專訪日本藝術總監森本千绘：打破類比、數位與AI的界線，讓設計與生命一起活著

從是枝裕和電影、NHK晨間劇等視覺，Canon、KIRIN、niko and ...等廣告，到311大地震後的節電標誌等社會參與，森本千絵的每一個設計，都始於一張親手繪製的畫。最近，她在Mr.Children〈產聲〉MV與14位包含底片攝影、逐格動畫、AI藝術的創作者共創。影像裡的人不斷奔跑，她也在創意路上持續前行，讓設計隨著時代與生命一起活著。

➣本文選自La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》，更多精彩內容請點此

森本千絵的創意原點，得回溯到青森縣三澤市的祖父母家。她喜歡在祖父的西服店裡，感受布料的觸感和纖維中細微的色彩變化，或撿起學習花道的祖母和母親掉落的花朵和枝莖玩耍。家門前有片遼闊草原，每當她找到瓢蟲，就會把牠們放進祖父的帽子或祖母的花瓶。森本千絵回憶，由於喜歡一個人沉浸在幻想世界，到東京上小學時，一度對同儕關係感到壓力。但她總會在課本上塗鴉，放學時也常繞路，還曾被在陽光下閃閃發亮、堆積如山的鐵絲吸引，飛撲進去弄得滿身是血。

後來因參加教會主日學，神父交給森本千絵為孩子創作紙芝居的任務，讓她第一次感受到，「透過繪畫去表達事情並不害羞，反而相當自在。」在小學高年級時，她開始因為筆記整理得清楚易懂而受到稱讚，進而擔綱校刊編輯、會議記錄等職務。她也為朋友畫肖像、製作生日卡片，大家開心的樣子，讓她越來越樂在其中。她說，「願意為了某個人花心思親手製作的心情，都是因為家人的愛，以及從小透過身體接觸到的大自然，所帶來的影響。」

創意是描繪從未見過的世界

國中便立志從事廣告的森本千絵，進入武藏野美術大學後，隨即大量研究海外廣告作品，並快速熟捻Mac電腦操作，以數位形式創作了大量平面藝術作品。之後她獲教授推薦進入博報堂實習，當自信之作展示在前輩們眼前時，卻得到「全都只是曾經在哪裡看過、無法打動人心的無趣作品」的批評。這才打醒了她，「原來我所描繪的，都只是自己曾經看過的世界。從那之後，我開始有意識地思考，如何提出讓人驚訝、想立刻告訴別人，如話題事件般的廣告創意。」

要想出未曾見過的創意，又要能把僅存於心中的想法傳遞給合作夥伴，森本千絵摸索出的方法是「畫」。她說，自己大學時相當擅長Photoshop影像合成，能做出接近成品的模擬圖。當她第一次與攝影家瀧本幹也合作時，對方卻向她說：「一旦看過合成的畫面，思考就會被牽著走。」森本千絵反思後也相當認同，「如果用太接近成品的形式去提案，就會不自覺地朝那個方向前進。但我腦中浮現的景色，是某種從未看過、更加美好的東西。」

她將自己的畫，比喻為團隊的地圖、旅行手冊或情書，要讓大家對「目的地」感到興奮與期待。例如由菅田將暉和小松菜奈演繹的niko and ...系列廣告，森本千絵先在大上畫紙上邊作畫邊思考，並把圖畫像繪本般裝訂成冊，再發給攝影師等每一位夥伴。她說，每一張畫最後都會變成影像裡的一顆鏡頭，「正因為是畫，才能激發大家的想像力。」

除了親手繪畫，森本千絵針對每一個專案，幾乎都會採集從案子浮現出的音樂，並製作成播放清單。她會聽著這些音樂散步或開車，讓樂音與景色、人的身影、氣味、風與光共鳴，「這些感受時而耀眼時而哀傷，同時帶著強烈力量，不斷推動著我前進。」她說，宇宙物理學家佐治晴夫曾告訴她：「比起眼睛，耳朵接收的資訊量遠遠更多，也更接近真實。」從小學鋼琴、在教會聖歌隊唱歌的她，一直都很喜歡音樂。每當自己在唱歌或聽音樂時，腦海中總會浮現出許多更自由的畫面。

首次擔綱藝術總監：與Mr.Children的初相遇

在森本千絵的職涯中，樂團Mr.Children無疑是相當重要的存在。她首次擔任藝術總監，就是2001年、Mr.Children出道10週年的精選輯廣告。她策劃了「水滴」和「防波堤」兩檔廣告，並邀請瀧本幹也拍攝。森本千絵說明，因為當時正值Mr.Children結束休團、重新復出，於是想到讓報紙沾到水滴、若隱若現透出資訊的意象。為了呈現在家中翻閱報紙時，真的滴到水的自然感，他們實際製作並印刷出整份報紙，實驗後發現，若使用一般的水會看起來像污漬，因此加入了甘油，再用注射器謹慎滴下液體。

而「防波堤」則拍攝於沖繩，由一對大學生姊姊與國中妹妹，以食指沾顏料在防波堤畫上Mr.Children的歌詞，最後包括森本千絵與瀧本幹也，連附近居民都加入作畫，到了晚上還開著車燈繼續。隔天早晨，再以4×5相機在沒有白雲的藍天下，拍下這幅「與音樂一起活著」的畫面。

跨越類比、數位、AI藝術的界線

2026年Mr.Children發行新專輯《產聲》，森本千絵說，第一次聽到歌時，感受到各個時代、各種人生片段彼此交疊融合，甚至有股想奔跑起來的衝動。「於是我開始思考，能否創作出一張持續轉動、持續活著的封面。我不想把音樂封存在一張固定的圖像裡。」

她說，專輯同名歌曲〈產聲〉傳達了「今天仍然活著，這件事本身就具有意義」的訊息，她便以這首歌為基礎，用手機剪輯了一段從死通往生的影像，每個看似微不足道的瞬間，如跑馬燈般接連浮現。森本千絵認為，人生便是由這一個個瞬間的點組成，「這些點並非從出生開始，或許人是在逐漸死去的過程中，才再一次誕生。」於是她將這些點命名為「產聲點」，逐步推進企劃。

過程中森本千絵意識到，需要涵納大量的人生片段、季節感與時間，如果單憑一個人的視角來呈現，終究只是「某個人」的故事，因此她邀請了12位攝影師加入共創。不僅拍攝剛出生數週的新生兒，也獲得導演山田洋次的《家族真命苦2》授權，使用了片中靈車行駛的畫面。森本千絵每天透過攝影師的眼睛感受世界，同時著手設計專輯封面如曼荼羅般的排版，又不斷打掉重練，如此持續了兩個月。

在龐大的影像素材中，她始終覺得對生死觀的描繪有些不足。她偶然在社群看到了AI藝術家川田十夢的作品，其中一支描繪少女無論身處宇宙、大海或校園，都持續騎著自行車奔馳的影像，令她深受感動。懷著「答案的線索或許就在這裡」的念頭，森本千絵立刻聯繫川田十夢，表示希望能向對方學習，並得到「比起教導，或許更適合一起創作些什麼」的回覆，便邀請他加入共創。

她說，「這次的企劃，正是要拆除類比、數位、AI之間的界線，透過所有可能的方法，去描繪並連結生死觀與幸福感，讓作品更真實地觸及活在當下這件事。」川田十夢將實拍的奶嘴化為「奶嘴火箭」飛向下一段生命、創造出難以明辨生死的黑白海岸與男人⋯⋯，在這些影像的牽引下，森本千絵於交稿前幾天又再次將MV重新剪輯，完成了最終版本。

AI才有的創意　人手才有的記憶

當AI正大幅改變創作生態，許多創作者開始有意識地想與AI區隔，但〈產聲〉MV卻讓底片攝影、逐格動畫、AI藝術在影像裡共存，如同嬰兒來到世界般，純粹地探索從未見過的景色。「我並不否定AI，對於『只有AI才能做出來的創意』也很感興趣。我不喜歡在沒有深入理解、沒有親身經歷前，就先行否定任何事物。」森本千絵說，透過這次合作，她才得以理解AI的擅長與不擅長之處，以及未來想挑戰的方向。

她認為，AI在素描能力上仍無法超越人類，比起在電腦上繪製的線條，經過鍛鍊的人手畫出的線條更為美麗。「但要表現『時間』與『相遇』這類題材時，我認為AI非常有趣。」她解釋，以時間來說，AI能讓已經過世的親人，從照片直接走向此刻，這並非透過演員演出，而是讓「本人」實際活在某段時空中；至於相遇，像是動物與人類並肩走在車站，AI能以更富真實感與趣味性的手法實現。而日本美學中的「間」，森本千絵說，這部分過去多半由人類的想像來補足，其曖昧與留白也正是迷人之處。「但 AI能將『間』具體生成出來，從中能感受到屬於AI自身的想像力，這點非常耐人尋味。」

至今近30年的職涯中，森本千絵曾運用CG，也做過偶動畫、逐格動畫等類比創作，從一鏡到底、紀錄片到實物投影動畫等，她幾乎挑戰過各種手法。「創作方法本來就應該根據『想描繪』與『必須描繪』的內容自由選擇，若以時代區分，反而是一種不自由。」但她設想，若世界全由AI構成，溫度、誤差、碰撞甚至原創，似乎也都消失了。

她表示，過去只要做錯事，就會有人出來斥責；現在無論責備或說出自己認為正確的事，都可能被視為騷擾。在這個「小心翼翼測量彼此距離的時代」，她認為現在「已經不太會有那種不顧一切向前衝、在碰壁後崩潰，再重新站起來的戲劇性經驗了。失敗如今被視為一件麻煩的事。」但她回首過往，映現的都是低潮的波瀾萬丈，這些記憶都被身體好好記著，成為持續前進的動力。

對森本千絵來說，「那些親手創作留下的痕跡，也寄宿著記憶。當我們接觸到由某個人親手創造出的事物時，其實也是在觸碰那個人的記憶與故事。能夠去想像、感受一個人的內心深處，本身就是一種幸福。」親身接觸、誠實感受，再親手創造，設計也在這樣的迴圈中，與每個階段的自己一起活著。

森本千絵
出生於日本青森縣三澤市。武藏野美術大學畢業後，於1999年展開廣告職涯。2007年，以「發現相遇，將夢想化為形體，連繫人與人」為理念，成立工作室goen°。創作領域橫跨廣告、商品開發、裝幀與書籍設計、空間策劃、地方再生計畫、教育設計等。曾於海內外獲得多項大獎，亦擔任各類設計獎項評審。懷著貼近生命的設計理念，相信設計的力量能為人帶來幸福，持續向前邁進。

_{文｜張以潔　圖片提供｜goen°}

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》

規劃一個家，多數人先想到的是格局、家具、燈光與家電，願意花費不少預算打造理想廚房和衛浴，卻往往忽略，每天從水管流出的水，才是與身體、設備乃至空間質感接觸最頻繁的存在。

居住品質不只取決於看得見的設計，水質也藏在每天洗澡、清潔與維護空間的細節裡。對長年往返台北、日本與新竹的設計師吳東龍來說，水質差異不是抽象的檢測數字，還是洗澡時皮膚的觸感、洗完頭髮後的乾澀，以及浴室玻璃上反覆出現的白色水垢。

身為新竹人的他，多次往返日本，並曾在2007年於當地生活半年。回台後，城市之間的水質落差突然變得清晰。「從日本回來，就會覺得新竹的水，洗頭、洗澡時有一種澀澀的感覺。台北沒有那麼明顯，才發現新竹的水質真的差很多。」這份長年累積的用水困擾，也讓他重新思考，是否也該關注看不見卻影響日常的水質？

一只日本熱水瓶，讓他看見硬水隱藏的成本

吳東龍曾從日本帶回熱水瓶，依照在日本的使用習慣直接裝水加熱，沒想到使用一段時間後，容器內部很快堆積水垢，最後甚至損壞。原來硬水中的鈣、鎂離子，會在水被加熱或蒸發後形成肉眼可見的礦物沉積。它不只附著在熱水瓶，也容易累積於龍頭、蓮蓬頭、玻璃、磁磚及與熱水接觸的設備。對一般家庭而言，最直接影響未必是立即性的故障，卻是長年增加的清潔頻率與設備維護負擔。

身為設計師，吳東龍對這些痕跡尤其敏感。浴室裡的透明玻璃、石材與磁磚，本來是構成空間質感的重要元素，一旦布滿水垢，再昂貴的材質也會失去原有的通透與細緻。「水垢真的是很煩人的東西，我會花很多時間研究要怎麼清、要用什麼工具。浴室的石材、磁磚、玻璃都會有水垢，尤其透明玻璃最明顯。」他認為，反覆除垢不只是清潔問題，更是一筆容易被忽略的「時間成本」。

淨水只處理一個出水口，軟水處理的是整戶生活

一般人談到居家用水，最先想到的通常是廚房淨水器。但淨水器多半集中處理飲用水，無法回應洗臉、洗澡、洗衣及清潔等全屋需求。吳東龍很早便察覺這個落差。「飲用水可以用濾水器，但洗手、洗澡、洗臉，不可能都用同一台濾水器的水。難道洗完一次澡，就要換一支濾芯嗎？」

這也是全戶式軟水機與櫥下淨水器最大的差異。軟水機設置於住宅主要進水端，處理的不是單一杯飲用水，是進入家中各用水空間的生活用水。透過降低容易形成水垢的鈣、鎂離子，讓浴室、洗衣、清潔及熱水設備，都能使用經過軟化的水。

對吳東龍來說，軟水最重要的價值，是它直接介入每天無法省略的生活程序。

「你不一定每天做菜，但一定每天洗澡、洗臉、洗頭。水直接接觸皮膚，而且可能殘留在身上，所以水的舒適度和滑順感很重要。」

從皮膚觸感到家務時間，軟水降低居住的摩擦力

實際裝設 3M VST150 全戶式軟水機後，吳東龍最先察覺的，是沐浴時的水感變得滑順。過去新竹用水帶來的粗澀感明顯降低，甚至讓他覺得，軟化後的水質比台北住家用水感受比台北住家更加柔和細緻。這種觸感上的差異，並不只停留在洗澡當下。相較於過去洗完後容易感到乾澀，軟水沖洗肌膚與頭髮時，感受更柔和，也讓他重新理解，水質其實是每天都能被身體辨認的居住條件。 

另一個更具體的改變，則出現在空間清潔上。過去最令他困擾的浴室水槽與乾濕分離隔間玻璃，經常在水分蒸發後留下白色水痕，需要反覆使用清潔工具處理。改用軟水後，水槽和玻璃維持得更加乾淨，水垢明顯減少。

吳東龍近年頻繁造訪京都，對當地水質留下深刻印象。京都的飲食文化高度依賴水，從湯料理、咖啡到酒吧調飲，讓水成為風味的一部分。他觀察，即使日本咖啡品牌將相同的豆子帶來台灣，也很難完全複製原店風味，關鍵變因之一正是水。「京都很重視湯料理，湯就會用到水。就會想，這種好的水質，在新竹有可能嗎？」

同樣的邏輯回到居家生活，水質也會影響洗劑起泡、沖洗後的觸感及表面殘留情形。對重視空間整潔的人來說，軟水機的價值不只是改變水的硬度，更在於降低人與住宅之間日復一日的摩擦。除了洗澡、洗臉與洗頭，水也深入更多生活細節。吳東龍依照醫生建議養成洗鼻習慣，因為水會直接進入鼻腔，他也更加重視使用水的品質。「這會回到身體裡面，所以水質很重要。」

真正的高級，是讓日常少一點麻煩

除了水質功能，3M VST150 全戶式軟水機的機體設計，也是吳東龍關注的重點。在他的設計觀裡，近年的家電正從刻意彰顯造型，走向更安靜的存在。「家電會愈做愈簡單，變成環境裡漂亮的背景或風景，不要破壞整個空間視覺的和諧性。」在他看來，產品外型是否搶眼已非唯一標準，真正重要的是功能、細節，以及長期使用時是否便利。

吳東龍形容 VST150 的圓潤輪廓與白色機身，比起工業設備，更接近一般家電，甚至像一座微型建築，其設計更獲得 2026 iF 設計獎。相對精簡的體積，也提高配置彈性，對陽台、設備空間有限的都市住宅尤其重要。他第一眼看見機器時，聯想到一個圓潤、輕巧的機器人；較小的體積，讓它不像傳統設備般生硬，也不必為了安置機器，大幅犧牲原有空間。 

他如此定義理想的居家設備：「是一個重要的存在，卻不干擾生活。你不一定每天看著它，但每天都會使用到它。」好的設計，未必是為住宅增加更多醒目的物件。有時候，它只是讓水感更舒服、玻璃少一點水垢、清潔少花一點時間。當這些生活裡的細小阻力被逐一移除，居住品質才真正從表面的漂亮，深入日常的底層。

文字｜Iain、攝影｜劉信佑

第37屆金曲獎頒獎典禮於本月27日登場，不同於過往的金色與暖色調，本屆主視覺以深藍色為基底，透過花苞、花蕊與綻放的姿態，描繪音樂創作從醞釀到誕生的歷程。作為主視覺操刀團隊StudioPros的創辦人暨設計總監，李宜軒並不追求鮮明的個人風格，而是在理性與感性之間，逐步發展出一套有脈絡的設計思維。

➣本文選自La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》，更多精彩內容請點此

今年金曲獎主視覺中，一朵緩緩盛開的花，象徵著音樂創作從醞釀、生成到綻放的過程。而對李宜軒來說，設計或許也是如此。談起自己的設計歷程，她笑說自己大學時其實對設計產業並沒有太多浪漫想像。當身邊許多人仍在摸索未來方向時，她已經開始大量接案，試圖提早理解市場需求，也累積自己的作品集。後來進入了國立陽明交通大學應用藝術研究所，讓她逐漸跳脫傳統商業設計的框架，思考平面設計是否還有更多可能性。「那時候突然發現，大家都讀了4年大學，為什麼能力差距這麼大？」在這樣的刺激下，她開始學寫程式、做網頁，也開始創作海報，不斷摸索自己擅長的風格和專案類型。

研究所期間，李宜軒加入當時已是業界指標的設計公司Bito。那是她第一次真正理解國際級設計專案的運作方式，也看見設計產業光鮮作品背後龐大的研究、提案與溝通過程，然而同時，她也開始思考一個從接案時期就一直困擾著她的問題：為什麼設計師投入大量時間研究與創作，客戶卻未必能理解其價值？「是不是我們其實不夠了解客戶真正想要什麼？」帶著這樣的疑問，她轉而進入IBM擔任設計顧問，開始接觸UI/UX領域。

相較於常常「一張圖定生死」的平面設計，介面設計更強調使用者研究、數據分析與邏輯推演，大至新功能的開發，小至每一個按鈕的位置與操作流程，都需要明確的原因與數據支撐。這讓她逐漸意識到，設計若想被理解、被接受，尤其是在商業環境中，就必須建立在清晰的脈絡之上。「很多企業主其實不懂設計，但懂商業，他們在意的是轉換率、營收、消費者喜不喜歡、競品有沒有這個功能。」於是，她成立StudioPros與The Rebranding Lab，嘗試將UX研究的方法帶入品牌設計之中，並慢慢發展出一套介於理性與感性之間的工作方法。

設計，始於理解

「品牌重塑最重要的事情，其實不是設計，而是先把問題找出來，並且排序。」李宜軒解釋，一個品牌決定重塑時，往往早已面臨許多問題：可能是識別系統難以延伸、內部使用效率不佳，或是品牌定位逐漸模糊。因此在進入設計階段前，她往往會花費大量時間與客戶討論、訪談與研究，希望建立一套所有人都認同的目標與判斷標準。以《報導者》的合作為例，由於組織扁平、內部參與決策的人數眾多，因此團隊花了大量時間整理不同角色的需求與痛點。例如設計素材難以管理、社群貼文製作耗時，或版本檔案容易混亂等問題，都被納入品牌重塑的討論之中。「你會發現，真正重要的問題其實都和視覺美感無關，而是和易用性、系統性有關。」

李宜軒坦言，她不覺得自己有什麼特別鮮明的設計風格，也不會刻意追求流行，畢竟不同產業、不同客戶面對的問題各不相同，很難只靠單一風格回應所有需求。她更在意的是如何建立一套有脈絡的設計思維。「例如在品牌設計的討論中，我們談的通常不是好不好看，而是這個顏色能解決什麼問題、傳達什麼感受。像紅色可能比較熱情，那品牌真的需要熱情嗎？」

這樣的思考方式，也反映在李宜軒面對reference的態度上。在她看來，若只是想追求某種特定風格，或單純從reference去延伸自己的畫面，其實很難完全避免做出類似的設計。因此比起從畫面出發，更重要的還是回到品牌本身的需求與定位。「當品牌的故事與需求足夠清楚之後，設計就不需要一直從圖像反推品牌，而是能從品牌本身推導出新的圖像。」

一個成功的主視覺是？

繼在Bito時期以設計師身分參與金曲28典禮動態設計，時隔9年，如今李宜軒帶領StudioPros團隊操刀金曲37主視覺。不同於過往金曲獎常見的金色與暖色調，今年主視覺選擇以深藍色作為主色。李宜軒分享，當時主辦方希望跳脫大家對金曲獎的既有印象，因此團隊僅保留部分金色作為點綴，讓它像音樂中的亮點一般，隱藏在花蕊與細節之中。而花朵柔軟而流動的意象，則源自本屆核心命題「虛與實」，並恰好呼應音樂創作從醞釀、生成到綻放的過程。特別的是，許多主視覺通常是在定稿後，才交由動態團隊延伸，但這次StudioPros與動態團隊曜星三一從概念發想階段便同步合作，並提前思考未來在舞台、影像與各式動態片頭上的延伸可能，也讓整體視覺語言更具一致性。

對李宜軒而言，一個成功的主視覺要能夠隨著不同載體持續延伸與轉譯。以2023年新一代設計展主視覺為例，當時團隊從展覽主題「原點」出發，以座標與格狀結構發展出一系列幾何元素，並進一步思考如何串聯線上與線下體驗。除了社群與平面視覺外，也將海報、大型看板與識別證結合AR技術，讓觀眾透過手機掃描後，看見主視覺轉化為立體的3D物件。「現在大家的東西都做得很吸睛，所以設計還是要有亮點。」她笑著說，一方面是讓提案更有說服力，另一方面，也真的希望這些創作型專案能成為值得被記住的作品。

近幾年，StudioPros除了持續投入品牌設計，也陸續參與台北電影節、金曲獎等大型公共專案。李宜軒說，這樣的狀態其實正好回應了自己創業以來的理想工作方式。品牌設計重視邏輯與問題解決，視覺設計則保有更多創作自由，在理性與感性間來回切換，也讓她能持續保持對設計的熱情。比起找到一套固定的風格，設計之於李宜軒，似乎也如那從醞釀到綻放的過程，每一次都從不同的提問出發，緩緩長出新的可能。

李宜軒
StudioPros創辦人暨設計總監，曾任職於IBM Consulting團隊。擅長以使用者體驗與研究為起點，深入品牌背景與核心價值，提出具策略性的品牌設計解決方案。長期協助企業與公共組織釐清品牌定位、重塑溝通方式，透過設計打造兼具溫度與辨識度的品牌識別系統。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜StudioPros}