。」

包容創新的文化傳統

「生活中找創作」是黑色雋永的信奉思想，「你不必是一個設計師、藝術家，使用生活中好取得的材料，就可以開始製作。」王雅蘭真摯地說並分享一段趣聞，「部落的珠繡工藝常看到是全用珠子去鏽。但我在部落裡，曾看過用電線外皮、文具店的小亮片。甚至，還有陣子老人家流行穿旗袍，在緞面龍鳳圖案之上，再繡著傳統圖紋。」王雅蘭說，只要無關無關傳統祭儀與社會規範，使用異材質或變化外觀在既有物件上，都是部落裡很常見的生活智慧。因此，黑色雋永將樹皮纖維，以藝術創作呈現抽象概念，或用生活器具表達實際應用，是傳承工藝，也是延續文化裡對美的包容性。

文字 / 王涵葳

攝影 / 一 J

2024年揮別一手創立的時尚品牌後，Dries Van Noten從安特衛普轉向威尼斯，在水都運河旁的壯麗宮殿Palazzo Pisani Moretta，開啟職涯和人生新篇。

在威尼斯，這位曾以「安特衛普六君子」之名震撼時尚界的時裝設計師，用自己的名字成立了基金會「Fondazione Dries Van Noten」，致力打造一個展示和孵化「工藝」的空間，串聯策展、駐村創作和教育計畫，讓人們看見大師經年累月積攢的至臻手藝，也為下一代提供學習與展演的理想平台。

佇立河畔400年的華美宮殿

先不論場域內裝載的內容精彩與否，Dries Van Noten基金會進駐的建築本身就是件瑰寶。自16世紀便佇立威尼斯運河旁的Palazzo Pisani Moretta，採用被稱為「花樣哥德式」的Fiorito建築風格設計，這類在中世紀末期於威尼斯發展出的建築流派，以繁複細緻的石雕裝飾為標誌，精緻華美。宮殿立面以2組帶尖拱、輪廓細長的哥德式六聯窗為特色，與水色唯美相映。

Palazzo Pisani Moretta在1630年代由權勢顯赫的Pisani Moretta家族購入後，開啟了黃金時代。而今日我們所見的樣貌，主要由1740年代時的女主人Chiara Pisani構思而成。她以洛可可風格為軸，邀集當時最負盛名的藝術大師參與創作，為宮殿進行一場大規模整修，以彰顯家族聲望。

翻修後的宮殿，宏偉姿態自門面就展露，由十數根大理石與灰白石柱撐起一座雄偉階梯迎賓。室內更是繁美精緻，主樓層天花板的濕壁畫記載著家族英雄的故事；晶瑩的穆拉諾玻璃吊燈點綴宴會廳，燈亮時流光溢彩；細節處也藏滿巧思，石柱上的細緻雕花、牆面上的白金灰泥、古典鏡面旁的金色花雕飾邊……皆透露著主人非凡的品味。在Pisani Moretta家族掌管之時，宮殿曾接待無數貴賓，如俄羅斯沙皇保羅一世、拿破崙之妻約瑟芬皇后都曾到訪此地。

做威尼斯在地工藝社群的「連結者」

如今，Dries Van Noten基金會接手這份歷史遺產，將宮殿重新活化為一處「工藝實驗場」。談及基金會的定位，Dries Van Noten在接受《VOGUE》專訪時以「連結者」表達，他提到，威尼斯在地本就有許多致力於工藝的官方和民間獨立機構，基金會要做的不是競爭，而是創造彼此合作的機會，成為城市裡新一座「文化引擎」，並試圖打破藝術、設計、音樂與表演之間的傳統界線，讓威尼斯在地的精湛工藝與創造精神得以持續演變，並啟發世界。

Dries Van Noten認為，威尼斯不只有燦爛歷史，面向未來的年輕世代也已準備接棒。接下來他要做的，便是會這些磨刀霍霍的工匠和創作者們提供舞台。不過話說回來，Dries Van Noten基金會以「工藝」為核心，那所謂工藝究竟為何？對他們來說，「只要是帶著靈魂、思考和意圖去完成的創作，都是工藝。」創意無關形式，超越玻璃、陶瓷、珠寶、編織等媒材的限制，也可以是料理、調香、音樂演奏、釀酒等等——最重要的是「為何而做」又「如何使作品匠心獨運」。

而這一切，如今正透過Dries Van Noten基金會開幕首展《The only true protest is beauty（暫譯：唯有美是真正的反抗）》傳達，展覽現場集結200多件工藝作品，與宮殿建築共融相生，邀觀者在探索作品的同時，也挖掘建築之美，並看見兩者時間在美學和歷史上的連結。

本展即日起於2026年10月4日展出，若有造訪威尼斯，不妨為此留下時間細賞，現在2026威尼斯雙年展也仍在進行中，兩者串聯就是藝術迷的夢幻路線！

坐落台南漁光島的藝術選物空間「森初．moricasa art」，即日起至9月5日推出日本工藝家五十嵐桃子（Momoko Ikarashi）個展《scenery．記憶瞬間》，邀你在一件件精巧的「窯鑄玻璃」作品中，窺見自然萬物的美好。

春日繁花、夏日綠意、秋日晚霞、冬日白雪，大自然的四季之美，在五十嵐桃子的巧手之下，化為可被「捧在」手中欣賞把玩的袖珍風景。她以玻璃為主要媒材，透過鑽研多年「窯鑄」技法，將自然景緻的迷人色調，封存於一件件生活器具、或如立方雕塑般的工藝擺件，兼具日常氣息和藝術感。

用「窯鑄技法」封存自然景緻

從就讀武藏野美術大學，到畢業後轉至金澤卯辰山工坊研修，十數年來，工藝家五十嵐桃子不斷精進工藝手作經驗，以「玻璃」為主要媒材，將大自然的美好景緻，透過獨特的「窯鑄技法」封存。

有別於常見的「口吹玻璃」所用的轉動吹製工藝，窯鑄技法需先在腦海中構思作品型態，製作石膏模並精算溫度，善用玻璃的可塑特性，讓其呈現如菓子般精緻、或如石頭般沉重的質感。透過窯鑄，五十嵐桃子將夕陽、冬雪、綠意等自然景色，凝結於霧面質感的幾何作品中。

樂趣來自未知

對五十嵐桃子來說，窯鑄玻璃像做實驗般有趣，為追求理想的質感表現，她不斷測試燒製溫度、調整加工方式，將不同大小的彩色玻璃顆粒與碎末，進行排列組合。更有趣的是，在等待玻璃燒結與降溫過程中，電窯內的作品無法直接看見及觸摸，因此每回打開窯蓋皆是驚喜，這對工藝家的技術和經驗來說也是一大挑戰。

從尺度、手感讓玻璃更貼近生活

創作過程中，五十嵐桃子持續思考著，如何讓玻璃更貼近生活：初步構想時，她在圖紙上繪製作品輪廓，再著手製作保麗龍模型，實際測試後調整型態與適合尺寸；完成窯燒後，將轉角處研磨成柔和邊緣，使日常使用時更加順手。她的作品靈感與色彩，多取材於大自然，但並非完全重現，而是發揮玻璃本身的發色效果，呈現媒材獨有的表情。

經典「蓋盒」系列呈現絕美漸層

五十嵐桃子最經典的代表作——「蓋盒 one day」系列，由她大學時期的課堂題目「盒子」延伸而來。此系列的有趣之處在於，作品由蓋、盒組成一體，工藝家以天空投射出的光線為靈感，將各種色彩的光「燒進」玻璃內，並巧妙讓內盒和外蓋形成漂亮的錯位漸層——兩者獨立看各自美麗，擺在一塊看更成風景，有時如湛藍天空交織澄黃晚霞，有時又如冬季時覆於大地上的霜白。

五十嵐桃子．玻璃個展《scenery．記憶瞬間》

展期｜2026.08.08－09.05

地點｜森初．moricasa art（台南市安平區漁光路113號）

開放時間｜週二至週六 13:30－17:00（預約制）